La danse moderne en réaction aux formes classiques et probablement comme un besoin d’exprimer plus librement avec le corps. C’est un cours de danse qui cherche à exprimer, à travers le danseur, une idée, un sentiment, une émotion, comme le ballet classique, mais en mélangeant des mouvements corporels du XXe et du XXIe siècle.

Son origine remonte à la fin du 19ème siècle. Au début, une alternative à la technique stricte du ballet classique a été recherchée, les danseurs ont commencé à apparaître en train de danser pieds nus et de faire des sauts moins rigides que les traditionnels sur scène. Au fil du temps, des variantes apparaissent dans lesquelles la technique classique se distingue par son absence et même des mouvements d’autres techniques corporelles ont été introduits, comme le flamenco, les mouvements de danses tribales et même le yoga. Jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale, ce style de danse renouvelé s’appelait la danse moderne, mais son évolution à partir de la fin des années 1940 a conduit à la préférence d’utiliser l’expression par la suite de la danse contemporaine. De nos jours, les techniques modernes cèdent la place à un tourbillon de mélanges de styles, devenant même peu clair à quel style il ressemble ou quels modèles sont suivis.

Le chorégraphe prend habituellement des décisions créatives. Il choisit si la pièce aura un caractère abstrait ou narratif. Les danseurs sont sélectionnés en fonction de leurs compétences et de leur formation. La chorégraphie est déterminée en fonction de sa relation avec la musique ou les sons avec lesquels elle est dansée. Le rôle de la musique dans la danse contemporaine est différent de celui des autres genres car il peut servir de toile de fond à la pièce. Le chorégraphe supervise le choix des costumes et leur valeur esthétique pour la composition globale de la performance et aussi pour voir comment elle influence les mouvements des danseurs.

La danse moderne est souvent considérée comme un rejet ou une rébellion contre le ballet classique. Les facteurs socio-économiques et culturels ont également contribué à son développement. À la fin du XIXe siècle, des artistes de la danse tels qu’Isadora Duncan, Maud Allan et Loie Fuller ont été les pionniers de nouvelles formes et pratiques dans ce qu’on appelle maintenant la danse esthétique ou libre pour la performance. Ces danseurs ne tenaient pas compte du vocabulaire des mouvements strict du ballet, de l’ensemble particulier et limité des mouvements considérés comme propres au ballet, et cessaient de porter des corsets et des pointes à la recherche d’une plus grande liberté de mouvement.

La danse moderne peut parler d’un concept, proposer un environnement ou des mouvements présents afin de réaliser une certaine esthétique, elle n’a pas toujours à raconter une histoire. D’autre part, la danse classique se construit à travers des pas existants et toujours codifiés tandis que la danse contemporaine recherche l’innovation et la création de nouvelles formes de mouvement selon les besoins du chorégraphe ou de l’interprète. La danse classique cherche la préciosité, la structurée et la parfaite, la connexion avec l’éthéré, avec le céleste; il est plutôt lié au concept de l’apollinien. La danse moderne cherche la connexion avec le terrestre, avec l’humain et ses passions, la non-structure, la transgression; Il est lié au concept du dionysiaque.

Tout au long du XXe siècle, les préoccupations sociopolitiques, les grands événements historiques et le développement d’autres formes d’art ont contribué au développement continu de la danse moderniste aux États-Unis et en Allemagne. Dans les années 1960, de nouvelles idées sur la danse ont commencé à émerger, en réponse aux formes de danse antérieures et aux changements sociaux. Finalement, les artistes de danse postmoderne rejetteraient le formalisme de la danse moderne et incluraient des éléments tels que l’art de la performance, l’improvisation de contact, la technique de diffusion et l’improvisation.

La danse moderne américaine peut être divisée (grossièrement) en trois périodes ou époques. Au début de la période moderne (vers 1880-1923), caractérisée par le travail d’Isadora Duncan, de Loie Fuller, de Ruth St. Denis, de Ted Shawn et d’Eleanor King, la pratique artistique change radicalement, mais émergé. Dans la période du Centre moderne (vers 1923-1946), les chorégraphes Martha Graham, Doris Humphrey, Katherine Dunham, Charles Weidman et Lester Horton cherchèrent à développer des styles de mouvement et des vocabulaires typiquement américains et développèrent des systèmes de danse clairement définis et reconnaissables. À la fin de la période moderne (vers 1946-1957), José Limón, Pearl Primus, Merce Cunningham, Talley Beatty, Erick Hawkins, Anna Sokolow, Anna Halprin et Paul Taylor introduisirent un mouvement d’abstraction et d’avant-garde, ouvrant la voie à danse postmoderne.

La danse moderne a évolué avec chaque nouvelle génération d’artistes participants. Le contenu artistique s’est transformé et s’est déplacé d’un chorégraphe à l’autre, tout comme les styles et les techniques. Des artistes tels que Graham et Horton ont développé des techniques dans la période moderne centrale qui sont toujours enseignées dans le monde entier, et de nombreux autres types de danse moderne existent aujourd’hui.

Contexte
La danse moderne est souvent considérée comme un rejet ou une rébellion contre le ballet classique, bien que les historiens aient suggéré que les changements socio-économiques aux États-Unis et en Europe ont contribué à initier des changements dans le monde de la danse. En Amérique, l’industrialisation croissante, la montée d’une classe moyenne (qui avait plus de revenus disponibles et de temps libre) et le déclin des restrictions sociales victoriennes entraînèrent, entre autres changements, un nouvel intérêt pour la santé et la forme physique. « C’est dans cette atmosphère qu’une » nouvelle danse « émerge autant d’un rejet des structures sociales que d’une insatisfaction avec le ballet. » Pendant cette même période, «les champions de l’éducation physique ont aidé à préparer la voie à la danse moderne, et les exercices de gymnastique ont servi de point de départ technique pour les jeunes femmes qui désiraient danser». Les collèges féminins ont commencé à offrir des cours de «danse esthétique» à la fin des années 1880. Emil Rath, qui a longuement écrit sur cette forme d’art émergente à l’époque a déclaré,

« La musique et le mouvement corporel rythmique sont des jumelles d’art, puisqu’elles ont vu le jour simultanément … aujourd’hui, nous voyons dans le travail artistique d’Isadora Duncan, Maud Allan, et d’autres l’utilisation d’une forme de danse qui s’efforce de dépeindre mouvements que le maître de musique exprime dans ses compositions – danse interprétative.  »

Danse gratuite
1877: Isadora Duncan était un prédécesseur de la danse moderne avec son accent sur le centre ou le torse, les pieds nus, les cheveux lâches, les costumes fluides et l’incorporation de l’humour dans l’expression émotionnelle. Elle a été inspirée par les arts grecs classiques, les danses folkloriques, les danses sociales, la nature, les forces naturelles, et le nouvel athlétisme américain tel que le saut, la course, le saut, le saut et les mouvements brusques. Elle pensait que le ballet était une gymnastique laide et insignifiante. Bien qu’elle soit retournée aux États-Unis à divers moments de sa vie, son travail n’y a pas été très bien reçu. Elle rentre en Europe et meurt à Nice en 1927.

1891: Loie Fuller (une danseuse jupe burlesque) commence à expérimenter l’effet de l’éclairage au gaz sur ses costumes de soie. Fuller a développé une forme de mouvement naturel et des techniques d’improvisation qui ont été utilisées en conjonction avec son équipement d’éclairage révolutionnaire et ses costumes de soie translucides. Elle a breveté son appareil et ses méthodes d’éclairage scénique qui comprenaient l’utilisation de gels colorés et de produits chimiques brûlants pour la luminescence, et a également breveté ses volumineux costumes de scène en soie.

1905: Ruth St. Denis, influencée par l’actrice Sarah Bernhardt et la danseuse japonaise Sada Yacco, développe ses traductions de la culture et de la mythologie indienne. Ses performances sont rapidement devenues populaires et elle a beaucoup voyagé en faisant des recherches sur la culture et les arts orientaux.
Danse expressionniste et début moderne en Europe

En Europe, Mary Wigman, François Delsarte, Émile Jaques-Dalcroze (Eurhythmics) et Rudolf Laban ont développé des théories du mouvement et de l’expression humaines et des méthodes d’enseignement qui ont conduit au développement de la danse européenne moderne et expressionniste. Kurt Jooss (Ausdruckstanz) et Harald Kreutzberg sont d’autres pionniers.

Danse radicale
Perturbés par la Grande Dépression et la menace grandissante du fascisme en Europe, les danseurs radicaux essayèrent de sensibiliser les gens en dramatisant les crises économiques, sociales, ethniques et politiques de leur temps.

Hanya Holm, étudiante de Mary Wigman et instructrice à la Wigman School de Dresde, fonda en 1931 la Wigman School of Dance de New York (qui devint le Hanya Holm Studio en 1936) en introduisant la technique de Wigman, les théories de Laban sur la dynamique spatiale. propres techniques de danse à la danse moderne américaine. Chorégraphe accomplie, elle a été une des fondatrices du premier American Dance Festival à Bennington (1934). Le travail de danse de Holm Metropolitan Daily a été la première composition de danse moderne à être télévisée sur NBC et son score de banbanotation pour Kiss Me, Kate (1948) a été la première chorégraphie à être protégée aux États-Unis. Holm chorégraphie abondamment dans les domaines de la danse concert et du théâtre musical.

Anna Sokolow-Étudiante de Martha Graham et Louis Horst, Sokolow crée sa propre compagnie de danse (vers 1930). Présentant des images dramatiques contemporaines, les compositions de Sokolow étaient généralement abstraites, révélant souvent le spectre complet de l’expérience humaine reflétant la tension et l’aliénation du temps et de la vérité du mouvement humain.

José Limón-En 1946, après avoir étudié et joué avec Doris Humphrey et Charles Weidman, Limón fonda sa propre compagnie avec Humphrey en tant que directeur artistique. C’est sous son mentorat que Limón crée sa signature de danse, The Moor’s Pavane (1949). Les œuvres chorégraphiques et la technique de Limón restent une forte influence sur la pratique de la danse contemporaine.
Merce Cunningham – Ancien ballet et interprète avec Martha Graham, il présente son premier concert solo new-yorkais avec John Cage en 1944. Influencé par Cage et embrassant l’idéologie moderniste par des procédés postmodernes, Cunningham introduit les procédures de hasard et le mouvement pur à la chorégraphie et à la technique de Cunningham. au canon des techniques de danse du XXe siècle. Cunningham a jeté les bases de la danse postmoderne avec son œuvre abstraite non linéaire, non-culminante et non psychologique. Dans ces œuvres, chaque élément est en lui-même expressif, et l’observateur (en grande partie) détermine ce qu’il communique.

Erick Hawkins – un étudiant de George Balanchine, Hawkins est devenu un soliste et le premier danseur masculin dans la compagnie de danse de Martha Graham. En 1951, Hawkins, intéressé par le nouveau domaine de la kinésiologie, ouvre sa propre école et développe sa propre technique (technique Hawkins), précurseur de la plupart des techniques de danse somatique.

Paul Taylor – Un étudiant de la Juilliard School of Music et du Connecticut College School of Dance. En 1952, sa performance à l’American Dance Festival a attiré l’attention de plusieurs grands chorégraphes. Se produisant dans les compagnies de Merce Cunningham, Martha Graham et George Balanchine (dans cet ordre), il fonde la Paul Taylor Dance Company en 1954. L’usage des gestes quotidiens et l’idéologie moderniste sont caractéristiques de sa chorégraphie. Parmi les anciens membres de la Paul Taylor Dance Company figuraient Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner et Senta Driver.

Alwin Nikolais – Un étudiant de Hanya Holm. L’utilisation du multimédia par Nikolais dans des œuvres comme Masks, Props et Mobiles (1953), Totem (1960) et Count Down (1979) n’a pas été égalée par d’autres chorégraphes. Présentant souvent ses danseurs dans des espaces constrictifs et des costumes avec des sons et des décors compliqués, il concentra son attention sur les tâches physiques consistant à surmonter les obstacles qu’il mettait en travers de leur chemin. Nikolais considérait le danseur non comme un artiste de l’expression de soi, mais comme un talent capable d’étudier les propriétés de l’espace physique et du mouvement.

École européenne

Première génération: pionniers européens

Philosophes et penseurs

François Delsarte (français, 1811-1871)
Il a inspiré la danse contemporaine, d’abord sous le nom de «gymnastique expressive» (Bode) ou, plus tard, de «gymnastique rythmique». Il affirme que les états spirituels doivent être représentés par des attitudes et des mouvements du corps en tant qu’unité, et pas seulement du visage. Le souci de la technique est beaucoup plus grand que dans le précédent. Divisez le corps en trois zones variables:

Les membres inférieurs expriment la force
Le torse et les bras, expriment le spirituel et émotionnel
Et la tête-cou, le geste, reflètent l’état mental
Ses idées ont été prises aux États-Unis. par l’un de ses disciples, Steele Mackaye, qui, avec Geneviève Sebbins, a diffusé et présenté ces idées pour les meilleures écoles de New York.

En Europe, c’est Hedwig Kallmeyer, un étudiant de Sebbins, qui diffuse ses idées. En 1930, elle a fondé l’Institut de culture expressive et corporelle en Allemagne, où elle enseigne le système Delsarte comme une forme d’éducation physique pour les femmes, et avec cela elle obtient son inclusion dans l’école; publie également Beauté et santé, qui est une réaction contre les mouvements de gymnastique traditionnels.

Delsarte développe les «lois du mouvement harmonieux», qui sont:

Loi de la posture harmonique: position équilibrée et naturelle comme position de repos parfaite des statues grecques.
Loi du mouvement opposé: tout mouvement exige par les principes d’équilibre un mouvement opposé des autres segments.
Loi de la fonction musculaire harmonique: la force musculaire doit être directement liée à la taille des muscles.

Emile Jaques-Dalcroze (Suisse, 1865-1950)
Il était le créateur de la gymnastique rythmique, l’eurythmie. Il était un homme polyvalent: musicien, chorégraphe, acteur, compositeur et pédagogue. Ses connaissances musicales et corporelles l’ont amené à réaliser le besoin d’apprendre ces deux activités pour le développement de la personne et d’ici il a commencé à étudier les lois du rythme musical à travers le mouvement du corps.

Les observations qu’il fit dans ses étudiants solfège au Conservatoire de Genève furent à l’origine de sa méthode de gymnastique rythmique:

Il a observé que certains ont progressé d’une manière normale; cependant, ils n’avaient pas la capacité de mesurer les sons, le sens de la durée et le rythme des successions.
Il a constaté qu’ils réagissaient souvent avec des mouvements involontaires de certaines parties du corps à la suite de la musique (par exemple: frapper le sol avec les pieds), laissant ainsi entendre qu’il pourrait y avoir une certaine relation entre l’acoustique et les centres nerveux supérieurs.
Tous les enfants n’ont pas réagi de la même manière. Beaucoup ne pouvaient pas coordonner leurs mouvements, ne répondant pas correctement au corps des ordres nerveux.

Sur la base de ces observations, il a conclu que:
Tout ce qui est dynamique et dynamique dans la musique ne dépend pas seulement de l’oreille, mais aussi du toucher.
Il considérait que la musicalité purement auditive était incomplète.
L’arythmie musicale est le résultat d’une arythmie générale.
Il n’est pas possible de créer des harmonies musicales sans avoir un état musical harmonique interne.
La méthode Dalcroze est une méthode d’enseignement musical par le rythme et le mouvement. Il utilise une variété de mouvements comme des analogies pour se référer à des concepts musicaux, pour développer un sentiment intégré et naturel d’expression musicale. Pour sa méthode, il souligne trois éléments centraux: le rythme, le solfège et l’improvisation. Son but est d’harmoniser les facultés de perception, de conscience et d’action de la part de l’étudiant. Il vise à réguler les réactions nerveuses de l’enfant, développer ses réflexes, lui fournir des automatismes temporaires, lutter contre ses inhibitions, affiner sa sensibilité et renforcer ses dynamismes.

Pour Dalcroze, le rythme n’est pas un art en soi, mais un moyen ou un instrument pour atteindre les autres arts. Sa contribution fut révolutionnaire puisqu’il fut le premier à souligner l’importance de la musique dans le développement personnel et à marquer les débuts de ce qui allait être plus tard la musicothérapie.

Les contenus de travail utilisés sont:

exercices de reconditionnement physique
exercices pour l’éducation de l’esprit
étude active et créateur du rythme corporel.
étude active et créateur du rythme musical.

Créateurs de techniques

Rudolf Laban (hongrois, 1879-1958)
Intéressé par les sciences essentielles pour comprendre le mouvement, il étudie les mathématiques, la physique, la chimie, l’anatomie et la physiologie. Il a parcouru le monde à la recherche d’activités naturelles et cultivées. Le ballet a réclamé sa plus grande attention. Il était un ennemi déclaré des «points» et croyait que le geste expressif devait donner lieu à une libération totale de l’âme et du corps, dans la lignée d’Isadora Duncan.

Laban élabore et interprète les concepts de mouvement et de danse en définissant trois systèmes:

Labanotation: c’est une façon de se souvenir des mouvements au moyen de symboles. Il parvient à établir une technique de langage écrit et fiable des mouvements, des dynamismes, de l’espace et de toutes les actions motrices du corps.
La technique de l’icosaèdre: permet aux étudiants en danse de voir les points vers et depuis lesquels ils se déplacent, améliorant ainsi leur précision dans le mouvement.
La danse expressive, libre, créative ou la danse éducative moderne: établit un ensemble de principes et de concepts sur le mouvement dans le but de servir de guide pour la recherche et la réflexion sur la manière d’effectuer et de concevoir le mouvement. De cette façon, l’individu, basé sur des thèmes spécifiques, doit explorer et se familiariser avec le mouvement, découvrir sa propre technique et développer son propre langage corporel.
Pour Laban, la danse est une forme d’expression corporelle d’un individu ou d’un groupe, et chacun a sa propre danse; pour cette raison la technique du même doit faciliter diverses possibilités d’action qui lui font renforcer sa personnalité.

Une séance de danse contemporaine pourrait contenir les éléments suivants:

Entraînement corporel: corps et conditionnement physique.
Étude du mouvement: c’est le centre de la session; Expériences et séquences de mouvements individuels et de groupe sont expérimentés.
Composition: vérifie le domaine du sujet précédemment travaillé.
Observation consciente: observation des compositions précédentes pour favoriser l’esprit critique, et relaxation active ou passive.

Les autres contributions de Laban sont:

Les chœurs du mouvement: qui se caractérisent par l’accent mis sur les mouvements identiques de plusieurs danseurs pour exprimer des émotions.
Une technique des mouvements en les considérant de quatre aspects:
Temps: vous êtes intéressé par la vitesse et la lenteur et les changements entre les deux (accélération et décélération).
Poids: considérez le mouvement fort et léger. Les facteurs de temps et de poids donnent la qualité dynamique au mouvement.
Espace: il concerne à la fois la façon dont nous bougeons et la direction dans laquelle nous le faisons.
Débit: ce facteur pénètre tout le mouvement et confère la sensation d’être arrêté ou tenu.

Mary Wigman (allemande, 1886-1973)
Disciple de RV Laban, contribue en tant qu’élément « l’intuition créative ». Considérez que le travail du danseur est une vocation. Il a influencé la formation des danseurs, créant sa propre école. Son influence sur l’évolution de la gymnastique moderne est basée sur l’expressivité exagérée des gestes et l’alternance entre la contraction et la relaxation, en maintenant des attitudes continues tendues et tendues qui varient vers des mouvements dynamiques et des rythmes gais. Il utilise différentes étapes dans son enseignement et sa formation de la danse: une partie de la danse sans aucun accompagnement musical, puis il introduit des instruments de percussion (dans lesquels les tambours se détachent) et enfin la musique arrive.

Kurt Jooss (allemand, 1901-1979)
Il était professeur d’allemand, danseur et chorégraphe. Après avoir étudié la danse avec Rudolf Laban, il ouvre une école et sa compagnie s’appelle Ballets Jooss. Il est devenu professeur de danse en 1930 pour l’opéra d’Essen, où il a chorégraphié son ballet The Green
Deuxième génération
Herald Kreutzberg
Gret Palucca
Vera Skonel
Dore Hoyer
Le Sakharov: Alexandre Sakharov et Clotilde von Derp

Troisième génération
Au milieu de la guerre froide, la danse classique-contemporaine s’est développée de manière très différente dans différents pays européens. L’influence des écoles de Laban et de Mary Wigman s’exerce sur de nombreux artistes et quelques interprètes-chorégraphes qui n’arrivent pas à créer une école apparaissent partout. Ni la situation économique (l’Europe se remet de deux guerres), ni la géopolitique (l’Europe divisée par le «rideau de fer») ne favorisent la création d’écoles ou de mouvements stables de danse.

La création de divers chorégraphes et éducateurs nord-américains, issus de la danse moderne en France, en Espagne, en Suède, en Allemagne et en Autriche, est également importante. La diffusion des techniques Graham, Limón, Horton et Cunningham sera importante pour le développement futur de la danse européenne actuelle.

Aux Etats-Unis

Début de la danse moderne en Amérique
En 1915, Ruth St. Denis a fondé l’école et la compagnie de danse Denishawn avec son mari Ted Shawn. St. Denis était responsable de la plus grande partie du travail créatif et Shawn était responsable de l’enseignement de la technique et de la composition. Martha Graham, Doris Humphrey et Charles Weidman étaient tous des élèves de l’école et des membres de la compagnie de danse. Cherchant un auditoire plus large et plus accueillant pour leur travail, Duncan, Fuller et Ruth St. Denis ont tous fait une tournée en Europe. Le travail de Fuller a également reçu peu de soutien en dehors de l’Europe. St. Denis est retourné aux États-Unis pour continuer son travail.

Martha Graham est souvent considérée comme la mère fondatrice de la danse concert moderne du XXe siècle. Graham considérait le ballet comme trop unilatéral: européen, impérialiste et non-américain. Elle devient étudiante à l’école Denishawn en 1916, puis s’installe à New York en 1923, où elle joue dans des comédies musicales, des music-halls et travaille sur sa propre chorégraphie. Graham a développé sa propre technique de danse, la technique de Graham, qui reposait sur les concepts de contraction et de libération. Dans les enseignements de Graham, elle voulait que ses élèves «se sentent». « Se sentir » signifie avoir une conscience accrue d’être ancré au sol tout en ressentant l’énergie dans tout le corps, en l’étendant au public. Ses principales contributions à la danse sont le centre du corps (contrairement à l’accent mis par le ballet sur les membres), la coordination entre la respiration et le mouvement, et la relation du danseur avec le sol.

1923: Graham quitte Denishawn pour travailler comme artiste solo au Greenwich Village Follies.
1928: Humphrey et Weidman quittent Denishawn pour créer leur propre école et compagnie (Humphrey-Weidman).
1933: Shawn fonde son groupe de danse entièrement masculin Ted Shawn et His Men Dancers basé à sa ferme Jacob’s Pillow à Becket, Massachusetts.
Après avoir abandonné les techniques et les méthodes de composition de leurs professeurs, les danseurs modernes ont développé leurs propres méthodes et idéologies et techniques de danse qui sont devenues la base de la pratique de la danse moderne:

Martha Graham et Louis Horst

Doris Humphrey et Charles Weidman
Helen Tamiris – à l’origine formée à la libre circulation (Irene Lewisohn) et au ballet (Michel Fokine) Tamiris étudia brièvement avec Isadora Duncan mais détestait son accent sur l’expression personnelle et le mouvement lyrique. Tamiris a estimé que chaque danse doit créer ses propres moyens expressifs et en tant que tel n’a pas développé un style ou une technique individuelle. En tant que chorégraphe, Tamiris a réalisé des œuvres basées sur des thèmes américains travaillant à la fois dans la danse concert et le théâtre musical.

Lester Horton-choisissant de travailler en Californie (3.000 miles de New York, le centre de la danse moderne), Horton a développé sa propre approche qui intègre divers éléments, y compris les danses amérindiennes et le jazz moderne. La technique de danse de Horton (technique de Lester Horton) met l’accent sur une approche globale du corps incluant la flexibilité, la force, la coordination et la conscience corporelle pour permettre la liberté d’expression.

Vulgarisation
En 1927, les journaux ont régulièrement commencé à assigner des critiques de danse, tels que Walter Terry, et Edwin Denby, qui a abordé les performances du point de vue d’un spécialiste du mouvement plutôt que comme un critique de la musique ou du théâtre. Les éducateurs ont accepté la danse moderne dans les programmes d’études collégiales et universitaires, d’abord dans le cadre de l’éducation physique, puis en tant qu’art du spectacle. De nombreux professeurs de collège ont été formés à l’École d’été de la danse de Bennington, qui a été créée au Bennington College en 1934.

Dans le programme Bennington, Agnès de Mille écrivait: «… il y avait une bonne combinaison de toutes sortes d’artistes, de musiciens et de designers, et deuxièmement parce que tous les responsables de la réservation des séries de concerts à travers le continent y étaient rassemblés. … libérés des contraintes limitantes des trois grandes directions monopolistiques, qui ont insisté sur la préférence de leurs clients européens, des danseurs américains ont été embauchés pour la première fois en Amérique, ce qui a marqué le début de leur solvabilité.  »

Danse moderne afro-américaine
Le développement de la danse moderne a englobé les contributions des artistes de danse afro-américains, qu’ils aient fait de la danse moderne pure ou de la danse moderne mélangée aux influences africaines et caribéennes.

Katherine Dunham – Danseuse afro-américaine et anthropologue. À l’origine une danseuse de ballet, elle a fondé sa première compagnie Ballet Negre en 1936 et plus tard la Katherine Dunham Dance Company basée à Chicago, Illinois. En 1945, Dunham ouvre une école à New York où elle enseigne la technique Katherine Dunham, un mélange de mouvement africain et caribéen (torse et colonne vertébrale flexibles, bassin articulé, isolation des membres et mouvement polyrythmique) intégré aux techniques du ballet et de la danse moderne. .

Pearl Primus-Danseur, chorégraphe et anthropologue, Primus s’est inspiré des danses africaines et caribéennes pour créer de fortes œuvres dramatiques caractérisées par de grands sauts dans l’air. Primus a souvent basé ses danses sur le travail des écrivains noirs et sur les questions raciales et afro-américaines. Primus a créé des œuvres basées sur Langston Hughes, The Negro Speaks of Rivers (1944), et Strange Fruit, de Lewis Allan (1945). Sa compagnie de danse s’est développée dans le Pearl Primus Dance Language Institute, qui enseigne sa méthode pour mélanger les influences afro-américaines, caribéennes et africaines avec les techniques modernes de danse et de ballet.

Alvin Ailey – Étudiant de Lester Horton, Bella Lewitzky, et plus tard Martha Graham, Ailey a passé plusieurs années à travailler dans la danse de concert et de théâtre. En 1958, Ailey et un groupe de jeunes danseurs afro-américains se produisirent sous le nom de Alvin Ailey American Dance Theatre à New York. Ailey s’est inspiré de ses «souvenirs de sang» du Texas, du blues, des spirituals et du gospel. Son œuvre la plus populaire et acclamée par la critique est Revelations (1960).

Héritage de la danse moderne
L’héritage de la danse moderne peut être vu dans la lignée des formes de danse de concert du 20ème siècle. Bien que produisant souvent des formes de danse divergentes, de nombreux artistes de danse partagent un héritage commun qui remonte à la danse libre.

Danse postmoderne
La danse postmoderne s’est développée dans les années 1960 aux États-Unis lorsque la société a remis en question les vérités et les idéologies en politique et en art. Cette période a été marquée par l’expérimentation sociale et culturelle dans les arts. Les chorégraphes ne créent plus d’écoles ou de styles spécifiques. Les influences de différentes périodes de danse sont devenues plus vagues et fragmentées. Il est très fréquent que la danse postmoderne soit interprétée avec peu ou pas de musique.

Danse contemporaine
La danse contemporaine est apparue dans les années 1950 comme la forme de danse qui combine les éléments de la danse moderne et les éléments classiques du ballet. Il peut utiliser des éléments de cultures de danse non-occidentales, comme la danse africaine avec des genoux pliés comme trait caractéristique, et le butoh, la danse contemporaine japonaise qui s’est développée dans les années 1950. Il est également dérivé de thèmes européens modernes comme les éléments poétiques et quotidiens, les lignes brisées, les mouvements non linéaires et la répétition. Beaucoup de danseurs contemporains sont formés quotidiennement au ballet classique pour suivre la technicité de la chorégraphie donnée. Ces danseurs ont tendance à suivre des idées de mouvement corporel efficace, en prenant de la place et en prêtant attention aux détails. La danse contemporaine comprend aujourd’hui à la fois des concerts et des danses commerciales en raison des lignes floues de la culture pop et des émissions de télévision. Selon Treva Bedinghaus, «Les danseurs modernes utilisent la danse pour exprimer leurs émotions les plus intimes, souvent pour se rapprocher de leur moi intérieur.Avant d’essayer de chorégraphier une routine, le danseur moderne décide des émotions à essayer de transmettre au public. choisir un sujet proche et cher à leurs coeurs, comme un amour perdu ou un échec personnel Le danseur choisira de la musique qui se rapporte à l’histoire qu’ils souhaitent raconter, ou choisira de ne pas utiliser de musique du tout, puis choisira un costume pour refléter leurs émotions choisies. «