Étude

En art, une étude est un dessin, un croquis ou une peinture faite en préparation d’une pièce finie, ou en tant que notes visuelles. Des études sont souvent utilisées pour comprendre les problèmes impliqués dans le rendu des sujets et pour planifier les éléments à utiliser dans les travaux finis, tels que la lumière, la couleur, la forme, la perspective et la composition. Les études peuvent avoir plus d’impact que des travaux plus élaborés, grâce aux nouvelles idées que l’artiste acquiert en explorant le sujet. L’excitation de la découverte peut donner une vitalité à l’étude. Même lorsque les couches du travail montrent des changements que l’artiste a fait au fur et à mesure que l’on comprenait, le spectateur partage davantage le sens de la découverte de l’artiste. Les notes écrites aux côtés des images ajoutent à l’importance de la pièce car elles permettent au spectateur de partager le processus de l’artiste pour apprendre à connaître le sujet.

Les études ont inspiré certains des premiers arts conceptuels du 20ème siècle, où le processus créatif lui-même devient le sujet de la pièce. Puisque le processus est ce qui est essentiel dans les études et l’art conceptuel, le spectateur peut ne pas avoir d’objet matériel.

Étude est le nom donné à l’esquisse préparatoire d’une œuvre picturale (auquel cas elle est aussi appelée «croquis»), ou à la note visuelle prise par le peintre (auquel cas elle est aussi appelée «note»). un dessin comme un travail plus complexe fait avec n’importe quel type de technique (étude d’huile).

Les peintres réalisent des études pour comprendre les problèmes soulevés par un travail et planifier les éléments qui finiront par le composer, dans des aspects tels que la lumière, la couleur, la forme, la perspective et la composition.

Dans certains cas, l’étude a plus d’impact que le travail fini, à cause de la fraîcheur du travail de l’artiste tout en explorant le sujet. L’excitation de la découverte peut donner de la vitalité à une étude qui peut aider les changements et les regrets de l’artiste. Parfois, le peintre juxtapose ou superpose des variations de sujets identiques ou différents, ou ajoute des notes écrites, conservant ou modifiant la verticalité, ou profite de zones qui avaient été laissées vides dans une étude précédente (y compris l’inverse); tout cela permet de mieux comprendre le processus de son travail pictural.

L’art conceptuel du XXe siècle, dans lequel le processus créatif lui-même est le thème de l’œuvre, élimine la différence entre l’étude et le travail fini, qui ne doit pas nécessairement être un objet matériel.

Ils ont conservé des études picturales des grands maîtres de la Plénière de la Renaissance italienne; comme par exemple un peu de Miguel Ángel. Dans l’un d’eux, pour la Sibylle libyenne du plafond de la chapelle Sixtine, on peut voir que la composition définitive était initialement basée sur un modèle masculin; dans un autre, pour la Déposition, une figure féminine a été initialement conçue comme un adolescent nu. De Leonardo il y a de nombreuses études, la plupart liées, avec toutes sortes de notes et d’observations (Codex Atlantique, codices Madrid I-II, Codex Hammer, Codex sur le vol des oiseaux, Codex Trivulzianus, Codex Arundel); entre autres, il y en a qui montrent comment il a étudié les variations dans la position des mains de La Gioconda ou le mouvement des chevaux de la bataille d’Anghiari. De Raphaël a été conservé un grand ensemble d’études préparatoires et de cartons, qui permettent de reconstruire vos techniques et votre processus créatif.

Les études remontent à la Renaissance italienne, à partir de laquelle les historiens de l’art ont maintenu certaines des études de Michel-Ange. Un en particulier, son étude pour la Sibylle libyenne sur le plafond de la Chapelle Sixtine, est basé sur un modèle masculin, bien que la peinture finie soit d’une femme. Ces détails aident à révéler les processus de pensée et les techniques de nombreux artistes.