L’art moderne comprend des œuvres artistiques produites au cours de la période s’étendant à peu près des années 1860 aux années 1970, et dénote les styles et la philosophie de l’art produit à cette époque. Le terme est généralement associé à l’art dans lequel les traditions du passé ont été mises de côté dans un esprit d’expérimentation. Les artistes modernes ont expérimenté de nouvelles façons de voir et de nouvelles idées sur la nature des matériaux et des fonctions de l’art. Une tendance à s’éloigner du récit, caractéristique des arts traditionnels, vers l’abstraction est caractéristique de beaucoup d’art moderne. La production artistique plus récente est souvent appelée art contemporain ou art postmoderne.

L’art moderne commence par l’héritage de peintres comme Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec, tous indispensables au développement de l’art moderne. Au début du XXe siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes dont les pré-cubistes Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger et Maurice de Vlaminck révolutionnent le monde de l’art parisien avec des paysages «sauvages», multicolores et expressifs et figure des peintures que les critiques ont appelées Fauvism. Les deux versions de La Danse de Matisse signifient un point clé dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Elle reflète la fascination naissante de Matisse pour l’art primitif: l’intense couleur chaude des silhouettes sur le fond bleu-vert et la succession rythmique des nus dansants traduisent les sentiments de libération émotionnelle et d’hédonisme.

Initialement influencé par Toulouse-Lautrec, Gauguin et d’autres innovateurs de la fin du 19ème siècle, Pablo Picasso a fait ses premières peintures cubistes basées sur l’idée de Cézanne que toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube, sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso a dramatiquement créé une nouvelle image radicale représentant une scène de bordel cru et primitif avec cinq prostituées, des femmes violemment peintes, qui rappellent les masques tribaux africains et ses propres nouvelles inventions cubistes. Le cubisme analytique fut développé conjointement par Picasso et Georges Braque, illustré par le violon et le bougeoir de Paris, de 1908 à 1912 environ. Le cubisme analytique, première manifestation claire du cubisme, fut suivi par le cubisme synthétique, pratiqué par Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp et plusieurs autres artistes dans les années 1920. Le cubisme synthétique est caractérisé par l’introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété de sujets fusionnés.

La notion d’art moderne est étroitement liée au modernisme.

Histoire de l’art moderne

Racines au 19ème siècle
Bien que la sculpture et l’architecture modernes soient supposées avoir vu le jour à la fin du 19ème siècle, les débuts de la peinture moderne peuvent être localisés plus tôt. La date peut-être la plus communément identifiée comme marquant la naissance de l’art moderne est 1863, l’année où Édouard Manet a montré sa peinture Le déjeuner sur l’herbe au Salon des Refusés à Paris. Des dates plus anciennes ont également été proposées, parmi lesquelles 1855 (l’année où Gustave Courbet expose The Artist’s Studio) et 1784 (l’année où Jacques-Louis David complète son tableau Le Serment des Horaces). Selon l’historien de l’art H. Harvard Arnason: «Chacune de ces dates a une signification pour le développement de l’art moderne, mais aucune ne marque un début complètement nouveau … Une métamorphose progressive a eu lieu au cours d’une centaine d’années.  »

Les courants de pensée qui ont finalement conduit à l’art moderne remontent aux Lumières et même au XVIIe siècle. L’important critique d’art moderne Clément Greenberg, par exemple, a appelé Emmanuel Kant « le premier vrai moderniste » mais a aussi fait une distinction: « Les Lumières critiquées de l’extérieur … Le modernisme critique de l’intérieur. » La Révolution française de 1789 a déraciné des suppositions et des institutions qui avaient été acceptées pendant des siècles sans poser de questions et habitué le public à un vigoureux débat politique et social. Cela a donné naissance à ce que l’historien de l’art Ernst Gombrich a appelé une « conscience de soi qui a fait que les gens choisissent le style de leur bâtiment comme on choisit le motif d’un papier peint. »

Les pionniers de l’art moderne étaient des romantiques, des réalistes et des impressionnistes. À la fin du XIXe siècle, des mouvements supplémentaires influençant l’art moderne ont commencé à émerger: le post-impressionnisme et le symbolisme.

Les influences sur ces mouvements étaient variées: de l’exposition aux arts décoratifs orientaux, en particulier l’estampe japonaise, aux innovations coloristiques de Turner et Delacroix, à une recherche de plus de réalisme dans la représentation de la vie commune, comme dans le travail de peintres comme Jean -François Millet. Les partisans du réalisme s’opposaient à l’idéalisme de l’art académique lié à la tradition, qui bénéficiait de faveurs publiques et officielles. Les peintres les plus performants de la journée travaillaient soit à travers des commandes, soit à travers de grandes expositions publiques de leur propre travail. Il y avait des syndicats de peintres officiels, sponsorisés par le gouvernement, tandis que les gouvernements organisaient régulièrement des expositions publiques de nouveaux arts décoratifs et de beaux-arts.

Les impressionnistes ont soutenu que les gens ne voient pas les objets mais seulement la lumière qu’ils reflètent, et donc les peintres devraient peindre à la lumière naturelle (en plein air) plutôt qu’en studio et devraient capter les effets de la lumière dans leur travail. Les artistes impressionnistes ont formé un groupe, Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Association des Peintres, Sculpteurs et Graveurs») qui, malgré les tensions internes, a monté une série d’expositions indépendantes. Le style a été adopté par des artistes de différentes nations, de préférence à un style «national». Ces facteurs ont établi l’idée qu’il s’agissait d’un «mouvement». Ces traits – établissement d’une méthode de travail intégrale à l’art, établissement d’un mouvement ou noyau actif visible de soutien, et adoption internationale – seraient répétés par les mouvements artistiques de la période moderne de l’art.

Début du 20ème siècle
Parmi les mouvements qui ont fleuri dans la première décennie du 20ème siècle ont été le fauvisme, le cubisme, l’expressionnisme et le futurisme.

Au cours des années entre 1910 et la fin de la Première Guerre mondiale et après l’apogée du cubisme, plusieurs mouvements ont émergé à Paris. Giorgio de Chirico s’installe à Paris en juillet 1911, où il rejoint son frère Andrea (le poète et peintre connu sous le nom d’Alberto Savinio). Par l’intermédiaire de son frère, il rencontre Pierre Laprade, membre du jury du Salon d’Automne où il expose trois de ses œuvres oniriques: Enigma de l’Oracle, Enigme d’un après-midi et Autoportrait. En 1913, il exposa son travail au Salon des Indépendants et au Salon d’Automne, et son travail fut remarqué par Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire et plusieurs autres. Ses peintures fascinantes et mystérieuses sont considérées comme essentielles aux débuts du surréalisme. Song of Love (1914) est l’une des œuvres les plus célèbres de Chirico et est un exemple précoce du style surréaliste, bien qu’il ait été peint dix ans avant que le mouvement ne soit « fondé » par André Breton en 1924.

La Première Guerre mondiale mit fin à cette phase mais marqua le début d’un certain nombre de mouvements anti-art, tels que Dada, y compris le travail de Marcel Duchamp, et du surréalisme. Des groupes d’artistes comme de Stijl et Bauhaus ont développé de nouvelles idées sur l’interrelation entre les arts, l’architecture, le design et l’éducation artistique.

L’art moderne a été présenté aux États-Unis avec l’Armory Show en 1913 et par des artistes européens qui ont déménagé aux États-Unis pendant la Première Guerre mondiale.

Rejet
Le rejet de l’art moderne était très fort depuis que le concept a commencé à être inventé, non seulement dans les milieux sociaux et conservateurs que les artistes modernes cherchaient à diffuser, mais parmi les intellectuels qui prenaient leur analyse très au sérieux en Espagne par Eugenio d’Ors, auteur de la phrase lapidaire: Tout ce qui n’est pas la tradition, c’est le plagiat; ou José Ortega y Gasset, qui a intitulé l’une de ses œuvres: La déshumanisation de l’art.

Le communisme soviétique et le fascisme italien, qui depuis ses débuts et pendant les années 1920 étaient étroitement liés à l’avant-garde (Constructivisme, Futurisme), ont testé dès 1930 la nécessité de canaliser leur manipulation propagandiste dans le domaine de l’esthétique à travers un art beaucoup plus facilement digestible par les masses. Ils ont trouvé des solutions presque identiques dans ce qu’on appelait le réalisme socialiste ou l’art fasciste. Dans le cas du nazisme, il a identifié l’art moderne avec ce qu’il appelait l’art dégénéré des races démentielles et inférieures, par opposition aux valeurs d’une esthétique d’Aria ou d’un art aryen. Cependant, la persécution des juifs et l’occupation allemande de l’Europe pendant la Seconde Guerre mondiale ont favorisé le pillage plus ou moins déguisé de nombreux morceaux d’art moderne par les dirigeants nazis (qui ne l’ont pas détruit, mais qu’ils se sont approprié).

Simultanément, le capitalisme américain, d’autre part, a assumé l’art moderne avec un grand dynamisme, en l’impliquant dans le processus productif et en profitant de ses grandes possibilités pour le marché.

Impressionnisme et avant-garde
L ‘impressionnisme et le post – impressionnisme marquent et décident d’ expérimenter de nouveaux modes de représentation de la lumière et de l ‘espace à travers la couleur et l’ art de la peinture, et la vibration de la matière en sculpture (Rodin). Dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale, une explosion de créativité a eu lieu avec le Phovisme, le Cubisme, l’Expressionnisme et le Futurisme.

La Première Guerre mondiale entraîne la fin de cette phase, mais elle marque le début d’une série de mouvements anti-artistiques, tels que celui qui a été donné et l’œuvre de Marcel Duchamp et du surréalisme. Des groupes comme Stijl et Bauhaus ont également commencé à développer de nouvelles idées sur l’interrelation entre les arts, l’architecture, le design et l’éducation artistique.

États Unis
Le concept d’avant-garde de l’art moderne a été introduit aux États-Unis lors de l’Armory Show de 1913, et surtout avec l’arrivée d’artistes qui ont fui l’Europe à cause de la Première Guerre mondiale, comme Francis Picabia. Néanmoins, Paris a continué à être la capitale de l’art pendant toute la période de l’entre-deux-guerres, condition qui n’a pas atteint New York jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Dans les années cinquante, soixante et soixante-dix apparaissent pour la première fois dans l’histoire de l’art aux États-Unis (expressionnisme abstrait, op art, pop art, minimalisme, happening, Fluxus, land art, performance art, art conceptuel, photoréalisme, etc.)

La mort de l’art et la fin de la modernité
La théorie poststructuraliste a inventé le terme «postmoderne» pour décrire l’impossibilité de créer à partir des préceptes de l’originalité et de la nouveauté (propres éléments de la modernité); au lieu de cela, il pointe vers des éléments tels que les réinterprétations et les résignifications (le «tournant linguistique») 10 afin d’élargir le concept de l’art et de l’établir comme un acte communicatif.

La question de l’art en tant qu’institution était beaucoup plus ancienne. Telle était la position de Marcel Duchamp, illustrée dans son œuvre Fuente (1917), objet quotidien décontextualisé et exhibé de manière provocatrice comme une œuvre d’art (un urinoir renversé). La provocation esthétique, issue du damnisme, du dandysme et du décadentisme du XIXe siècle (que voulait épater le bourgeois – scandaliser les bourgeois), 11 est devenue un lieu commun dans l’entre-deux-guerres (dadaïsme et surréalisme), et s’est étendue le milieu du XXe siècle avec des happenings, le théâtre de l’absurde et d’autres provocations esthétiques de l’environnement culturel existentialiste, beatniks et plus tard psychedelia et pop art. L’impossibilité de continuer à maintenir une séparation fictive entre l’art et le reste des produits a été mise en évidence dans le travail d’artistes tels que Robert Rauschemberg et Andy Warhol, qui l’identifiaient explicitement avec les autres produits de consommation de masse; l’expression théorique s’est produite dans les écrits de Rosalind Krauss et de l’école poststructuraliste, ou de critiques tels que Giulio Carlo Argan (qui a inventé le concept de la mort de l’art).

À la fin du XXe siècle, dans le contexte intellectuel du «tournant linguistique» et du débat entre modernisme et postmodernisme, commence à se répandre le monde de l’art «postmoderne» (art postmoderne, architecture postmoderne, peinture postmoderne, sculpture postmoderne). La crise d’avant-garde a été proclamée, et même les genres ou arts traditionnels (peinture, sculpture) ont cessé d’être le principal vecteur d’expression artistique pour ceux qui recherchaient des moyens plus innovants, au profit d ‘«installations artistiques», d’ «interventions», multimédia « (art vidéo, art numérique, arts médiatiques, etc.)

Après la Seconde Guerre mondiale
Cependant, ce n’est qu’après la Seconde Guerre mondiale que les États-Unis sont devenus le point de mire de nouveaux mouvements artistiques. Les années 1950 et 1960 ont vu l’émergence de l’expressionnisme abstrait, de la peinture de couleur, du pop art, de l’art op, de la peinture hard edge, de l’art minimal, de l’abstraction lyrique, du fluxus, du happening, du photoréalisme et de divers autres mouvements. À la fin des années 1960 et dans les années 1970, Land art, Performance art, Art conceptuel et autres formes d’art nouveau ont attiré l’attention des conservateurs et des critiques, au détriment des médias plus traditionnels. De plus grandes installations et performances sont devenues répandues.

À la fin des années 1970, lorsque les critiques culturels commencèrent à parler de «la fin de la peinture» (le titre d’un essai provocateur écrit en 1981 par Douglas Crimp), l’art des nouveaux médias était devenu une catégorie à part entière. expérimenter des moyens technologiques tels que l’art vidéo. La peinture a pris une importance renouvelée dans les années 1980 et 1990, comme en témoigne la montée du néo-expressionnisme et la renaissance de la peinture figurative.

Vers la fin du 20ème siècle, un certain nombre d’artistes et d’architectes ont commencé à remettre en question l’idée du « moderne » et ont créé des œuvres typiquement postmodernes.

Les précédents
Les précédents des idées artistiques modernes peuvent déjà être vus dans le travail des grands maîtres baroques (Velázquez ou Rembrandt); d’auteurs de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècles plus ou moins proches du romantisme (Goya, David, Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); et des auteurs du milieu du dix-neuvième siècle plus ou moins proches du réalisme (Corot, Millet, Courbet, école de Barbizon, William Morris). Pour ces dates, la perception de l’artiste moderne comme un social mal compris, étranger aux institutions, commence à être habituelle; mais paradoxalement, il finit par créer sa propre institutionnalité alternative (Salon des Refusés, 1863 – seul des rejetés -). Crucial était le rôle d’intellectuels prestigieux qui ont agi en tant que critiques d’art, tels que Rimbaud.

Mouvements artistiques et groupes d’artistes

19ème siècle
Le romantisme et le mouvement romantique – Francisco de Goya, JMW Turner, Eugène Delacroix
Réalisme – Gustave Courbet, Camille Corot, Jean-François Millet, Rosa Bonheur
Préraphaélites – William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti
Macchiaioli – Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini
Impressionnisme – Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Edgar Degas, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley
Post-impressionnisme – Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri Rousseau, Henri Rousseau, Henri-Guillaume Martin, Albert Lebourg, Robert Antoine Pinchon
Pointillisme – Georges Seurat, Paul Signac, Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross
Divisionnisme – Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Pellizza da Volpedo
Symbolisme – Gustave Moreau, Odilon Redon, Edvard Munch, James Whistler, James Ensor
Les Nabis – Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, Maurice Denis, Paul Serusier
Art nouveau et variantes – Jugendstil, Sécession, Modernisme, Modernisme – Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Gustav Klimt,
Architecture et design Art Nouveau – Otto Wagner, Otto Wagner, Wiener Werkstätte, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Koloman Moser
Les premiers sculpteurs modernistes – Aristide Maillol, Auguste Rodin

Début du 20e siècle (avant la Première Guerre mondiale)
Art abstrait – Francis Picabia, Wassily Kandinsky, František Kupka, Robert Delaunay, Léopold Survage, Piet Mondrian
Fauvisme – André Derain, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, Georges Braque, Kees van Dongen
Expressionnisme et apparentés – Die Brücke, Der Blaue Reiter – Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Axel Törneman, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein
Cubisme – Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Francis Picabia, Juan Gris
Futurisme – Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov
Orphisme – Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka
Suprématisme – Kazimir Malevitch, Alexander Rodchenko, El Lissitzky
Synchromisme – Stanton MacDonald-Wright, Morgan Russell
Vorticisme – Wyndham Lewis
Sculpture – Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexandre Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Ossip Zadkine, Henri Laurens, Elie Nadelman, Chaim Gross, Chana Orloff, Jacob Epstein, Gustave Miklos
Photographie – Pictorialisme, Photographie droite

Première Guerre mondiale à la Seconde Guerre mondiale
Dada – Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters
Surréalisme – Marc Chagall, René Magritte, Jean Arp, Salvador Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, André Masson, Joan Miró
Pittura Metafisica – Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi
De Stijl – Théo van Doesburg, Piet Mondrian
Nouvelle Objectivité – Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz
Peinture figurative – Henri Matisse, Pierre Bonnard
Modernisme américain – Stuart Davis, Arthur G. Dove, Marsden Hartley et Georgia O’Keeffe
Constructivisme – Naum Gabo, Gustav Klutsis, László Moholy-Nagy, El Lissitzky, Kasimir Malévitch, Vadim Meller, Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin
Bauhaus – Wassily Kandinsky, Paul Klee, Josef Albers
Les coloristes écossais – Francis Cadell, Samuel Peploe, Leslie Hunter, John Duncan Fergusson
Réalisme social – Grant Wood, Walker Evans, Diego Rivera
Précisionnisme – Charles Sheeler, Charles Demuth
Sculpture – Alexander Calder, Alberto Giacometti, Gaston Lachaise, Henry Moore, Pablo Picasso, Julio Gonzalez

Après la Seconde Guerre mondiale
Figuratifs – Bernard Buffet, Jean Carzou, Maurice Boitel, Daniel du Janerand, Claude-Max Lochu
Sculpture – Henry Moore, David Smith, Tony Smith, Alexandre Calder, Isamu Noguchi, Alberto Giacometti, Sir Anthony Caro, Jean Dubuffet, Isaac Witkin, René Iché, Marino Marini, Louise Nevelson, Albert Vrana
Expressionnisme abstrait – Willem de Kooning, Jackson Pollock, Arshile Gorky, Hans Hofmann, Franz Kline, Robert Motherwell, Clyfford Still, Lee Krasner, Joan Mitchell
Artistes américains abstraits – Ilya Bolotowsky, Ibram Lassaw, Ad Reinhardt, Josef Albers, Burgoyne Diller
Art Brut – Adolf Wölfli, Août Natterer, Ferdinand Cheval, Madge Gill, Paul Salvator Goldengreen
Arte Povera – Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Mario Merz, Piero Manzoni, Alighiero Boetti
Peinture sur le terrain – Barnett Newman, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Sam Francis, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski et Helen Frankenthaler
Tachisme – Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Hans Hartung, Ludwig Merwart
COBRA – Pierre Alechinsky, Karel Appel, Asger Jorn
De-collage – Wolf Vostell, Mimmo Rotella
Néo-Dada – Robert Rauschenberg, Jasper Johns, John Chamberlain, Joseph Beuys, Lee Bontecou, ​​Edward Kienholz
Expressionnisme figuratif – Larry Rivers, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Robert De Niro, Sr., Lester Johnson, George McNeil, Earle M. Pilgrim, Jan Müller, Robert Beauchamp, Bob Thompson
Fluxus – George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Daniel Spoerri, Dieter Roth, Carolee Schneeman, Alison Knowles, Charlotte Moorman, Dick Higgins
Happening – Allan Kaprow, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Robert Whitman, Yoko Ono
Dau-al-Set – fondée à Barcelone par le poète / artiste Joan Brossa, – Antoni Tàpies
Grupo El Paso – fondé à Madrid par les artistes Antonio Saura, Pablo Serrano
Abstraction géométrique – Wassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Nadir Afonso, Manlio Rho, Mario Radice, Mino Argento
Peinture à bord dur – John McLaughlin, Kelly Ellsworth, Frank Stella, Al Held, Ronald Davis
Art cinétique – George Rickey, Getulio Alviani
Land art – Christo, Richard Long, Robert Smithson, Michael Heizer
Les Automatistes – Claude Gauvreau, Jean-Paul Riopelle, Pierre Gauvreau, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Marcelle Ferron
Art minimal – Sol LeWitt, Donald Judd, Dan Flavin, Richard Serra, Agnes Martin
Postminimalisme – Eva Hesse, Bruce Nauman et Lynda Benglis
Abstraction lyrique – Ronnie Landfield, Sam Gilliam, Larry Zox, Dan Christensen, Natvar Bhavsar, Larry Poons
Art néo-figuratif – Fernando Botero, Antonio Berni
Néo-expressionnisme – Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Jean-Michel Basquiat
Transavanguardia – Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, Enzo Cucchi
Figuration libre – Hervé Di Rosa, François Boisrond, Robert Combas
Nouveau réalisme – Yves Klein, Pierre Restany, Arman
Op art – Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Jeffrey Steele
Art brutal – Howard Finster, grand-mère Moses, Bob Justin
Photoréalisme – Audrey Flack, Chuck Close, Duane Hanson, Richard Estes, Malcolm Morley
Pop art – Richard Hamilton, Robert Indiana, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Ed Ruscha, David Hockney
Peinture figurative européenne d’après-guerre – Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Gerhard Richter
Nouvelle peinture européenne – Luc Tuymans, Marlene Dumas, Neo Rauch, Bracha Ettinger, Michaël Borremans, Chris Ofili
Toile en forme – Frank Stella, Kenneth Noland, Ron Davis, Robert Mangold.
Art soviétique – Aleksandr Deyneka, Aleksandr Gerasimov, Ilya Kabakov, Komar et Mélamid, Alexandr Zhdanov, Leonid Sokov
Spatialisme – Lucio Fontana
Art vidéo – Nam June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Bill Viola
Art visionnaire – Ernst Fuchs, Paul Laffoley, Michael Bowen

Importantes expositions d’art moderne et musées

Belgique
SMAK, Gand

Brésil
MASP, São Paulo, SP
MAM / SP, São Paulo, SP
MAM / RJ, Rio de Janeiro, RJ
MAM / BA, Salvador, Bahia

Colombie
MAMBO, Bogotá

Croatie
Galerie Ivan Meštrović, Split
Galerie moderne, Zagreb
Musée d’Art Contemporain, Zagreb

Equateur
Musée Antropologique et d’Art Contemporain, Guayaquil
La Capilla del Hombre, Quito

Finlande
EMMA, Espoo
Kiasma, Helsinki

France
Musée d’Art Moderne, Contemporain et Outsider de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq
Musée d’Orsay, Paris
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris
Musée National d’Art Moderne, Paris
Musée Picasso, Paris
Musée d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg
Musée d’art moderne de Troyes

Allemagne
documenta, Kassel (Allemagne), une exposition d’art moderne et contemporain organisée tous les 5 ans
Musée Ludwig, Cologne
Pinakothek der Moderne, Munich

Inde
Galerie nationale d’art moderne – New Delhi,
Galerie nationale d’art moderne – Mumbai,
Galerie nationale d’art moderne – Bangalore,

Iran
Musée d’Art Contemporain, Téhéran

Irlande
Hugh Lane Gallery, Dublin
Musée irlandais d’art moderne, Dublin

Italie
Palazzo delle Esposizioni
Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Biennale de Venise, Venise
Palazzo Pitti, Florence

Mexique
Museo de Arte Moderno, México DF

Pays-Bas
Musée Van Gogh, Amsterdam
Musée Stedelijk, Amsterdam

Norvège
Musée d’art moderne Astrup Fearnley, Oslo
Centre d’art Henie-Onstad, Oslo

Qatar
Mathaf: Musée arabe d’art moderne, Doha

Roumanie
Musée national d’art contemporain, Bucarest

Russie
Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg
Musée Pouchkine, Moscou
Galerie Tretyakov, Moscou

Serbie
Musée d’Art Contemporain, Belgrade

Espagne
Musée d’Art Contemporain de Barcelone, Barcelone
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid
Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid
Institut Valencià d’Art Moderne, Valence
Centre Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria

Suède
Moderna Museet, Stockholm

Taïwan
Musée d’Art Moderne d’Asie, Taichung
Royaume-Uni
Estorick Collection d’art moderne italien, Londres
Saatchi Gallery, Londres
Tate Britain, Londres
Tate Liverpool
Tate Modern, Londres
Tate St Ives

Etats-Unis
Galerie d’art Albright-Knox, Buffalo, New York
Institut d’art de Chicago, Chicago, Illinois
Musée Guggenheim, New York, New York et Venise, Italie; plus récemment à Berlin, en Allemagne, à Bilbao, en Espagne et à Las Vegas, au Nevada
High Museum, Atlanta, Géorgie
Musée d’art du comté de Los Angeles, Los Angeles, Californie
Musée d’art McNay, San Antonio, Texas
Menil Collection, Houston, Texas
Musée des Beaux-Arts, Boston, Massachusetts
Musée d’Art Moderne, New York, New York
Musée d’art moderne de San Francisco, San Francisco, Californie
Le Musée Baker, Naples, Floride
Walker Art Centre, Minneapolis, Minnesota
Musée Whitney d’art américain, New York, New York