पश्चिमी चित्रकला

पश्चिमी चित्रकला का इतिहास एक निरंतर, हालांकि बाधित, वर्तमान समय तक पुरातनता से परंपरा का प्रतिनिधित्व करता है। 1 9वीं शताब्दी के मध्य तक यह मुख्य रूप से उत्पादन के प्रतिनिधित्व और शास्त्रीय तरीकों से संबंधित था, जिसके बाद अधिक आधुनिक, अमूर्त और वैचारिक रूपों का पक्ष प्राप्त हुआ।

पश्चिमी चित्रकला में विकास ऐतिहासिक रूप से पूर्वी चित्रकला में समानांतर है, कुछ सदियों बाद सामान्य रूप से। अफ्रीकी कला, इस्लामी कला, भारतीय कला, चीनी कला, और जापानी कला प्रत्येक का पश्चिमी कला पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, और अंत में, इसके विपरीत।

प्रारंभ में शाही, निजी, नागरिक और धार्मिक संरक्षण की सेवा करते हुए, पश्चिमी चित्रकला ने बाद में अभिजात वर्ग और मध्यम वर्ग में दर्शकों को पाया। मध्य युग से पुनर्जागरण चित्रकारों के माध्यम से चर्च और एक अमीर अभिजात वर्ग के लिए काम किया। बरोक युग कलाकारों की शुरुआत से अधिक शिक्षित और समृद्ध मध्यम वर्ग से निजी कमीशन प्राप्त हुए। “कला के लिए कला” के विचार ने फ्रांसिस्को डी गोया, जॉन कॉन्स्टेबल और जेएमडब्लू टर्नर जैसे रोमांटिक चित्रकारों के काम में अभिव्यक्ति खोजना शुरू कर दिया। 1 9वीं शताब्दी के दौरान वाणिज्यिक दीर्घाओं की स्थापना हुई और 20 वीं शताब्दी में संरक्षण प्रदान करना जारी रखा।

पश्चिमी चित्रकला पुनर्जागरण के दौरान यूरोप में अपने चरम पर पहुंच गई, ड्राइंग के परिष्करण, परिप्रेक्ष्य, महत्वाकांक्षी वास्तुकला, टेपेस्ट्री, दाग ग्लास, मूर्तिकला, और प्रिंटिंग प्रेस के आगमन से पहले और बाद की अवधि के साथ संयोजन के साथ। खोज की गहराई और पुनर्जागरण के नवाचारों की जटिलता के बाद, पश्चिमी चित्रकला की समृद्ध विरासत (बारोक से समकालीन कला तक)। पेंटिंग का इतिहास 21 वीं शताब्दी में जारी है।

पूर्व इतिहास
पेंटिंग का इतिहास समय-समय पर पूर्व-ऐतिहासिक मनुष्यों से कलाकृतियों तक पहुंचता है, और सभी संस्कृतियों को फैलाता है। सबसे पुरानी ज्ञात पेंटिंग फ्रांस में ग्रोट चॉवेट में हैं, कुछ इतिहासकारों ने 32,000 साल पुराने होने का दावा किया है। वे लाल ओचर और काले रंगद्रव्य का उपयोग करके उत्कीर्ण और चित्रित होते हैं और घोड़ों, rhinoceros, शेरों, भैंस, विशाल, या मनुष्यों अक्सर शिकार शिकार दिखाते हैं। फ्रांस, भारत, स्पेन, पुर्तगाल, चीन, ऑस्ट्रेलिया इत्यादि में दुनिया भर में गुफा चित्रों के उदाहरण हैं। चित्रों के कई अलग-अलग स्थानों में कई आम थीम हैं; उद्देश्य की सार्वभौमिकता और उन आवेगों की समानता का अर्थ है जो इमेजरी बना सकते हैं। विभिन्न अनुमानों को अर्थात् इन चित्रों के लोगों के रूप में बनाया गया है जो उन्हें बनाते हैं। प्रागैतिहासिक पुरुषों ने जानवरों को अपनी आत्मा या आत्मा को “आसानी से शिकार करने के लिए” पकड़ने के लिए चित्रित किया हो सकता है, या पेंटिंग्स एनिमस्टिक दृष्टि और आसपास के प्रकृति के लिए श्रद्धांजलि का प्रतिनिधित्व कर सकती हैं, या वे अभिव्यक्ति की मूलभूत आवश्यकता का परिणाम हो सकती हैं मनुष्यों के लिए सहज, या वे अपने सर्कल के सदस्यों से कलाकारों और संबंधित कहानियों के जीवन अनुभवों के रिकॉर्डिंग हो सकते हैं।

पश्चिमी चित्रकला

मिस्र, ग्रीस और रोम
प्राचीन मिस्र, वास्तुकला और मूर्तिकला (मूल रूप से उज्ज्वल रंगों में चित्रित दोनों) की मजबूत परंपराओं के साथ एक सभ्यता, मंदिरों और इमारतों में कई भित्तिचित्र चित्रों, और पपीरस पांडुलिपियों पर चित्रित चित्रों का चित्रण किया था। मिस्र की दीवार पेंटिंग और सजावटी पेंटिंग अक्सर ग्राफिक होती है, कभी-कभी यथार्थवादी से अधिक प्रतीकात्मक होती है। मिस्र के पेंटिंग में बोल्ड रूपरेखा और फ्लैट सिल्हूट में आंकड़े दर्शाए गए हैं, जिसमें समरूपता निरंतर विशेषता है। मिस्र के पेंटिंग के लिखित भाषा-मिस्र के हाइरोग्लिफ्स के साथ घनिष्ठ संबंध है। चित्रित प्रतीकों लिखित भाषा के पहले रूपों में पाए जाते हैं। मिस्र के लोग भी लिनेन पर चित्रित होते हैं, जिनमें से अवशेष आज जीवित रहते हैं। अत्यंत शुष्क जलवायु के कारण प्राचीन मिस्र के पेंटिंग्स बच गए। प्राचीन मिस्र के लोगों ने मृतक के बाद के जीवन को एक सुखद जगह बनाने के लिए पेंटिंग बनाई। विषयों में अंडरवर्ल्ड के देवताओं के लिए मृतकों को पेश करने के बाद के बाद या उनके सुरक्षात्मक देवताओं के माध्यम से यात्रा शामिल थी। इस तरह के चित्रों के कुछ उदाहरण देवताओं और देवियों रा, होरस, अनुबिस, नट, ओसीरिस और आईसिस के चित्र हैं। कुछ मकबरे पेंटिंग्स गतिविधियां दिखाती हैं कि मृतक जीवित थे जब वे जीवित थे और अनंत काल तक काम करने की कामना करते थे। नए साम्राज्य में और बाद में, मृतकों की पुस्तक को उस व्यक्ति के साथ दफनाया गया था। इसे बाद के जीवन के परिचय के लिए महत्वपूर्ण माना जाता था।

मध्य युग
ईसाई धर्म के उदय ने एक अलग भावना प्रदान की और शैलियों को चित्रित करने का लक्ष्य रखा। बीजान्टिन कला, 6 वीं शताब्दी तक इसकी शैली की स्थापना के बाद, पारंपरिक प्रतीकात्मकता और शैली को बनाए रखने पर बहुत जोर दिया गया, और धीरे-धीरे बीजान्टिन साम्राज्य के हजारों वर्षों और ग्रीक और रूसी रूढ़िवादी आइकन-पेंटिंग की जीवित परंपराओं के दौरान विकसित हुआ। बीजान्टिन पेंटिंग में एक हास्यास्पद भावना है और प्रतीक थे और अभी भी दिव्य प्रकाशन के प्रतिनिधित्व के रूप में देखा जाता है। वहां कई फ्रेशको थे, लेकिन इनमें से कम मोज़ेक से बच गए हैं। बीजान्टिन कला की तुलना समकालीन अमूर्तता से की गई है, इसकी समतलता और आंकड़ों और परिदृश्य के अत्यधिक स्टाइलिज्ड चित्रण। 10 वीं शताब्दी के आसपास विशेष रूप से तथाकथित मैसेडोनियाई कला बीजान्टिन कला की कुछ अवधि, दृष्टिकोण में अधिक लचीला है। 14 वीं शताब्दी की शुरुआत में पालीओलॉजी पुनर्जागरण के फ्रेस्कोस इस्तांबुल में चोरा चर्च में बचे हैं।

पुनर्जागरण और मानवतावाद
पुनर्जागरण (‘पुनर्जन्म के लिए फ्रांसीसी’), एक सांस्कृतिक आंदोलन लगभग 17 वीं शताब्दी के मध्य तक 14 वें स्थान पर फैला हुआ, शास्त्रीय स्रोतों के अध्ययन के साथ-साथ विज्ञान में प्रगति की घोषणा की जो यूरोपीय बौद्धिक और कलात्मक जीवन को गहराई से प्रभावित करता था। कम देशों में, खासकर आधुनिक दिन के फ्लैंडर्स में, 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में पेंटिंग का एक नया तरीका स्थापित किया गया था। पांडुलिपियों की रोशनी में किए गए विकास के चरणों में, विशेष रूप से लिंबर्ग ब्रदर्स द्वारा, कलाकार दृश्यमान दुनिया में मूर्त रूप से मोहित हो गए और वस्तुओं को अत्यंत स्वाभाविक तरीके से प्रस्तुत करना शुरू कर दिया। तेल चित्रकला का गोद लेने जिसका आविष्कार परंपरागत रूप से था, लेकिन गलती से, जन वैन आइक को श्रेय दिया गया, इस प्राकृतिकता को दर्शाने में एक नया verisimilitude संभव बनाया। तेल पेंट का माध्यम पहले से ही मेलचियर ब्रोडेरलम के काम में मौजूद था, लेकिन जन वैन आइक और रॉबर्ट कैम्पिन जैसे चित्रकारों ने इसका उपयोग नई ऊंचाइयों तक लाया और इसे उस प्राकृतिकता का प्रतिनिधित्व करने के लिए नियोजित किया जिसका लक्ष्य वे कर रहे थे। इस नए माध्यम के साथ इस अवधि के चित्रकार एक गहन तीव्र tonality के साथ समृद्ध रंग बनाने में सक्षम थे।

एक चीनी मिट्टी के बरतन की तरह खत्म चमक के प्रकाश के भ्रम प्रारंभिक नीदरलैंड चित्रकला की विशेषता है और इटली में उपयोग किए जाने वाले tempera पेंट की मैट सतह में एक बड़ा अंतर था। इटालियंस के विपरीत, जिसका काम प्राचीन ग्रीस और रोम की कला से काफी हद तक आकर्षित हुआ, उत्तरी लोगों ने मूर्तिकला और मध्य युग (विशेष रूप से इसके प्राकृतिकता) की प्रबुद्ध पांडुलिपियों के एक स्टाइलिस्ट अवशेष को बरकरार रखा। इस समय का सबसे महत्वपूर्ण कलाकार जन वैन आइक था, जिसका काम कलाकारों द्वारा किए गए बेहतरीन लोगों में से एक है, जिन्हें अब अर्ली नेदरलैंडिश पेंटर्स या फ्लेमिश प्राइमेटिव्स के नाम से जाना जाता है (क्योंकि अधिकांश कलाकार आधुनिक दिनों के फ्लैंडर्स में शहरों में सक्रिय थे)। इस अवधि का पहला चित्रकार फ्लैमलल का मास्टर था, आजकल रॉबर्ट कैंपिन के रूप में पहचाना गया, जिसका काम अंतर्राष्ट्रीय गोथिक की कला का अनुसरण करता है। इस अवधि का एक और महत्वपूर्ण चित्रकार रोजियर वान डेर वेडन था, जिनकी रचनाओं ने मानव भावना और नाटक पर बल दिया, उदाहरण के लिए क्रॉस से अपने वंश में प्रदर्शित किया गया, जो 15 वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक है और यह मसीह के सबसे प्रभावशाली नेदरलैंडिश चित्रकला था सूली पर चढ़ाये जाने। इस अवधि के अन्य महत्वपूर्ण कलाकार ह्यूगो वैन डेर गोस (जिसका काम इटली में अत्यधिक प्रभावशाली था), डियरिक बाउट्स (जो एक ही गायब बिंदु के उपयोग को प्रदर्शित करने वाले पहले उत्तरी चित्रकारों में से एक थे), पेट्रस क्रिस्टस, हंस मेमलिंग और जेरार्ड डेविड ।

Baroque और रोकाको
Baroque पेंटिंग Baroque सांस्कृतिक आंदोलन से जुड़ा हुआ है, एक आंदोलन अक्सर Absolutism और काउंटर सुधार या कैथोलिक पुनरुद्धार के साथ पहचाना; गैर-निरपेक्ष और प्रोटेस्टेंट राज्यों में महत्वपूर्ण बारोक पेंटिंग का अस्तित्व, हालांकि, इसकी लोकप्रियता को रेखांकित करता है, क्योंकि शैली पूरे पश्चिमी यूरोप में फैली हुई है।

Baroque पेंटिंग महान नाटक, समृद्ध, गहरे रंग, और तीव्र प्रकाश और अंधेरे छाया द्वारा विशेषता है। बैरोक कला पुनर्जागरण के दौरान मूल्यवान शांत तर्कसंगतता के बजाय भावना और जुनून पैदा करने के लिए थी। 1600 के आसपास की अवधि के दौरान और 17 वीं शताब्दी में जारी रखने के दौरान, पेंटिंग को बारोक के रूप में चिह्नित किया जाता है। Baroque के सबसे महान चित्रकारों में से Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin, और जोहान्स वर्मीर हैं। Caravaggio उच्च पुनर्जागरण के मानववादी चित्रकला का उत्तराधिकारी है। मानव आकृति के लिए उनका यथार्थवादी दृष्टिकोण, जीवन से सीधे चित्रित और नाटकीय रूप से अंधेरे पृष्ठभूमि के खिलाफ स्पॉटलाइट, अपने समकालीन लोगों को चौंका दिया और चित्रकला के इतिहास में एक नया अध्याय खोला। बारोक पेंटिंग अक्सर प्रकाश प्रभावों का उपयोग करके दृश्यों को नाटकीय बनाता है; यह रेम्ब्रांट, वर्मीर, ले नैैन, ला टूर, और जुसेपे डी रिबेरा द्वारा किए गए कार्यों में देखा जा सकता है।

18 वीं शताब्दी के दौरान, रोकोको बारोक के हल्के विस्तार के रूप में पीछा किया, अक्सर अकल्पनीय और कामुक। रोकोको ने पहले सजावटी कला और फ्रांस में इंटीरियर डिजाइन में विकसित किया। लुई एक्सवी के उत्तराधिकार ने अदालत के कलाकारों और सामान्य कलात्मक फैशन में बदलाव लाया। 1730 के दशक में फ्रांस में रोकोको विकास की ऊंचाई का प्रतिनिधित्व किया गया जो एंटोनी वाटटेऔ और फ्रैंकोइस बाउचर के कार्यों से उदाहरण है। रोकोको ने अभी भी जटिल रूपों और जटिल पैटर्न के लिए बैरो स्वाद को बनाए रखा है, लेकिन इस बिंदु से, यह ओरिएंटल डिज़ाइनों और असममित रचनाओं के स्वाद समेत विभिन्न विविध विशेषताओं को एकीकृत करना शुरू कर दिया था।

रोकोको शैली फ्रांसीसी कलाकारों और उत्कीर्ण प्रकाशनों के साथ फैल गई। जर्मनी, बोहेमिया और ऑस्ट्रिया के कैथोलिक हिस्सों में इसे आसानी से प्राप्त किया गया, जहां इसे जीवंत जर्मन बरोक परंपराओं के साथ विलय कर दिया गया। जर्मन रोकाको को विशेष रूप से दक्षिण में चर्चों और महलों के उत्साह के साथ लागू किया गया था, जबकि फ्रेडरिकियन रोकोको ने प्रशिया के राज्य में विकसित किया था।

19 वी सदी:
रोकोको के बाद 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, आर्किटेक्चर में, और फिर गंभीर नव-क्लासिकिज्म पेंटिंग में, डेविड और उनके वारिस इंग्रेस जैसे कलाकारों द्वारा सबसे अच्छा प्रतिनिधित्व किया गया। Ingres के काम में पहले से ही कामुकता में से अधिकांश शामिल हैं, लेकिन रोमांटिकवाद की विशेषता के लिए कोई भी सहजता नहीं थी।

मध्य शताब्दी में यथार्थवाद की ओर मोड़ में एक प्रमुख बल गुस्ताव कोर्बेट था, जिसकी आम लोगों की अनियमित चित्रों ने परंपरागत विषय वस्तु के आदी दर्शकों को नाराज कर दिया और अकादमिक कला का लुत्फ उठाया, लेकिन कई युवा कलाकारों को प्रेरित किया। अग्रणी बारबिजोन स्कूल चित्रकार जीन-फ्रैंकोइस मिलेट ने किसान जीवन के परिदृश्य और दृश्यों को भी चित्रित किया। बारबिजोन स्कूल से ढीले ढंग से जुड़े कैमिली कोरोट थे, जिन्होंने रोमांटिक और यथार्थवादी नसों में चित्रित किया था; उनके काम में इंप्रेशनिज्म की पुष्टि होती है, जैसा कि जोहान जोंगकिंड और यूगेन बोउडिन की पेंटिंग्स (जो बाहर पेंट करने वाले पहले फ्रांसीसी परिदृश्य चित्रकारों में से एक थे)। बॉडिन युवा क्लाउड मोनेट पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव था, जिसने 1857 में उन्होंने वायु चित्रकला की शुरुआत की।

शताब्दी के उत्तरार्ध में इडौर्ड मैनेट, क्लाउड मोनेट, पियरे-ऑगस्टे रेनोइर, केमिली पिस्सारो, अल्फ्रेड सिस्ले, बर्थे मोरिसोट, मैरी कैसैट और एडगर डीगास जैसे इंप्रेशनिस्ट्स ने पहले सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित होने की तुलना में अधिक प्रत्यक्ष दृष्टिकोण में काम किया। उन्होंने आधुनिक दुनिया में व्यक्तिगत प्रतिक्रियाओं के पक्ष में रूपरेखा और कथा को छोड़ दिया, कभी-कभी छोटे या कोई प्रारंभिक अध्ययन के साथ चित्रित नहीं किया गया, ड्राइंग की चोरी और अत्यधिक रंगीन पैलेट पर भरोसा किया। मोनेट, पिस्सारो और सिस्ले ने परिदृश्य का उपयोग अपने प्राथमिक स्वरूप के रूप में किया, प्रकाश और मौसम का अनुभव उनके काम में एक प्रमुख भूमिका निभा रहा था। एक अभ्यास के बाद जो मध्य शताब्दी तक तेजी से लोकप्रिय हो गया था, वे अक्सर खुले हवा में पेंट करने के लिए ग्रामीण इलाकों में शामिल हो गए, लेकिन स्टूडियो में सावधानी से तैयार कार्यों में स्केच बनाने के पारंपरिक उद्देश्य के लिए नहीं। प्रकृति से सीधे सूर्य की रोशनी में पेंटिंग करके, और सदी की शुरुआत के बाद से उपलब्ध सिंथेटिक रंगद्रव्य वर्णों का बोल्ड उपयोग करके, उन्होंने चित्रकला का एक हल्का और उज्ज्वल तरीका विकसित किया।

पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट्स जैसे पॉल सेज़ेन और थोड़ा छोटा विन्सेंट वैन गोग, पॉल गौगिन और जॉर्जेस-पियरे सेराट ने आधुनिकता के किनारे कला का नेतृत्व किया। गौगुइन इंप्रेशनवाद के लिए व्यक्तिगत प्रतीकवाद का मार्ग प्रशस्त किया गया। Seurat एक प्रभावशाली ऑप्टिकल अध्ययन में इंप्रेशनवाद के टूटे हुए रंग को बदल दिया, फ्रिज जैसी रचनाओं पर संरचित। उन्होंने विकसित चित्रकला तकनीक, जिसे डिवीजनिज्म कहा जाता है, ने पॉल सिगैक जैसे कई अनुयायियों को आकर्षित किया, और 1880 के उत्तरार्ध में कुछ वर्षों तक पिसारो ने अपनी कुछ विधियों को अपनाया। पेंट एप्लिकेशन के वैन गोग की अशांत विधि, रंग के सोनोरस उपयोग के साथ, अभिव्यक्तिवाद और फाउविज्म और सेज़ेन की भविष्यवाणी की गई, प्राकृतिक रूपों के क्रांतिकारी अमूर्तता के साथ शास्त्रीय रचना को एकजुट करने की इच्छा रखने वाले, 20 वीं शताब्दी की कला के अग्रदूत के रूप में देखा जाएगा ।

1 9वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में वहां कई अलग-अलग थे, बल्कि प्रतीकात्मक चित्रकारों के समूह जिनके काम 20 वीं शताब्दी के युवा कलाकारों के साथ गूंजते थे, खासकर फाउविस्ट और अतियथार्थवादियों के साथ। उनमें से गुस्ताव मोरौ, ओडिलॉन रेडॉन, पियरे पुविस डी चावेंस, हेनरी फंताइन-लैटोर, अर्नोल्ड बोक्लिन, फर्डिनेंड होडलर, एडवर्ड मर्च, फेलिसियन रोप्स, जन टोरोप, और गुस्ताव क्लिंट और रूसी सिंबल जैसे मिखाइल वृबेल थे।

प्रतीकात्मक चित्रकारों ने पौराणिक कथाओं और आत्मा की एक दृश्य भाषा के लिए सपने की कल्पना को खनन किया, चुपके चित्रों की मांग की जो मौन की स्थिर दुनिया को ध्यान में लाए। प्रतीकवाद में उपयोग किए गए प्रतीक मुख्यधारा के चित्रकला के परिचित प्रतीक नहीं हैं बल्कि तीव्र, निजी, अस्पष्ट और संदिग्ध संदर्भ हैं। कला की वास्तविक शैली की तुलना में अधिक दर्शन, प्रतीकात्मक चित्रकारों ने समकालीन आर्ट नोव्यू आंदोलन और लेस नाबिस को प्रभावित किया। सपने देखने वाले विषयों की उनकी खोज में, प्रतीकात्मक चित्रकार सदियों और संस्कृतियों में पाए जाते हैं, क्योंकि वे आज भी हैं; बर्नार्ड डेलवाइल ने रेने मैग्रिट के अतियथार्थवाद को “प्रतीकवाद प्लस फ्रायड” के रूप में वर्णित किया है।

20 वीं सदी
आधुनिक कला के विकास के लिए वैन गोग, सेज़ेन, गौगुइन और सेराट जैसे चित्रकारों की विरासत आवश्यक थी। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में हेनरी मैटिस और पूर्व-क्यूबिस्ट जॉर्जेस ब्रेक, एंड्रे डेरैन, राउल डुफी और मॉरीस डी वालमिनक सहित कई अन्य युवा कलाकारों ने पेरिस कला की दुनिया को “जंगली”, बहु रंगीन, अभिव्यक्तिपूर्ण परिदृश्य और चित्र चित्रों के साथ क्रांतिकारी बना दिया कि आलोचकों को फाउवाद कहा जाता है। हेनरी मैटिस का द डांस का दूसरा संस्करण अपने करियर में और आधुनिक चित्रकला के विकास में एक महत्वपूर्ण बिंदु दर्शाता है। यह प्राचीन कला के साथ मटिस के प्रारंभिक आकर्षण को दर्शाता है: शांत नीली-हरे रंग की पृष्ठभूमि के खिलाफ तीव्र गर्म रंग और नृत्य ननों के तालबद्ध उत्तराधिकार भावनात्मक मुक्ति और सुन्दरता की भावनाओं को व्यक्त करते हैं। पाब्लो पिकासो ने सेज़ेन के विचार पर आधारित अपनी पहली क्यूबिस्ट पेंटिंग बनाई है कि प्रकृति के सभी चित्रण को तीन ठोसों में घटाया जा सकता है: घन, गोलाकार और शंकु। पेंटिंग लेस डेमोइसेलस डी एविग्नन (1 9 07) के साथ, पिकासो ने पांच वेश्याओं, हिंसक चित्रित महिलाओं, अफ्रीकी जनजातीय मास्क की याद ताजा करने और अपने स्वयं के क्यूबिस्ट आविष्कारों के साथ एक वेश्यात्मक दृश्य को दर्शाते हुए एक नई और कट्टरपंथी तस्वीर बनाई। क्यूबिज्म को 1 9 08 से 1 9 12 तक पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रेक द्वारा संयुक्त रूप से विकसित किया गया था, जिसका वायलिन और कैंडलस्टिक, पेरिस (1 9 10) यहां दिखाया गया है। क्यूबिज्म का पहला स्पष्ट अभिव्यक्ति ब्रैक, पिकासो, जीन मेटज़िंगर, अल्बर्ट ग्लेइज़, फर्नांड लेजर, हेनरी ले फौकोनियर और रॉबर्ट डेलून द्वारा किया गया था। जुआन ग्रिस, मार्सेल डचैम्प, अलेक्जेंडर आर्किपेंको, जोसेफ सीस्की और अन्य जल्द ही शामिल हो गए। ब्रेक और पिकासो द्वारा प्रचलित सिंथेटिक क्यूबिज्म, विभिन्न बनावट, सतहों, कोलाज तत्वों, पपीर कोले और विलयित विषय वस्तु की एक बड़ी विविधता के परिचय से विशेषता है।

फाउविज्म, डेर ब्लू रेइटर, डाई ब्रुक
फाउविज्म 20 वीं शताब्दी के शुरुआती कलाकारों के ढीले समूह थे, जिनके कार्यों ने चित्रकारी गुणों पर जोर दिया, और प्रतिनिधित्व मूल्यों पर गहरे रंग के कल्पनाशील उपयोग पर जोर दिया। आंदोलन के नेताओं हेनरी मटिस और आंद्रे डेरैन थे – एक तरह के दोस्ताना प्रतिद्वंद्वियों, प्रत्येक अपने अनुयायियों के साथ। आखिरकार मैटिस 20 वीं शताब्दी में पिकासो की यिन के लिए यांग बन गया। फाउविस्ट पेंटर्स में अल्बर्ट मार्क्वेट, चार्ल्स कैमॉइन, मॉरीस डी व्लामिंक, राउल डुफी, ओथॉन फ्रिज़, डच चित्रकार कीस वैन डोंगेन और क्यूबाइज्म में पिकासो के साथी, जॉर्जेस ब्रेक शामिल थे।

अभिव्यक्तिवाद, प्रतीकवाद, अमेरिकी आधुनिकतावाद, बौउउस
अभिव्यक्तिवाद और प्रतीकात्मकता व्यापक रूब्रिक हैं जिनमें 20 वीं शताब्दी के चित्रकला में कई संबंधित आंदोलन शामिल हैं जो पश्चिमी, पूर्वी और उत्तरी यूरोप में होने वाली अधिकांश अवंत-कला कला पर प्रभुत्व रखते थे। अभिव्यक्तिवादी कार्यों को मुख्य रूप से फ्रांस, जर्मनी, नॉर्वे, रूस, बेल्जियम और ऑस्ट्रिया में प्रथम विश्व युद्ध और द्वितीय विश्व युद्ध के बीच चित्रित किया गया था। फाउविज्म, डाई ब्रुक, और डेर ब्लू रेइटर अभिव्यक्तिवादी और प्रतीकात्मक चित्रकारों के सबसे प्रसिद्ध समूहों में से तीन हैं। मार्क चगल की पेंटिंग आई और द ग्राम एक आत्मकथात्मक कहानी बताती है जो कलात्मक प्रतीकवाद के एक व्याख्यान के साथ कलाकार और उसके मूल के बीच संबंधों की जांच करती है। गुस्ताव क्लिंट, एगॉन सिची, एडवर्ड मर्च, एमिल नोल्डे, चाइम साउथिन, जेम्स एन्सर, ओस्कर कोकोस्चका, अर्न्स्ट लुडविग किरचेर, मैक्स बेकमैन, फ्रांज मार्क, जॉर्जेस रॉउल्ट, अमेडिओ मोडिग्लियानी और मंगलडे हार्टले और स्टुअर्ट डेविस जैसे विदेशों में कुछ अमेरिकी थे, प्रभावशाली अभिव्यक्तिवादी चित्रकार माना जाता है। यद्यपि अल्बर्टो गियाकोमेटी को मुख्य रूप से एक अतियथार्थवादी मूर्तिकार के रूप में माना जाता है, लेकिन उन्होंने तीव्र अभिव्यक्तिवादी चित्र भी बनाये।

अमूर्त के पायनियर
Wassily Kandinsky आमतौर पर आधुनिक अमूर्त कला के पहले महत्वपूर्ण चित्रकारों में से एक माना जाता है। प्रारंभिक आधुनिकतावादी के रूप में, उन्होंने समकालीन जादूविदों और थियोसोफिस्टों के रूप में सिद्धांतित किया, कि शुद्ध दृश्य अबाउट्रेशन में ध्वनि और संगीत के साथ अनुवांशिक कंपन थी। उन्होंने कहा कि शुद्ध अमूर्त शुद्ध आध्यात्मिकता व्यक्त कर सकता है। उनके शुरुआती अवशेषों को आम तौर पर संगीत VII में उदाहरण के रूप में शीर्षक दिया गया था, जो संगीत के संगीतकारों के काम से संबंध बनाते थे। कंडिंस्की ने अपनी पुस्तक कंसर्निंग द स्पिरिटुअल इन आर्ट में अमूर्त कला के बारे में अपने कई सिद्धांतों को शामिल किया। प्रारंभिक अमूर्तता के अन्य प्रमुख अग्रदूतों में स्वीडिश चित्रकार हिल्मा एफ़ क्लिंट, रूसी चित्रकार काज़िमिर मालेविच और स्विस चित्रकार पॉल क्ले शामिल हैं। रॉबर्ट डेलयूने एक फ्रांसीसी कलाकार थे जो ऑर्फीज्म से जुड़े थे, (शुद्ध अमूर्तता और क्यूबिज्म के बीच एक लिंक की याद ताजा)। अमूर्त पेंटिंग में उनके महत्वपूर्ण योगदान रंग के उनके बोल्ड उपयोग और गहराई और स्वर दोनों के प्रयोग के संदर्भ में हैं।

दादा और अतियथार्थवाद
1 9 13 में न्यू यॉर्क सिटी आर्मोरी शो के चलते मार्सेल डचैम्प अंतरराष्ट्रीय महत्व के लिए आए, जहां उनके नग्न उतरने के लिए एक सीढ़ी बन गई। बाद में उन्होंने द ब्राइड स्ट्रिपेड बेयर को हेर बैचलर्स, इवन, लार्ज ग्लास द्वारा बनाया। बड़े ग्लास ने चित्रकला की कला को भाग चित्रकला, भाग कोलाज, भाग निर्माण के रूप में कट्टरपंथी नई सीमाओं को धक्का दिया। डचैम्प (जो जल्द ही शतरंज के लिए कला निर्माण छोड़ने वाला था) द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान स्विट्जरलैंड के तटस्थ ज़्यूरिख में शुरू हुआ दादा आंदोलन से निकटता से जुड़ा हुआ था और 1 9 16 से 1 9 20 तक चले गए थे। आंदोलन में मुख्य रूप से दृश्य कला, साहित्य (कविता, कला घोषणापत्र शामिल थे) , कला सिद्धांत), रंगमंच, और ग्राफिक डिजाइन विरोधी विरोधी सांस्कृतिक कार्यों के माध्यम से कला में प्रचलित मानकों को अपने विरोधी राजनीतिक और अस्वीकार करने के लिए। दादा आंदोलन से जुड़े अन्य कलाकारों में फ्रांसिस पिकाबिया, मैन रे, कर्ट श्विटर्स, हन्ना होच, ट्रिस्टन तज़र, हंस रिक्टर, जीन अर्प और सोफी ताइबर-अर्प शामिल हैं। डचैम्प और कई दादावाद अतियथार्थवाद से भी जुड़े हुए हैं, जो आंदोलन 1 9 20 और 1 9 30 के दशक में यूरोपीय चित्रकला पर हावी था।

न्यू सच्चिचकेट, सामाजिक यथार्थवाद, क्षेत्रीयवाद, अमेरिकी दृश्य चित्रकला, प्रतीकवाद
1 9 20 और 1 9 30 के दशक और ग्रेट डिप्रेशन के दौरान, यूरोपीय कला दृश्य को अतियथार्थवाद, देर से क्यूबिज्म, बौहौस, डी स्टाइल, दादा, नियू सचलिचिट और अभिव्यक्तिवाद द्वारा विशेषता थी; और हेनरी मैटिस और पियरे बोनार्ड जैसे कुशल आधुनिकतावादी रंग चित्रकारों द्वारा कब्जा कर लिया गया था।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद
न्यूयॉर्क शहर में 1 9 40 के दशक में अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की जीत, एक आंदोलन जो संयुक्त राज्य अमेरिका में हंस होफमैन और जॉन डी ग्राहम जैसे महान शिक्षकों के माध्यम से यूरोपीय आधुनिकतावादियों से सीखे गए पाठों को मिला। अमेरिकी कलाकारों को पिट मोंड्रियन, फर्नांड लेजर, मैक्स अर्न्स्ट और आंद्रे ब्रेटन समूह, पियरे मैटिस की गैलरी, और पेगी गुगेनहेम की गैलरी द आर्ट ऑफ द सेंचुरी, साथ ही अन्य कारकों की उपस्थिति से लाभ हुआ।

यथार्थवाद, लैंडस्केप, सीस्केप, फिगरेशन, स्टिल-लाइफ, सिटीस्केप
1 9 30 के दशक के दौरान 1 9 60 के दशक के दौरान अमरीका और यूरोप में अमूर्त चित्रकला के रूप में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, रंगीन क्षेत्र चित्रकला, पोस्ट-पेंटरली एब्स्ट्रक्शन, ओप आर्ट, हार्ड एज पेंटिंग, न्यूनतम कला, आकार के कैनवास पेंटिंग और गीतकार एब्स्ट्रक्शन जैसे आंदोलनों में विकसित हुआ। अन्य कलाकारों ने 1 9 50 के दशक में बे एरिया फिगरेटिव मूवमेंट और 1 9 40 के दशक से 1 9 40 के दशक के दौरान अभिव्यक्तिवाद के नए रूपों जैसे विभिन्न नए संदर्भों के माध्यम से इमेजरी को जारी रखने की इजाजत देने की इजाजत देने की प्रवृत्ति के प्रति प्रतिक्रिया के रूप में प्रतिक्रिया व्यक्त की। 20 वीं शताब्दी के दौरान कई चित्रकारों ने यथार्थवाद का अभ्यास किया और समकालीन विषयों के साथ परिदृश्य और मूर्तिकला चित्रकला में अभिव्यक्तिपूर्ण इमेजरी का उपयोग किया। इनमें कलाकारों को मिल्टन एवरी, जॉन डी ग्राहम, फेयरफील्ड पोर्टर, एडवर्ड हूपर, एंड्रयू वाईथ, बैल्थस, फ्रांसिस बेकन, फ्रैंक एयूरबाक, लूसियान फ्रायड, लियोन कोसॉफ, फिलिप पर्लस्टीन, विल्म डी कूनिंग, आर्शिल गोर्की, ग्रेस हार्टिगन, रॉबर्ट डी नीरो, सीनियर, और इलेन डी कूनिंग।

पॉप कला
शुरुआत में अमेरिका में पॉप आर्ट जैस्पर जॉन्स, लैरी नदियों और रॉबर्ट रोशचेनबर्ग के कार्यों से प्रेरित एक बड़ी डिग्री थी, हालांकि 1 9 20 और 1 9 30 के दशक में जेराल्ड मर्फी, स्टुअर्ट डेविस और चार्ल्स डेमथ की पेंटिंग्स ने पॉप की शैली और विषय वस्तु को पूर्ववत किया कला।

आर्ट ब्रूट, न्यू रियलिज्म, बे एरिया फिगरेटिव मूवमेंट, नियो-दादा, फोटोरिअलिज्म
1 9 50 और 1 9 60 के दशक के दौरान अमरीका और यूरोप में अमूर्त पेंटिंग के रूप में कलर फील्ड पेंटिंग, पोस्ट पेंटरली एब्स्ट्रक्शन, ओप आर्ट, हार्ड एज पेंटिंग, मिनिमल आर्ट, आकार के कैनवास पेंटिंग, गीतकार एब्स्ट्रक्शन, और सार अभिव्यक्तिवाद की निरंतरता जैसे आंदोलनों में विकसित हुआ। अन्य कलाकारों ने आर्ट ब्रूट के साथ अमूर्तता की प्रवृत्ति की प्रतिक्रिया के रूप में प्रतिक्रिया व्यक्त की, जैसा कि 1 9 62 में जीन डबफेट, फ्लक्सस, नियो-दादा, न्यू रियलिज्म, फोटोरियलिज्म द्वारा देखा गया था, जिससे इमेजरी विभिन्न नए संदर्भों के माध्यम से फिर से उभरने की इजाजत दे रही है। पॉप आर्ट, बे एरिया फिगरेटिव मूवमेंट (एक प्रमुख उदाहरण है डाइबेनकोर्न का सिटीस्केप I, (लैंडस्केप नं। 1) (1 9 63), और बाद में 1 9 70 के दशक में नव-अभिव्यक्तिवाद। बे एरिया फिगरेटिव मूवमेंट जिसका डेविड पार्क, एल्मर बिशॉफ, नाथन ओलिविरा और रिचर्ड डाइबेनकोर्न जिनकी पेंटिंग सिटीस्केप 1 (1 9 63) एक विशिष्ट उदाहरण है, 1 9 50 और 1 9 60 के दशक के दौरान कैलिफोर्निया में प्रभावशाली सदस्य विकसित हुए थे। छोटे चित्रकारों ने नए और कट्टरपंथी तरीकों से इमेजरी के उपयोग का अभ्यास किया। यवेस क्लेन, अरमान, मार्शल रेस, क्रिस्टो , निकी डी सेंट फेल, डेविड होकनी, एलेक्स काट्ज़, मैल्कम मॉर्ली, राल्फ गोइंग्स, ऑड्रे फ्लेक, रिचर्ड एस्टेस, चक क्लोज़, सुसान रोथेनबर्ग, एरिक फिशल और विज सेल्मिन्स कुछ ऐसे थे जो 1 9 60 और 1 9 80 के दशक के बीच प्रमुख बने। फेयरफील्ड पोर्टर बड़े पैमाने पर आत्म-सिखाया गया था, और सार अभिव्यक्तिवादी आंदोलन के बीच में प्रतिनिधित्वकारी काम का उत्पादन किया था। उनके विषय मुख्य रूप से परिदृश्य, घरेलू अंदरूनी और परिवार, दोस्तों और साथी कलाकारों के चित्र थे।

ज्यामितीय अमूर्तता, ओप आर्ट, हार्ड-एज, रंग क्षेत्र, न्यूनतम कला, नया यथार्थवाद
1 9 60 और 1 9 70 के दशक के दौरान विभिन्न शैलियों के माध्यम से अमेरिका में अमूर्त पेंटिंग विकसित हुई। जियोमेट्रिक अबास्ट्रक्शन, ओप आर्ट, हार्ड एज पेंटिंग, कलर फील्ड पेंटिंग और न्यूनतम पेंटिंग, उन्नत अमूर्त पेंटिंग के साथ-साथ कुछ अन्य नए आंदोलनों के लिए कुछ पारस्परिक निर्देश थे। मॉरिस लुई उन्नत रंगीन चित्रकला चित्रकला में एक महत्वपूर्ण अग्रणी था, उसका काम सार अभिव्यक्तिवाद, रंगीन चित्रकला, और न्यूनतम कला के बीच एक पुल के रूप में कार्य कर सकता है। दो प्रभावशाली शिक्षकों, जोसेफ अल्बर्स और हंस होफमैन ने अमेरिकी कलाकारों की एक नई पीढ़ी को रंग और अंतरिक्ष के अपने उन्नत सिद्धांतों में पेश किया। अल्बर्स को जियोमेट्रिक एबस्ट्रक्शनिस्ट पेंटर और सिद्धांतवादी के रूप में उनके काम के लिए सबसे अच्छा याद किया जाता है। सबसे प्रसिद्ध सभी सैकड़ों पेंटिंग्स और प्रिंट हैं जो स्क्वायर को होमेज श्रृंखला बनाते हैं। इस कठोर श्रृंखला में, 1 9 4 9 में शुरू हुआ, अल्बर्स ने कैनवास पर केंद्रित रूप से व्यवस्थित फ्लैट रंग वाले वर्गों के साथ रंगीन बातचीत की खोज की। कला और शिक्षा पर अलबर्स के सिद्धांत अगली पीढ़ी के कलाकारों के लिए फॉर्मेटिव थे। उनकी खुद की पेंटिंग्स हार्ड-एज पेंटिंग और ओप आर्ट दोनों की नींव बनाती हैं।

आकार का कैनवास, वाशिंगटन रंग स्कूल, सार भ्रमवाद, गीतकार अमूर्तता
कलर फील्ड पेंटिंग ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से दूर अमेरिकी चित्रकला में एक नई दिशा की ओर इशारा किया। पोस्ट-पेंटरली एब्स्ट्रक्शन, सुपरमेटिज्म, सार अभिव्यक्तिवाद, हार्ड-एज पेंटिंग और लिटिकल एब्स्ट्रक्शन से संबंधित, कलर फील्ड पेंटिंग ने अनावश्यक रोटोरिक की कला से छुटकारा पाने की मांग की। क्लाइफोर्ड स्टिल, मार्क रोथको, हंस होफमैन, मॉरिस लुइस, जुल्स ओलिट्स्की, केनेथ नोलैंड, हेलेन फ्रैंकेंथलर, लैरी ज़ॉक्स और अन्य कलाकारों जैसे रंगों के अत्यधिक चित्रित और मनोवैज्ञानिक उपयोग के साथ चित्रित कलाकार। आम तौर पर इन कलाकारों ने पहचानने योग्य इमेजरी को हटा दिया। कुछ कलाकारों ने अतीत या वर्तमान कला के संदर्भ दिए, लेकिन सामान्य रंग क्षेत्र चित्रकला में खुद को अंत में एक अवतार प्रस्तुत करता है। आधुनिक कला की इस दिशा को आगे बढ़ाने में, कलाकार प्रत्येक चित्रकला को एक समेकित, एकात्मक छवि के रूप में पेश करना चाहते थे। केनेथ नोलैंड, मॉरिस लुई और कई अन्य लोगों के साथ जीन डेविस वाशिंगटन कलर स्कूल पेंटर्स के सदस्य थे, जिन्होंने 1 9 50 और 1 9 60 के दशक के दौरान वाशिंगटन, डीसी में रंगीन क्षेत्र चित्र बनाने शुरू कर दिए, ब्लैक, ग्रे, बीट एक बड़ी ऊर्ध्वाधर पट्टी चित्रकला है और जीन डेविस के काम के विशिष्ट।

सार भ्रमवाद, मोनोक्रोम, न्यूनतमता, postminimalism
विशेष रूप से न्यूनतमवाद से जुड़े कलाकारों में से एक फ्रैंक स्टेला था, जिसका प्रारंभिक “पट्टी” चित्र 1 9 5 9 के शो, “16 अमेरिकियों” में हाइलाइट किया गया था, जो न्यूयॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय में डोरोथी मिलर द्वारा आयोजित किया गया था। स्टेला के पट्टी चित्रों में पट्टियों की चौड़ाई पूरी तरह से व्यक्तिपरक नहीं थी, लेकिन सहायक चेसिस बनाने के लिए उपयोग की जाने वाली लकड़ी के आयामों द्वारा निर्धारित किया गया था जिस पर कैनवास फैलाया गया था। शो कैटलॉग में, कार्ल आंद्रे ने नोट किया, “कला अनावश्यक को छोड़ देती है। फ्रैंक स्टेला को पट्टियों को पेंट करने के लिए जरूरी पाया गया है। उनकी पेंटिंग में और कुछ नहीं है।” ये अपरिवर्तनीय काम विल्म डी कूनिंग या फ्रांज क्लाइन के ऊर्जा से भरे और स्पष्ट रूप से भावनात्मक रूप से आरोपित चित्रों के विपरीत थे और बार्नेट न्यूमैन और मार्क रोथको के कम जेस्चरल रंगीन क्षेत्र चित्रों की ओर झुक गए थे।

नव-इक्सप्रेस्सियुनिज़म
1 9 60 के दशक के अंत में अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकार फिलिप गस्टन ने चित्रकला में नव अभिव्यक्तिवाद से अमूर्त अभिव्यक्तिवाद में परिवर्तन का नेतृत्व करने में मदद की, विभिन्न व्यक्तिगत प्रतीकों और वस्तुओं के अधिक कार्टूनिश प्रस्तुतिकरणों के पक्ष में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के तथाकथित “शुद्ध अमूर्त” को त्याग दिया। ये काम अभिव्यक्तिपूर्ण इमेजरी के पुनरुत्थान में रुचि रखने वाले चित्रकारों की एक नई पीढ़ी के लिए प्रेरणादायक थे। उनकी पेंटिंग पेंटिंग, धूम्रपान, भोजन गस्टन की प्रतिनिधित्व के लिए वापसी का एक उदाहरण है।
1 9 70 के दशक के उत्तरार्ध और 1 9 80 के दशक के आरंभ में, इटली, जर्मनी, फ्रांस और ब्रिटेन में लगभग एक साथ चित्रकला की वापसी भी हुई थी। इन आंदोलनों को ट्रांसवांटगार्डिया, नियू वाइल्ड, फिगरेशन लिबर, नियो-एक्सप्रेशनिज्म, लंदन स्कूल, और 80 के दशक के अंत में स्टकिस्ट्स क्रमशः कहा जाता था। इन चित्रों को बड़े प्रारूपों, मुक्त अभिव्यक्तित्मक चिह्न बनाने, मूर्तिकला, मिथक और कल्पना द्वारा विशेषता थी। इस शैली में सभी काम नव-अभिव्यक्तिवाद लेबल किए गए थे।

21 वीं शताब्दी में समकालीन चित्रकला
20 वीं शताब्दी के दौरान और 21 वीं शताब्दी में, आधुनिक और आधुनिक आधुनिक रूपों के आगमन के साथ, जिसे आम तौर पर ललित कला और निम्न कला के रूप में माना जाता है, के बीच भेद करना शुरू हो गया है, क्योंकि समकालीन उच्च कला मिश्रित करके इन अवधारणाओं को चुनौती दे रही है लोकप्रिय संस्कृति के साथ।

कलात्मक बहुलवाद के पक्ष में आधुनिक युग के कलाकारों द्वारा मुख्यधारा के चित्रण को खारिज कर दिया गया है। कला आलोचक आर्थर दांतो के मुताबिक कुछ भी रवैया है जो प्रचलित है; एक “सब कुछ चल रहा है”, और इसके परिणामस्वरूप “कुछ भी नहीं चल रहा” सिंड्रोम; यह एक सौंदर्य यातायात जाम बनाता है जिसमें कोई फर्म और स्पष्ट दिशा नहीं है और क्षमता से भरे कलात्मक सुपर हाइवे पर हर लेन के साथ।