Le néoclassicisme était un mouvement culturel occidental dans les arts décoratifs et visuels, la littérature, le théâtre, la musique et l’architecture qui s’est inspiré de l’art et de la culture de l’antiquité classique. Le néoclassicisme est né à Rome en grande partie grâce aux écrits de Johann Joachim Winckelmann, au moment de la redécouverte de Pompéi et d’Herculanum, mais sa popularité s’est répandue dans toute l’Europe lorsqu’une génération d’étudiants en art européens a terminé leur Grand Tour et est revenue d’Italie dans leur pays d’origine avec des idéaux gréco-romains nouvellement redécouverts. Le principal mouvement néoclassique a coïncidé avec l’âge des Lumières du XVIIIe siècle et s’est poursuivi jusqu’au début du XIXe siècle, rivalisant latéralement avec le romantisme. En architecture, le style s’est perpétué tout au long du 19e, 20e et jusqu’au 21e siècle.

Le néoclassicisme européen dans les arts visuels a commencé c. 1760 en opposition au style rococo alors dominant. L’architecture rococo met l’accent sur la grâce, l’ornementation et l’asymétrie; L’architecture néoclassique est basée sur les principes de simplicité et de symétrie, qui étaient considérés comme des vertus des arts de Rome et de la Grèce antique, et étaient plus immédiatement tirés du classicisme de la Renaissance du XVIe siècle. Chaque « néo » -classicisme sélectionne certains modèles parmi la gamme de classiques possibles qui lui sont proposés, et en ignore d’autres. Les écrivains et les conférenciers néoclassiques, les mécènes et les collectionneurs, les artistes et les sculpteurs de 1765-1830 ont rendu hommage à une idée de la génération des Phidias, mais les exemples de sculpture qu’ils ont réellement adoptés étaient plus susceptibles d’être des copies romaines de sculptures hellénistiques.

L’art « rococo » de l’ancienne Palmyre est venu comme une révélation, à travers des gravures dans les Ruines de Palmyre de Wood. Même la Grèce était loin d’être visitée, un marécage rugueux de l’Empire ottoman, dangereux à explorer, de sorte que l’appréciation des néoclassicistes de l’architecture grecque a été médiée par des dessins et des gravures, qui ont subtilement lissé et régularisé, « corrigé » et « restauré » les monuments de la Grèce, pas toujours consciemment.

Le style Empire, deuxième phase du néoclassicisme en architecture et en arts décoratifs, avait son centre culturel à Paris à l’époque napoléonienne.

Aperçu
L’apparition du néoclassicisme a d’abord été un rejet du style rococo qui a marqué l’Europe au siècle des Lumières. Pour les Allemands imprégnés de sentiments anti-français, car il représente le règne de Louis XV et ses extravagances, pour les Anglais de tradition anglicane, qui prônent un retour à la simplicité, car il est le dernier représentant d’une caractéristique esthétique du Comptoir catholique -Réformation. Vers les années 1770, ce rejet affecte également l’Italie et la France, pourtant promoteurs du rococo, mais avec eux il s’exprime contre le caractère jugé immoral de ce style, représentant luxe, frivolité,

Au milieu du xviii e siècle, la popularité du Grand Tour amène une communauté de voyageurs aristocrates, venus d’Angleterre, de France ou de Prusse pour affronter directement les vestiges antiques lors de voyages pédagogiques en Italie, en Grèce ou en Turquie. L’un de ces voyages, celui du marquis de Marigny en 1750-1751, a eu un impact majeur sur l’évolution du goût en France et en Europe. Frère cadet de la marquise de Pompadour, Abel-François Poisson de Vandières est envoyé en mission à Rome accompagné du graveur Charles Nicolas Cochin et de l’architecte Jacques-Germain Soufflot. De ce voyage, les artistes prennent conscience de la particularité des œuvres anciennes, sans passer par la réinterprétation stylistique issue de la Renaissance ou de la tradition classique.

Soufflot pousse son excursion plus au sud en découvrant le site de Paestum en Campanie, où la confrontation avec des temples grecs présentant un style archaïque avec des colonnes doriques sans bases est pour lui une révélation. A la même période, les voyageurs anglais, profitant de la détente de la pression turque en Grèce, peuvent effectuer le voyage qui permet la publication de collections d’antiquités grecques dont celle de Richard Dalton, Antiquités et vues de Grèce et d’Egypte, ce qui conduit les amoureux l’antiquité, comme Caylus et Winckelmann pour considérer l’esthétique grecque antique, supérieure à celle de l’antiquité romaine.

Le néoclassicisme sera également favorisé par la politique culturelle défendue par les monarques « éclairés ». Le futur Charles III d’Espagne, fit diffuser la collection gravée de l’antiquité Pitture d’Ercolano e contorni, le roi d’Angleterre George III dans toute l’Europe, encouragea le développement du nouveau style, en faisant de l’architecte Robert Adam, et du peintre Benjamin West, les artistes officiels du régime 5. Le Roi de France Louis XVI, met à la tête des Bâtiments du Roi, le Comte d’Angiviller, qui favorise le retour à la grandeur du siècle de Louis XIV, en encourageant les travaux avec des destinations, vertueuses, moral et patriotique. Ces directives incluent la réalisation par David du Serment des Horaces.

Histoire
Le néoclassicisme est une renaissance des nombreux styles et esprit de l’antiquité classique inspirés directement de la période classique, qui coïncidaient et reflétaient les développements de la philosophie et d’autres domaines du Siècle des Lumières, et étaient initialement une réaction contre les excès du style rococo précédent . Bien que le mouvement soit souvent décrit comme la contrepartie opposée du romantisme, il s’agit d’une grande simplification excessive qui tend à ne pas être durable lorsque des artistes ou des œuvres spécifiques sont pris en compte. Le cas du prétendu principal champion du néoclassicisme tardif, Ingres, le démontre particulièrement bien. Le renouveau peut être retracé à la mise en place de l’archéologie formelle.

Les écrits de Johann Joachim Winckelmann ont été importants pour façonner ce mouvement à la fois dans l’architecture et les arts visuels. Ses livres Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques dans la peinture et la sculpture (1750) et Geschichte der Kunst des Alterthums (« Histoire de l’art ancien », 1764) ont été les premiers à distinguer nettement entre le grec ancien et l’art romain, et à définir des périodes au sein du grec l’art, traçant une trajectoire de la croissance à la maturité, puis l’imitation ou la décadence qui continue d’avoir une influence jusqu’à nos jours. Winckelmann croyait que l’art devait viser « la noble simplicité et la grandeur calme », ​​et a salué l’idéalisme de l’art grec, dans lequel il a dit que nous trouvons « non seulement la nature à son plus beau mais aussi quelque chose au-delà de la nature, à savoir certaines formes idéales de sa beauté. , lequel,

Avec l’avènement du Grand Tour, une mode d’antiquités de collection a commencé qui a jeté les bases de nombreuses grandes collections répandant un renouveau néoclassique dans toute l’Europe. Le « néoclassicisme » dans chaque art implique un canon particulier d’un modèle « classique ».

Le terme « néoclassicisme » est utilisé principalement par les arts visuels; le mouvement similaire dans la littérature anglaise, qui a commencé beaucoup plus tôt, s’appelle la littérature augustéenne. Celui-ci, qui avait dominé pendant plusieurs décennies, commençait à décliner au moment où le néoclassicisme dans les arts visuels devenait à la mode. Bien que les termes diffèrent, la situation dans la littérature française était similaire. En musique, la période a vu l’essor de la musique classique, et le « néoclassicisme » est utilisé dans les développements du XXe siècle. Cependant, les opéras de Christoph Willibald Gluck représentaient une approche spécifiquement néoclassique, énoncée dans sa préface à la partition publiée d’Alceste (1769), qui visait à réformer l’opéra en supprimant l’ornementation, augmentant le rôle du chœur conformément à la tragédie grecque, et en utilisant des lignes mélodiques simples et sans ornements.

Le terme « néoclassique » n’a été inventé qu’au milieu du XIXe siècle, et à l’époque le style était décrit par des termes tels que « le vrai style », « réformé » et « renouveau »; ce qui était considéré comme ressuscité varie considérablement. Les modèles anciens étaient certes très impliqués, mais le style pouvait aussi être considéré comme un renouveau de la Renaissance, et surtout en France comme un retour au baroque plus austère et noble de l’époque de Louis XIV, pour lequel une nostalgie considérable s’était développée. alors que la position militaire et politique dominante de la France commençait un sérieux déclin. Le portrait du couronnement d’Ingres de Napoléon a même emprunté aux diptyques consulaires de l’Antiquité tardive et à leur renouveau carolingien, à la désapprobation des critiques.

Le néoclassicisme était le plus fort en architecture, sculpture et arts décoratifs, où les modèles classiques sur le même support étaient relativement nombreux et accessibles; des exemples de la peinture ancienne qui ont démontré les qualités que l’écriture de Winckelmann trouve dans la sculpture étaient et font défaut. Winckelmann a été impliqué dans la diffusion des connaissances des premières grandes peintures romaines à découvrir, à Pompéi et à Herculanum et, comme la plupart des contemporains à l’exception de Gavin Hamilton, n’a pas été impressionné par eux, citant les commentaires de Pline le Jeune sur le déclin de la peinture à son époque .

Quant à la peinture, la peinture grecque a été complètement perdue: les peintres néoclassiques l’ont relancée avec imagination, en partie à travers des frises en bas-relief, des mosaïques et de la peinture de poterie, et en partie à travers les exemples de peinture et de décoration de la Haute Renaissance de la génération de Raphaël, des fresques dans la Domus Aurea de Néron , Pompéi et Herculanum, et par une admiration renouvelée pour Nicholas Poussin. Une grande partie de la peinture « néoclassique » est plus classique dans son sujet que dans toute autre chose. Un différend féroce, mais souvent très mal informé, a fait rage pendant des décennies au sujet des mérites relatifs de l’art grec et romain, Winckelmann et ses confrères hellénistes étant généralement du côté des gagnants.

Peinture et gravure
Il est difficile de retrouver la nature radicale et passionnante de la peinture néoclassique ancienne pour le public contemporain; il frappe maintenant même les écrivains qui y sont favorablement enclins comme « insipides » et « presque totalement inintéressants pour nous » – certains des commentaires de Kenneth Clark sur l’ambitieux Parnasse d’Anton Raphael Mengs à la Villa Albani, par l’artiste que son ami Winckelmann a décrit comme  » le plus grand artiste de lui-même, et peut-être des temps plus tard « . Les dessins, transformés par la suite en estampes, de John Flaxman ont utilisé un dessin au trait très simple (considéré comme le médium classique le plus pur) et des figures principalement de profil pour représenter l’Odyssée et d’autres sujets, et ont autrefois « tiré la jeunesse artistique de l’Europe » mais sont maintenant « négligés », tandis que les peintures d’histoire d’Angelica Kauffman, principalement portraitiste, sont décrits comme ayant « une douceur onctueuse et une fastidieuse » par Fritz Novotny. La frivolité rococo et le mouvement baroque ont été supprimés, mais de nombreux artistes ont eu du mal à mettre quoi que ce soit à leur place, et en l’absence d’exemples anciens pour la peinture d’histoire, autres que les vases grecs utilisés par Flaxman, Raphael avait tendance à être utilisé comme modèle de substitution, comme Winckelmann l’a recommandé.

Le travail d’autres artistes, qui ne pouvait pas être facilement décrit comme insipide, combinait des aspects du romantisme avec un style généralement néoclassique et faisait partie de l’histoire des deux mouvements. Le peintre germano-danois Asmus Jacob Carstens a terminé très peu des grandes œuvres mythologiques qu’il avait prévues, laissant principalement des dessins et des études de couleurs qui réussissent souvent à se rapprocher de la prescription de Winckelmann de « noble simplicité et calme calme ». Contrairement aux plans non réalisés de Carstens, les gravures de Giovanni Battista Piranesi étaient nombreuses et rentables, et reprises par ceux qui faisaient le Grand Tour dans toutes les parties de l’Europe. Son sujet principal était les bâtiments et les ruines de Rome, et il était plus stimulé par l’ancien que le moderne.

L’atmosphère quelque peu inquiétante de nombre de ses Vedute (vues) devient dominante dans sa série de 16 gravures de Carceri d’Invenzione (« Prisons imaginaires ») dont « l’architecture cyclopéenne oppressive » véhicule « des rêves de peur et de frustration ». Né en Suisse, Johann Heinrich Füssli a passé la majeure partie de sa carrière en Angleterre, et si son style fondamental était basé sur des principes néoclassiques, ses sujets et son traitement reflétaient plus souvent la souche « gothique » du romantisme et cherchaient à évoquer le drame et l’excitation.

Le néoclassicisme en peinture prend un nouveau sens avec le succès sensationnel du Serment des Horaces de Jacques-Louis David au Salon de Paris de 1785. Malgré son évocation des vertus républicaines, il s’agit d’une commande du gouvernement royal, que David insiste pour peindre à Rome. David a réussi à combiner un style idéaliste avec le drame et la force. La perspective centrale est perpendiculaire au plan de l’image, rendue plus accentuée par la faible arcade derrière, contre laquelle les figures héroïques sont disposées comme dans une frise, avec un soupçon d’éclairage artificiel et de mise en scène d’opéra, et la coloration classique de Nicholas Poussin . David est rapidement devenu le chef de file de l’art français et, après la Révolution française, est devenu un politicien avec le contrôle de beaucoup de patronage gouvernemental dans l’art. Il a réussi à conserver son influence dans la période napoléonienne,

Les nombreux étudiants de David comprenaient Jean-Auguste-Dominique Ingres, qui s’est vu comme un classique tout au long de sa longue carrière, malgré un style mature qui a une relation équivoque avec le courant principal du néoclassicisme, et de nombreux détournements ultérieurs vers l’orientalisme et le style Troubadour qui sont difficile à distinguer de ceux de ses contemporains sans vergogne romantiques, sauf par la primauté que ses œuvres donnent toujours au dessin. Il expose au Salon depuis plus de 60 ans, de 1802 aux débuts de l’impressionnisme, mais son style, une fois formé, a peu changé.

Sculpture
Si la peinture néoclassique souffrait d’un manque de modèles anciens, la sculpture néoclassique avait tendance à souffrir d’un excès d’entre eux, bien que les exemples de sculpture grecque réelle de la « période classique » commençant vers 500 avant JC étaient alors très peu nombreux; les œuvres les plus appréciées étaient principalement des copies romaines. Les grands sculpteurs néoclassiques jouissaient d’une réputation énorme à leur époque, mais sont maintenant moins considérés, à l’exception de Jean-Antoine Houdon, dont le travail était principalement des portraits, très souvent des bustes, qui ne sacrifient pas une forte impression de la personnalité du modèle à idéalisme. Son style est devenu plus classique au fil de sa longue carrière et représente une progression plutôt fluide du charme rococo à la dignité classique. Contrairement à certains sculpteurs néoclassiques, il n’a pas insisté pour que ses modèles portent une robe romaine ou soient déshabillés.

Antonio Canova et le Danois Bertel Thorvaldsen étaient tous deux basés à Rome, et des portraits ont produit de nombreuses figures et groupes grandeur nature ambitieux; les deux représentaient la tendance fortement idéalisante de la sculpture néoclassique. Canova a une légèreté et une grâce, où Thorvaldsen est plus sévère; la différence est illustrée dans leurs groupes respectifs des Trois Grâces. Tous ces éléments, et Flaxman, étaient toujours actifs dans les années 1820, et le romantisme tarda à avoir un impact sur la sculpture, où les versions du néoclassicisme restèrent le style dominant pendant la majeure partie du 19e siècle.

Un des premiers néoclassicistes de la sculpture était le Suédois Johan Tobias Sergel. John Flaxman était aussi, ou principalement, un sculpteur, produisant principalement des reliefs très classiques qui sont comparables dans le style à ses gravures; il a également conçu et modelé la céramique néoclassique pour Josiah Wedgwood pendant plusieurs années. Johann Gottfried Schadow et son fils Rudolph, l’un des rares sculpteurs néoclassiques à mourir jeune, étaient les principaux artistes allemands, avec Franz Anton von Zauner en Autriche. Le sculpteur baroque autrichien tardif Franz Xaver Messerschmidt s’est tourné vers le néoclassicisme en milieu de carrière, peu de temps avant qu’il ne semble avoir subi une sorte de crise mentale, après quoi il s’est retiré dans le pays et s’est consacré aux «têtes de personnage» très distinctives des personnages chauves. tirant des expressions faciales extrêmes. Comme Carceri de Piranesi, ceux-ci ont connu un grand regain d’intérêt à l’époque de la psychanalyse au début du XXe siècle. Le sculpteur néoclassique néerlandais Mathieu Kessels a étudié avec Thorvaldsen et a travaillé presque exclusivement à Rome.

Étant donné qu’avant les années 1830, les États-Unis n’avaient pas de tradition de sculpture qui leur soit propre, sauf dans les domaines des pierres tombales, des girouettes et des figures de proue des navires, la manière néoclassique européenne y a été adoptée, et elle devait dominer pendant des décennies et est illustrée par les sculptures de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers et William Henry Rinehart.

Architecture et arts décoratifs
L’art néoclassique était à la fois traditionnel et nouveau, historique et moderne, conservateur et progressiste.

Le néoclassicisme a d’abord gagné en influence en Angleterre et en France, grâce à une génération d’étudiants en art français formés à Rome et influencés par les écrits de Winckelmann, et il a rapidement été adopté par les cercles progressistes dans d’autres pays comme la Suède, la Pologne et la Russie. Au début, le décor classique a été greffé sur des formes européennes familières, comme dans les intérieurs de l’amant de Catherine II, le comte Orlov, conçus par un architecte italien avec une équipe de stucadori italiens: seuls les médaillons ovales isolés comme les camées et le soupçon de bas-relief à l’extérieur du néoclassicisme; le mobilier est entièrement rococo italien.

Une seconde vague néoclassique, plus sévère, plus étudiée (au moyen de gravures) et plus consciemment archéologique, est associée à la hauteur de l’empire napoléonien. En France, la première phase du néoclassicisme s’exprimait dans le «style Louis XVI», et la seconde dans les styles appelés «Directoire» ou Empire. Le style rococo est resté populaire en Italie jusqu’à ce que les régimes napoléoniens apportent le nouveau classicisme archéologique, qui a été adopté comme une déclaration politique par de jeunes Italiens urbains progressistes avec des tendances républicaines. [Selon qui?]

Dans les arts décoratifs, le néoclassicisme est illustré par les meubles Empire fabriqués à Paris, Londres, New York, Berlin; dans les meubles Biedermeier fabriqués en Autriche; dans les musées de Karl Friedrich Schinkel à Berlin, la Banque d’Angleterre de Sir John Soane à Londres et le nouveau «Capitole» à Washington, DC; et dans les bas-reliefs de Wedgwood et les vases « basaltes noirs ». Le style était international; L’architecte écossais Charles Cameron a créé des intérieurs somptueux à l’italienne pour la allemande Catherine II la Grande, à Saint-Pétersbourg en Russie.

A l’intérieur, le néoclassicisme fait une découverte du véritable intérieur classique, inspiré des redécouvertes de Pompéi et d’Herculanum. Celles-ci avaient commencé à la fin des années 1740, mais n’ont atteint un large public que dans les années 1760, avec les premiers volumes luxueux d’une distribution étroitement contrôlée de Le Antichità di Ercolano (Les Antiquités d’Herculanum). Les antiquités d’Herculanum ont montré que même les intérieurs les plus classiques du baroque, ou les pièces les plus « romaines » de William Kent étaient basés sur l’architecture extérieure de la basilique et du temple tournée vers l’extérieur, d’où leur aspect souvent explosif pour les yeux modernes: les cadres de fenêtre à frontons tournés dans des miroirs dorés, des cheminées surmontées de façades de temple. Les nouveaux intérieurs ont cherché à recréer un vocabulaire authentiquement romain et véritablement intérieur.

Les techniques employées dans le style comprenaient des motifs plus plats et plus légers, sculptés en bas relief en forme de frise ou peints en monotones en camaïeu (« comme des camées »), des médaillons ou des vases isolés ou des bustes ou du bucrania ou d’autres motifs, suspendus à des fanions de laurier ou de ruban , avec de fines arabesques sur fond, peut-être, de « rouge pompéien » ou de teintes pâles, ou de couleurs de pierre. Le style en France était initialement un style parisien, le Goût grec (« style grec »), pas un style de cour; lorsque Louis XVI accède au trône en 1774, Marie Antoinette, sa reine amoureuse de la mode, fait valoir le style «Louis XVI». Cependant, il n’y a eu aucune tentative réelle d’utiliser les formes de base du mobilier romain avant le début du siècle, et les fabricants de meubles étaient plus susceptibles d’emprunter à l’architecture ancienne,

À partir d’environ 1800, un nouvel afflux d’exemples architecturaux grecs, vu à travers des gravures et des gravures, a donné un nouvel élan au néoclassicisme, le renouveau grec. En même temps, le style Empire était une vague plus grandiose de néoclassicisme dans l’architecture et les arts décoratifs. Principalement basé sur les styles romains impériaux, il est originaire et tire son nom de la domination de Napoléon dans le premier empire français, où il était destiné à idéaliser le leadership de Napoléon et l’État français. Le style correspond au style Biedermeier plus bourgeois dans les pays germanophones, au style fédéral aux États-Unis, au style Régence en Grande-Bretagne et au style Napoléon en Suède. Selon l’historien de l’art Hugh Honor « loin d’être, comme on le suppose parfois, le point culminant du mouvement néo-classique,

Le néoclassicisme a continué d’être une force majeure dans l’art académique tout au long du XIXe siècle et au-delà – une antithèse constante du romantisme ou des renaissances gothiques -, bien que depuis la fin du XIXe siècle il ait souvent été considéré comme anti-moderne, voire réactionnaire, dans une critique influente cercles. Les centres de plusieurs villes européennes, notamment Saint-Pétersbourg et Munich, ont fini par ressembler à des musées d’architecture néoclassique.

L’architecture néogothique (souvent liée au mouvement culturel romantique), un style originaire du XVIIIe siècle qui a gagné en popularité tout au long du XIXe siècle, contraste avec le néoclassicisme. Alors que le néoclassicisme était caractérisé par des styles, des lignes géométriques et un ordre d’influence grecque et romaine, l’architecture néogothique mettait l’accent sur des bâtiments d’aspect médiéval, souvent conçus pour avoir une apparence rustique et « romantique ».

Jardins néoclassiques
En Angleterre, la littérature augustéenne avait un parallèle direct avec le style augustéen de l’aménagement paysager. Les liens sont clairement visibles dans le travail d’Alexandre Pope. Les meilleurs exemples de jardins anglais néoclassiques qui subsistent sont Chiswick House, Stowe House et Stourhead.

Néoclassicisme et mode
Dans la mode, le néoclassicisme a influencé la simplicité beaucoup plus grande des robes pour femmes et la mode durable pour le blanc, bien avant la Révolution française, mais ce n’est qu’après que des tentatives approfondies d’imiter les styles anciens sont devenues à la mode en France, au moins pour les femmes. Les costumes classiques étaient portés depuis longtemps par des femmes à la mode se présentant comme une figure du mythe grec ou romain dans un portrait (en particulier, il y avait une éruption de tels portraits de la jeune mannequin Emma, ​​Lady Hamilton des années 1780), mais de tels costumes n’étaient portés que pour les portraits assis et les bals de mascarade jusqu’à la période révolutionnaire, et peut-être, comme d’autres styles exotiques, comme déshabiller à la maison. Mais les styles portés dans les portraits de Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien et d’autres créateurs de tendances parisiens étaient également pour les sorties en public. En voyant Mme Tallien à l’opéra, Talleyrand a ironisé: « Il n’est pas possible de s’exposer plus somptueusement! » (« On ne pouvait pas être plus somptueusement déshabillé »).

En 1788, juste avant la Révolution, la portraitiste de cour Louise Élisabeth Vigée Le Brun avait organisé un souper grec où les dames portaient des tuniques grecques unies. Les coiffures classiques plus courtes, si possible avec des boucles, étaient moins controversées et très largement adoptées, et les cheveux étaient désormais découverts même à l’extérieur; sauf pour la robe de soirée, les bonnets ou autres couvertures avaient généralement été portés même à l’intérieur avant. De fins rubans ou filets de style grec ont été utilisés pour attacher ou décorer les cheveux à la place.

Des robes très légères et amples, généralement blanches et souvent avec des bras incroyablement nus, s’élevaient de la cheville jusqu’à juste en dessous du corsage, où il y avait un ourlet mince ou une cravate mince fortement souligné autour du corps, souvent d’une couleur différente. La forme est maintenant souvent connue sous le nom de silhouette Empire bien qu’elle soit antérieure au premier empire français de Napoléon, mais sa première impératrice Joséphine de Beauharnais a été influente pour la diffuser à travers l’Europe. Un long châle rectangulaire ou enveloppement, très souvent rouge uni mais avec une bordure décorée dans les portraits, aidait par temps plus froid, et était apparemment posé autour du ventre en position assise – pour laquelle des postures semi-allongées tentaculaires étaient favorisées. Au début du 19e siècle, ces styles se sont largement répandus en Europe.

La mode néoclassique pour les hommes a été beaucoup plus problématique et n’a jamais vraiment décollé, sauf pour les cheveux, où elle a joué un rôle important dans les styles plus courts qui ont finalement envoyé l’utilisation de perruques, puis de la poudre à cheveux blanche, pour les hommes plus jeunes. Le pantalon avait été le symbole du barbare pour les Grecs et les Romains, mais en dehors de l’atelier du peintre ou, surtout, du sculpteur, peu d’hommes étaient prêts à l’abandonner. En effet, la période a vu le triomphe du pur pantalon, ou pantaloon, sur les cullottes ou culottes de genou de l’Ancien Régime. Même lorsque David a conçu un nouveau « costume national » français à la demande du gouvernement au plus fort de l’enthousiasme révolutionnaire pour tout changer en 1792, il comprenait des leggings assez serrés sous un manteau qui s’arrêtait au-dessus du genou.

Le problème du pantalon avait été reconnu par les artistes comme un obstacle à la création de tableaux d’histoire contemporaine; comme d’autres éléments de la robe contemporaine, de nombreux artistes et critiques les considéraient comme irrémédiablement laides et héroïques. Divers stratèges ont été utilisés pour éviter de les représenter dans des scènes modernes. Dans James Dawkins et Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) de Gavin Hamilton, les deux gentilshommes antiquaires sont présentés dans des robes arabes en forme de toge. Dans Watson and the Shark (1778) de John Singleton Copley, la figure principale pourrait vraisemblablement être représentée nue, et la composition est telle que sur les huit autres hommes représentés, un seul montre bien une jambe en culotte. Cependant, les Américains Copley et Benjamin West ont dirigé les artistes qui ont montré avec succès que les pantalons pouvaient être utilisés dans des scènes héroïques, avec des œuvres comme West ‘

Les styles de cheveux masculins d’inspiration classique comprenaient le Bedford Crop, sans doute le précurseur de la plupart des styles masculins modernes, inventé par le politicien radical Francis Russell, 5e duc de Bedford pour protester contre une taxe sur la poudre pour les cheveux; il a encouragé ses amis à l’adopter en leur pariant qu’ils ne le feraient pas. Un autre style influent (ou groupe de styles) a été nommé par les Français « à la Titus » d’après Titus Junius Brutus (pas en fait l’empereur romain Titus comme souvent supposé), avec des cheveux courts et en couches mais quelque peu empilés sur la couronne, souvent avec des quiffs ou des écluses retenues; les variantes sont connues des cheveux de Napoléon et de George IV d’Angleterre.

Le style était censé avoir été introduit par l’acteur François-Joseph Talma, qui a éclipsé ses co-acteurs perruques lors de ses apparitions dans des productions d’œuvres telles que Brutus de Voltaire (à propos de Lucius Junius Brutus, qui ordonne l’exécution de son fils Titus). En 1799, un magazine de mode parisien rapportait que même des hommes chauves adoptaient des perruques Titus, et le style était également porté par les femmes, le Journal de Paris rapportant en 1802 que « plus de la moitié des femmes élégantes portaient leurs cheveux ou perruque à la Titus.

Néoclassicisme ultérieur
Dans l’architecture américaine, le néoclassicisme était une expression du mouvement de la Renaissance américaine, ca. 1890–1917; sa dernière manifestation a été dans l’architecture Beaux-Arts, et ses tout derniers grands projets publics ont été le Lincoln Memorial (très critiqué à l’époque), la National Gallery of Art de Washington, DC (également fortement critiqué par la communauté architecturale comme étant arriéré). pensée et démodé dans sa conception), et le Roosevelt Memorial du Musée américain d’histoire naturelle. Celles-ci étaient considérées comme des anachronismes stylistiques une fois terminées. Dans le Raj britannique, l’urbanisme monumental de Sir Edwin Lutyens pour New Delhi marque le coucher de soleil glorieux du néoclassicisme. La Seconde Guerre mondiale allait briser la plupart des aspirations (et imitations) des temps mythiques et héroïques.

Les architectes modernistes conservateurs comme Auguste Perret en France ont conservé les rythmes et l’espacement de l’architecture en colonnes, même dans les bâtiments d’usine. Là où une colonnade aurait été décriée comme « réactionnaire », les panneaux cannelés de type pilastre d’un bâtiment sous une frise répétitive semblaient « progressifs ». Pablo Picasso a expérimenté la classicisation des motifs dans les années qui ont immédiatement suivi la Première Guerre mondiale, et le style Art déco qui est apparu à la suite de l’Exposition des Arts Décoratifs de Paris de 1925, a souvent puisé dans les motifs néoclassiques sans les exprimer ouvertement: commodes sévères et polyédriques de É .-J. Ruhlmann ou Süe & Mare; des frises nettes et extrêmement bas relief de demoiselles et de gazelles sur tous les supports; des robes à la mode drapées ou coupées en biais pour recréer des lignes grecques; la danse artistique d’Isadora Duncan; le style Streamline Moderne des bureaux de poste américains et des palais de justice du comté construits jusqu’en 1950; et le sou de Roosevelt.

Il y avait tout un mouvement du XXe siècle dans les arts, également appelé néoclassicisme. Il englobait au moins la musique, la philosophie et la littérature. C’était entre la fin de la Première Guerre mondiale et la fin de la Seconde Guerre mondiale. (Pour plus d’informations sur les aspects musicaux, voir Musique classique du 20e siècle et néoclassicisme en musique. Pour plus d’informations sur les aspects philosophiques, voir Grands livres.)

Ce mouvement littéraire néoclassique a rejeté l’extrême romantisme (par exemple) de Dada, en faveur de la retenue, de la religion (en particulier du christianisme) et d’un programme politique réactionnaire. Bien que les fondations de ce mouvement dans la littérature anglaise aient été posées par TE Hulme, les néoclassicistes les plus célèbres étaient TS Eliot et Wyndham Lewis. En Russie, le mouvement s’est cristallisé dès 1910 sous le nom d’Acmeism, avec Anna Akhmatova et Osip Mandelshtam comme principaux représentants.

En musique
Le néoclassicisme en musique est un mouvement du XXe siècle; dans ce cas, ce sont les styles musicaux classiques et baroques des XVIIe et XVIIIe siècles, avec leur penchant pour les thèmes grecs et romains, qui étaient en train de renaître, pas la musique du monde antique elle-même. (Le début du 20e siècle n’avait pas encore distingué la période baroque de la musique, sur laquelle les compositeurs néoclassiques se sont principalement inspirés, de ce que nous appelons maintenant la période classique.) Le mouvement était une réaction dans la première partie du 20e siècle à la désintégration chromatique de le romantisme tardif et l’impressionnisme, émergeant parallèlement au modernisme musical, qui cherchait à abandonner complètement la tonalité clé. Il manifeste un désir de propreté et de simplicité de style, ce qui permet une paraphrase assez dissonante des procédures classiques,

La suite de danse du 17e au 18e siècle avait connu un petit renouveau avant la Première Guerre mondiale, mais les néoclassicistes n’étaient pas tout à fait satisfaits du diatonicisme non modifié et avaient tendance à souligner la dissonance lumineuse des suspensions et des ornements, les qualités angulaires de l’harmonie modale du 17e siècle et la lignes énergiques de l’écriture de partie countrapuntal. Les airs et danses antiques de Respighi (1917) ont ouvert la voie au type de son auquel aspiraient les néoclassicistes. Bien que la pratique d’emprunter des styles musicaux du passé n’ait pas été rare tout au long de l’histoire musicale, les musiques d’art ont traversé des périodes où les musiciens ont utilisé des techniques modernes associées à des formes ou des harmonies plus anciennes pour créer de nouveaux types d’œuvres.

Les caractéristiques de composition notables sont: la référence à la tonalité diatonique, les formes conventionnelles (suites de danse, concerti grossi, formes de sonates, etc.), l’idée d’une musique absolue non perturbée par des associations descriptives ou émotives, l’utilisation de textures musicales légères et une concision de l’expression musicale . Dans la musique classique, cela a été surtout perçu entre les années 1920 et les années 1950. Igor Stravinsky est le compositeur le plus connu utilisant ce style; il a effectivement commencé la révolution musicale avec son octet de Bach pour instruments à vent (1923). Une œuvre individuelle particulière qui représente bien ce style est la Symphonie classique n ° 1 en ré de Prokofiev, qui rappelle le style symphonique de Haydn ou Mozart. Le ballet néoclassique innové par George Balanchine a désencombré le style impérial russe en termes de costume, de pas et de narration,

L’architecture en Russie et en Union soviétique
En 1905-1914, l’architecture russe a traversé une période brève mais influente de renouveau néoclassique; la tendance a commencé avec la recréation du style Empire de la période alexandrine et s’est rapidement étendue à une variété d’écoles néo-Renaissance, palladiennes et modernisées, mais reconnaissables de manière classique. Ils étaient dirigés par des architectes nés dans les années 1870, qui ont atteint un pic créatif avant la Première Guerre mondiale, comme Ivan Fomin, Vladimir Shchuko et Ivan Zholtovsky. Lorsque l’économie a repris dans les années 1920, ces architectes et leurs partisans ont continué à travailler dans un environnement principalement moderniste; certains (Zholtovsky) ont strictement suivi le canon classique, d’autres (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) ont développé leurs propres styles modernisés.

Avec la répression de l’indépendance des architectes et le déni officiel du modernisme (1932), démontré par le concours international pour le Palais des Soviets, le néoclassicisme a été immédiatement promu comme l’un des choix de l’architecture stalinienne, mais pas le seul. Il coexistait avec l’architecture modérément moderniste de Boris Iofan, à la limite de l’Art Déco contemporain (Schuko); encore une fois, les exemples les plus purs du style ont été produits par l’école Zholtovsky qui est resté un phénomène isolé. L’intervention politique a été un désastre pour les dirigeants constructivistes mais a été sincèrement accueillie par les architectes des écoles classiques.

Le néoclassicisme était un choix facile pour l’URSS car il ne reposait pas sur des technologies de construction modernes (ossature en acier ou béton armé) et pouvait être reproduit dans la maçonnerie traditionnelle. Ainsi, les dessins de Zholtovsky, Fomin et d’autres anciens maîtres étaient facilement reproduits dans les villes reculées sous un rationnement matériel strict. L’amélioration des technologies de construction après la Seconde Guerre mondiale a permis aux architectes staliniens de se lancer dans la construction de gratte-ciel, bien que stylistiquement ces gratte-ciels (y compris l’architecture « exportée » du Palais de la Culture et des Sciences, Varsovie et le Shanghai International Convention Center) partagent peu avec les modèles classiques. Le néoclassicisme et la néo-Renaissance ont persisté dans des projets résidentiels et de bureaux moins exigeants jusqu’en 1955, lorsque Nikita Khrouchtchev a mis fin à une architecture stalinienne coûteuse.

L’architecture au 21e siècle
Après une accalmie pendant la période de domination architecturale moderne (à peu près après la Seconde Guerre mondiale jusqu’au milieu des années 1980), le néoclassicisme a connu une sorte de résurgence.

Depuis la première décennie du 21e siècle, l’architecture néoclassique contemporaine est généralement classée sous le terme générique de nouvelle architecture classique. Parfois, il est également appelé néo-historicisme ou traditionalisme. En outre, un certain nombre de pièces d’architecture postmoderne s’inspirent et incluent des références explicites au néoclassicisme, au quartier d’Antigone et au théâtre national de Catalogne à Barcelone. L’architecture postmoderne comprend parfois des éléments historiques, comme des colonnes, des chapiteaux ou le tympan.

Pour une architecture de style traditionnel sincère qui colle à l’architecture régionale, aux matériaux et à l’artisanat, le terme architecture traditionnelle (ou vernaculaire) est principalement utilisé. Le prix d’architecture Driehaus est décerné aux principaux contributeurs dans le domaine de l’architecture traditionnelle ou classique du 21e siècle et est accompagné d’un prix deux fois plus élevé que celui du prix moderniste Pritzker.

Aux États-Unis, divers bâtiments publics contemporains sont construits dans un style néoclassique, avec le Schermerhorn Symphony Center de Nashville en 2006.

En Grande-Bretagne, un certain nombre d’architectes sont actifs dans le style néoclassique. Des exemples de leur travail comprennent deux bibliothèques universitaires: la bibliothèque Maitland Robinson de Quinlan Terry à Downing College et la bibliothèque Sackler de Robert Adam Architects.