Ornement en art – HiSoUR Art Culture Histoire

Dans l’architecture et l’art décoratif, l’ornement est une décoration utilisée pour embellir des parties d’un bâtiment ou d’un objet. Les grands éléments figuratifs tels que la sculpture monumentale et leurs équivalents dans l’art décoratif sont exclus du terme; la plupart des ornements n’incluent pas de figures humaines et, s’ils sont présents, ils sont petits par rapport à l’échelle globale. Ornement architectural peut être sculpté dans la pierre, le bois ou les métaux précieux, formés avec du plâtre ou de l’argile, ou peint ou imprimé sur une surface comme ornement appliqué; dans d’autres arts appliqués, le matériau principal de l’objet, ou un matériau différent tel que la peinture ou l’émail vitreux, peut être utilisé.

Une grande variété de styles décoratifs et de motifs ont été développés pour l’architecture et les arts appliqués, y compris la poterie, le mobilier, le travail des métaux. Dans les textiles, les papiers peints et autres objets où la décoration peut être la principale justification de son existence, les termes modèle ou dessin sont plus susceptibles d’être utilisés. La vaste gamme de motifs utilisés en ornement s’inspire de formes et de motifs géométriques, de plantes et de figures humaines et animales. En Eurasie et dans le monde méditerranéen, il existe depuis plus de trois mille ans une tradition riche et liée d’ornement végétal; L’ornement traditionnel d’autres parties du monde repose typiquement plus sur des motifs géométriques et animaux.

Dans un essai de 1941, l’historien de l’architecture Sir John Summerson l’a appelé «modulation de surface». La première décoration et l’ornement survivent souvent des cultures préhistoriques dans de simples marques sur la poterie, où la décoration dans d’autres matériaux (y compris les tatouages) a été perdue. Lorsque la roue du potier était utilisée, la technologie rendait très facile certaines sortes de décorations; Le tissage est une autre technologie qui se prête aussi très facilement à la décoration ou au dessin, et dicte dans une certaine mesure sa forme. Ornement a été évident dans les civilisations depuis le début de l’histoire enregistrée, allant de l’architecture égyptienne antique à l’absence affirmée d’ornement de l’architecture moderniste du 20ème siècle.

Ornement implique que l’objet orné a une fonction qu’un équivalent sans ornement pourrait également remplir. Lorsque l’objet n’a pas une telle fonction, mais existe seulement pour être une œuvre d’art telle qu’une sculpture ou une peinture, le terme est moins susceptible d’être utilisé, à l’exception des éléments périphériques. Au cours des derniers siècles, une distinction entre les beaux-arts et les arts appliqués ou décoratifs a été appliquée (sauf pour l’architecture), l’ornement étant principalement considéré comme une caractéristique de cette dernière classe.

Pour d’autres utilisations, voir Ornement (homonymie).
Dans l’architecture et l’art décoratif, l’ornement est une décoration utilisée pour embellir des parties d’un bâtiment ou d’un objet. Les grands éléments figuratifs tels que la sculpture monumentale et leurs équivalents dans l’art décoratif sont exclus du terme; la plupart des ornements n’incluent pas de figures humaines et, s’ils sont présents, ils sont petits par rapport à l’échelle globale. Ornement architectural peut être sculpté dans la pierre, le bois ou les métaux précieux, formés avec du plâtre ou de l’argile, ou peint ou imprimé sur une surface comme ornement appliqué; dans d’autres arts appliqués, le matériau principal de l’objet, ou un matériau différent tel que la peinture ou l’émail vitreux, peut être utilisé.

Les ornements diffèrent des images au sens classique en ce que leur fonction narrative se substitue aux décorations. Ils ne créent pas d’illusion ni dans le temps ni dans la profondeur spatiale. Les ornements ne disent pas l’action continue et sont limités à la surface. Néanmoins, les ornements peuvent être naturalistes et sculpturaux, ou des objets individuels, tels que des vases, peuvent être utilisés ornementalement s’ils décorent comme une fonction majeure.

Les ornements figuratifs et plastiques contrastent avec les ornements abstraits ou stylisés. La stylisation peut concerner des éléments ou des formes individuelles ou, comme dans l’arabesque, le guidage du mouvement. Plus un ornement est abstrait, plus la raison apparaît comme un motif indépendant. En plus de leur degré d’abstraction, les ornements diffèrent dans leur relation avec le transporteur. Les ornements peuvent accentuer (rosettes), diviser (rubans, bandes en architecture), remplir et encadrer. Le porteur peut déterminer l’ornement ou, inversement, être dominé par l’ornement. L’intensité et la densité déterminent également la relation avec le porteur.

Les ornements sont examinés non seulement comme un genre artistique, mais aussi dans leur développement stylistique et dans le contexte de la perception humaine. Cette dernière approche tente de fonder l’étude de l’ornementation sur les découvertes de la psychologie. La fascination de l’homme avec des formes élémentaires géométriques simples s’explique par le besoin de choisir parmi la multitude de stimuli d’images chaotiques. En outre, pour être esthétique, les ornements doivent apporter une certaine complexité à cette approche. Sinon, ils sont triés comme prévu.

L’histoire de style de l’ornement traite du développement temporel des motifs ornementaux et de leur conception et a été fondée par Alois Riegl à la fin du 19ème siècle. Si une autre culture prend un motif, qu’elle perd ou change de sens, ou que le milieu ou la technologie de production change, par exemple par la production de masse et la production automatisée, les motifs se développent davantage. Différentes cultures ou courants locaux interagissent et s’influencent mutuellement. Parfois certains ornements d’un ornement sont si typiques d’une époque, d’un lieu ou d’un seul artiste qu’ils servent à déterminer l’origine.

La discussion sur les ornements a toujours été déterminée par le principe du décorum, qui, lorsqu’il est appliqué à l’ornementation, indique si l’emplacement ou la conception s’adapte. Cela inclut si un ornement est perçu comme ringard ou en surpoids. Ce qu’une société ressent comme un ajustement dépend fortement de ses normes. Puisque les ornements peuvent masquer la valeur peut-être moindre ou la fonctionnalité de leur porteur, l’histoire a souvent appelé à l’ornementation sobre et classique, au nom de la beauté naturelle et de la grâce.

En plus de l’art, l’ornement apparaît dans la musique comme une ornementation peut-être librement improvisée ou dans une rhétorique, où l’on entend par là un langage visuel ou rythmique exagéré. En outre, des éléments ornementaux émergent dans la peinture classique, par exemple dans les plis rythmiques du tissu ou dans la représentation sinueuse des figures.

Histoire
Antiquité
Orient antique
Au Moyen-Orient, de simples ornements géométriques remontent à 10 000 ans, obtenus sur des outils, des pots en argile ou des murs de grottes. Palmette et la rosette, la spirale et les modèles de lignes sont déjà plusieurs millénaires avant JC. Utilisé pour la décoration. Deux motifs végétaux communs dans l’Egypte ancienne sont le lotus dans ses manifestations comme une feuille, un bourgeon ou comme une fleur et le papyrus comme une fleur. En outre, les motifs ornementaux de l’Egypte ancienne comprennent des animaux (tels que Bukranien), des personnages, des personnages et des motifs géométriques. Les motifs sont alignés, alternés ou reliés par des lignes (comme des lignes en spirale). D’autres motifs qui ont été utilisés avant l’antiquité classique incluent des pommes de pin et des grenades. Le Triplespirale et le Triskele sont des motifs du passé. La roue de vortex une modification de la croix gammée est ajoutée plus tard.

Antiquité classique
Dans l’antiquité grecque, le claquement et le remplissage des vrilles, ainsi que l’acanthe et la palmette se développent dans leur forme classique. Il donne des caractéristiques telles que la palmette à demi-palmier et la palmette circonscrite, et comme élément de liaison, la vrille à ondes libres, qui se déploie plus tard dans l’espace. Contrairement à l’ornementation égyptienne antique, les motifs ne sont pas seulement disposés strictement orthogonale, mais tout à fait en diagonale. Les ornements sont vus dans leur relation au contenu, par exemple en tant que cadres pour des représentations sur des vases. La feuille de lierre est relativement précoce, plus tard la feuille d’acanthe comme ornement, la dernière en rapport avec l’ordre corinthien (voir l’ordre des colonnes et la capitale).

Dans l’hellénisme et l’antiquité romaine, à l’ouest, les tendances spatio-naturalistes dans l’ornementation; Les représentations humaines et animales s’accumulent (put, fantaisie ou oiseaux). La fin de l’Antiquité conduit d’une part à une naturalisation plus poussée et à un remplissage luxuriant de la surface, ce qui va servir à la représentation de la richesse. Cependant, les motifs sont souvent utilisés relativement librement, presque stylisés. Par exemple, la feuille d’acanthe non libre vient, dont la vigne de liaison continue à son extrémité. Surtout en Orient, un style plus abstrait se développe. D’autres motifs typiques de l’Antiquité romaine sont le laurier, le raisin et les feuilles. La colonne perd sa fonction exclusivement porteuse et est utilisée ornementalement.

L’Europe 
Moyen Âge
L’art carolingien a pris plus de 800 de la fin des siècles, il y a seulement quelques siècles, la palmette et l’acanthe. En outre, le natif des animaux de tradition celtique et germanique et Flechtbanddekor a tenu. Les deux influences étaient encore efficaces en roman. Le feuillage de la bijouterie de la capitale utilisait l’acanthe plus ou moins classique. L’ornement du bâtiment préférait les formes géométriques, telles que la denture, le ruban pointu ou la frise en arc de cercle. Dans les frontières et les initiales de l’illumination sont principalement des éléments végétaux, développés à partir de palmette et d’acanthe, mais – contrairement au gothique – sont encore limitées par des séparations de champ et des cadres.

Complètement indépendant des modèles anciens, l’entrelacs développe le genre ornemental le plus important du gothique. Originaires d’un élément architectural de structuration et d’adaptation structurelle aux grandes surfaces vitrées, ces motifs, facilement transférables dans leur linéarité, deviennent des éléments décoratifs indépendants tels que des retabels sculptés, des ostensoirs dorés ou des pages de livres peintes. La directionnalité verticale de l’entrelacs trouve une variante dans les arches pointues disposées radialement de la rosace. Contrairement à cette caractéristique géométrique et abstraite de l’entrelacs, en gothique, il y a une ornementation presque naturaliste des plantes. À la capitale, il varie d’abord puis déplace l’acanthe classique, le remplaçant par des feuilles de vigne et le feuillage des plantes indigènes. L’ornementation typique du feuillage d’Europe centrale en Europe centrale est constituée de feuilles voûtées au XIVe siècle et, à la fin du XVe siècle, de vrilles ressemblant à des chardons. De même que ses enchevêtrements deviennent de plus en plus complexes, les entrelacs sont de plus en plus complexes et les arcs pointus sont flamboyants, comme le montre le nez à trois noisettes composé de trois bulles de poisson.

Renaissance
Pour Leon Battista Alberti, l’ornement joue un rôle important dans la définition de la beauté (pulcritudo). La beauté, dit Alberti, est une condition idéale dans laquelle rien ne peut être enlevé ou ajouté au bâtiment sans en diminuer la beauté. Puisque cette condition n’est pas réalisée dans la réalité, l’ornement est appliqué à l’extérieur du bâtiment pour souligner les avantages du bâtiment et pour dissimuler les défauts (Alberti: de re aedificatoria, Venise 1485, livre VI, chapitre 2),

L’application la plus importante de ce schéma dualiste de beauté et d’ornement peut être trouvée dans le motif théâtral, qui est devenu la structure la plus importante pour la construction de fissures pendant la Renaissance.

Ornement moderne
Les ornements modernes de menuiserie sont faits de bois, de plastiques, de composites, etc. Ils viennent dans beaucoup de différentes couleurs et formes. L’architecture moderne, conçue comme l’élimination de l’ornement au profit de structures purement fonctionnelles, a laissé aux architectes le problème de savoir comment orner correctement les structures modernes. Il y avait deux routes disponibles à partir de cette crise perçue. L’un était de tenter de concevoir un vocabulaire ornemental nouveau et essentiellement contemporain. C’est l’itinéraire emprunté par des architectes comme Louis Sullivan et son élève Frank Lloyd Wright, ou par l’unique Antoni Gaudí. L’Art nouveau, pour tous ses excès, était un effort conscient pour développer un tel vocabulaire «naturel» de l’ornement.

Une voie plus radicale a complètement abandonné l’usage de l’ornement, comme dans certains dessins d’objets de Christopher Dresser. À l’époque, de tels objets non décorés auraient pu être trouvés dans de nombreux articles de design industriel sans prétention, des céramiques produites à la manufacture Arabia en Finlande, par exemple, ou sur les isolants en verre des lignes électriques.

Cette dernière approche a été décrite par l’architecte Adolf Loos dans son manifeste de 1908, traduit en anglais en 1913 et intitulé polémiquement Ornement et Crime, dans lequel il a déclaré que le manque de décoration est le signe d’une société avancée. Son argument était que l’ornement était économiquement inefficace et «moralement dégénéré», et que réduire l’ornement était un signe de progrès. Les modernistes étaient impatients de désigner l’architecte américain Louis Sullivan comme leur parrain dans la cause de la simplification esthétique, rejetant les nœuds de l’ornement complexe qui articulait la peau de ses structures.

Avec le travail de Le Corbusier et du Bauhaus à travers les années 1920 et 1930, le manque de détails décoratifs est devenu une caractéristique de l’architecture moderne et assimilé aux vertus morales de l’honnêteté, de la simplicité et de la pureté. En 1932, Philip Johnson et Henry-Russell Hitchcock l’ont surnommé le «style international». Ce qui a commencé par goût a été transformé en un mandat esthétique. Les modernistes ont déclaré qu’ils étaient le seul moyen acceptable de construire. Alors que le style de Mies van der Rohe est très développé, les principes du modernisme des années 1950 deviennent si stricts que même des architectes accomplis comme Edward Durrell Stone et Eero Saarinen peuvent être ridiculisés et ostracisés pour s’être écartés des règles esthétiques.

Dans le même temps, les lois non écrites contre l’ornement ont commencé à se poser sérieusement. « L’architecture s’est, avec quelque difficulté, libérée de l’ornement, mais elle ne s’est pas libérée de la peur de l’ornement », observe Summerson en 1941.

La différence entre l’ornement et la structure est subtile et peut-être arbitraire. Les arcs brisés et les contreforts volants de l’architecture gothique sont ornementaux mais structurellement nécessaires; les bandes rythmiques colorées d’un gratte-ciel de style international Pietro Belluschi sont intégrales, non appliquées, mais ont certainement un effet ornemental. De plus, les ornements architecturaux peuvent servir à établir des échelles, à signaler des entrées et à faciliter l’orientation, et ces tactiques de conception utiles ont été interdites. Et au milieu des années 1950, les figures de proue modernistes Le Corbusier et Marcel Breuer brisaient leurs propres règles en produisant un travail concret très expressif et sculptural.

L’argument contre l’ornement a atteint son paroxysme en 1959 après des discussions sur le Seagram Building, où Mies van der Rohe a installé une série de poutrelles verticales inutiles à l’extérieur du bâtiment, et en 1984, lorsque Philip Johnson a produit son AT & T Building à Manhattan. un fronton néo-géorgien en granit rose ornemental, l’argument était effectivement terminé. Rétrospectivement, les critiques ont vu le bâtiment AT & T comme le premier bâtiment postmoderniste.

Imprimés d’ornements et cahiers de dessins

Versions élaborées d’ornements architecturaux classiques gréco-romains dans l’ornement de Meyer

Un détail de la marge d’une page d’un manuscrit gothique tardif
Quelques carnets médiévaux survivent, le plus célèbre étant celui de Villard de Honnecourt (XIIIe siècle) qui montre comment des artistes et des artisans ont enregistré des dessins qu’ils ont vus pour un usage futur. Avec l’arrivée de l’ornement imprimé est devenu une partie importante de la production des graveurs, en particulier en Allemagne, et a joué un rôle essentiel dans la diffusion rapide des nouveaux styles de la Renaissance aux fabricants de toutes sortes d’objets. Outre l’ornement classique revisité, à la fois architectural et grotesque, dérivé de la décoration intérieure romaine, on y trouve de nouveaux styles comme le moresque, adaptation européenne de l’arabesque islamique (distinction pas toujours évidente à l’époque).

Comme l’impression est devenue moins chère, l’imprimé d’ornement unique s’est transformé en décors, puis en livres. Du 16ème au 19ème siècle, des livres de modèles ont été publiés en Europe qui donnaient accès à des éléments décoratifs, incluant éventuellement ceux enregistrés de cultures du monde entier. I quattro libri dell’architettura (Quatre livres sur l’architecture) d’Andrea Palladio (Venise, 1570), qui comprenait à la fois des dessins de bâtiments romains classiques et des dessins de Palladio utilisant ces motifs, devint le livre le plus influent jamais écrit sur l’architecture. Napoléon fit documenter les grandes pyramides et les temples de l’Egypte dans la Description de l’Egypte (1809). Owen Jones a publié The Grammar of Ornament en 1856 avec des illustrations colorées de décoration d’Egypte, de Turquie, de Sicile et d’Espagne. Il a pris la résidence dans le Palais de l’Alhambra pour faire des dessins et des moulages en plâtre des détails ornés des ornements islamiques là, y compris les arabesques, la calligraphie et les motifs géométriques. L’intérêt pour l’architecture classique a également été alimenté par la tradition de voyager sur le Grand Tour, et par la traduction de la littérature ancienne sur l’architecture dans le travail de Vitruve et Michel-Ange.

Pendant le 19ème siècle, l’utilisation acceptable de l’ornement, et sa définition précise est devenue la source de la controverse esthétique dans l’architecture académique occidentale, comme les architectes et leurs critiques ont cherché un style approprié. « La grande question est, » demanda Thomas Leverton Donaldson en 1847, « devons-nous avoir une architecture de notre époque, un style distinct, individuel, palpable du 19ème siècle? ». En 1849, lorsque Matthew Digby Wyatt regarda l’Exposition industrielle française installée sur les Champs-Elysées à Paris, il désapprouva en termes modernes reconnaissables les ornements en plâtre en faux-bronze et en similibois:

Tant intérieurement qu’extérieurement il y a beaucoup d’ornement insipide et peu profitable … Si chaque matériel simple avait été autorisé à dire son propre conte, et les lignes de la construction ont arrangé de manière à conduire à un sentiment de grandeur, les qualités de le «pouvoir» et la «vérité», dont son énorme étendue devait nécessairement assurer, ne pouvaient manquer d’exciter l’admiration, et cela à un très-considérable gain de dépenses.

Les contacts avec d’autres cultures à travers le colonialisme et les nouvelles découvertes de l’archéologie ont élargi le répertoire d’ornement disponible pour les revivalistes. Après environ 1880, la photographie a rendu les détails de l’ornement encore plus largement disponibles que les estampes.

Critiquer l’ornement
L’architecture moderne et la conception des produits ont développé un scepticisme et un rejet généralisés de l’ornementation. Au lieu de cela, la formule « forme suit la fonction » a été promue. Le livre publié en 1908 par Adolf Loos, ornement et crime, était particulièrement populaire. Il décrivait comme superflu l’usage de l’ornement et du décor.

Pour le médecin Hans Martin Sutermeister, l’ornement était une régression de la récupération: la « magie de l’ornement » repose sur « son effet affectif ou suggestif, qui est dû au fait que […] les stimuli externes rythmiques affectent de plus en plus [ profondeur] couches de notre psyché. « L’ornement peut donc être utilisé, semblable à la musique rythmique, pour attirer le spectateur (ou l’auditeur) à influencer.