Le Peredvizhniki (russe: Передви́жники ， Le partenariat des expositions d’art itinérantes), est une association d’artistes russes qui a vu le jour dans le dernier tiers du XIXe siècle et a existé jusqu’en 1923. En termes esthétiques, les participants au Partenariat, ou Wanderers, jusqu’aux années 1890 se sont délibérément opposés aux universitaires. Ils prétendaient s’inspirer du Narodisme. En organisant des expositions itinérantes, les Wanderers ont mené des activités éducatives actives et assuré la commercialisation de leurs œuvres; La vie économique du Partenariat s’est construite sur des principes coopératifs.

Le Peredvizhniki. souvent appelés The Wanderers ou The Itinerants, étaient un groupe d’artistes réalistes russes qui formaient une coopérative d’artistes pour protester contre les restrictions académiques; il est devenu la Société des expositions d’art itinérantes en 1870.

Principes artistiques
Les peintures des Wanderers se caractérisent par un psychologisme exacerbé, une orientation sociale, une grande habileté à taper, un réalisme proche du naturalisme, une vision tragique de la réalité en général. Le style dominant dans l’art des Wanderers était le réalisme.

Histoire
En 1863, un groupe de quatorze étudiants décida de quitter l’Académie impériale des arts. Les étudiants ont trouvé les règles de l’Académie contraignantes; les professeurs étaient conservateurs et il y avait une stricte séparation entre l’art élevé et l’art bas. Dans un effort pour apporter l’art au peuple, les étudiants ont formé une société artistique indépendante; La coopérative des artistes de Pétersbourg (Artel). En 1870, cette organisation a été largement remplacée par l’Association des expositions d’art itinérantes (Peredvizhniki) pour donner aux gens des provinces une chance de suivre les réalisations de l’art russe et d’apprendre aux gens à apprécier l’art. La société a maintenu son indépendance vis-à-vis du soutien de l’État et a introduit dans les provinces l’art qui illustre la vie contemporaine des habitants de Moscou et de Saint-Pétersbourg.

De 1871 à 1923, la société a organisé 48 expositions mobiles à Saint-Pétersbourg et à Moscou, après quoi elles ont été présentées à Kiev, Kharkov, Kazan, Oryol, Riga, Odessa et dans d’autres villes.

Artel
La réforme de l’Académie impériale des arts faisait également partie intégrante des réformes éducatives. En 1859, une nouvelle charte de l’Académie a été adoptée, qui a introduit un certain nombre de changements progressifs dans son travail. Néanmoins, des approches conservatrices sous la forme d’un concours pour une grande médaille d’or conduisirent au conflit: le 9 novembre 1863, les 14 étudiants les plus remarquables de l’Académie impériale des arts admis au concours pour la première médaille d’or demandèrent au Conseil de l’Académie pour remplacer la tâche du concours (peinture sur une intrigue donnée de la mythologie scandinave «La fête du dieu Odin à Valhalla») En mission gratuite – écrire une image sur un thème choisi par l’artiste lui-même. Suite au refus du Conseil, les 14 personnes ont toutes quitté l’Académie. Cet événement est entré dans l’histoire comme «l’émeute des quatorze». Ce sont eux qui ont organisé « l’Artel des artistes de Saint-Pétersbourg » plus tard, en 1870, certains de ses membres ont adhéré au « Partenariat des expositions d’art itinérantes ».
L’Artel a été la première tentative de former une association indépendante d’artistes en Russie. L’expérience d’Artel a été prise en compte lors de la création du Partenariat.

Wanderers
L’idée d’unir les artistes de Moscou et de Saint-Pétersbourg sur la base de la création d’une exposition itinérante a été énoncée dans une lettre d’un groupe d’artistes moscovites à leurs collègues de l’Artel des artistes de Saint-Pétersbourg. L’artel, à l’exception de I. Kramskoy et K. Lemokh, n’a pas accepté l’idée de créer le Partenariat, mais d’autres artistes de Pétersbourg venus aux « Jeudis » de l’Artel l’ont chaleureusement soutenu. En septembre 1870, les fondateurs du Partenariat (14 personnes) déposèrent une pétition auprès du ministre de l’Intérieur A. E. Timashev avec la demande d’approuver le projet de charte du Partenariat. Le 2 novembre 1870, la charte est approuvée. La section 1 de la charte proclamait: «Le partenariat vise à: organiser … dans toutes les villes de l’empire des expositions d’art itinérantes sous la forme de: a) donner aux habitants des provinces la possibilité de se familiariser avec l’art russe. b) développer l’amour de l’art dans la société; c) soulagement pour les artistes qui vendent leurs œuvres. »La charte stipule que les affaires de la société sont gérées par l’assemblée générale de ses membres et le conseil d’administration où toutes les questions sont tranchées par vote (les décisions sont prises à la majorité des voix); l’adhésion au Partenariat se fait par vote en assemblée générale. La charte est restée inchangée pendant 18 ans, jusqu’en avril 1890, date à laquelle une nouvelle charte a été adoptée, selon laquelle les principes démocratiques de prise de décision dans le Partenariat étaient considérablement réduits.

La première exposition du Partenariat a été inaugurée à Saint-Pétersbourg le 29 novembre (11 décembre 1871) dans le bâtiment de l’Académie des Arts. L’exposition présentait les œuvres de 16 artistes. Après Pétersbourg, l’exposition a été présentée à Moscou, Kiev et Kharkov. Au total, 82 œuvres de 20 artistes ont été présentées. «Les tours sont arrivées», une photographie de N. N. Ge «Peter I interroge le tsarévitch Alexeï Petrovitch à Peterhof», une sculpture de M. M. Antokolsky «Ivan le Terrible», a particulièrement bien réussi à l’exposition. En général, l’exposition a été couronnée de succès et est devenue un événement important dans la vie culturelle de la Russie. L’art des vagabonds était en demande dans la société russe. Le célèbre personnage public, chercheur et critique d’art V.V. a joué un rôle de premier plan dans le développement de l’art des vagabonds. Stasov; le collectionneur et philanthrope P. M. Tretyakov, acquérant les œuvres des Wanderers dans sa galerie, leur a fourni un important soutien matériel et moral. Beaucoup d’œuvres des Wanderers ont été commandées par Pavel Mikhailovich Tretyakov. Pendant un demi-siècle d’existence, le Partenariat a organisé 47 expositions itinérantes. En plus des expositions annuelles, le Partenariat a organisé des expositions parallèles pour les villes où les expositions principales ne sont pas tombées. Ces expositions étaient composées des œuvres des Wanderers non vendues dans les grandes expositions. Au fur et à mesure que ces œuvres s’accumulaient, une exposition a été organisée. La géographie des expositions parallèles était plus étendue que celle des expositions principales. Ainsi, la première exposition parallèle a été présentée dans 12 villes de Russie.

Société d’expositions artistiques itinérantes
La Société des expositions d’art itinérantes l’a suivi à Moscou après cette dissolution. Mais il n’a plus le caractère communautaire d’artel. Vassili Perov, Grigori Miassoïedov, Illarion Prianichnikov, Vladimir Makovski et Alexei Savrasov prennent cette initiative dès sa création, grâce au soutien financier de Tretyakov, en novembre 1870. Les peintres de l’ancien artel de Saint-Pétersbourg se joignent à eux, dont Ivan Kramskoy. On retrouve également parmi eux Ivan Chichkin, et un propagandiste des idées religieuses de Léon Tolstoï, Nikolai Gay. Le but de cette société est double: décentraliser la vie artistique en dehors des deux capitales russes et, de plus, diffuser l’art à travers l’Empire grâce à son contenu humanitaire. Ils circulent dans toutes les grandes villes, d’où le nom des Ambulants.

Le 29 novembre 1871, la première exposition est organisée à Saint-Pétersbourg. Il a obtenu un succès qui a assuré leur popularité. L’association comptera un total de 109 membres actifs et 440 participants. De 1871 à 1923, la société a organisé 48 expositions à Saint-Pétersbourg et à Moscou, qui ont ensuite été présentées à Kiev, Kharkov, Kazan, Orel, Riga, Odessa et dans d’autres villes.

Les itinérants garantissent leur indépendance et ne reçoivent pas d’aides d’État.

Projet
C’est Ivan Kramskoi (1837-1887) qui est le véritable théoricien du groupe. Sa conception de l’art est basée sur les idées de Nikolai Chernyshevsky, lui-même influencé par Ludwig Feuerbach. Pour Chernyshevsky, l’art doit interpréter la réalité, l’expliquer. Son but est de contribuer au bonheur de l’homme en lui révélant le sens de sa vie. Dans cette vision utilitaire, le contenu de l’œuvre est plus important que sa forme. Sans aller à des conclusions extrêmes ou révolutionnaires, comme celles, par exemple, d’un Varfolomeï Zaïtsev, épigone du réalisme populaire, les itinérants pensent aussi que l’art doit être au service du peuple.

Rejet de l’idéalisme esthétique
Kramskoï pense qu’il est essentiel de ne pas se laisser prendre par les artifices de la pure beauté et qu’il faut mettre un sens idéologique dans l’art. L’exemple grec lui fait considérer que dès qu’il cesse d’être guidé par les idéaux de la religion, il dégénère et devient maniéré, puis s’éteint. C’est aussi ce qui s’est passé, selon lui, lors de la Renaissance en Italie puis aux Pays-Bas. Pour les itinérants, l’artiste ne doit pas créer d’œuvres vidées de contenu social.

Rejet de la routine académique
La routine académique est également sujette à l’indignation de Kramskoi. Il n’hésite pas à invoquer Proudhon qui souhaite la fermeture des académies et l’ouverture d’écoles gratuites. L’Académie doit être détruite pour sauver l’art. Il se réfère toujours à l’art grec, qui, selon lui, s’est formé spontanément. La remise en cause de l’enseignement universitaire offre à Kramskoy l’opportunité d’échapper au conformisme dans lequel l’art est au milieu du XIXe siècle.

Rejet des influences étrangères
L’Académie aimait la répétition de modèles nés avec la Renaissance. Les itinérants ne prétendent pas rejeter les idéaux du passé, mais refusent de les reproduire, car chaque mouvement artistique est propre à une époque donnée. Le critique Stassov s’incline devant l’art de Goya, Ivan Kramskoi est exalté pour celui de Vélasquez. Mais au nom du réalisme, les itinérants restent imperméables aux différents courants de la peinture occidentale, héritiers de la Renaissance. Kramskoi, qui a visité le Salon de Paris en 1876, a écrit à Tretyakov que l’impressionnisme est un mouvement intéressant et que l’avenir lui appartient, pour certains, et le qualifie de flou。

L’art comme apostolat
Les peintres russes du groupe des itinérants ont très souvent un zèle missionnaire. Le peintre est un prophète, son art est sacré: c’est une attitude profondément russe. C’est une attitude de don de soi à l’art qui caractérise le climat très particulier qui régnait chez ces promoteurs.

Itinérance et réalisme social
Les expositions itinérantes dans les grandes villes russes avaient également un but éducatif et le désir était de rendre l’art plus accessible à un large public. Ces expositions sont l’occasion de parcourir la campagne pour peindre les gens, en particulier les paysans russes. Les peintres itinérants pratiquaient principalement une peinture de genre à caractère social et historique: le portrait, le paysage russe et quelques natures mortes. Les itinérants se sont intéressés à la condition du peuple russe et ont souligné les inégalités flagrantes de l’époque. Les plus radicaux d’entre eux ont alors développé ce que l’on a appelé le réalisme critique.

Avant eux, l’art n’était pour beaucoup qu’une vague notion réservée à la haute aristocratie. La langue simple et accessible des itinérants l’a rendu plus accessible.

Influence des critiques littéraires
Peredvizhniki a été influencé par les opinions publiques des critiques littéraires Vissarion Belinsky et Nikolai Chernyshevsky, qui ont tous deux adopté des idées libérales. Belinsky pensait que la littérature et l’art devaient attribuer une responsabilité sociale et morale. Comme la plupart des slavophiles, Chernyshevsky a ardemment soutenu l’émancipation des serfs, qui a finalement été réalisée lors de la réforme de 1861. Il considérait la censure de la presse, le servage et la peine capitale comme des influences occidentales. En raison de son activisme politique, les responsables ont interdit la publication de ses écrits, y compris sa thèse; mais il a finalement trouvé son chemin dans le monde de l’art de la Russie du XIXe siècle. En 1863, presque immédiatement après l’émancipation des serfs, les objectifs de Tchernyshevsky ont été réalisés avec l’aide de Peredvizhniki, qui a pris l’idée répandue des slavophiles-populistes selon laquelle la Russie avait une beauté intérieure distincte et modeste et a trouvé comment l’afficher sur Toile.

Sujets des peintures
Peredvizhniki a dépeint les aspects multiples de la vie sociale, souvent critique des inégalités et des injustices. Mais leur art montrait non seulement la pauvreté mais aussi la beauté du mode de vie populaire; non seulement la souffrance mais aussi le courage et la force des personnages. Peredvizhniki a condamné les ordres aristocratiques russes et le gouvernement autocratique dans leur art humaniste. Ils ont dépeint le mouvement d’émancipation du peuple russe avec empathie (L’arrestation du propagandiste; Refus de confession; Non prévu par Ilya Yefimovich Repin). Ils ont dépeint la vie socio-urbaine, et ont ensuite utilisé l’art historique pour représenter les gens du commun (Le matin de l’exécution de Streltsy par Vasily Surikov).

Au cours de son épanouissement (1870-1890), la société Peredvizhniki a développé un champ d’application de plus en plus large, avec des images plus naturelles et plus libres. Contrairement à la palette sombre traditionnelle de l’époque, ils ont choisi une palette plus claire, avec une manière plus libre dans leur technique. Ils ont travaillé pour le naturel dans leurs images et la représentation de la relation des gens avec leur environnement. La société a uni la plupart des artistes très talentueux du pays. Parmi Peredvizhniki, il y avait des artistes d’Ukraine, de Lettonie et d’Arménie. La société a également montré le travail de Mark Antokolski, Vasili Vereshchagin et Andrei Ryabushkin. Le travail du critique et démocrate Vladimir Stasov a été important pour le développement de l’art de Peredvizhniki. Pavel Mikhailovich Tretyakov a montré le travail de ces artistes dans sa galerie et leur a apporté un soutien matériel et moral important.

Peinture religieuse
La place accordée aux thèmes religieux par des artistes en partie proches des révolutionnaires peut surprendre. Mais le christianisme orthodoxe a profondément marqué l’intelligentsia russe. Selon Nicolas Berdiaev, le Russe reste fidèle à sa religion dans sa révolte même. Kramskoï, Gay, Repine, chefs des ambulants, ont exprimé leur sensibilité religieuse. Le Christ qu’ils vont représenter n’est plus un Christ en majesté, le Christ Pantocrator d’icônes, mais un homme accablé de douleur, trahi, bafoué.

Alexandre Ivanov (1806-1856) doit être cité comme précurseur, avec son Apparition du Christ au peuple, sur laquelle il a travaillé pendant 25 ans et qu’il a terminé en 1857. Les Scènes de la Sainte Histoire produites dans les années 1850 repoussaient déjà formellement l’académisme de l’Académie et revendiqué l’indépendance de l’artiste. Mais il mourut avant la dissidence de 1863, qui marqua le début des Ambulants.

Nikolai Gay (1832-1894), après ses voyages en Italie en 1857 et 1867, se retrouve isolé, loin des problèmes sociaux de son temps, à cause de son sentiment du tragique et de son exaltation religieuse. Il a choisi comme thème principal de son œuvre la vie du Christ, sa passion, sa condamnation. Sa première peinture religieuse, The Last Supper, en 1863, provoque une vive controverse. Saltykov-Chtchedrine et Léon Tolstoï sont enthousiastes et le citent comme modèle. Le refus de Gay de diviniser le Christ permet, selon ces deux auteurs, de ressentir profondément son humanité. Tolstoï prétend même que Gay a trouvé la vraie clé du christianisme en humanisant Jésus-Christ. Fédor Dostoïevski, d’autre part, avant un dernier souper où Gay, devant ses personnages ordinaires réunis pour le dîner, se demande où sont passés les dix-huit siècles du christianisme . Pour lui, tout est faux chez Gay, il n’y a pas de vérité historique et donc plus de réalisme.

Après la dernière Cène, Gay a subi un échec complet avec une résurrection. Il se tourne ensuite vers des sujets historiques et s’installe à Saint-Pétersbourg. Sa peinture Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis à Peterhof lui vaut un succès retentissant. C’est un tableau historique, mais c’est aussi, selon Valentin Marcadé, une réplique de l’Évangile: le Christ devant Ponce Pilate.

Après plusieurs échecs, il se retire à la campagne en 1873 et rompt avec les Ambulants. C’est son amitié pour Léon Tolstoï qui le ramène à la peinture dix ans plus tard. Tolstoï aimait voir ses propres idées sur le christianisme prendre forme dans les œuvres de Gay. En 1894, Gay a achevé une crucifixion. Pour Louis Réau, cette œuvre reflète une influence néfaste de Léon Tolstoï sur le peintre conduisant ce dernier à ignorer la beauté formelle, incompatible avec la beauté spirituelle. Dans la version de 1892, la pose du Crucifié qui a glissé et recroquevillé est hallucinante et rappelle, selon Louis Réau, celle du Retable d’Issenheim de Matthias Grünewald.

Pour les partisans d’une peinture réaliste, l’expressionnisme de Gay choqué par son excès et l’exacerbation des sentiments. Pour Tolstoï, le grand public réclame les icônes du Christ, qui peuvent être priées, et Gay leur offre un Christ sous la forme d’un vrai homme, ce qui conduit à la déception et à l’insatisfaction.

Toute l’œuvre d’Ivan Kramskoy (1837-1887) est dominée par la figure du Christ. Le peintre le représente dans sa peinture Le Christ dans le désert dans un état d’abandon total, voué à la solitude et à la cruauté humaine.

Ilia Répine (1844-1930) considérait la religion comme le moteur de l’art, car c’est de là que viennent les idéaux les plus élevés. Ses tableaux les plus célèbres ne sont cependant pas d’inspiration religieuse, à l’exception de la procession religieuse dans la province de Koursk, qui est plutôt « une image globale de la vie du peuple » dans les années 1880.

Viktor Vasnetsov (1848-1926) est un peintre religieux à la mode qui est chargé de la création des fresques de la cathédrale Saint-Vladimir de Kiev. Son objectif était de régénérer l’art sacré mais, note Valentin Marcadé, ses réalisations sont bien inférieures à ses créations. Cependant, ses fresques de Kiev sont célébrées en Russie et même à l’étranger. C’était un style byzantin humanisé. Ce n’est que plus tard que nous avons réalisé que le compromis entre ancienne et nouvelle religion n’était pas une solution. Ses peintures de légendes émeuvent davantage les sentiments (comme celle des Bogatyrs).

Mikhail Nesterov (1862-1942) jouit d’un grand enthousiasme du public russe pour son travail. Il parvient à créer les atmosphères de la vie monastique. Son travail est cependant plus proche de la sentimentalité des légendes que du vrai mysticisme, note Valentine Marcadé. Mais le fait demeure qu’il est un paysagiste exquis. Personne n’a mieux que lui, rappelle Louis Réau, traduit l’inquiétude perpétuelle de ses errants en pèlerinage, la poésie des sites monastiques.

Les itinérants voulaient tous insuffler une nouvelle vie à l’art sacré. Selon Valentine Marcadé, leur interprétation manquait de grandeur, d’échelle et de capacité à rendre la beauté mystique.

Peinture sociale réaliste
Pour le philosophe et révolutionnaire Nikolai Chernyshevsky, la plus grande beauté est celle que l’homme rencontre dans la vie et non la beauté créée par l’art. Le rôle de l’art est de copier fidèlement la réalité, y compris ses inégalités et ses biais sociaux. La crudité souvent révoltante de la réalité doit être montrée aux gens pour leur donner du dégoût. Le grand artiste des itinérants n’est pas celui qui peint le mieux mais celui qui dénonce le plus éloquemment les abus, la corruption des riches, l’ivresse des papes et des paysans.

Les inégalités sociales sont donc un thème que les itinérants aiment développer. Grigori Miassoïedov dans Le déjeuner Zemstvo surprend une scène de rue lors de l’interruption de la session de ce conseil provincial. Les membres de l’assemblée mangent et boivent au maximum pendant que les paysans sont dans la rue, assis par terre, dans la poussière, grignotant quelques croûtes. Vassili Maximov a passé son enfance dans la Russie rurale, représentée par exemple dans Tout est dans le passé. Konstantin Savitsky prend pour héros, non des individus, mais des groupes de travailleurs comme dans son impressionnant projet intitulé: Travaux de réparation sur le chemin de fer.

Le paysage
La peinture de paysage a prospéré dans les années 1870 et 1880. Peredvizhniki a peint principalement des paysages; certains, comme Polenov, utilisaient la technique du plein air. Deux peintres, Ivan Shishkin et Isaak Levitan, n’ont peint que des paysages de Russie. Shishkin est toujours considéré comme le « chanteur de forêt » russe, tandis que les paysages de Levitan sont célèbres pour leurs humeurs intenses. Le paysage russe a gagné en importance en tant qu’icône nationale après Peredvizhniki.

La nature occupe une place importante dans l’art russe. Que ce soit en musique, en littérature ou en peinture, les artistes décrivent voluptueusement leur grande Russie. Ils diffèrent en cela des artistes d’autres pays. C’est Alexei Savrasov, avec sa peinture Les freux sont de retour, qui occupe la place d’honneur, selon de nombreux critiques d’art, dont Valentine Marcadé. Vassili Polenov se démarque avec son paysage urbain de Moscou, une cour d’une maison recouverte d’herbe et traversée de poulets: Cour à Moscou. Ivan Aïvazovski a consacré pas moins de 6 000 tableaux à la mer Noire. Kouïndji a reçu un immense prestige grâce à sa boulaie. Chichkine peint principalement des forêts et des arbres: pins, chênes, bouleaux, sous-bois et forêt profonde. Levitan est proche de l’écrivain Tchekhov, son ami. Ses paysages sont tous de mélancolie, de charme, de tendresse. Son nom incarne une conception séduisante de la peinture dénuée de tout effet extérieur.

Peredvizhniki a peint des paysages pour explorer la beauté de son propre pays et encourager les gens ordinaires à l’aimer et à le préserver. Levitan a dit un jour: « J’imagine une telle grâce dans notre terre russe – des rivières débordantes qui ramènent tout à la vie. Il n’y a pas de pays plus beau que la Russie! Il ne peut y avoir de véritable paysagiste qu’en Russie ». Peredvizhniki a donné un caractère national aux paysages, afin que les gens d’autres nations puissent reconnaître le paysage russe. Les paysages de Peredvizhniki sont les incarnations symboliques de la nationalité russe.

Portraits
Le portrait est le moyen le plus sûr pour l’artiste de gagner de l’argent. Les autres sujets sont plus difficiles à vendre. Les membres de la famille impériale passent également des commandes et les hauts dignitaires les imitent. Des collectionneurs, tels que les frères Tretyakov, ont entrepris de créer un portrait de personnages célèbres de l’époque: scientifiques, artistes, écrivains. Ivan Kramskoï, Nikolaï Gay, Vassili Perov ou Ilia Répine les réalisent. Les meilleures réussites sont parmi toutes ces œuvres, celles de Répine, selon la critique d’art Valentine Marcadé. Ses portraits sont souvent plus proches de la satire que du poème. On pense à celui de Modeste Moussorgskisome avant sa mort. Mais ce n’est pas toujours le cas, et certains portraits de ses filles, Vera et Nadezhda, ou de sa femme, sont baignés de lumière avec un sens aigu de la poésie.

Peinture historique
Le plus doué des itinérants était sans aucun doute Ilia Repin, mais Vassili Sourikov, Nikolaï Nevrev et plus tard Vassili Verechtchaguine se sont également tournés vers des sujets susceptibles d’exalter la grandeur de la Russie à travers son histoire.

Peinture de genre
Au cours de la première moitié du XIXe siècle, deux courants partagent la description de la vie russe dans les peintures de genre. L’un est représenté par Alexei Venetsianov et son école avec notamment ses élèves Nikifore Krylov et Alexei Tyranov. L’autre est représenté par Pavel Fedotov et jettera les bases du réalisme critique en abordant des thèmes moraux et sociaux. Les itinérants suivront cette deuxième ligne, essayant de dresser un portrait fidèle de l’existence quotidienne du peuple russe pendant la seconde moitié du siècle.

Le réalisme pratique des Ambulants a dû conduire à la peinture de genre car c’était la seule peinture susceptible d’intéresser les gens et d’agir sur eux. Au sein des itinérants, on peut distinguer deux catégories: les animateurs, conteurs d’anecdotes humoristiques ou sentimentales d’une part et les justiciers qui flétrissent les vices de la société russe et éclairent l’opinion pour que les réformes suivent. Vassili Perov fait partie du deuxième groupe et inaugure le motif de la misère populaire. Il consacre également une partie de son travail à la douloureuse question du travail des enfants. En 1863, il séjourne à Paris et y connaît certainement Gustave Courbet et Ernest Meissonier. C’est sous leur influence qu’il peint des scènes de rue avec des mendiants, des musiciens de rue, des badauds, des chiffonniers parisiens. Il a rapidement demandé son retour en Russie car il ne s’est pas adapté à cet environnement étranger. Il peut apparaître comme un continuateur de Pavel Fedotov, estime Louis Réau, mais il a un tempérament plus combatif. Il y a dans son travail une veine anticléricale nouvelle en Russie et ses pops ivres font penser aux Curés sous l’impulsion de Courbet.

Alexandre Makovski, Constantin Makovski et Vladimir Makovski sont tous les trois membres de la même famille et appartiennent au groupe des ambulants.

Ilia Répine, avec son Visiteur inattendu évoque de manière émouvante, le retour de la déportée et du misérable retour en tant qu’enfant prodigue après des années de Sibérie.

Nikolai Nevrev, qui a intitulé son tableau Marché, scènes de coutumes paysannes, a peint en 1866 la scène de la vente d’une amende servie par son propriétaire à un nouveau maître. Ce dernier se vend comme s’il était un marchand de chevaux occupé à mener son bétail, sans scrupules, dans une parfaite indifférence.

Sujets légendaires
C’est grâce aux itinérants que ce genre apparaît en Russie. Ses sources proviennent de contes et de vieux contes populaires légendaires et magiques. Viktor Vasnetsov en a tiré des épisodes de princesses de l’eau, de vaillants chevaliers, de batailles sanglantes. Vasnetsov est également un peintre qui crée des décors de théâtre. C’est lui qui a conçu les décors et les croquis des costumes de l’opéra Rimsky-Korsakov La Fille des neiges. C’est lui qui a donné naissance à toute une école de jeunes décorateurs qui ont laissé leur marque sur le théâtre après lui.

Reproduction d’oeuvres
Même si le nombre de visiteurs des expositions itinérantes en provenance des provinces a augmenté au cours des années, le public principal était l’élite urbaine. Les photographes locaux ont créé les premières reproductions des peintures de Peredvizhniki, ce qui a contribué à populariser les œuvres et a pu être acheté lors d’expositions. Le magazine Niva a également publié des articles illustrés sur les expositions. Depuis 1898, les paysages de la société sont utilisés dans l’industrie de la carte postale. Divers livres de poèmes ont été publiés avec des illustrations de paysages. Les Russes ordinaires à cette époque ne pouvaient pas se permettre d’aller à Moscou ou à Saint-Pétersbourg, alors la vulgarisation de l’art russe les a familiarisés avec un certain nombre de chefs-d’œuvre russes. Même aujourd’hui, les éditeurs utilisent les reproductions dans les manuels comme une icône visuelle de l’identité nationale.

Déclin de la créativité
Alors que l’autorité et l’influence publique de la société ne cessaient de croître, les responsables gouvernementaux ont dû cesser leurs efforts pour réprimer les membres. Des tentatives ont été faites pour subordonner leur activité et augmenter la valeur décroissante des œuvres sanctionnées par l’Académie des Arts. Dans les années 1890, la structure de l’Académie des arts incluait l’art Peredvizhniki dans ses cours et son histoire, et l’influence des artistes se manifestait dans les écoles nationales d’art.

En 1898, leur influence a commencé à être remplacée par Mir iskusstva, qui a fait progresser les tendances modernes de l’art russe. Certains membres de Peredvizhniki sont devenus plus conservateurs, mais certains sont restés aussi radicaux que leurs prédécesseurs. Certains artistes ont commencé à montrer des idées socialistes, qui reflétaient le développement d’un mouvement ouvrier. Beaucoup de Peredvizhniki sont entrés dans la culture de l’art soviétique, apportant les traditions réalistes du 19ème siècle au réalisme socialiste.

La 48e exposition de Peredvizhniki en 1923 était la dernière. La plupart des membres ont rejoint l’Association des artistes de la Russie révolutionnaire (AKhRR). Ses membres se sont appuyés sur les traditions de Peredvizhniki et aspiraient à créer des œuvres d’art accessibles au commun des mortels et reflétant fidèlement la droiture de la société soviétique.

Les causes du déclin des itinérants
Le groupe itinérant est actif depuis trente ans. Puis, éblouis par les succès qu’ils avaient connus, ils n’ont pas réalisé la stagnation dans laquelle ils grandissaient. Plus de recherches, plus de nouvelles voies, comme on le savait en Europe occidentale. Peut-être ont-ils comme excuse l’admiration que le public russe avait pour eux. En tout cas, ils ont négligé l’aspect esthétique de leurs œuvres au profit des idées sociales.

Des connaissances techniques insuffisantes ont également nui aux itinérants. Selon Sergei Shcherbatov, les académies n’ont pas correctement enseigné le métier. Il remarque sur ce plan que certains ont mis des couches d’huile sur des couches encore fraîches de la session précédente ce qui provoque le noircissement des tons des tables. D’autres utilisent l’huile de pétrole la plus ordinaire qui jaunit avec le temps. Les critiques d’art et les artistes eux-mêmes Anna Ostroumova-Lebedeva ou Igor Grabar font les mêmes commentaires

La dépendance des itinérants à l’égard de la littérature et leur infériorité par rapport à celle-ci ont compromis leur prestige. Les thèmes utilisés par les peintres étaient les mêmes que ceux de la littérature classique russe du XIXe siècle. Ainsi, le révolutionnaire dans la peinture du visiteur inattendu semble tout droit sorti des romans des écrivains révolutionnaires démocrates russes. Mais la peinture réaliste, purement narrative et descriptive est restée trop plate par rapport à la littérature accusatrice. Il a utilisé toute sa force pour sensibiliser le public à la protestation contre les failles de la société.

En termes d’anticléricalisme, les Ambulants reflètent dans leurs tableaux les idées anti-religieuses de Dmitri Pissarev ou Nicolas Pomialovski. Parmi les œuvres des Wanderers, celle d’Ilya Repin, Procession religieuse dans la province de Koursk, en est un bon exemple, proche dans l’esprit de A Enterrement à Ornans de Gustave Courbet. D’autres, comme Vassili Perov, ciblent le comportement des pop qui sont attirés par l’alcool.

L’arbitraire auquel les jeunes serviteurs ont été soumis et que l’écrivain Nicolas Gogol avait décrit dans Les âmes mortes est repris par Nikolai Nevrev avec sa toile Vente d’un service. Le travail des enfants n’est pas protégé par la loi. La tragédie de ces enfants sans défense a été décrite par des écrivains tels qu’Anton Tchékov, Maxime Gorki, Mikhaïl Saltykov-Chtchedrine, Tourgueniev. Les itinérants ne sont pas restés à l’écart et ont dénoncé ce scandale mais ont souvent donné une note plus joyeuse et moins ponctuelle à la sombre réalité, comme pour Vassili Perovor Vladimir Makovski.

Les itinérants ont eu une influence majeure dans l’histoire de l’art russe. En s’inspirant de la vie russe, ils ont rendu la peinture accessible à toutes les couches de la société. Ils ont dominé la vie artistique russe pendant une trentaine d’années. Mais lorsqu’ils doivent céder la place à d’autres écoles, leur influence ne s’arrêtera pas aussi longtemps et ils réapparaîtront en Russie soviétique lorsque les canons du réalisme social auront été définis.

Ce sont leurs carences qui seront à l’origine du déclin des itinérants à la fin du XIXe siècle. Carences en matière technique, en matière esthétique. Ils privilégient de plus en plus l’anecdote, le moralisme, au détriment de la beauté formelle. Leur démocratisation de l’art l’a fait passer du style populaire au style villageois. Par rapport à la vision et l’ambition d’Ivan Kramskoï, les artistes se retrouvent dans un rétrécissement qui ne peut que conduire à une impasse, note le critique d’art Boris Assafiev.

Il faudra attendre Andreï Riabouchkine, un itinérant classé de fin de période mais qui participe déjà aux expositions de Mir Iskousstva, pour trouver différentes expériences artistiques. Son art est à la charnière qui relie le mouvement des itinérants de ceux qui lui ont succédé.