Le sale Antoni Clavé confinano con la sala conferenze e occupano il resto dello spazio sotto il cortile degli aranci. Le sale Antoni Clavé, al piano terra, corrispondono ai Pati dels Tarongers, al piano principale, dal nome del famoso artista catalano Antoni Clavé i Sanmartí (1913–2005), che fu incaricato di dipingere una serie di grandi pezzi per spazio.

che fu svuotato di terra per costruire questi spazi ai tempi di Enric Prat de la Riba (1912) sotto la direzione di Josep Puig i Cadafalch. Sono dedicati ad Antoni Clavé, un importante artista catalano (1913-2005) che ha realizzato in particolare i dipinti di grandi dimensioni in mostra, accompagnati da una selezione di opere particolarmente significative, che vengono visualizzate insieme a una selezione dei suoi pezzi precedenti e particolarmente significativi .

Sono stati installati nel Palazzo nel 1993. Costituiscono il portico dell’Auditorium o della sala conferenze, completano il loro uso e danno accesso alla nuova sala stampa.

Biografia
Antoni Clavé (5 aprile 1913 – 1 settembre 2005) era un maestro pittore catalano, incisore, scultore, scenografo e costumista. È stato nominato per due Oscar (miglior regia e miglior costume) per il suo lavoro nel film del 1952 Hans Christian Andersen.

Clavé è stato uno degli artisti più famosi e celebri della Spagna. Il suo lavoro si è evoluto da uno stile barocco ornamentale a un’estetica pura e minimale. Negli ultimi anni, il suo lavoro è completamente astratto, impiegando linee espressive ed esplorando i confini di collage, oggetti, ombreggiatura, trama e colore. Si è formato alla School of Fine Arts di Barcellona, ​​dove gli è stato insegnato da Angel Ferrant e Felix Mestres. Con le sue opere influenzate da artisti come Bonnard, Vuillard e Roualt. È noto soprattutto per le sue astrazioni liriche, opere che combinano la pittura con il collage.

Clavé combatté nell’esercito repubblicano nella guerra civile spagnola e prestò servizio come disegnatore per il governo repubblicano. Arrivò in Francia come rifugiato nel 1939 e andò direttamente a Parigi per lavorare come illustratore. La sua prima mostra personale si tenne alla libreria Au sans Pareil, 37 Avenue Kleber a Parigi nel 1940, dove Max Ernst e altre figure di spicco del movimento Dada fecero le loro prime mostre negli anni ’20. Nel 1944 Clavé conobbe Picasso e iniziò a creare composizioni di figure che furono profondamente influenzate dal lavoro di Picasso, con re, arlecchini, bambini e nature morte.

I suoi progetti teatrali sono apparsi sui palcoscenici di New York, Monaco, Londra e Parigi, così come nel film del 1952 Hans Christian Andersen. Le sue opere comprendono scenografie per opera, teatro e balletto, in particolare per la compagnia di balletto di Roland Petit, Les Ballets des Champs Elysees (1945-1951) tra cui Los Caprichos (1946) Carmen (1949) e un balletto comico coreografato da Roland Petit chiamato Deuil 24 Heures. Nel 1951 disegna La maison de Bernarda Alba (La casa di Bernarda Alba) per il regista Marcel Achard al Theatre de l’Oeuvre di Parigi, e nel 1962 una produzione de Le nozze di Figaro per Maurice Sarrazin al Théatre de la cour de l’Archeveché di Aix-en-Provence.

Nel 1957 Clavé iniziò a progettare tappeti e dal 1960 iniziò a lavorare su bassorilievi scultorei, assemblaggi e sculture in legno simili a totem e piombo modellato o stampato. Ha anche usato alcuni oggetti trouvé. Nel 1965 Clavé si trasferì nel sud della Francia, vicino a Saint-Tropez.

Le sue opere sono esposte in molti musei, tra cui i musei di Belle Arti di San Francisco, il Museo Nazionale di Serbia, il Museo Patio Herreriano de Valladolid in Spagna, il Museo Patio Herresriano, la Tate Gallery, Londra, il Museo de Bellas Artes de Bilbao, il Museo di arte moderna, Parigi, Museo Nazionale di Arte Reina Sofia Museo Arte Reina Sofia, Madrid, il Museo di Arte Moderna di Tokyo e il British Museum di Londra.

All’inizio di Barcellona
Nel 1926 iniziò i suoi studi presso la sede di Carrer Aribau nella Escola Llotja. Lì avrà Angel Ferrant come insegnante di scultura e José Mongrell come insegnante di pittura. Alcuni dei suoi colleghi erano il pittore Emili Grau Sala e gli scultori Eduald Serra e Jordi Casals. Una delle prime tele di Clavé era una copia di un paesaggio di Mongrell, che Pierre Cabanne riproduce nella sua opera monografica sul pittore. Le prime opere di Clavé, quindi, mostrano le caratteristiche accademiche della sua formazione. In effetti, Clavé ha spiegato che nel suo primo sguardo a un’opera di Matisse era sfocato.

Fu nei primi anni ’30 che fece il suo primo contatto con l’arte d’avanguardia, grazie al suo amico anche il pittore Salvador Ortiga, che conosceva in prima persona l’arte che a quel tempo era stata realizzata a Parigi, un punto di riferimento per la modernità . L’interesse di Clavé per la tecnica del collage e l’uso di materiali non ortodossi nel campo della pittura sorse allora. Nel 1936 visitò anche una mostra di Picasso a Barcellona, ​​che influenzò notevolmente il suo lavoro.

Nel 1933 ha iniziato la sua carriera come artista di poster cinematografici. Lavorando a Can Tolosa, ha appreso che CINAES, un distributore di film e la più importante azienda d’arte di Barcellona, ​​era alla ricerca di un artista di poster che illustrasse grandi pannelli con film in prima settimana settimana dopo settimana alla porta di alcuni cinema. che facevano parte della compagnia. I suoi segni sono facilmente riconoscibili, con uno stile che ha chiare influenze di cubismo, art deco e surrealismo. Clavé non si è appellato alla riproduzione dell’immagine di un attore o di una cornice del film, ma ha invece creato il suo stile, caratterizzato dalla semplificazione delle forme.

Nel 1936, con lo scoppio della guerra civile, e quando divenne famoso come artista di manifesti, fu chiamato di fronte, quindi dovette abbandonare temporaneamente la sua carriera artistica. Dopo il conflitto, si rifugiò a Parigi.

Parigi e le scenografie teatrali
Nella capitale francese incontrò altri esiliati, tra cui Grau Sala, Martí Bas e Apel • les Fenosa, tra gli altri. Parallelamente all’opera pubblicitaria, negli anni ’30 realizza un’opera prevalentemente cartoonistica, con echi surreali e onirici ma segnata da una delicata grazia nostalgica decorativa, un po ‘alla maniera del suo amico Grau Sala. I primi anni, tuttavia, vivono su piccoli ordini di circostanze. Fino alla metà degli anni ’50, Clavé aveva due dediche principali: l’illustrazione di libri bibliofili, di cui il Gargantua di Rabelais è il fiore all’occhiello, e la decorazione e la produzione di scenografie e costumi. di teatro e musica, con i quali raggiungerà un successo più che notevole. Ha iniziato nel 1946 con il balletto Los Caprichos, ispirato alle incisioni di Goya, per la compagnia degli Champs-Elysées. Degna di nota anche la commissione di Roland Petit per il Carmen Ballet, i cui set continueranno ad essere in uso fino agli anni ’90.

Va tenuto presente che la scoperta della migliore arte dei musei parigini è stato un grande shock per lui, e la sua prima opera pittorica è stata influenzata da Vuillard e soprattutto da Pierre Bonnard.

A causa della sua residenza in questa città, ha aderito alla famosa scuola di Parigi con altri artisti di altre nazionalità, ma anche con gli spagnoli Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró o Antonio Saura, artisti con cui ha condiviso la residenza in francese capitale e più che tendenze artistiche specifiche.

Nel 1944 conobbe Picasso personalmente, un fatto che lo segnò per tutta la vita, e fu un’amicizia che durò fino alla morte dell’artista di Malaga. Da allora, ha abbandonato il percorso che ha iniziato e ha iniziato a sviluppare un’opera d’arte molto diversa e meno classica.

Serie di Kings and Warriors
Mentre sviluppava uno scenario teatrale, Clavé iniziò a lavorare sulle illustrazioni di Gargantúa, che lo portarono a familiarizzare con l’iconografia medievale, che sviluppò nella sua famosa serie di guerrieri, re, regine e cavalieri, che all’inizio erano rappresentati in un certo realismo , ma col passare del tempo, l’astrazione all’interno dell’evoluzione del suo lavoro pittorico stava guadagnando terreno. Le figure perdono precisione e forma, lasciando il posto al tratto e una gamma personale di colori e trame come protagonisti principali delle sue opere. Tuttavia, la pittura di Clavé manterrà sempre qualche elemento figurativo, che servirà a strutturarlo dalle sue composizioni.

Nel 1952 partecipò al film Hans Christian Andersen (“Andersen Magnificent”), diretto da Charles Vidor, responsabile della realizzazione dello scenario (insieme a Richard Day e Howard Bristol) e dei costumi (insieme a Mary Willis e Barbara Karinska), lavoro per il quale è stata nominata all’Oscar. Tuttavia, dal 1954 abbandonò la pittura e si dedicò alla pittura.

1960
Negli anni ’60, il tributo “El Greco” di Domenikos Theotokopoulos è stato onorato dall’artista. In questa epoca è possibile vedere chiaramente le influenze dei classici e del periodo barocco. Di particolare rilevanza è il tema del cavaliere dalla mano al petto, che è un riferimento, in particolare la mano, che verrà ripetuto nel lavoro futuro di Clavé. In questo momento è caratterizzato dal passo definitivo verso l’astrazione nel suo lavoro, dove si sovrappone chiaramente alla figura o al tema scelto dall’artista.

1970
Negli anni ’70 Clavé continuò la sua evoluzione di forme e colori, usando una varietà di tecniche, come il collage o il “trompe-l’oeil”, anche inventandone di nuove come il “papier froissé” frutto di una causazione tecnica nell’uso dell’aerosol su carta stropicciata e che ha usato in modo molto personale, non solo in questa epoca ma in epoche successive.

Nel 1978 il Museo Nazionale di Arte Moderna di Parigi, ora Centre Georges Pompidou, vi dedicò la prima retrospettiva, che rese Clavé uno degli artisti più prestigiosi della sua generazione.

1980
Gli anni ’80 sono stati notevoli per la serie di Picasso “A Don Pablo”, ispirata alle stampe picassiane, nonché per le influenze che ha ricevuto in due importanti viaggi in Giappone e New York, dove distilla gli aspetti che hanno maggiormente attirato l’attenzione della storia e cultura sociale di questi luoghi. Antoni Clavé con la medaglia d’oro della Generalitat de Catalunya nel 1984.

Inoltre, ha vinto la Città di Barcellona e il National Fine Arts Award. È anche importante evidenziare la retrospettiva presentata al Palau de la Virreina nel 1989 e l’anno successivo una grande mostra antologica al Palau Robert, entrambi a Barcellona. Già nel 1990, il consiglio comunale di Barcellona commissionò un monumentale totem di acciaio e cemento per commemorare il centenario dell’Esposizione universale del 1988, installata nel Parco della Ciutadella.

Gli ultimi anni di vita
Le sue opere negli anni ’90 e all’inizio del secolo xxi sono note per ricreare le trame in astratto con un uso profuso di “papiers offensivi” e altri temi usati nelle fasi precedenti.

Il riconoscimento internazionale di questo artista è evidente nella profusione delle sue opere in importanti collezioni, sia private che pubbliche, in diversi paesi del mondo come Francia, Giappone, Stati Uniti, Svizzera e Corea, tra gli altri. Nel marzo 2013, le celebrazioni per il centenario sono iniziate con una mostra di pittura nel Museo Can Framis della Fondazione Vila Casas.

Nel 1993 sono state inaugurate le Antoni Clavé Rooms, al Palau de la Generalitat, dove è possibile ammirare un’esposizione permanente dell’opera dal 1958 al 1993. Recentemente, due importanti mostre hanno elogiato l’artista dell’opera dell’insigne: il primo, a La Pedrera de Barcellona nel 1996, e l’ultima, al Centro Cultural Conde Duque de Madrid nel 1999. Alla fine, dopo la sua morte, il 31 agosto 2005, la Fondazione municipale Joan Abelló ha organizzato una grande mostra retrospettiva nel marzo 2006, la prima di un ente pubblico dopo la sua morte, per lodare ancora una volta e meritare la figura di Antoni Clavé. In questa retrospettiva, l’eredità dell’eredità che l’artista ci ha lasciato attraverso la sua creazione plastica, è stata apprezzata, a seguito di una lotta solitaria e silenziosa, ma che ha portato a un’opera eccezionale di spirito sincero, singolare e sensibile, aperto tutte le invenzioni di plastica e oltre ogni confine, sia geografico che temporale.

Il suo stile
Antoni Clavé ha utilizzato pittura, scultura, disegno, incisione, manifesti, ceramiche, scenari teatrali, collage o illustrazioni di libri, tra le altre discipline. Ha iniziato un nuovo percorso, la lotta per un linguaggio unico e unico stava prendendo forma. Da un lato, ha cercato di raggiungere la ricerca, la semplificazione e la purificazione della forma, dall’altro, ha cercato di attraversare il confine tra figurazione e astrazione, elementi che costituivano il cavallo di battaglia che si concentrava sul problema della sua generazione.

Stabilito a Parigi, Clavé scoprì l’impetuosità di Rouault e Soutine. Dai suoi incontri con Rabelais nasce l’idea di creare grandi serie, una caratteristica che sarebbe un segno distintivo del suo lavoro per molti anni. Serie di manichini, re, guerrieri o nature morte erano gli esempi più preziosi e straordinari della sua pittura. Questo è il momento in cui nascono opere come questa Le Roi, 1957, figure che partono dal disegno della figura umana, il volto, dove c’è la manifestazione e l’esternazione del pensiero, della sensibilità. Questo è un momento in cui il referente figurativo è ancora essenziale nella composizione, anche se sarà gradualmente sintetizzato verso un tratto molto più privo di gesti e rilasciato in modo preconcetto per un dialogo molto più espressivo e suggestivo. In questa sezione, l’immaginazione di Clavé non ha limiti, sorprendendoci ogni volta con la sua dotazione creativa. Già negli anni ’50, i loro contorni erano semplificati, mentre il cromatismo si sintetizzava nella ricerca irreversibile di un ascetismo spogliato dell’esplosione. Così, nei suoi anni maturi, il suo lavoro si è evoluto in astrazione, seguendo una linea di debug formale dello schema.

Palazzo della Generalitat di Catalogna
Il Palau de la Generalitat, situato nel quartiere gotico di Barcellona, ​​è uno dei pochi edifici di origine medievale in Europa che sono stati mantenuti come sede del governo e per la stessa istituzione per cui è stato costruito.

La casa originale, su Carrer Sant Honorat, fu acquisita nel 1400 e nel XV secolo fu ampliata e trasformata in un nuovo palazzo gotico, opera di Marc Safont. Tra gli elementi meglio conservati di questo periodo vi sono la Galleria Gotica e la Cappella di Sant Jordi.

Durante il XVI secolo, il Palau de la Generalitat crebbe con una nuova parte che rispettava il precedente stile gotico come la Cambra Daurada (Camera d’oro) e il primo Pati dels Tarongers (cortile piantato con alberi di arance). I cambiamenti più radicali arrivarono con l’estensione verso Plaça Sant Jaume (1597-1619): l’attuale facciata principale è stata ispirata dal Rinascimento italiano, e ci sono quattro colonne doriche di origine romana risalenti al 2 ° secolo.

Gli ultimi importanti cambiamenti nell’edificio avvennero nel periodo della Mancomunitat de Catalunya, il Commonwealth catalano, (1914-1925): furono aggiunti elementi come la scala d’onore e la statua equestre di Sant Jordi. Notevole dagli anni ’70 è l’acquisizione di oltre un centinaio di opere d’arte moderna, d’avanguardia e contemporanea da artisti come Montserrat Gudiol, Josep Maria Subirachs, Antoni Clavé, Joan Hernández Pizjuán e Antoni Tàpies.