La romance est un mouvement dans la peinture occidentale, faisant partie d’un mouvement culturel romantique plus large. Sa période de floraison peut être datée entre la fin du XVIIIe siècle et le milieu du XIXe siècle. Les caractéristiques de la peinture romantique n’étaient pas sans équivoque et différaient selon les pays, mais le thème principal était l’imagination et l’expression subjective de l’artiste individuel. Souvent, la réalité était représentée de façon quelque peu idéalisée. La nature a été vécue comme « animée ». Les paysages et les événements historiques étaient des sujets communs, mais il y avait aussi l’attention pour les côtés sombres de l’existence humaine, les rêves et les expériences extrêmes. Parmi les artistes romantiques les plus célèbres sont l’Allemand Caspar David Friedrich, l’Anglais John Constable et le Français Eugène Delacroix. Leurs différences sont exemplaires pour la diversité dans laquelle le mouvement s’est développé dans différents pays.

Cette division est basée sur la considération des concepts classiques et romantiques comme antagonistes et exclus. Le néoclassicisme apporte de nouveaux éléments que nous considérons pré-magnétiques.

Les symptômes de rupture avec la tradition classique apparaissent bientôt. Cette rupture avec la tradition se manifeste de deux façons:

dans l’aspect thématique ou idéologique, pour l’émergence de nouveaux thèmes (historique, révolutionnaire, exaltation du héros contemporain …)
dans l’aspect pictural, rompre avec la tradition héritée de la Renaissance (compositions complexes, vues désinvoltes, prédominance de la couleur sur la ligne, coups de pinceau lâches et rapides …)
Le romantisme n’est pas seulement un style artistique; C’est une attitude vitale qui affecte à la fois l’art et la littérature et d’autres domaines de la vie, pour la plus grande partie du XIXe siècle. Ses racines idéologiques proviennent des grands penseurs du dix-huitième siècle, en particulier de Rousseau, et de la philosophie allemande liée à la naissance du nationalisme.

Caractéristiques générales
La diversité contre l’uniformité: l’exaltation de l’individualisme et des traditions et coutumes nationales, au lieu de considérer le classicisme comme le seul modèle acceptable dans la création artistique.
Aspiration à la liberté individuelle et nationale, qui se rattache directement aux révolutions bourgeoises auxquelles participent de nombreux artistes romantiques.
L’historicisme comme une recherche dans le passé des racines nationales et comme une conscience de la vitesse des changements qui se déroulent à ce moment-là agité et convulsé.
Exaltation de l’exotisme, de l’imagination et de l’irrationalité. Les pays arabes et l’Espagne exotique sont à la mode, ainsi qu’une religiosité proche du mysticisme. Dans le même sens, il faut interpréter le goût de l’aventure, du risque, du combat. Romantique est toujours insatisfait et toujours à la recherche d’une raison vitale.

Style
Vers 1800, des écrivains, des philosophes et des artistes allemands présentent une nouvelle vision du monde qu’ils appellent «romantique». Le mouvement est né en réaction au néoclassicisme rationaliste orienté vers des valeurs universelles. Elle avait un caractère subjectif, idéaliste et individualiste dans le sol. En peinture, cela signifiait généralement, selon les termes de Caspar David Friedrich, «qu’un peintre ne doit pas seulement peindre ce qu’il voit, mais aussi ce qu’il perçoit en lui-même, et s’il n’y trouve rien, il doit arrêter de peindre». Les gens se sont perdus dans les rêves. En général, la réalité était rendue plus belle qu’elle ne l’était en réalité (esthétisation). La passion, l’émotion et le sentiment vécu personnellement étaient des motifs cruciaux. « Sehnsucht » (une sorte de désir indéfini) et « le sublime » (l’expérience du grand et incompréhensible) se sont développés en concepts centraux.

Aussi reconnaissable que le terme «romantisme» est généralement destiné au grand public (souvent au sens «amoureux»), il y a tellement de controverses dans l’appréciation de l’art qu’il s’agit d’une délimitation précise du concept. Un certain flou dans la définition ne peut être nié. Le regard subjectif et personnel conduit dans la peinture à des formes d’expression et de style très différentes, régulièrement contradictoires. L’introversion et la solitude contrastent avec l’extraversion et la théâtralité, le pittoresque et le quotidien avec le monumental et le grotesque. Ensuite, le terme a été utilisé dans le sens nostalgique et rêveur du mot, à d’autres moments, les artistes romantiques ont présenté un sinistre côté nuit de l’existence humaine.

Basé sur le désir comme un concept unificateur, les tendances de base de la peinture romantique peuvent se résumer avec a) se concentrer sur l’imagination, b) l’accent sur l’expression individuelle et c) l’indépendance de l’artiste, qui pourrait devenir le génie manière choisir. Vers 1800, cela signifiait une véritable révolution dans le concept de ce que l’art devrait être.

Thèmes
Thématiquement, à l’époque du romantisme, il y avait surtout un regain d’intérêt pour la peinture de paysage. L’expérience intense de la nature et l’émerveillement de sa grandeur étaient centrales. Cependant, les paysages n’étaient pas la seule chose, au contraire. Aussi divers que les traits stylistiques du romantisme, le choix des sujets de ses peintres est également large. En plus d’imposer des paysages et des panoramas, par exemple, ils ont souvent choisi des sujets littéraires et historiques. Ce choix est lié à l’enchantement du lointain, de l’inconnu, de l’imaginaire, comme une forme d’évasion. Les rêves et les cauchemars étaient également des motifs souhaitables. En outre, la «vue romantique» est revenue dans presque tous les autres thèmes concevables de la peinture, du genre aux marines et des portraits aux natures mortes. Il n’y avait pas de sujet exclu, tant qu’il pouvait servir de support à l’expression de ce qu’on appelait «l’âme romantique».

Il est frappant que le peintre romantique se soit aussi souvent penché sur le sujet, songeant mélancoliquement, dans les montagnes ou les ruines, parfois dans son propre atelier. L’autoportrait formait alors une confirmation de l’image habituellement créée du génie socialement isolé, encore méconnu, rempli de «weltschmerz». Un aspect important de la peinture romantique était le rôle changé de l’artiste lui-même. Le romantisme signifiait un nouveau style de vie, une vision différente du monde. Cela se manifesta entre autres par une grande envie de voyager parmi les peintres romantiques, qui voyageaient souvent en Italie, ou aussi dans la vallée du Rhin. A une époque où voyager en train n’était pas encore le cas, de longs voyages étaient faits , régulièrement même à pied. La nostalgie des lieux lointains soulignait «le désir romantique».

Les caractéristiques générales de la peinture romantique
Prédominance de la couleur sur le dessin et le traitement de la lumière pour décongeler les figures et accentuer le chromatisme (tempêtes, aurores, crépuscule, …)
Dramatisme des compositions, avec un grand souci de mouvement et de complexité compositionnelle. Importance des gestes violents, des détails anatomiques et environnementaux. Le mouvement est accentué en plaçant les caractères sur une base instable.
Technique rapide, avec des coups de pinceau lâches et gracieux, l’héritage des peintres vénitiens, le flamenco baroque et Goya.
Sujets de l’actualité (révolutions, guerres, désastres) et de la grande importance du thème historique (l’histoire est la nouvelle du passé). Le paysage sera également important, à travers lequel les innovations techniques apparaissent très souvent.

Différences par pays
La peinture romantique a eu une interprétation très différente entre 1800 et 1850 dans différents pays occidentaux, en insistant sur d’autres aspects. Il y avait indiscutablement un «programme» commun dans l’art européen, avec des éléments fortement liés, mais par pays et même région, il se manifestait sous diverses formes. L’Allemagne, l’Angleterre et la France étaient en tête, mais aussi aux Pays-Bas, en Belgique et dans d’autres pays, elle a toujours eu sa propre interprétation authentique. Les caractéristiques et les développements pour les pays les plus importants sont décrits ci-dessous.

Peinture romantique en Allemagne
Le lieu de naissance de l’école romantique était vers 1800 en Allemagne. Certainement après que le pays a été envahi par Napoléon peu de temps après, une identité individuelle a été fortement recherchée. L’inspiration a été trouvée dans les idées nationalistes de Johann Gottfried Herder, le subjectivisme des frères Friedrich et August Wilhelm von Schlegel, la philosophie plus mystique de Hegel, les aspects individualistes de l’œuvre de Johann Wolfgang von Goethe et les écrivains nostalgiques tels que Novalis et Joseph von Eichendorff. La peinture, la philosophie et la littérature étaient étroitement imbriquées en Allemagne à la fin du XVIIIe siècle, en particulier dans les régions protestantes du nord. L’exposant le plus important de la nouvelle peinture était Caspar David Friedrich, qui a su visualiser les nouvelles idées transcendantales comme nul autre. Ses œuvres ont quelque chose d’exalté, presque irréel. Friedrich, le croyant lui-même a exprimé sa vision comme suit: « Comme le croyant prie sans dire un mot, et que Dieu lui prête l’oreille, ainsi l’artiste peint du vrai sentiment, et l’amoureux de l’art le comprend, le reconnaît ». C’était son expérience personnelle. Friedrich et d’autres peintres du Nord (Karl Friedrich Lessing, Carl Gustav Carus, Ludwig Richter, Carl Spitzweg, Georg Friedrich Kersting, Carl Blechen), centrés sur l’expérience subjective, parfois comme une expérience presque divine, en particulier dans la nature. Le tyrolien Joseph Anton Koch peut également être placé thématiquement dans cette tradition. Philipp Otto Runge et Gerhard von Kügelgen se sont consacrés davantage à la représentation.

Dans l’Allemagne catholique du Sud, le mouvement romantique connaît un développement différent, les Nazaréens étant le mouvement central. Vers 1810, ces peintres se sont retournés contre la culture d’entraînement classique qui était courante dans les académies d’art allemandes et autrichiennes. En particulier, ils sont revenus à d’anciens maîtres allemands comme Albrecht Dürer et à des artistes de la Renaissance comme Rafael et Giotto. La religiosité, le piétisme et le patriotisme allemand étaient des thèmes importants, souvent incorporés dans le symbolisme lourd avec «internalisation» comme objectif important. Les représentants importants des Nazaréens étaient Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Peter von Cornelius, Friedrich Wilhelm Schadow et Julius Schnorr von Carolsfeld. Beaucoup de Nazaréens ont déménagé à Rome vers 1820, où ils ont formé une colonie d’artistes de renom pendant vingt ans. Quelques décennies plus tard, leurs travaux inspireront à nouveau les préraphaélites anglais.

Peinture romantique en Angleterre
En Angleterre, la romance était associée à un héritage culturel datant de William Shakespeare. Grâce à la psychologie des œuvres littéraires de John Milton et Edward Young, cette tradition a conduit à une attention accrue à l’imaginaire, l’historique et surtout au fantastique à la fin du XVIIIe siècle. L’exposition de la peinture démoniaque de Henry Fuseli, The nightmare in 1781, s’est révélée être un moment marquant. Il est considéré comme le début d’une phase précoce de la peinture romantique anglaise, caractérisée par l’attention portée au monstre. Le travail de Fuseli a été une source d’inspiration importante pour le poète-artiste William Blake qui a soutenu que l’imagination était plus importante que la raison. John Martin, avec ses œuvres sur l’enfer et la damnation, s’inscrit également dans cette tradition.

Après 1810, la peinture romantique anglaise entre dans une nouvelle phase, avec la peinture de paysage comme direction dominante. Cette attention au paysage correspondait à l’intérêt déjà manifesté au XVIIIe siècle pour l’architecture du jardinage et le mouvement néo-gothique naissant, notamment dans la construction de maisons de campagne. Il visait avant tout à créer une atmosphère de paix et de tranquillité, également en tant que contrepoids à l’industrialisation. John Constable était le plus connu parmi les paysagistes anglais romantiques. Là où beaucoup de ses contemporains ont voyagé en Italie, il a cherché des sujets particulièrement dans la campagne de l’Angleterre elle-même. Son travail était fortement atmosphérique et rempli de nostalgie, mais plus réaliste, plus « de ce monde » que, par exemple, celui de Friedrich. Caractéristique était son pinceau lâche et de travail « et plein air ».

William Turner, dont le peintre paysagiste, plus tard expérimental, a poursuivi ses débuts relativement traditionnels, a été beaucoup plus loin dans la manipulation libre de la brosse. Avec ses conceptions mystérieuses ultérieures, résolues dans la lumière et la couleur, il a acquis une place spéciale dans le romantisme anglais, qui affectera plus tard les impressionnistes encore. Richard Parkes Bonington, Francis Danby et les fondateurs de l’école de Norwich John Crome et John Sell Cotman sont d’autres peintres paysagistes de la période romantique anglaise. Sir Thomas Lawrence était important en tant que portraitiste. William Etty s’est fait un nom avec ses nus.

Un point culminant tardif a connu le romantisme anglais vers 1850 avec le mouvement des préraphaélites, qui se référaient souvent au Moyen Age et à la peinture de Rafael. Les fondateurs du mouvement étaient Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt et John Everett Millais. Plus tard au XIXe siècle, l’attention pour l’art décoratif a augmenté.

Peinture romantique en France
En France, la pensée romantique s’inspire d’abord des idées de Jean-Jacques Rousseau qui, avec son appel «retour à la nature», suscite l’intérêt pour le primitif et l’archaïque: il faut réduire la distance entre l’homme et la nature. Cependant, cette philosophie n’a pas continué en peinture. Après la Révolution française et sous le règne de Napoléon Bonaparte, l’attention pour la nature s’est rapidement déplacée vers des thèmes historiques et la glorification de l’empereur lui-même. Cela a ordonné un style néoclassique, plus tard appelé style empire, avec Jean Auguste Dominique Ingresas une figure de proue. La dominance du néo-classicisme, cependant, a bientôt évoqué un contre-mouvement, qui s’est rabattu sur les idéaux romantiques. Ce n’est qu’au cours des années 1820 que la romance en France a plus ou moins «prévalu» sur le néoclassicisme, bien que les deux styles aient toujours été intimement liés dans ce pays.

Remarquablement, dans la première moitié du dix-huitième siècle, le romantisme français a à peine abordé la pensée de retour à la nature de Rousseau en termes thématiques. Dans le sillage des néoclassiques, ses représentants se concentrent principalement sur des scènes historiques et mythologiques ou des sujets littéraires. Ses deux principaux représentants, Théodore Géricault et Eugène Delacroix, bien que s’inspirant de la méthode libre et sensible de John Constable, accordent beaucoup d’attention à l’intensité des couleurs et à la lumière, mais le thème du paysage est laissé à gauche. Leurs œuvres étaient puissantes et pleines de pathos, mais contrairement à leurs prédécesseurs classiques, ils se concentraient principalement sur le héros sans nom et l’individu qui était impliqué dans des circonstances désastreuses. Ils étaient moins intéressés par la théâtralité, mais surtout par la passion humaine. Les symphonies picturales coloristiques ultérieures de Delacroix n’étaient pas toujours bien comprises à l’époque.

Le cachet du théâtre peut être déclaré applicable aux peintres tels que Eugène Devéria, Horace Vernet et Paul Delaroche, qui étaient plus en phase avec l’appel du public pour l’extraordinaire, une fuite du quotidien. L’orientalisme naissant de cette époque et le genre sentimental des scènes populaires italiennes étaient très proches. Pierre-Paul Prud’hon cherchait plus ses sujets dans la mythologie.

Vers le milieu du dix-neuvième siècle, les principes romantiques étaient encore reconnaissables dans les paysages de Jean-Baptiste Corot et les peintures allégoriques de Gustave Courbet. En même temps, le style réaliste est déjà reconnaissable dans leur travail, qui fut bientôt remplacé par le romantisme comme mouvement dominant de la peinture française à travers les peintres de l’école de Barbizon.

Peinture romantique aux Pays-Bas
La peinture hollandaise de la première moitié du dix-neuvième siècle est aussi connue aujourd’hui sous le nom de «temps de la romance», mais elle n’a qu’un lien limité avec le grand mouvement romantique qui a eu lieu en Allemagne, en Angleterre et en France. grandes montagnes, pas de fantasmes exotiques ou d’émotions horribles. Néanmoins, les peintres hollandais de l’époque ont en effet une attitude romantique, dans le sens où ils mettent leur propre expérience de beauté au-dessus d’un idéal classique, mais sans le grand geste. Dans le contexte européen, le romantisme néerlandais est donc beaucoup plus modeste, presque sous-cutané, atmosphérique et dans un sens appelé sentimental. De la plupart des œuvres, il y avait une grande sensibilité à la nature et un fort sentiment pour la tradition nationale de la peinture marine et paysagère, avec laquelle le thème le plus important a été immédiatement nommé. La nostalgie prédominait, les éléments contemporains, qui rappelaient par exemple l’époque de l’industrie naissante, étaient presque totalement absents. Dans cette image, les peintres sont comme BC Koekkoek, Bart van Hove, Salomon Verveer, Andreas Schelfhout, Johannes Tavenraat, le peintre marin Louis Meijer, Wijnand Nuijen et le jeune Johannes Bosboom. Cornelis Springer et Jan Weissenbruch se sont également fait un nom en tant que peintre de la ville. D’autres noms dans la tradition romantique sont Jan Willem Pieneman, le seul peintre d’histoire hollandais notable, Jan Adam Kruseman, qui a également attiré l’attention en tant que portraitiste, et Petrus van Schendel, connu pour ses scènes de nuit en lumière artificielle.

Peinture romantique en Belgique
Le romantisme belge a connu son apogée sous le règne de Léopold Ier (1831-1865) et était principalement dominé par la peinture d’histoire. Son représentant le plus important était Gustaaf Wappers, qui se concentrait principalement sur l’histoire de la Flandre, dans un esprit patriotique. Ses Delacroix de Vrijheid sont à l’origine de la peinture populaire Tafereel des Journées de Septembre 1830 sur la Grand Place de Bruxelles en 1835, dans laquelle il glorifie la fondation de l’Etat belge en 1830, comme exemplaire. Un autre peintre important de l’histoire est Antoine Wiertz, qui revient souvent à l’Antiquité classique. Les deux Wappers et Wiertz ont été inspirés par le travail baroque de Pieter Paul Rubens et ils n’ont pas hésité à imiter leur bel exemple. Nicaise De Keyser, un troisième grand nom de la tradition romantique belge, s’est davantage inspiré de l’art académique français. Thématiquement, il se concentre principalement sur l’histoire flamande du Moyen Age et plus tard. Sont les éperons d’or et la bataille de Worringen sont considérés comme des icônes de la romance belge. D’autres noms dans la liste des peintres d’histoire belges sont Adèle Kindt, Ernest Slingeneyer, Louis Gallait, Ferdinand de Braekeleer, Jean Baptiste Madou, Joseph Benoît Suvée, Edouard De Bièfve et Hendrik Leys. La renommée des peintres d’histoire belges dépassait largement les frontières belges et leur travail était particulièrement populaire en Allemagne et en France.

Espagne
Au tournant du XVIIIe siècle au XIXe siècle en Espagne, Francisco de Goya se distingue comme l’un des grands noms du romantisme. À partir de 1790, il se consacre à des thèmes dramatiques, mêlant le fantastique et le réel. Quand il peint les événements de la guerre d’indépendance espagnole, il crée une atmosphère de cauchemar dans un document historique, artistique et humain dont la force le place parmi les peintres les plus puissants et visionnaires de sa génération, l’un des romantiques les plus géniaux.

Ce sont des œuvres typiquement romantiques, dans la production de Goya, La charge des Mamelouks et les fusillades du 3 mai (1814, Musée du Prado). Goya, décédé en 1828, montre dans ses œuvres tardives un intérêt romantique pour l’irrationnel. Les peintures noires de la Quinta del Sordo (1819-1823, musée du Prado) sont les plus remarquables de cette période.

D’autres peintres romantiques espagnols sont José Casado del Alisal, centré sur des thèmes historiques; Antonio María Esquivel, Sevillian dans lequel le format académique montre une atmosphère mélancolique pleine de sentimentalité; José Gutiérrez de la Vega, l’un des principaux noms de l’École de Séville du romantisme espagnol, Genaro Pérez de Villaamil, peintre du typique, de la ville et du paysage; Manuel Rodríguez de Guzmán, peintre de scènes andalouses; Francisco Lameyer et Berenguer, Antonio Fabres et Mariano Fortuny, de tendance orientalisante, Manuel Barrón Y Carrillo, grand paysagiste; Eugenio Velázquez, avec un travail religieux; Francisco Pradilla et Ortiz et Eduardo Rosales, peintres de scènes médiévales; Valeriano Domínguez Bécquer avec des peintures sur des personnages populaires de diverses régions de l’Espagne, et Leonardo Alenza, peignant des peintures dans le style dur et tragique de Goya, avec un costumbrismo amer.

le Portugal
Domingos Sequeira a fait la transition du néoclassicisme au romantisme, en étant le premier à commencer un voyage romantique, à travers le travail tardif de la mort de Camoes exposés à Paris en 1824, un cours qui continuera jusqu’à sa mort en 1837. Toujours dans la phase néoclassique explore divers thématique, montrant le génie en tout, de l’allégorie à la peinture de l’histoire, des religieux et des scènes de la vie locale. Dans le portrait montre également une qualité remarquable et évolution, en mentionnant le Portrait du Comte de Farrobo, de 1813, qui repose sur des idées néoclassiques, mais le Portrait des enfants (en image), vers 1816, avec des caractéristiques distinctement romantiques. Sa peinture religieuse, faite à partir de 1827, présente un domaine magistral de la lumière, approchant la forme diffuse seulement comparable à Rembrant et Turner.

Peinture romantique aux États-Unis
Aux États-Unis, le romantisme s’est manifesté principalement sous la forme d’aménagement paysager. Ses premiers praticiens, comme Karl Bodmer et surtout Washington Allston, ont été influencés par la poésie dramatique anglaise et allemande, et sa production capture la nature dans ses aspects les plus piquants. Mais c’est avec l’aménagement paysager de l’Hudson River School que le romantisme américain atteint son apogée.

L’école prospéra entre 1820 et 1880. Ses membres étaient principalement basés dans la région de New York, autour du fleuve Hudson, mais ils voyagèrent beaucoup dans les montagnes Rocheuses et dans d’autres régions inexplorées du pays à la recherche de sites grandioses. Certains ont utilisé la photographie comme aide préparatoire dans leurs œuvres, caractérisées par un détail parfois réaliste mais avec une grande sensibilité aux beautés de la nature, en particulier pour la lumière et les effets atmosphériques. Son fondateur était Thomas Cole, influencé par la Théorie du Sublime Anglais, et sa production est marquée par la recherche du grandiose et par l’utilisation concomitante d’allégories, laissant des séries importantes comme La trajectoire de l’Empire et Le voyage de la vie, de caractère moralisateur.

La génération suivante a eu ses plus grands représentants dans Frederic Church et Albert Bierstadt, qui ont acquis une immense renommée dans leur temps et ont contribué à renforcer le sentiment d’identité nationale, étant considérés, dans leur idéalisme optimiste, des porte-parole parfaits du Manifeste américain. En ce sens, ils ont stimulé l’intérêt pour la colonisation de l’Ouest américain. Son travail a porté le genre du paysage à une dimension héroïque, défendant la thèse selon laquelle l’homme et la nature pouvaient coexister pacifiquement. Les autres membres remarquables de ce groupe étaient Samuel Colman, Jasper Francis Cropsey, Gifford Sanford Robinson, William Stanley Haseltine, Hermann Ottomar Herzog, Thomas Hill et Thomas Moran.

Au milieu du siècle, l’école Hudson River a eu une dérivation avec les luministes et les tonalistes, influencés par l’école de Barbizon, qui a peint une vision plus calme, lyrique et intime de la nature, avec une palette discrète et des effets atmosphériques attrayants. Fitz Hugh Lane, David Johnson, Jasper Francis Cropsey, Leon Dabo et Martin Johnson Heade sont de bons exemples de cette tendance qui a prévalu jusqu’au début du 20ème siècle.

Dans le domaine du portrait sont intéressants Nathaniel Jocelyn et John Neagle, et de la peinture historique, le romantisme a trouvé des véhicules importants dans John Trumbull et Emanuel Leutze. Charles Deas, Frederic Remington, George Caleb Bingham, Charles Ferdinand Wimar, Alfred Jacob Miller, Charles Marion Russell et beaucoup d’autres ont exploré le registre des Indiens, des cavaliers, des cow-boys ou des colons.

Brésil
Le Brésil a également été témoin d’un important mouvement romantique dans la peinture, qui s’est épanoui à la fin de la seconde moitié du XIXe siècle, présentant des caractéristiques singulières. Il a apporté une charge néoclassique forte et a bientôt fusionné avec le réalisme dans une synthèse éclectique. Le centre de l’art national était alors l’Académie impériale des Beaux-Arts, dont les principes esthétiques rigides ne permettaient pas d’exprimer l’individualisme créatif qui marquait le romantisme dans d’autres pays. Le drame dramatique ne fut pas spécialement recherché, sauf dans de très rares cas, et les romantiques locaux prirent un ton plus réservé, plus poétique.

Au Brésil, le mouvement se concentre sur le nationalisme et l’indianisme, mais c’est dans un environnement académique que se forment les grands noms de la génération romantique: Manoel de Araújo Porto-Alegre, Victor Meirelles, Pedro Américo, Rodolfo Amoedo et Almeida Júnior. Son travail, principalement sponsorisé par l’Etat, était fondamental pour l’élaboration d’un imaginaire symbolique capable d’agglutiner les forces nationalistes en action à ce moment, dans lequel l’empire brésilien venait de graduer et manquait d’une histoire « civilisée » pour revendiquer une dignité. place parmi les nations les plus avancées. L’issue était de faire appel au portrait des membres de la nouvelle maison régnante et aux événements qui avaient marqué l’histoire nationale, tels que les grandes batailles qui ont défini le territoire. Jusqu’à récemment considérés comme barbares et méprisables, les Indiens occupent également une place prépondérante dans l’art romantique brésilien comme le prototype idéal d’une culture pure et intégrée à son environnement. Les artistes étrangers ont également fait une grande contribution à cette époque, en s’engageant dans la peinture historique nationaliste et l’aménagement paysager, attirés par le paysage tropical exotique. Parmi ceux-ci on peut citer Nicola Antonio Facchinetti, paysagiste, Eduardo de Martino, mariniste, et José Maria de Medeiros, François-René Moreaux et Augusto Rodrigues Duarte peintres d’histoire.

Peinture romantique dans d’autres pays
Les catégories de style sont parfois difficiles à appliquer au mouvement romantique dans d’autres pays européens. Cependant, cela ne s’applique pas à la Scandinavie et plus particulièrement au Danemark, où le romantisme de l’Allemagne du Nord a fortement influencé. L’Académie Royale d’Art Danois a joué un rôle important de catalyseur, où un fort esprit d’innovation soufflait au début du dix-neuvième siècle. Les représentants importants de la peinture étaient Christoffer Wilhelm Eckersberg, Wilhelm Bendz, Ditlev Blunck, Christen Købke, Constantin Hansen, Wilhelm Marstrand et Martin Rørbye. Ils ont développé un style propre caractéristique réaliste, mélangé avec des éléments romantiques idéalistes. En outre, les influences étaient observables à partir de la peinture de paysage hollandaise du XVIIe siècle. Cette période de style finirait dans l’histoire comme l’âge d’or danois. Aussi la Norvège avait après son indépendance en 1814 l’apogée romantique avec les peintres Johan Christian Dahl, Adolph Tidemand et Hans Gude.

Au Danemark, le romantisme n’apparaît qu’au milieu du XIXe siècle, après la chute de l’absolutisme et la fondation du nouvel État. Puis l’intérêt se tourne vers des thèmes nationalistes et l’art italianisé plus tôt cède l’endroit pour des scènes montrant les fermes et les pêcheurs locaux. Le nationalisme vient à bout du débat sur la première Constitution danoise, quand la peinture s’isole du reste de l’Europe et acquiert un caractère provincial. Cette tendance n’a été brisée qu’en 1870, lorsque des artistes comme Peder Severin Krøyer voyagent à travers l’Europe et entrent en contact avec les nouveaux courants naturalistes et réalistes. Parmi les meilleurs représentants de la peinture romantique figurent Christen Dalsgaard, Julius Exner, Jørgen Sonne et Frederik Vermehren, qui ont principalement travaillé sur des scènes de genre et des thèmes folkloriques nationalistes dans les plaines du Jutland, en accordant une attention particulière aux effets atmosphériques. Son observation des détails a ouvert la voie à l’introduction du réalisme dans le pays.

La Norvège avait en Allemagne un centre important pour la formation de ses premiers peintres. Hans Gude et Johan Christian Dahl, qui s’y sont installés, ont apporté une contribution significative au développement de l’aménagement paysager allemand, mais Gude a plus tard été particulièrement concerné par la peinture norvégienne, considérée comme le fondateur. Il était un maître à Düsseldorf, Karlsruhe et Berlin de trois générations de peintres norvégiens, parmi lesquels Frederik Collett, Erik Bodom, Amaldus Nielsen et Gunnar Berg, qui viendrait où il enseignait. Dans l’ensemble, le romantisme en Norvège a suivi le chemin des autres pays européens. Après 400 ans en tant que province arriérée, l’impulsion nationaliste née après une indépendance partielle du Danemark en 1814 n’a pu que retrouver des traces d’identité dans la culture paysanne et le beau paysage de la région, devenus des centres d’intérêt pour l’art. D’autres romantiques norvégiens étaient Peter Nicolai Arbo, Lars Hertervig, Knud Bergslien, Peder Balkea et Adolph Tidemand.

En Suisse, un grand représentant du romantisme était Arnold Böcklin. Inspiré par le travail de Friedrich allemand et également lié au symbolisme, il a créé un monde imaginaire qui mettait l’accent sur le mystère et la mort, abordant la mythologie et l’allégorie. Ce fut une influence importante pour les artistes du 20ème siècle tels que Max Ernst, Salvador Dalí et Giorgio de Chirico. D’autres auteurs nommés sont Albert Anker et Konrad Grob, avec leur attention aux gens de la campagne; Antonio Ciseri, actif entre la Suisse et Florence avec un style réaliste mais avec un thème de scènes bibliques jouées avec un piquant d’amour; Barthélemy Menn, un introducteur dans la région de la peinture en plein air et propriétaire d’un style paysager intime, et Johann Gottfried Steffan, peut-être le plus important paysagiste suisse du XIXe siècle, avec un grand sens de l’atmosphère.

Colonisée par les Anglais à la fin du XVIIIe siècle, l’Australie n’a pas tardé à former une école nationale de peinture romantique, explorant les caractéristiques encore inconnues de l’Occidental de ce vaste continent. Ici, la peinture commence à reprendre son souffle à partir des années 1840, lorsque les voyageurs, les résidents étrangers et les artistes locaux marquent une présence active dans le pays, et qu’un marché de l’art et de la consommation commence à se former. Le paysage est le thème central du romantisme australien, à la fois comme un moyen de consolider un sentiment d’identité nationale et de faire connaître au monde les beautés de la terre. Parmi les meilleurs peintres de l’époque figuraient Knut Bull, Augustus Earle, John Glover, Samuel Thomas Gill, Nicholas Chevalier, Eugène von Guérard, HJ Johnstone, James Howe Carse, William Strutt, Abraham-Louis Buvelot, Frederick McCubbin et Thomas Baines.

L’héritage de la romance
La fin de l’école romantique est souvent marquée vers le milieu du dix-neuvième siècle, bien que cela varie légèrement d’un pays à l’autre. En tout cas, une tendance vers une peinture plus réaliste et naturaliste était perceptible à cette époque: ne plus «romancer», rendre tout plus beau ou plus intense, mais afficher la réalité telle qu’elle est perçue, sans fioriture. Bien sûr, cela ne signifiait pas que ce qu’on appelait «l’esprit romantique» a immédiatement disparu de la peinture. Les motifs romantiques sont également restés d’une grande influence dans les périodes ultérieures. L’accent mis sur le dynamisme créatif individuel de l’artiste, en tant qu’expression de ses sentiments personnels, deviendrait une caractéristique permanente de l’art moderne.Des aspects comme la nostalgie, le pathos et l’évasion étaient des caractéristiques de style qui disparaîtraient plus jamais. Le romantisme dans le sens de donner un sens supplémentaire et plus profondément au quotidien revint à tous les mouvements artistiques distingués.

Dans la seconde moitié du dixième siècle, jusqu’à la Première Guerre mondiale, la peinture romantique a encore de nombreuses ramifications, en particulier dans les pays d’Europe du Nord et aux États-Unis, aussi connu sous le nom de romantisme tardif. Vers 1900, de nombreux éléments du romantisme se reflétaient aussi explicitement dans le flot du symbolisme (avec son attention à l’imagination, au fantasme et à l’intuition) et dans l’expressionnisme (dans le pathos expressif). Edvard Munch, Albert Pinkham Ryder, Franz von Stuck et Arnold Böcklinare, différents types d’instigateurs de cette période qui ont des racines romantiques. Plus tard, l’intérêt pour la peinture romantique était peut-être suscité par des idées nationales, jusqu’à l ‘époque nazie.

Les historiens de l’art divergent sur l’influence du romantisme sur l’art moderniste du XXe siècle. Jos de Mul, professeur de philosophie à l’Université Erasmus, explique l’école romantique à la base de presque tous les développements artistiques au XXe siècle. À ses yeux, la base de tout l’art reposant sur le désir d’harmonie, dissimulé derrière le sens, sachant que ce désir soit jamais réalisé. Cette attitude ambivalente de l’artiste, qui continue d’essayer d’approcher l’absolu, mais en même temps est décrite par le doute, selon De Mul trouve son origine dans la romance et n’a jamais changé.

Cela ne change rien au fait que, d’un point de vue plus visuel et de style objectif, la peinture du XIXe siècle se situe à des kilomètres des formes artistiques modernes du XXe siècle. La domination des courants abstraits au vingtième siècle a poussé la romance avec des prédicats comme sentimentaux et ringards dans le vergeizardje. Dans la critique d’art, sur le lieu commun des gens, sans aucune forme d’attention. De nombreuses œuvres ont disparu dans le dépôt. Ce n’est que pour la transition du millénaire que l’attention à la romance comme période stylistique a encore augmenté, comme en témoignant le nombre croissant d’expositions, l’émergence d’un courant de nouvelles études et un intérêt croissant pour le marché de l’art.