पूर्वी चित्रकला

पूर्वी चित्रकला के इतिहास में विभिन्न संस्कृतियों और धर्मों के प्रभावों की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल है। पूर्वी पेंटिंग में ऐतिहासिक रूप से पश्चिमी चित्रकला में ऐतिहासिक रूप से समानांतर, कुछ सदियों पहले सामान्य रूप से विकास। अफ्रीकी कला, यहूदी कला, इस्लामी कला, भारतीय कला, चीनी कला, कोरियाई कला, और जापानी कला प्रत्येक का पश्चिमी कला पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, और इसके विपरीत।

चीनी चित्रकला दुनिया की सबसे पुरानी कलात्मक परंपराओं में से एक है। सबसे पुरानी पेंटिंग्स प्रतिनिधित्वकारी नहीं थीं लेकिन सजावटी थीं; वे चित्रों के बजाय पैटर्न या डिजाइन शामिल थे। प्रारंभिक मिट्टी के बरतन सर्पिल, ज़िगज़ैग, डॉट्स या जानवरों के साथ चित्रित किया गया था। यह केवल युद्धरत राज्य काल (403-221 ईसा पूर्व) के दौरान था कि कलाकारों ने उनके आसपास की दुनिया का प्रतिनिधित्व करना शुरू किया। जापानी चित्रकला जापानी कलाओं की सबसे पुरानी और सबसे परिष्कृत है, जिसमें शैली और शैलियों की एक विस्तृत विविधता शामिल है। जापानी चित्रकला का इतिहास देशी जापानी सौंदर्यशास्त्र और आयातित विचारों के अनुकूलन के बीच संश्लेषण और प्रतिस्पर्धा का एक लंबा इतिहास है। कोरियाई पेंटिंग, एक स्वतंत्र रूप के रूप में, गोस्सेसन के पतन के आसपास 108 ईसा पूर्व शुरू हुई, जिससे इसे दुनिया में सबसे पुराना बना दिया गया। उस समय अवधि की कलाकृति विभिन्न शैलियों में विकसित हुई जो कोरिया काल के तीन साम्राज्यों की विशेषता है, विशेष रूप से पेंटिंग्स और भित्तिचित्र जो गोगुरीयो की रॉयल्टी के कब्रों को सजाते हैं। तीन साम्राज्यों की अवधि के दौरान और गोरीओ राजवंश के माध्यम से, कोरियाई चित्रकला को मुख्य रूप से कोरियाई शैली के परिदृश्य, चेहरे की विशेषताओं, बौद्ध केंद्रित विषयों के संयोजन और खगोलीय अवलोकन पर जोर दिया गया था जो कोरियाई खगोल विज्ञान के तेज़ी से विकास से सुगम था।

पूर्वी एशियाई पेंटिंग
चीन, जापान और कोरिया में चित्रकला में एक मजबूत परंपरा है जो सुलेख और प्रिंटमेकिंग की कला से भी जुड़ा हुआ है (इतना अधिक है कि इसे आमतौर पर पेंटिंग के रूप में देखा जाता है)। सुदूर पूर्व पारंपरिक चित्रकला को पानी आधारित तकनीकों, कम यथार्थवाद, “सुरुचिपूर्ण” और शैलीबद्ध विषयों, चित्रण के लिए ग्राफिकल दृष्टिकोण, सफेद स्थान (या नकारात्मक स्थान) का महत्व और परिदृश्य के लिए प्राथमिकता (मानव आकृति के बजाय) की विशेषता है। विषय। रेशम या पेपर स्क्रॉल पर स्याही और रंग से परे, लाहौर पर सोने चित्रित पूर्वी एशियाई कलाकृति में भी एक आम माध्यम था। यद्यपि रेशम अतीत में पेंट करने के लिए कुछ हद तक महंगा माध्यम था, लेकिन पहली शताब्दी ईस्वी के दौरान हानि अदालत ने कैन लून द्वारा कागज के आविष्कार को न केवल लेखन के लिए एक सस्ता और व्यापक माध्यम प्रदान किया, बल्कि चित्रकला के लिए एक सस्ता और व्यापक माध्यम भी प्रदान किया (इसे जनता के लिए अधिक सुलभ बनाना)।

कन्फ्यूशियनिज्म, दाओवाद और बौद्ध धर्म की विचारधाराओं ने पूर्वी एशियाई कला में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। 12 वीं शताब्दी के लिन टिंगगुई और उनके लुहान लॉंडरिंग (स्मिथसोनियन फ्रीर गैलरी ऑफ आर्ट में स्थित) के मध्ययुगीन गीत राजवंश चित्रकार शास्त्रीय चीनी कलाकृति में शामिल बौद्ध विचारों के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। बाद में पेंटिंग रेशम (लिंक में प्रदान की गई छवि और विवरण) में, गंजा सिर वाले बौद्ध लुहान को नदी द्वारा कपड़े धोने की व्यावहारिक सेटिंग में चित्रित किया गया है। हालांकि, चित्रकला स्वयं दृष्टि से आश्चर्यजनक है, लुओहन ने एक आलसी, भूरा, और चमकदार जंगली वातावरण के विपरीत समृद्ध विस्तार और चमकदार, अपारदर्शी रंगों में चित्रित किया है। इसके अलावा, पेड़ के शीर्ष घूमने वाले कोहरे में घिरे हुए हैं, जो पूर्वी एशियाई कला में ऊपर वर्णित आम “नकारात्मक स्थान” प्रदान करते हैं।

1 9वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, वैन गोग और हेनरी डी टूलूज़-लॉट्रेक जैसे पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट और जेम्स मैकनील व्हिस्लर जैसे टोनलिस्ट, 1 9वीं शताब्दी के शुरुआती जापानी उकीओ-ए कलाकारों जैसे होकुसाई (1760-1849) और हिरोशिगे (17 9 7- 1858) और उनके द्वारा प्रभावित थे।

चीनी पेंटिंग
रिंग, ईंट, या पत्थर पर रेशम या मकबरे murals पर पेंटिंग के साथ, युद्ध चित्रित अवधि (481 – 221 ईसा पूर्व) के लिए चीनी चित्रित कलाकृति की तारीख के सबसे शुरुआती उदाहरण। वे अक्सर सरल शैली के प्रारूप में और कम या कम प्राथमिक ज्यामितीय पैटर्न में थे। उन्होंने अक्सर पौराणिक प्राणियों, घरेलू दृश्यों, श्रम दृश्यों, या अदालत में अधिकारियों से भरे महल दृश्यों को चित्रित किया। इस अवधि के दौरान आर्टवर्क और बाद के क्यून राजवंश (221 – 207 ईसा पूर्व) और हान राजवंश (202 ईसा पूर्व – 220 ईस्वी) को अपने आप में और उच्च व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के साधन के रूप में नहीं बनाया गया था; बल्कि आर्टवर्क को मज़ेदार संस्कारों का प्रतीक और सम्मान करने के लिए बनाया गया था, पौराणिक देवताओं या पूर्वजों की आत्माओं का प्रतिनिधित्व आदि। अदालत के अधिकारियों और घरेलू दृश्यों के रेशम पर पेंटिंग हान राजवंश के दौरान पाए जा सकते थे, साथ ही घुड़सवारी या भाग लेने वाले पुरुषों के दृश्यों के साथ सैन्य परेड। मूर्तियों और मूर्तियों जैसे कला के तीन आयामी कार्यों पर चित्रकला भी थी, जैसे मूल चित्रित रंग, जो टेराकोटा सेना के सैनिक और घोड़े की मूर्तियों को कवर करते थे। दक्षिण में नानजिंग के आधार पर प्राचीन पूर्वी जिन राजवंश (316 – 420 ईस्वी) के सामाजिक और सांस्कृतिक माहौल के दौरान, पेंटिंग कन्फ्यूशियंस-सिखाए गए नौकरशाही अधिकारियों और अभिजात वर्ग के आधिकारिक शगलों में से एक बन गई (साथ ही साथ गुक्विन द्वारा खेले जाने वाले संगीत के साथ, कल्पित सुलेख लिखना, और कविता का लेखन और पढ़ना)। चित्रकारी कलात्मक आत्म अभिव्यक्ति का एक आम रूप बन गया, और इस अवधि के दौरान अदालत में या अभिजात वर्ग के सामाजिक सर्किटों में चित्रकारों का निर्णय लिया गया और उनके साथियों ने रैंक किया।

शास्त्रीय चीनी परिदृश्य चित्रकला की स्थापना मुख्य रूप से पूर्वी जिन राजवंश कलाकार गु कैज़ी (344 – 406 ईस्वी), चीनी इतिहास के सबसे प्रसिद्ध कलाकारों में से एक को मान्यता प्राप्त है। काइजी, तांग राजवंश (618 – 9 0 ईस्वी) के विस्तारित स्क्रॉल दृश्यों की तरह वू दाओज़ी जैसे चीनी कलाकारों ने लंबे क्षैतिज हैंडक्रोल (जो तांग के दौरान बहुत लोकप्रिय थे) पर ज्वलंत और अत्यधिक विस्तृत कलाकृति चित्रित की, जैसे कि उनके ईटी सात सेलेस्टियल लोग। तांग अवधि के दौरान चित्रित कलाकृति ने एक आदर्शीकृत परिदृश्य माहौल के प्रभाव, वस्तुओं, व्यक्तियों या गतिविधि के साथ-साथ प्रकृति में मोनोक्रोमैटिक (उदाहरण: क्विआनलिंग मकबरे में मूल्य यइड की मकबरे के मूर्तियों) के प्रभावों से संबंधित है। शुरुआती तांग-युग चित्रकार झान ज़िकियान जैसे आंकड़े भी थे, जिन्होंने शानदार परिदृश्य चित्रों को चित्रित किया जो यथार्थवाद के चित्रण में उनके दिन से काफी आगे थे। हालांकि, पांच राजवंशों और दस साम्राज्यों की अवधि (907 – 960 ईस्वी) तक लैंडस्केप कला सामान्य रूप से परिपक्वता और यथार्थवाद के अधिक स्तर तक नहीं पहुंच पाई। इस समय के दौरान, दांग युआन जैसे असाधारण परिदृश्य चित्रकार थे (इस लेख को उनके आर्टवर्क के उदाहरण के लिए देखें), और जिन लोगों ने घरेलू दृश्यों के अधिक ज्वलंत और यथार्थवादी चित्रणों को चित्रित किया, जैसे गु होंगज़ोंग और हन Xizai के उनके नाइट Revels।

चीनी सांग राजवंश (960 – 1279 ईस्वी) के दौरान, न केवल परिदृश्य कला में सुधार हुआ था, लेकिन चित्र चित्रकला पहले से अधिक मानकीकृत और परिष्कृत हो गई (उदाहरण के लिए, गीत के सम्राट हुआजोंग का संदर्भ लें), और इसके शास्त्रीय आयु परिपक्वता तक पहुंच गई मिंग राजवंश (1368 – 1644 ईस्वी)। 13 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध और 14 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के दौरान, मंगोल नियंत्रित युआन राजवंश के तहत चीनी को सरकार के उच्च पदों (मंगोलों या मध्य एशिया से अन्य जातीय समूहों के लिए आरक्षित) में प्रवेश करने की अनुमति नहीं थी, और शाही परीक्षा समाप्त हो गई थी फिलहाल। कई कन्फ्यूशियंस-शिक्षित चीनी जिन्हें अब पेशे की कमी थी, वे चित्रकला और रंगमंच की कलाओं में बदल गए, क्योंकि युआन अवधि चीनी कलाकृति के लिए सबसे जीवंत और प्रचुर मात्रा में युग में से एक बन गई। इस तरह का एक उदाहरण कियान जुआन (1235-1305 ईस्वी) होगा, जो सांग राजवंश का अधिकारी था, लेकिन देशभक्ति से बाहर, युआन अदालत की सेवा करने से इनकार कर दिया और खुद को चित्रकला के लिए समर्पित कर दिया। इस अवधि से शानदार कला के उदाहरणों में योंगल पैलेस के समृद्ध और विस्तृत चित्रित murals, या 1262 ईस्वी के “डचुन्यांग दीर्घायु पैलेस”, यूनेस्को की विश्व धरोहर स्थल शामिल हैं। महल के भीतर, चित्रों में 1000 वर्ग मीटर से अधिक क्षेत्र शामिल हैं, और ज्यादातर दाओवादी विषयों को पकड़ते हैं। यह सांग राजवंश के दौरान था कि चित्रकार सामाजिक कला या बैठकों में भी अपनी कला या दूसरों की कलाकृति पर चर्चा करने के लिए इकट्ठे होते हैं, जिसकी प्रशंसा अक्सर कला के मूल्यवान कार्यों को व्यापार और बेचने के लिए प्रेरित करती है। हालांकि, अन्य कलाओं के कई कठोर आलोचकों भी थे, जो विभिन्न चित्रकारों के बीच शैली और स्वाद में अंतर दिखाते थे। 1088 ईस्वी में, बहुलक वैज्ञानिक और राजनेता शेन कुओ ने एक बार ली ली चेंग की कलाकृति के बारे में लिखा, जिसकी उन्होंने आलोचना की:

… फिर ली चेंग था, जिसने पहाड़ों, भंडारित इमारतों, पगोडों और जैसे लोगों के बीच मंडप और लॉज दिखाए, हमेशा नीचे से देखे गए ईवों को पेंट करने के लिए उपयोग किया जाता था। उनका विचार था कि ‘नीचे से ऊपर की तरफ देखना चाहिए, जैसे कि एक स्तर के स्तर पर खड़ा एक आदमी और एक पगोडा की छतों पर देखकर उसके छत और उसके कंटिलिवर ईव राफ्टर्स देख सकते हैं। यह सब गलत है। आम तौर पर एक परिदृश्य को चित्रित करने का उचित तरीका बड़े के दृष्टिकोण से छोटे को देखना है … जैसा कि कोई बगीचे में कृत्रिम पहाड़ों को देखता है (जैसा कि कोई चलता है)। यदि कोई वास्तविक पहाड़ों की पेंटिंग पर (ली की विधि) लागू करता है, तो नीचे से उन्हें देखकर, कोई एक समय में केवल एक प्रोफ़ाइल देख सकता है, न कि उनके बहुपक्षीय ढलानों और प्रोफाइलों की संपत्ति, जो कुछ भी हो रहा है, घाटियों और घाटियों में, और अपने घरों और घरों के साथ लेन और आंगनों में। यदि हम पहाड़ के पूर्व में खड़े हैं तो इसके पश्चिमी भाग दूर-दूर की दूरी की गायब सीमा पर होंगे, और इसके विपरीत। निश्चित रूप से इसे सफल पेंटिंग नहीं कहा जा सकता है? श्री ली ‘बड़े के दृष्टिकोण से छोटे को देखने’ के सिद्धांत को समझ नहीं पाए। वह निश्चित रूप से ऊंचाई और दूरी को कम करने में आश्चर्यजनक था, लेकिन क्या किसी को इमारतों के कोणों और कोनों को इतना महत्व देना चाहिए?

यद्यपि स्टाइलिज़ेशन, रहस्यमय अपील, और वास्तविक लालित्य के उच्च स्तर को अक्सर यथार्थवाद (जैसे शान शूई शैली में) पसंद किया जाता था, मध्ययुगीन सांग राजवंश के साथ शुरुआत में कई चीनी चित्रकार थे और बाद में प्रकृति के दृश्यों को चित्रित करते थे जो स्पष्ट रूप से वास्तविक थे। बाद में मिंग राजवंश कलाकार इस गीत राजवंश को प्रकृति में वस्तुओं पर जटिल विस्तार और यथार्थवाद के लिए जोर देंगे, खासकर जानवरों के चित्रण (जैसे बतख, हंस, चिड़िया, बाघ, इत्यादि) में चमकदार रंग के फूलों और ब्रश के घाटों के पैचों के बीच और लकड़ी (एक अच्छा उदाहरण अज्ञात मिंग राजवंश चित्रकला पक्षी और प्लम खिलना होगा, जो वाशिंगटन, डीसी में स्मिथसोनियन संग्रहालय की फ्रीर गैलरी में स्थित है)। कई प्रसिद्ध मिंग राजवंश कलाकार थे; क्यूई यिंग एक सर्वोपरि मिंग युग चित्रकार (अपने स्वयं के दिन में भी प्रसिद्ध) का एक उत्कृष्ट उदाहरण है, जो अपने आर्टवर्क घरेलू दृश्यों में घूमते हुए, महल के दृश्यों और नदी घाटियों के प्रकृति दृश्यों और धुंध और घुमावदार बादलों में घिरे पहाड़ों के प्रकृति दृश्यों का उपयोग करते हैं। मिंग राजवंश के दौरान चित्रकला से जुड़े कला के विभिन्न और प्रतिद्वंद्वी स्कूल भी थे, जैसे वू स्कूल और Zhe School।

शास्त्रीय चीनी चित्रकला प्रारंभिक आधुनिक किंग राजवंश में जारी रही, जिसमें 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में देर से मिंग राजवंश में देखी गई यथार्थवादी चित्रकारी चित्रों के साथ। कंग्ज़ी सम्राट, योंगझेनग सम्राट, और कियानलांग सम्राट के चित्र यथार्थवादी चीनी चित्रकारी चित्रकला के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। कियानलांग शासन काल और 1 9वीं शताब्दी के दौरान, पेंटिंग की यूरोपीय बारोक शैलियों ने चीनी चित्रकारी चित्रों पर विशेष प्रभाव डाला, विशेष रूप से प्रकाश और छायांकन के चित्रित दृश्य प्रभावों के साथ। इसी तरह, 16 वीं शताब्दी में प्रारंभिक संपर्क के बाद से पूर्वी एशियाई पेंटिंग्स और कला के अन्य कार्यों (जैसे चीनी मिट्टी के बरतन और लैकरवेयर) का अत्यधिक मूल्य यूरोप में था।

जापानी पेंटिंग
जापानी पेंटिंग (絵 画) जापानी कलाओं की सबसे पुरानी और सबसे परिष्कृत है, जिसमें शैलियों और शैलियों की एक विस्तृत विविधता शामिल है। सामान्य रूप से जापानी कलाओं के साथ, जापानी चित्रकला देशी जापानी सौंदर्यशास्त्र और आयातित विचारों के अनुकूलन के बीच संश्लेषण और प्रतिस्पर्धा के एक लंबे इतिहास के माध्यम से विकसित हुई। Ukiyo-e, या “फ़्लोटिंग वर्ल्ड की तस्वीरें” जापानी लकड़ी के ब्लॉक प्रिंट (या “वुडकूट्स”) की एक शैली है और 17 वीं और 20 वीं शताब्दी के बीच निर्मित पेंटिंग्स, जिसमें परिदृश्य, रंगमंच और अदालतों के जिलों की विशेषताएं शामिल हैं। यह जापानी लकड़ी के ब्लॉक मुद्रण की मुख्य कलात्मक शैली है। विशेष रूप से ईदो अवधि से जापानी प्रिंटमेकिंग ने 1 9वीं शताब्दी में फ्रेंच चित्रकला पर भारी प्रभाव डाला।

कोरियाई पेंटिंग
कोरियाई पेंटिंग, एक स्वतंत्र रूप के रूप में, गोस्सेसन के पतन के आसपास 108 ईसा पूर्व शुरू हुई, जिससे इसे दुनिया में सबसे पुराना बना दिया गया। उस समय अवधि की कलाकृति विभिन्न शैलियों में विकसित हुई जो कोरिया काल के तीन साम्राज्यों की विशेषता है, विशेष रूप से पेंटिंग्स और भित्तिचित्र जो गोगुरीयो की रॉयल्टी के कब्रों को सजाते हैं। तीन साम्राज्यों की अवधि के दौरान और गोरीओ राजवंश के माध्यम से, कोरियाई चित्रकला को मुख्य रूप से कोरियाई शैली के परिदृश्य, चेहरे की विशेषताओं, बौद्ध केंद्रित विषयों के संयोजन और खगोलीय अवलोकन पर जोर दिया गया था जो कोरियाई खगोल विज्ञान के तेज़ी से विकास से सुगम था। यह जोसोन राजवंश तक नहीं था जब कन्फ्यूशियंस थीम कोरियाई चित्रों में जड़ लेना शुरू कर दिया, जो स्वदेशी पहलुओं के अनुरूप था।

कोरियाई पेंटिंग का इतिहास ब्लैक ब्रशवर्क के मोनोक्रोमैटिक कार्यों के उपयोग से किया जाता है, अक्सर शहतूत के पेपर या रेशम पर। यह शैली “मिन-हवा”, या रंगीन लोक कला, मकबरे पेंटिंग्स, और अनुष्ठान और त्यौहार कलाओं में स्पष्ट है, जिनमें से दोनों रंगों का व्यापक उपयोग शामिल करते हैं।

दक्षिण एशियाई पेंटिंग

भारतीय चित्रकला
भारतीय चित्र ऐतिहासिक रूप से धार्मिक देवताओं और राजाओं के चारों ओर घूमते हैं। भारतीय कला भारतीय उपमहाद्वीप में मौजूद कला के कई अलग-अलग विद्यालयों के लिए एक सामूहिक शब्द है। पेंटिंग्स अजंता के बड़े भित्तिचित्रों से जटिल मुगल लघु चित्रों तक तंजौर स्कूल से धातु के सजावटी कार्यों में भिन्न थीं। गंधर-टैक्सिला की पेंटिंग पश्चिम में फारसी कार्यों से प्रभावित होती है। चित्रकला की पूर्वी शैली ज्यादातर नालंदा स्कूल कला के आसपास विकसित की गई थी। काम ज्यादातर भारतीय पौराणिक कथाओं से विभिन्न दृश्यों से प्रेरित होते हैं।

इतिहास
सबसे पुरानी भारतीय पेंटिंग प्रागैतिहासिक काल की रॉक पेंटिंग्स थीं, पेट्रोग्लीफ्स जैसा कि भीम्बेटका के रॉक आश्रय जैसे स्थानों में पाया गया था, और उनमें से कुछ 5500 ईसा पूर्व से बड़े हैं। इस तरह के काम जारी रहे और कई सहस्राब्दी के बाद, 7 वीं शताब्दी में, अजंता, महाराष्ट्र राज्य के नक्काशीदार खंभे भारतीय चित्रों का एक अच्छा उदाहरण प्रस्तुत करते हैं, और रंग, ज्यादातर लाल और नारंगी रंग के विभिन्न रंग खनिजों से व्युत्पन्न होते हैं।

महाराष्ट्र, भारत में अजंता गुफाएं दूसरी शताब्दी ईसा पूर्व में रॉक कट गुफा स्मारक हैं और इसमें चित्रकला और मूर्तिकला शामिल हैं जो बौद्ध धार्मिक कला और सार्वभौमिक चित्रमय कला दोनों के उत्कृष्ट कृतियों के रूप में माना जाता है।

मधुबनी पेंटिंग
मधुबनी पेंटिंग भारतीय चित्रकला की एक शैली है, जो भारत के बिहार राज्य के मिथिला क्षेत्र में प्रचलित है। मधुबनी पेंटिंग की उत्पत्ति पुरातनता में घिरी हुई है।

राजपूत पेंटिंग
राजपूत चित्रकला, भारतीय चित्रकला की एक शैली, 18 वीं शताब्दी के दौरान, राजपूताना, भारत की शाही अदालतों में विकसित और विकसित हुई। प्रत्येक राजपूत साम्राज्य ने एक विशिष्ट शैली विकसित की, लेकिन कुछ सामान्य विशेषताओं के साथ। राजपूत चित्रों में कई विषयों, रामायण और महाभारत, कृष्णा के जीवन, सुंदर परिदृश्य और मनुष्यों जैसे महाकाव्य की घटनाएं दर्शाती हैं। लघुचित्र राजपूत चित्रकला का पसंदीदा माध्यम थे, लेकिन कई पांडुलिपियों में राजपूत चित्र भी शामिल थे, और महलों की दीवारों, किलों के आंतरिक कक्ष, हवेली, विशेष रूप से शेखावत के हवेली पर पेंटिंग भी किए गए थे।

कुछ खनिज, पौधे के स्रोत, शंख के गोले से निकाले गए रंग, और यहां तक ​​कि कीमती पत्थरों, सोने और चांदी के प्रसंस्करण द्वारा व्युत्पन्न किए गए थे। वांछित रंगों की तैयारी एक लंबी प्रक्रिया थी, कभी-कभी हफ्तों लेती थी। इस्तेमाल ब्रश बहुत अच्छे थे।

मुगल चित्रकला
मुगल चित्रकला भारतीय चित्रकला की एक विशेष शैली है, जो आम तौर पर पुस्तक पर चित्रों तक सीमित होती है और लघुचित्रों में होती है, और 16 वीं -19 वीं शताब्दी में मुगल साम्राज्य की अवधि के दौरान उभरा, विकसित और आकार ले लिया।

तंजौर पेंटिंग
तंजौर पेंटिंग तमिलनाडु में तंजौर शहर के मूल निवासी शास्त्रीय दक्षिण भारतीय चित्रकला का एक महत्वपूर्ण रूप है। कला का स्वरूप 9वीं शताब्दी की शुरुआत में था, जो चोल शासकों का प्रभुत्व था, जिन्होंने कला और साहित्य को प्रोत्साहित किया था। ये चित्र उनके लालित्य, समृद्ध रंगों और विस्तार पर ध्यान देने के लिए जाने जाते हैं। इनमें से अधिकांश चित्रों के लिए थीम हिन्दू देवताओं और देवियों और हिंदू पौराणिक कथाओं के दृश्य हैं। आधुनिक समय में, दक्षिण भारत में उत्सव के अवसरों के दौरान इन चित्रों को स्मारिका के बाद बहुत अधिक मांग की गई है।

तंजौर पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया में कई चरण शामिल हैं। पहले चरण में आधार पर छवि के प्रारंभिक स्केच बनाने का समावेश होता है। आधार में एक लकड़ी के आधार पर चिपका हुआ कपड़ा होता है। फिर चाक पाउडर या जस्ता ऑक्साइड पानी घुलनशील चिपकने वाला के साथ मिलाया जाता है और आधार पर लगाया जाता है। आधार को चिकना बनाने के लिए, कभी-कभी हल्के घर्षण का उपयोग किया जाता है। चित्र बनाने के बाद, आभूषण की सजावट और छवि में परिधान अर्द्ध कीमती पत्थरों के साथ किया जाता है। आभूषणों को सजाने के लिए लेस या धागे का भी उपयोग किया जाता है। इसके ऊपर, सोने के फोइल चिपकाए जाते हैं। अंत में, रंगों में चित्रों में रंग जोड़ने के लिए रंगों का उपयोग किया जाता है।

मद्रास स्कूल
भारत में ब्रिटिश शासन के दौरान, ताज ने पाया कि मद्रास के पास दुनिया में कुछ सबसे प्रतिभाशाली और बौद्धिक कलात्मक दिमाग थे। चूंकि अंग्रेजों ने मद्रास के आस-पास और आसपास एक बड़ा समझौता भी स्थापित किया था, जॉर्जटाउन को एक संस्थान स्थापित करने के लिए चुना गया था जो लंदन में शाही परिवार की कलात्मक अपेक्षाओं को पूरा करेगा। इसे मद्रास स्कूल के रूप में जाना जाने लगा है। पहले पारंपरिक कलाकारों को फर्नीचर, धातु के काम, और क्यूरो की उत्तम किस्मों का उत्पादन करने के लिए नियोजित किया गया था और उनका काम रानी के शाही महलों को भेजा गया था।

बंगाल स्कूल के विपरीत जहां ‘प्रतिलिपि’ शिक्षण का आदर्श है, मद्रास स्कूल नई शैलियों, तर्कों और प्रवृत्तियों को ‘बनाने’ पर उभरता है।

बंगाल स्कूल
बंगाल स्कूल ऑफ आर्ट कला की एक प्रभावशाली शैली थी जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में ब्रिटिश राज के दौरान भारत में विकसित हुई थी। यह भारतीय राष्ट्रवाद से जुड़ा था, लेकिन कई ब्रिटिश कला प्रशासकों द्वारा भी उन्हें बढ़ावा दिया और समर्थित किया गया था।

बंगाल स्कूल राजा अव वर्मा और ब्रिटिश कला स्कूलों जैसे भारतीय कलाकारों द्वारा भारत में प्रचारित शैक्षिक कला शैलियों के खिलाफ प्रतिक्रिया दे रहे एक अवंत गार्डे और राष्ट्रवादी आंदोलन के रूप में उभरा। पश्चिम में भारतीय आध्यात्मिक विचारों के व्यापक प्रभाव के बाद, ब्रिटिश कला शिक्षक अर्नेस्ट बिनफील्ड हवेल ने छात्रों को मुगल लघुचित्रों की नकल करने के लिए प्रोत्साहित करके कलकत्ता स्कूल ऑफ आर्ट में शिक्षण विधियों में सुधार करने का प्रयास किया। इसने अत्यधिक विवाद पैदा किया, जिसके कारण स्थानीय प्रेस से छात्रों और शिकायतों की हड़ताल हुई, जिसमें राष्ट्रवादियों ने भी इसे एक प्रगतिशील कदम माना। हवेली को कवि रवींद्रनाथ टैगोर के एक भतीजे कलाकार अबानिंद्रनाथ टैगोर द्वारा समर्थित किया गया था। टैगोर ने मुगल कला से प्रभावित कई कामों को चित्रित किया, एक शैली है कि वह और हवेल पश्चिम के “भौतिकवाद” के विरोध में भारत के विशिष्ट आध्यात्मिक गुणों के अभिव्यक्तिपूर्ण मानते थे। टैगोर की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग, भारत माता (मदर इंडिया) ने एक युवा महिला को चित्रित किया, जिसमें हिंदू देवताओं के तरीके में चार हथियारों के साथ चित्रित किया गया, जिसमें वस्तुओं की भारत की राष्ट्रीय आकांक्षाओं का प्रतीक है। टैगोर ने बाद में कला कलाकारों के एक एशियाई मॉडल के निर्माण की आकांक्षा के हिस्से के रूप में जापानी कलाकारों के साथ संबंध विकसित करने का प्रयास किया।

1 9 20 के दशक में भारत में बंगाल स्कूल के प्रभाव ने आधुनिकतावादी विचारों के फैलाव से इनकार कर दिया। आजादी के बाद की अवधि में, भारतीय कलाकारों ने अधिक अनुकूलता दिखायी क्योंकि उन्होंने यूरोपीय शैलियों से स्वतंत्र रूप से उधार लिया और कला के नए रूपों के लिए भारतीय रूपों के साथ स्वतंत्र रूप से उन्हें मिलाया। जबकि फ्रांसिस न्यूटन सूजा और तैयब मेहता जैसे कलाकार उनके दृष्टिकोण में अधिक पश्चिमी थे, वहां गणेश पायने और मकबूल फिदा हुसैन जैसे अन्य लोग थे जिन्होंने काम की पूरी तरह से स्वदेशी शैली विकसित की थी। आज भारत में बाजार के उदारीकरण की प्रक्रिया के बाद, कलाकार अंतरराष्ट्रीय कला-दृश्य के लिए अधिक जोखिम का अनुभव कर रहे हैं जो उन्हें कला के नए रूपों के साथ उभरने में मदद कर रहा है जो अब तक भारत में नहीं देखे गए थे। 1 99 0 के उत्तरार्ध में जितीश कल्लाट ने अपनी पेंटिंग्स के साथ प्रसिद्धि की थी जो कि सामान्य परिभाषा के दायरे से बाहर और परे दोनों थे। हालांकि, नई शताब्दी में भारत में कलाकार नई शैलियों, विषयों और रूपकों को आजमाने की कोशिश कर रहे हैं, फिर भी उन व्यवसायिक घरों की सहायता के बिना ऐसी त्वरित मान्यता प्राप्त करना संभव नहीं था जो अब कला क्षेत्र में प्रवेश कर रहे हैं जैसे कि वे पहले कभी नहीं थे ।

आधुनिक भारतीय चित्रकला
अमृता शेर-गिल एक भारतीय चित्रकार था, जिसे कभी-कभी भारत के फ्रिदा काहलो के नाम से जाना जाता था, और आज 20 वीं शताब्दी भारत की एक महत्वपूर्ण महिला चित्रकार माना जाता है, जिसका विरासत बंगाल पुनर्जागरण के परास्नातक के बराबर है; वह भारत की ‘सबसे महंगी’ महिला चित्रकार भी है।

आज, वह नौ मास्टर्स में से हैं, जिनके काम को 1 9 76 और 1 9 7 9 में भारत के पुरातत्व सर्वेक्षण द्वारा कला खजाने के रूप में घोषित किया गया था, और उनकी 100 से अधिक पेंटिंग्स अब नेशनल गैलरी ऑफ मॉडर्न आर्ट, नई दिल्ली में प्रदर्शित की गई हैं।

औपनिवेशिक युग के दौरान, पश्चिमी प्रभावों ने भारतीय कला पर प्रभाव डालना शुरू कर दिया। कुछ कलाकारों ने एक शैली विकसित की जिसने भारतीय विषयों को चित्रित करने के लिए रचना, परिप्रेक्ष्य और यथार्थवाद के पश्चिमी विचारों का उपयोग किया। अन्य, जैसे कि जामिनी रॉय, ने जानबूझकर लोक कला से प्रेरणा ली।

1 9 47 में आजादी के समय तक, भारत में कला के कई स्कूलों ने आधुनिक तकनीकों और विचारों तक पहुंच प्रदान की। इन कलाकारों को प्रदर्शित करने के लिए गैलरी स्थापित की गई थीं। आधुनिक भारतीय कला आमतौर पर पश्चिमी शैलियों का प्रभाव दिखाती है, लेकिन अक्सर भारतीय विषयों और छवियों से प्रेरित होती है। प्रमुख कलाकारों को शुरुआत में भारतीय डायस्पोरा में अंतरराष्ट्रीय मान्यता हासिल करना शुरू हो रहा है, लेकिन गैर-भारतीय दर्शकों के बीच भी।

1 9 47 में भारत स्वतंत्र होने के कुछ ही समय बाद स्थापित प्रगतिशील कलाकार समूह, औपनिवेशिक युग के बाद भारत को व्यक्त करने के नए तरीकों को स्थापित करने का इरादा रखता था। संस्थापक छह प्रतिष्ठित कलाकार थे – केएच आरा, एसके बकरे, एचए गेड, एमएफ हुसैन, एसएच रजा और एफएन सूजा, हालांकि समूह को 1 9 56 में भंग कर दिया गया था, यह भारतीय कला के मुहावरे को बदलने में गहरा प्रभावशाली था। 1 9 50 के दशक में लगभग सभी भारत के प्रमुख कलाकार समूह से जुड़े थे। आजकल जाने वाले कुछ लोग बाल चब्दा, मनीशी डे, मुकुल डे, वीएस गायतोंडे, राम कुमार, तैयब मेहता और अकबर पदमसी हैं। जहर दासगुप्त, प्रोकश कर्मकर, जॉन विल्किन्स, नारायणन रामचंद्रन और बिजन चौधरी जैसे अन्य प्रसिद्ध चित्रकारों ने भारत की कला संस्कृति को समृद्ध किया। वे आधुनिक भारतीय कला के प्रतीक बन गए हैं। प्रो। राय आनंद कृष्ण जैसे कला इतिहासकारों ने आधुनिक कलाकारों के उन कार्यों को भी संदर्भित किया है जो भारतीय आचारों को प्रतिबिंबित करते हैं। गीता वाधेरा ने जटिल, भारतीय आध्यात्मिक विषयों को सूफी विचार, उपनिषद और भगवत गीता जैसे कैनवास पर अनुवाद करने में प्रशंसा की है।

1 99 0 के दशक के शुरू से ही भारतीय कला को देश के आर्थिक उदारीकरण के साथ बढ़ावा मिला। विभिन्न क्षेत्रों के कलाकारों ने अब काम की विभिन्न शैलियों को लाने शुरू कर दिया। उदारीकरण के बाद भारत में, कई कलाकारों ने खुद को अंतरराष्ट्रीय कला बाजार में स्थापित किया है जैसे अमूर्त चित्रकार नटवर भावसर, मूर्तिकला कलाकार देवज्योति रे और मूर्तिकार अनिश कपूर जिनकी विशाल डाकियावादी कलाकृतियों ने अपने आकार के लिए ध्यान आकर्षित किया है। भारतीय कलाकृतियों को प्रदर्शित करने के लिए संयुक्त राज्य अमेरिका और यूरोप में कई कला घरों और दीर्घाओं को भी खोला गया है।

फिलिपिनो पेंटिंग
पूरी तरह से फिलिपिनो पेंटिंग को कई सांस्कृतिक प्रभावों के एकीकरण के रूप में देखा जा सकता है, हालांकि यह पूर्वी जड़ों के साथ अपने वर्तमान रूप में अधिक पश्चिमी हो जाता है।

शुरुआती फिलिपिनो पेंटिंग लाल पर्ची (पानी के साथ मिश्रित मिट्टी) में पाया जा सकता है, जो प्रशंसित मनुंगगुल जार जैसे फिलीपींस के अनुष्ठान मिट्टी के बरतन पर सजाए गए हैं। 6000 ईसा पूर्व के रूप में फिलिपिन मिट्टी के बर्तन बनाने की साक्ष्य संगा-संगा गुफा, सुलू और लॉरेनटे गुफा, कागायन में पाई गई है। यह साबित हुआ है कि 5000 ईसा पूर्व तक, पूरे देश में मिट्टी के बर्तनों का निर्माण किया जाता था। प्रारंभिक फिलिपिनो ने अपने कंबोडियन पड़ोसियों के सामने मिट्टी के बरतन बनाने और लगभग उसी समय थैस के रूप में मिट्टी के बरतन प्रौद्योगिकी के व्यापक आइस एज विकास के हिस्से के रूप में शुरू किया। चित्रकला के आगे के साक्ष्य प्रारंभिक फिलिपिनोस की टैटू परंपरा में प्रकट हुए हैं, जिन्हें पुर्तगाली खोजकर्ता को पिटाडोस या विसायस के ‘चित्रित लोग’ के रूप में जाना जाता है। स्वर्गीय निकायों के साथ वनस्पतियों और जीवों के संदर्भ में विभिन्न डिजाइन विभिन्न रंगीन पिग्मेंटेशन में अपने शरीर को सजाते हैं। शायद, प्रारंभिक फिलिपिनो द्वारा किए गए सबसे विस्तृत चित्रों में से कुछ जो वर्तमान समय तक जीवित रहते हैं, उन्हें मारानाओ के कला और वास्तुकला के बीच प्रकट किया जा सकता है जो नागा ड्रेगन और सरिमानोक के लिए जाने जाते हैं और उनके टोरोगन के सुंदर पैनोलोंग में चित्रित होते हैं। या किंग्स हाउस।

फिलिपिनो ने 17 वीं शताब्दी की स्पेनिश अवधि के दौरान यूरोपीय परंपरा में पेंटिंग्स बनाना शुरू किया। इन चित्रों में से सबसे शुरुआती चर्च भित्तिचित्र, बाइबिल के स्रोतों से धार्मिक इमेजरी, साथ ही साथ ईसाई प्रतीक और यूरोपीय कुलीनता वाली नक्काशी, मूर्तियों और लिथोग्राफ थे। 1 9वीं, और 20 वीं शताब्दी के बीच अधिकांश चित्रों और मूर्तियों ने धार्मिक, राजनीतिक, और परिदृश्य कला कार्यों का मिश्रण बनाया, मिठास, अंधेरे और प्रकाश के गुणों के साथ। प्रारंभिक आधुनिकतावादी चित्रकार जैसे दमीन डोमिंगो धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष चित्रों से जुड़े थे। जुआन लुना और फेलेक्स हिडाल्गो की कला ने राजनीतिक बयान के लिए एक प्रवृत्ति दिखायी। फर्नांडो अमोरसोलो जैसे कलाकार ने आधुनिकतावाद का उपयोग पेंटिंग्स का उत्पादन करने के लिए किया जो फिलीपीन संस्कृति, प्रकृति और सद्भाव को चित्रित करते थे। जबकि फर्नांडो ज़ोबेल जैसे अन्य कलाकारों ने अपने काम पर वास्तविकताओं और सार का उपयोग किया।

इस्लामी पेंटिंग
मनुष्यों, जानवरों या किसी अन्य रूपरेखा विषयों का चित्रण इस्लाम के भीतर मूर्तिपूजा से विश्वासियों को रोकने के लिए मना किया गया है, इसलिए मुस्लिम संस्कृति के भीतर कोई धार्मिक प्रेरित चित्रकला (या मूर्तिकला) परंपरा नहीं है। सचित्र गतिविधि को ज्यामितीय, मुख्य रूप से अमूर्त, ज्यामितीय विन्यास या पुष्प और पौधों की तरह पैटर्न के साथ घटा दिया गया था। वास्तुकला और सुलेख से दृढ़ता से जुड़ा हुआ, इसे मस्जिदों में टाइलों के चित्रकला या कुरान और अन्य पुस्तकों के पाठ के आसपास रोशनी में व्यापक रूप से देखा जा सकता है। वास्तव में, अमूर्त कला आधुनिक कला का आविष्कार नहीं है, लेकिन यह पूर्व-शास्त्रीय, बर्बर और गैर-पश्चिमी संस्कृतियों में कई शताब्दियों से पहले मौजूद है और यह अनिवार्य रूप से सजावटी या लागू कला है। उल्लेखनीय चित्रकार एमसी एस्चर इस ज्यामितीय और पैटर्न-आधारित कला से प्रभावित थे। आर्ट नोव्यू (औब्रे बेर्ड्सले और वास्तुकार एंटोनियो गौडी) ने पश्चिमी कला में अमूर्त पुष्प पैटर्न को फिर से पेश किया।

ध्यान दें कि लाक्षणिक दृश्यता के वर्जित होने के बावजूद, कुछ मुस्लिम देशों ने चित्रकला में एक समृद्ध परंपरा विकसित की, हालांकि अपने अधिकार में नहीं, बल्कि लिखित शब्द के साथी के रूप में। ईरानी या फारसी कला, जिसे फारसी लघु के रूप में व्यापक रूप से जाना जाता है, साहित्य के महाकाव्य या रोमांटिक कार्यों के चित्रण पर केंद्रित है। फारसी चित्रकार जानबूझकर छायांकन और परिप्रेक्ष्य के उपयोग से परहेज करते हैं, हालांकि वास्तविक दुनिया के किसी भी आजीवन भ्रम पैदा करने के नियम का पालन करने के लिए अपने पूर्व इस्लामी इतिहास में इससे परिचित हैं। उनका उद्देश्य दुनिया को चित्रित करना नहीं था, बल्कि कालातीत सौंदर्य और सही क्रम की आदर्श दुनिया की छवियां बनाना था।

वर्तमान दिनों में, अरब और गैर-अरब मुस्लिम देशों में कला छात्रों या पेशेवर कलाकारों द्वारा चित्रकला पश्चिमी संस्कृति कला की समान प्रवृत्तियों का पालन करती है।

ईरान
ओरिएंटल इतिहासकार बेसिल ग्रे का मानना ​​है कि “ईरान ने दुनिया के लिए विशेष रूप से अद्वितीय कला की पेशकश की है जो कि इस तरह के उत्कृष्ट है”। ईरान के लोरेस्तान प्रांत में गुफाओं ने जानवरों और शिकार के दृश्यों की चित्रित चित्रण प्रदर्शित की। फारस प्रांत और सियालक जैसे कुछ कम से कम 5,000 वर्ष पुराने हैं। माना जाता है कि ईरान में चित्रकारी तमेरलेन युग के दौरान एक चरम पर पहुंच गई है, जब कमलद्दीन बेहजाद जैसे उत्कृष्ट स्वामी ने पेंटिंग की एक नई शैली को जन्म दिया।

कजार अवधि की पेंटिंग्स यूरोपीय प्रभावों और पेंटिंग के सफाविद लघु विद्यालयों का संयोजन हैं जैसे कि रेजा अब्बासी द्वारा प्रस्तुत और मिहर अली द्वारा शास्त्रीय कार्यों। कमल-ओल-लोक जैसे परास्नातक ने ईरान में यूरोपीय प्रभाव को आगे बढ़ाया। यह कजर युग के दौरान था जब “कॉफी हाउस पेंटिंग” उभरा। इस शैली के विषय अक्सर शिया महाकाव्य और इसी तरह के दृश्यों को चित्रित करते हुए प्रकृति में धार्मिक थे।