Avec la montée des Académies européennes, notamment l’Académie française qui a joué un rôle central dans l’art académique, la nature morte a commencé à tomber en disgrâce. Les Académies ont enseigné la doctrine de la «Hiérarchie des genres» (ou «Hiérarchie de l’objet»), selon laquelle le mérite artistique d’une peinture reposait principalement sur son sujet. Dans le système académique, la forme la plus élevée de la peinture consistait en images de signification historique, biblique ou mythologique, avec des natures mortes reléguées à l’ordre le plus bas de la reconnaissance artistique. Au lieu d’utiliser la nature morte pour glorifier la nature, certains artistes, tels que John Constable et Camille Corot, ont choisi des paysages pour servir cette fin.

Lorsque le néoclassicisme a commencé à décliner dans les années 1830, la peinture de genre et de portrait est devenue le centre des révolutions artistiques réalistes et romantiques. Beaucoup de grands artistes de cette période ont inclus la vie encore dans leur corps de travail. Les natures mortes de Francisco Goya, Gustave Courbet et Eugène Delacroix véhiculent un fort courant émotionnel, moins soucieux d’exactitude et plus d’humeur. Bien que modelés sur les natures mortes de Chardin, les natures mortes d’Édouard Manet sont fortement tonales et clairement orientées vers l’impressionnisme. Henri Fantin-Latour, utilisant une technique plus traditionnelle, était célèbre pour ses peintures de fleurs exquises et vivait presque exclusivement en peignant des natures mortes pour les collectionneurs.

Cependant, ce n’est qu’au déclin final de la hiérarchie académique en Europe et à l’essor des peintres impressionnistes et postimpressionnistes que la technique et l’harmonie des couleurs ont triomphé du sujet, et que la nature morte était une fois de plus pratiquée avidement par les artistes. Dans ses premières natures mortes, Claude Monet montre l’influence de Fantin-Latour, mais est l’un des premiers à briser la tradition du fond sombre, que Pierre-Auguste Renoir rejette également dans Nature morte avec Bouquet et Fan (1871), avec son arrière-plan orange vif. Avec la nature morte impressionniste, le contenu allégorique et mythologique est complètement absent, tout comme le travail de pinceau méticuleusement détaillé. Les impressionnistes se sont plutôt concentrés sur l’expérimentation en larges coups de pinceau assourdissants, en valeurs tonales et en placement de couleurs. Les impressionnistes et postimpressionnistes ont été inspirés par les couleurs de la nature, mais ont réinterprété la nature avec leurs propres harmonies de couleurs, qui parfois se sont révélées étrangement anormales. Comme le dit Gauguin, «les couleurs ont leurs propres significations». Des variations de perspective sont également tentées, comme le recadrage serré et les angles élevés, comme avec le tableau de Gustave Caillebotte, un tableau dont on se moquait à l’époque comme affichage de fruits dans une vue d’oiseau.  »

Les peintures «tournesols» de Vincent van Gogh sont parmi les peintures natures mortes les plus connues du XIXe siècle. Van Gogh utilise principalement des tons de rendu jaune et plutôt plat pour apporter une contribution mémorable à l’histoire de nature morte. Sa nature morte avec planche à dessin (1889) est un autoportrait sous forme de nature morte, avec Van Gogh illustrant de nombreux éléments de sa vie personnelle, y compris sa pipe, sa nourriture simple (oignons), un livre inspirant, et une lettre de son frère, tout disposé sur sa table, sans sa propre image présente. Il a également peint sa propre version d’une peinture de Vanitas Nature morte avec la bible ouverte, la bougie, et le livre (1885).

Aux États-Unis, à l’époque de la Révolution, des artistes américains formés à l’étranger appliquent des styles européens au portrait américain et à la nature morte.Charles Willson Peale fonda une famille de peintres américains de premier plan et, en tant que chef de file de la communauté artistique américaine, il fonda également une société pour la formation d’artistes ainsi qu’un célèbre musée des curiosités naturelles. Son fils, Raphaelle Peale, faisait partie d’un groupe d’artistes américains de la nature morte, qui comprenait également John F. Francis, Charles Bird King et John Johnston. Vers la seconde moitié du XIXe siècle, Martin Johnson Heade présenta la version américaine de l’image de l’habitat ou du biotope, qui plaçait les fleurs et les oiseaux dans des environnements extérieurs simulés. Les peintures américaines en trompe-l’œil ont également prospéré pendant cette période, créées par John Haberle, William Michael Harnett et John Frederick Peto. Peto s’est spécialisé dans la peinture murale nostalgique tandis que Harnett atteint le plus haut niveau d’hyper-réalisme dans ses célébrations picturales de la vie américaine à travers des objets familiers.

Peintures du XIXe siècle

Eugène Delacroix, Nature morte au homard et trophées de chasse et de pêche (1826-1827), musée du Louvre	Gustave Caillebotte, (1848-1894), Roses jaunes dans un vase (1882), Dallas Museum of Art	Henri Fantin-Latour, (1836-1904),Roses blanches, Chrysanthèmes dans un vase, Pêches et raisins sur une table avec une nappe blanche(1867)	Paul Cézanne (1839-1906),L’horloge en marbre noir (1869-1871), collection privée
Mary Cassatt, (1844-1926),lilas dans une fenêtre(1880)	Claude Monet (1840-1926), Nature morte aux pommes et aux raisins(1880), Art Institute of Chicago	Édouard Manet (1832-1883), Oeillets et Clématites dans un vase en cristal(1883), Musée d’Orsay, Paris	Paul Gauguin, Nature morte aux pommes, une poire et une cruche de portrait en céramique (1889), musée Fogg, Cambridge, Massachusetts
William Harnett (1848-1892), Après la chasse(1883)	William Harnett (1848-1892), Nature morte violon et musique (1888), Metropolitan Museum of Art, New York	Darius Cobb (1834-1919), une composition en trompe l’oeil de la guerre civile, ici en impression chromolithographique	Paul Cézanne, Nature morte au chérubin (1895), Courtauld Institute Galleries, Londres

Une nature morte (pluriel: natures mortes) est une œuvre d’art représentant la plupart du temps des objets inanimés, objets banals qui sont soit naturels (nourriture, fleurs, animaux morts, plantes, roches, coquillages, etc.) ou artificiels (potable verres, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie, pipes, etc.).

Avec ses origines au Moyen Âge et l’art gréco-romain antique, la peinture de natures mortes est apparue comme un genre distinct et une spécialisation professionnelle dans la peinture occidentale à la fin du 16ème siècle, et est restée significative depuis lors. Une forme de nature morte donne à l’artiste plus de liberté dans l’arrangement des éléments dans une composition que des peintures d’autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. La nature morte, en tant que genre particulier, a commencé avec la peinture hollandaise des 16ème et 17ème siècles, et le terme anglais nature morte vient du mot néerlandais stilleven. Les premières peintures de nature morte, en particulier avant 1700, contenaient souvent des symboles religieux et allégoriques relatifs aux objets représentés. Certains travaux de nature morte modernes cassent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mélangés tridimensionnels, et utilisent des objets trouvés, la photographie, l’infographie, aussi bien que la vidéo et le son.

Le terme comprend la peinture d’animaux morts, en particulier le gibier. Les vivants sont considérés comme de l’art animalier, bien qu’ils soient souvent peints à partir de modèles morts. La catégorie nature morte partage également des points communs avec l’illustration zoologique et surtout botanique, où il y a eu un chevauchement considérable entre les artistes. Généralement, une nature morte comprend un arrière-plan entièrement décrit et place les préoccupations esthétiques plutôt qu’illustratives au premier plan.

La vie immobile occupait le dernier échelon de la hiérarchie des genres, mais elle a été extrêmement populaire auprès des acheteurs. En plus de la nature morte indépendante, la nature morte englobe d’autres types de peinture avec des éléments de nature morte éminents, généralement symboliques, et des «images qui s’appuient sur une multitude d’éléments de nature morte pour reproduire une tranche de vie». «  ». La peinture en trompe-l’œil, qui a l’intention de tromper le spectateur en lui faisant croire que la scène est réelle, est un type de nature morte spécialisé, montrant généralement des objets inanimés et relativement plats.