La scultura barocca è la scultura associata allo stile barocco del periodo tra l’inizio del XVII e la metà del XVIII secolo. Nella scultura barocca, gruppi di figure assunsero nuova importanza, e vi fu un movimento dinamico ed energia di forme umane: si avviarono a spirale attorno a un vortice centrale vuoto o si estendevano verso l’esterno nello spazio circostante.
La scultura barocca aveva spesso molteplici angoli di visione ideali e rifletteva una continuazione generale del Rinascimento spostandosi dal rilievo alla scultura creata a tutto tondo e progettata per essere collocata nel mezzo di un ampio spazio. Molta scultura barocca ha aggiunto elementi extra-scultorei, ad esempio illuminazione nascosta, o fontane d’acqua, o scultura e architettura fuse per creare un’esperienza trasformativa per lo spettatore. Gli artisti si vedevano come nella tradizione classica, ma ammiravano la scultura ellenistica e successivamente romana, piuttosto che quella dei periodi più “classici” come sono visti oggi.
La scultura barocca seguì la scultura rinascimentale e manierista e gli successe la scultura rococò e neoclassica. Roma fu il primo centro in cui fu formato lo stile. Lo stile si diffuse nel resto d’Europa, e in particolare la Francia diede una nuova direzione alla fine del 17 ° secolo. Alla fine si diffuse oltre l’Europa ai possedimenti coloniali delle potenze europee, specialmente in America Latina e nelle Filippine.
La Riforma protestante aveva fermato quasi totalmente la scultura religiosa in gran parte del Nord Europa, e sebbene la scultura secolare, specialmente per busti di ritratti e monumenti tombali, continuasse, l’età d’oro olandese non ha una significativa componente scultorea al di fuori dell’oreficeria. In parte per reazione diretta, la scultura era importante nel cattolicesimo come nel tardo Medioevo. Le statue dei sovrani e la nobiltà divennero sempre più popolari. Nel XVIII secolo molte sculture continuarono su linee barocche: la Fontana di Trevi fu completata solo nel 1762. Lo stile rococò si adattava meglio alle opere più piccole.
origini
Lo stile barocco è emerso dalla scultura rinascimentale, che, attingendo alla scultura classica greca e romana, aveva idealizzato la forma umana. Ciò fu modificato dal Manierismo, quando l’artista e studioso Giorgio Vasari (1511-1574) sollecitò gli artisti a dare alle loro opere uno stile unico e personale. Il manierismo ha introdotto l’idea di sculture con forti contrasti; giovinezza ed età, bellezza e bruttezza, uomini e donne. Il manierismo introdusse anche la figura serpentina, che divenne una delle principali caratteristiche della scultura barocca. Questa era la disposizione di figure o gruppi di figure in una spirale ascendente, che dava leggerezza e movimento all’opera.
Michelangelo aveva introdotto la figura serpentina in The Dying Slave (1513-1516) e Genius Victorious (1520-1525), ma queste opere dovevano essere viste da un unico punto di vista. Alla fine del XVI secolo opera dello scultore italiano Giambologna, The Rape of the Sabine Women (1581-1583). introdotto un nuovo elemento; questo lavoro doveva essere visto non da uno, ma da diversi punti di vista, e modificato a seconda del punto di vista, divenne una caratteristica molto comune nella scultura barocca. L’opera di Giambologna ebbe una forte influenza sui maestri dell’era barocca, in particolare sul Bernini.
Un’altra importante influenza che portò allo stile barocco fu la Chiesa cattolica, che cercava armi artistiche nella battaglia contro l’ascesa del protestantesimo. Il Concilio di Trento (1545-1563) conferì al Papa maggiori poteri per guidare la creazione artistica e espresse una forte disapprovazione per le dottrine dell’umanesimo, che erano state centrali nelle arti durante il Rinascimento. Durante il pontificato di Paolo V (1605-1621) la chiesa iniziò a sviluppare dottrine artistiche per contrastare il Riformatuon e commissionò a nuovi artisti la loro realizzazione.
caratteristiche
Le sue caratteristiche generali sono:
Naturalismo, cioè rappresentazione della natura così com’è, senza idealizzarla.
Integrazione nell’architettura, che offre un’intensità drammatica.
Schemi compositivi privi di geometrismo e proporzione equilibrata tipica della scultura del pieno Rinascimento. La scultura barocca cerca movimento; viene proiettato dinamicamente verso l’esterno con complesse linee di tensione, in particolare quella elicoidale o serpentina, e la molteplicità di piani e punti di vista. Questa instabilità si manifesta nell’irrequietezza dei personaggi e delle scene, nell’ampiezza e nella magnificenza dell’abbigliamento, nel contrasto di trame e superfici, a volte nell’inclusione di materiali diversi, che producono tutti una forte illuminazione ed effetti visivi.
Rappresentazione del nudo allo stato puro, come azione congelata, ottenuta per mezzo di una composizione asimmetrica, in cui predominano diagonali e forme a serpentina, pose inclinate e oblique, scorci e contorni diffusi e intermittenti, che orientano il lavoro verso lo spettatore con grande espressività.
Nonostante l’identificazione del barocco con una “arte della controriforma”, adeguata al sentimento della devozione popolare, la scultura barocca, anche nei paesi cattolici, aveva una grande pluralità di temi (religiosi, funerali, mitologici, ritratti, ecc. .)
La manifestazione principale è statuaria, utilizzata per la decorazione di spazi interni ed esterni di edifici, nonché di spazi aperti, sia privati (giardini) che pubblici (piazze). Le fontane erano di tipo scultoreo che ben si adattavano allo stile barocco. Soprattutto in Spagna, le immagini e le pale d’altare hanno avuto uno sviluppo straordinario.
Scultura del Bernini e del barocco romano
La figura dominante nella scultura barocca fu Gian Lorenzo Bernini (1598–1680). Era figlio di uno scultore fiorentino, Pietro Bernini, che era stato chiamato a Roma da papa Paolo V. Il giovane Bernini fece le sue prime opere da solista all’età di quindici anni, e nel 1618–25 ricevette un’importante commissione per le statue per villa del cardinale Scipion Borghese. Le sue opere, estremamente drammatiche, progettate per essere viste da più punti di vista e che si muovono a spirale verso l’alto, hanno avuto un impatto enorme sulla scultura europea. Ha continuato a dominare la scultura italiana attraverso le sue opere sulle fontane romane, il Baldequin di San Pietro e la tomba di Papa Alessandro VII all’interno della Basilica di San Pietro, e il suo complesso d’altare per la Chiesa di Santa Maria della Vittoria a Roma. Ricevette la sua ultima commissione per la scultura della fontana per la Fontana dell’elefante (1665–1667), seguita da una serie di angeli per il ponte di Sant Angelo a Roma (1667–169).
Bernini morì nel 1680, ma il suo stile influenzò gli scultori in tutta Europa, in particolare in Francia, Baviera, Francia e Austria.
Maderno, Mochi e gli altri scultori barocchi italiani
Le generose commissioni papali fecero di Roma una calamita per gli scultori in Italia e in tutta Europa. Decorarono chiese, piazze e, una specialità di Roma, le famose nuove fontane create in giro per la città dai Papi. Stefano Maderna (1576–1636), originario di Bissone in Lombardia, precedette l’opera del Bernini. Ha iniziato la sua carriera realizzando copie in dimensioni ridotte di opere classiche in bronzo. La sua opera principale su larga scala era una statua di San Cecile (1600, per la Chiesa di Santa Cecilia in Trastevere a Roma. Il corpo del Santo giace disteso, come se fosse in un sarcofago, evocando un senso di pathos.
Un altro importante scultore romano fu Francesco Mochi (1580–1654), nato a Montevarchi, vicino a Firenze. Realizzò una celebre statua equestre in bronzo di Alessandro Farnese per la piazza principale di Piacenza (1620-1625) e una vivida statua di Santa Veronica per la Basilica di San Pietro, così attiva che sembra che stia per saltare dalla nicchia.
Altri importanti scultori barocchi italiani includevano Alessandro Algardi (1598–1654), la cui prima commissione maggiore fu la tomba di Papa Leone XI in Vaticano. Era considerato un rivale del Bernini, sebbene il suo lavoro fosse simile nello stile. Altre sue opere importanti includevano un grande bassorilievo scolpito del leggendario incontro tra Papa Leone I e Attila il Hun (1646-1653), in cui il Papa persuase Attila a non attaccare Roma
François Duquesnoy (1597–1643) nato nelle Fiandre, fu un’altra figura importante del barocco italiano. Era amico del pittore Poussin, ed era particolarmente noto per la sua statua di Santa Susanna a Santa Maria de Loreto a Roma e la sua statua di Sant’Andrea (1629-1633) in Vaticano. Fu nominato scultore reale di Luigi XIII di Francia, ma morì nel 1643 durante il viaggio da Roma a Parigi.
I maggiori scultori del tardo periodo includevano Niccolò Salvi (1697–1751), la cui opera più famosa fu il disegno della Fontana di Trevi (1732–1751). La fontana conteneva anche opere allegoriche di altri importanti scultori barocchi italiani, tra cui Filippo della Valle Pietro Bracci e Giovanni Grossi. La fontana, in tutta la sua imponenza ed esuberanza, rappresentava l’atto finale dello stile barocco italiano.
Francia
La maggior parte della scultura barocca francese aveva lo scopo di glorificare non la Chiesa, ma il monarca francese, Luigi XIV di Francia, e il suo successore, Luigi XV. Gran parte di esso fu prodotto dagli scultori della nuova Accademia reale di pittura e scultura, fondata nel 1648 e in seguito sotto la stretta supervisione di Jean-Baptiste Colbert, ministro delle finanze del re. Scultori francesi hanno lavorato a stretto contatto con pittori, architetti e paesaggisti come André Le Notre per creare gli effetti scultorei trovati nella Reggia di Versailles e nei suoi giardini, le altre residenze reali e le statue per le nuove piazze cittadine create a Parigi e in altri Città francesi. Colbert fondò anche l’Accademia di Francia a Roma in modo che scultori e pittori francesi potessero studiare modelli classici.
Nella prima parte del periodo barocco, gli scultori francesi furono in gran parte influenzati dai pittori delle Fiandre e dei Paesi Bassi. in particolare il Manierismo di Giambologna, piuttosto che scolpire l’Italia. Questi artisti includevano Germain Pilon (1525–1590); Jean Varin (1604–1672) e Jacques Sarrazin (1592–1660). Lo stesso Bernini, al culmine della sua fama, arrivò a Parigi nel 1665 per presentare il suo piano per il Louvre a Luigi XIV. Il re non amava Bernini o il suo lavoro, e il piano fu respinto, sebbene Bernini produsse un bel busto di Luigi XIV, ora in mostra al Palazzo di Versailles.
I migliori scultori francesi furono impegnati a realizzare statue per i giardini delle fontane del Palazzo di Versailles e altre residenze reali. Questi includevano Pierre Puget, Jacques Sarazin, François Girardon, Jean-Baptiste Tuby, Antoine Coysevox e Edme Bouchardon. Guillaume Coustou ha creato un gruppo particolarmente raffinato di cavalli per i giardini del castello di Marly.
Negli ultimi anni dell’era barocca, Jean Baptiste Lemoyne (1704-1778), direttore dell’Accademia di Francia a Roma, fu considerato il miglior scultore rococò, sebbene la sua fama fosse eclissata dal suo allievo, Jean-Antoine Houdon, che guidò il passaggio della scultura francese dal barocco al classicismo.
Paesi Bassi e Belgio
Dopo essersi distaccato dalla Spagna, le province unite calviniste dei Paesi Bassi produssero uno scultore di fama internazionale; Hendrick de Keyser (1565–1621). Fu anche il principale architetto di Amsterdam e creatore delle principali chiese e monumenti. La sua opera di scultura più famosa è la tomba di William the Silent (1614–1622) nella Nieuwe Kerk di Delft. La tomba era scolpita in marmo, originariamente nero ma ora bianco, con statue in bronzo raffiguranti Guglielmo il Silenzio, Gloria ai suoi piedi e le quattro virtù cardinali agli angoli. Poiché la chiesa era calvinista, le figure femminili delle virtù cardinali erano completamente vestite dalla testa ai piedi.
Le porzioni meridionali dei Paesi Bassi, che rimasero in gran parte cattoliche, produssero uno stile barocco più elaborato più vicino a quello di Roma. Lo scultore più importante fu Artus Quellinus il Vecchio, membro di una famiglia di famosi scultori e pittori, e figlio di un altro scultore, Erasmo Quellino. Si stabilì ad Anversa nel 1639. Si avvicinò a Rubens e il suo lavoro applicò alla scultura molti dei principi delle composizioni di Rubens.
Un altro importante scultore barocco belga fu Hendrik Frans Verbrugghen (1654–1724), che scolpì sculture molto elaborate, piene di scene bibliche, flora e fauna, allegorie e simboli per i burattini cerimoniali delle cattedrali e delle chiese di Bruxelles, Louvain, Anversa, Malines, e altre città.
Inghilterra
La scultura del primo barocco in Inghilterra fu influenzata da un afflusso di rifugiati dalle guerre di religione nel continente. Uno dei primi scultori inglesi ad adottare lo stile fu Nicholas Stone (noto anche come Nicholas Stone the Elder) (1586–1652). Apprendista con un altro scultore inglese, Isaak James, e poi nel 1601 con il noto scultore olandese Hendrick de Keyser, che aveva preso rifugio in Inghilterra. Stone tornò in Olanda con de Keyser, sposò sua figlia e lavorò nel suo studio in Olanda fino al suo ritorno in Inghilterra nel 1613. Stone adattò lo stile barocco dei monumenti funebri, per il quale era noto de Keyser, in particolare nella tomba di Lady Elizabeth Carey (1617–18) e la tomba di Sir William Curle (1617). Come gli scultori olandesi, ha anche adattato l’uso di marmo bianco e nero a contrasto nei monumenti funebri, drappeggi accuratamente dettagliati e ha realizzato volti e mani con un notevole naturalismo e realismo. Nello stesso periodo in cui ha lavorato come scultore, ha anche collaborato come architetto con Inigo Jones.
Un’altra figura importante nella scultura barocca inglese fu Louis François Roubiliac (1707-1767). Roubiliac nacque in Francia, lavorò nello studio di Nicolas Coustou a Parigi e nel 1730 vinse il primo premio dell’Accademia di Francia per una scultura biblica in rilievo. Si recò in Inghilterra, sposò un protestante e decise che lui e la sua famiglia sarebbero stati più al sicuro in Inghilterra. In Inghilterra scoprì per caso un pacchetto di banconote, che restituì al suo proprietario. Il proprietario era Edward Walpole, figlio naturale del Primo Ministro, che contribuì a presentare Roubilac ai patroni aristocratici. Le sue opere più famose includevano un busto del compositore Handel, realizzato durante la vita di Handel per il patrono dei Giardini Vauxhall; e la tomba di Joseph e Lady Elizabeth Nightengale (1760). Lady Elizabeth era morta tragicamente per un falso parto provocato da un fulmine nel 1731 e il monumento funebre catturò con grande realismo il pathos della sua morte. Le sue sculture e busti raffiguravano i suoi soggetti così come erano; erano vestiti con abiti ordinari e ricevevano posture ed espressioni naturali, senza pretese di eroismo.
Germania e impero asburgico
Il movimento barocco fiorì soprattutto alla fine del XVII secolo e all’inizio del XVIII secolo in Germania e gli stati dell’Impero asburgico governati da Vienna. Un gran numero di chiese e statue erano state distrutte dagli iconoclasti protestanti durante la Riforma e le guerre di religione, e un gran numero di nuove opere furono fatte per rimpiazzarle. Molte delle nuove opere esprimevano temi trionfali; Ercole che uccide un leone, San Michele che uccide un drago e altri soggetti che rappresentano il trionfo della chiesa cattolica sui protestanti.
Numerosi scultori vennero dai Paesi Bassi per partecipare alla ricostruzione. Tra questi Hubert Gerhard (1550–1622) di Amsterdam, uno studente di Giambologna, incaricato dal banchiere tedesco Hans Fugger di realizzare una fontana monumentale per il suo castello di Kirchheim. Questa è stata la prima fontana in stile barocco italiano realizzata a nord delle Alpi. Gerhard fu presto incaricato di realizzare una fontana in stile barocco italiano per la piazza della città di Augusta e una statua di San Michele che uccideva un drago per la residenza del principe a Monaco. Gli scultori Hans Krumper (1570–1634), Hans Reichle (1570–1624) e l’olandese Adrien de Vries (1545–1626) realizzarono simili monumentali fontane e statue in bronzo, piene di azione e drammaticità, per facciate di chiese e piazze in Baviera.
Uno degli scultori tedeschi più insoliti nel tardo barocco fu Franz Xaver Messerschmidt, noto sia per la scultura religiosa che per una serie di ritratti scolpiti che ritraggono espressioni estreme.
Balthasar Permoser (1651–1732) trascorse quattordici anni in Italia, dal 1675 al 1689, prima di diventare scultore di corte a Dresda. Ha lavorato a Venezia, Roma e Firenze e ha portato il barocco italiano a Dresda, in particolare nei giardini, e la decorazione interna del Palazzo Zwinger. La sua opera più famosa era una scultura dell’Apoteosi del principe Eugenio di Savoia, il generale che aveva sconfitto l’invasione dei turchi ottomani. Il principe è ritratto con il piede su un turco sconfitto e con gli attributi di Ercole. Il suo pulpito scolpito per la Hofkirche di Drsdsen è un altro capolavoro della scultura barocca.
Il teatro più drammatico per la scultura barocca in Germania era l’architettura della chiesa. Retaboli e altari particolarmente complessi. affollati di statue e quasi innalzanti i soffitti, furono creati da Hans Riechle, Jorg Zurn, Hans Degler e altri artisti. La famiglia Michael Zürn ha prodotto diverse generazioni di scultori molto produttivi, realizzando figure di legno policromo o dorato e stucchi. Altri artisti che producevano leggende notevoli includevano Thomas Schwanthaler.
A Vienna, gli ultimi anni del XVIII secolo produssero alcune opere straordinarie, che segnarono il passaggio dal barocco al rococò. Tra questi la caduta degli angeli nella chiesa di San Michele a Vienna, di Karl Georg Merville.
Spagna
L’emergere dello stile barocco in Spagna, come in Italia, fu in gran parte guidato dalla Chiesa cattolica, che lo usò durante la Controriforma come potente arma contro i protestanti. La grande maggioranza delle opere furono realizzate per tombe, altari e cappelle. Allo stesso tempo, il 17 ° secolo fu un periodo di declino economico e isolamento politico e culturale; pochi artisti spagnoli viaggiarono all’estero e solo una manciata di scultori del nord Europa, in particolare l’artista fiammingo José de Arce, arrivò in Spagna. Di conseguenza, il barocco spagnolo si sviluppò indipendentemente dal resto d’Europa e aveva le sue caratteristiche specifiche.
L’incoronazione del francese Filippo V nipote di Luigi XIV, come re di Spagna, e il debutto della dinastia borbonica all’inizio del XVIII secolo portarono un drastico cambiamento nella politica culturale e nello stile. Successivamente, le commissioni per le principali opere d’arte furono controllate dal re, non dalla chiesa e dall’Accademia reale delle arti. come in Francia, ha determinato i soggetti, lo stile e i materiali. Questo periodo continuò fino al 1770 circa.
Un gran numero di sculture furono commissionate per reticoli, reliquiari e monumenti funebri nelle chiese, nonché statue per processioni religiose. Sono comparsi nuovi temi, in particolare opere dedicate al culto della Vergine Maria. Lo stile, progettato per popolare, incline al realismo. Il materiale più comunemente usato era il legno, che veniva spesso dipinto in diversi colori. A partire dal 1610 circa, apparve un elemento di realismo specificamente spagnolo; gli scultori hanno donato alle loro statue parrucche di capelli veri, hanno usato pezzi di cristallo per lacrime, denti di vero avorio e colori della pelle dipinti con un realismo accurato.
All’inizio del XVI secolo c’erano due importanti scuole di scultura spagnola, quella della Castiglia e quella dell’Andalusia. L’enfasi nella scuola di Castiglia era più sul sacrificio e sul martirio, con un’abbondante sofferenza vivida. La scuola andalusa usava generalmente un ornamento più grande e meno violenza; il bambino Cristo e la Vergine Maria erano soggetti più frequenti che in Castiglia. Il primo centro dello stile della Castiglia fu Valladolid, dove il re Filippo III di Spagna risiedette tra il 1601 e il 1606. L’artista più importante della prima scuola castigliana fu Gregorio Fernández (1576–1636). I suoi primi lavori hanno mostrato uno straordinario realismo e naturalismo, mostrando tutte le ferite. La sua Discesa dalla Croce a Valladolid, altamente dettagliata e realistica, fu fatta per essere portata in processione. Il suo successo gli permise di creare un grande laboratorio con molti assistenti e di realizzare opere su larga scala, in particolare il retablo della Cattedrale di Plasencia realizzato tra il 1625 e il 1632, considerato uno dei massimi punti dell’arte spagnola nella prima metà del 17 ° secolo.
L’altro primo centro della scultura barocca spagnola era la città di Siviglia, che era stata notevolmente arricchita dalla ricchezza delle colonie spagnole nel Nuovo Mondo. Lo scultore più importante della prima scuola di Siviglia fu Juan Martínez Montañés (1568–1649), le cui opere raffiguravano equilibrio e armonia, con un minimo di violenza e sangue. Un altro importante scultore di Siviglia fu Pedro Roldán (1624–1699), la cui opera principale fu la sontuosa retata raffigurante la discesa dalla Croce di Cristo, realizzata per l’Ospedale de Caidad di Siviglia (1670-1672). Anche la figlia di Roldán, Luisa Roldán (1654–1704), raggiunse la fama per il suo lavoro e divenne la prima donna nominata scultrice reale in Spagna.
Altri importanti scultori barocchi spagnoli includono Alonso Cano di Grenada 1601–1634), che fu anche attivo come pittore e scultore e le cui opere presentavano un naturalismo idealizzato. Il suo allievo, Pedro de Mena (1628-1688), divenne uno dei più importanti scultori della scuola di Siviglia, con le sue delicate e realistiche statue a grandezza naturale di santi.
All’inizio del XVIII secolo videro la creazione di numerose opere sontuosamente barocche, tra cui l’altare El Transparente di Narciso Tomé a Toledo, un enorme altare creato in modo che, quando la luce cambia, sembra muoversi. Era una delle rare opere in Spagna realizzata in bronzo e marmo, piuttosto che in legno. Era il fulcro di un enorme complesso artistico composto da scultura, pittura e architettura che occupa il centro della Cattedrale.
Con l’arrivo della dinastia borbonica al potere, il centro del mondo dell’arte si spostò a Madrid, la fonte delle commissioni reali. L’isolamento dell’arte spagnola dall’arte del resto d’Europa terminò, con l’arrivo di artisti francesi e italiani, che furono invitati a decorare il palazzo reale. Ha anche portato nuove opere d’arte protese all’estremo, tra cui la torturata La testa di San Paolo di Juan Alonso Villabrille e Ron, insieme a opere più delicate, tra cui una scultura di San Fiorentino di Francisco Salzillo.
Il regno di Carlo III di Spagna (1760–1788), interruppe bruscamente il barocco spagnolo e una transizione al neoclassicismo. Nel 1777 il re decretò che tutte le sculture e le leggende dell’altare dovevano essere approvate in anticipo dalla Royal Academy di San Fernando e che il marmo e la pietra, non il legno, dovevano essere usati ogni volta che era possibile nella scultura.
America latina
Il primo scultore e architetto barocco a lavorare in America Latina fu Pedro de Noguera (1580-), nato a Barcellona e apprendista a Siviglia. Nel 1619 si trasferì nel Vicereame del Perù, dove, con Martín Alonso de Mesa, scolpì le bancarelle del coro barocco della Basilica Cattedrale di Lima (1619-).
Lo stile barocco della scultura fu trasportato in altre parti dell’America Latina da missionari spagnoli e portoghesi nel XVIII secolo, che commissionarono artisti locali. Era usato principalmente nelle chiese. La scuola di Quito in Ecuador era un importante gruppo di scultori barocchi. Artisti di spicco della scuola furono Bernardo de Legarda e Caspicara.
Caspicara (1723–1796) fu un artista ecuadoriano che realizzò figure eleganti e ornate da esporre nelle chiese. Era una figura centrale in quella che è conosciuta come la scuola di Quito.
Aleijadinho (1730 o 1738-1814), era il figlio di un colono portoghese e di uno schiavo africano. È famoso per un gruppo di monumentali statue in pietra ollare di Santi (1800–1805) per il Santuário de Bom Jesus de Matosinhos a Congonhas, ora patrimonio mondiale dell’UNESCO. Ha anche realizzato una serie di figure della Passione a grandezza naturale, raffiguranti gli eventi che hanno portato alla Crocifissione di Cristo (1780-1790).
Scultura barocca in altri paesi
Nei Paesi Bassi la scultura è diventata rilevante, sebbene lontana dalla pittura. Nei Paesi Bassi meridionali (i cattolici, appartenenti alla monarchia ispanica – di solito genericamente chiamati “Fiandre” -), dove prevalgono le immagini religiose che mettono in risalto la costruzione dei pulpiti, questi furono coperti con una decorazione sempre crescente che arrivava bene nel secolo XVIII, per costruire opere notevoli in cui la mostra scultorea è al centro della sua funzione di mobile liturgico. Un esempio eccezionale è il pulpito della cattedrale di Bruxelles dovuto a Hendrik Frans Verbruggen. Tra gli scultori da considerare, Jeroen Duquesnoy può essere nominato (Manneken Pis, suo figlio François Duquesnoy (che ha lavorato principalmente a Roma) e Lucas Faydherbe.
Nei Paesi Bassi settentrionali (prevalentemente protestante, indipendente – generalmente indicato come “Olanda” -), dove spiccava il ritratto, su busti o effigi di tombe riccamente decorate, Hendrik de Keyser e Rombout Verhuls lavoravano. Artus Quellinus ha lavorato in entrambe le aree.
In Portogallo, come in Spagna, predomina la scultura in legno policromo a tema religioso. Fray Cipriano da Cruz e Antonio Ferreira si sono distinti. Ferreira fu uno dei famosi barristas portoghesi del 18 ° secolo che creò monumentali presepi composti da figure in terracotta di piccolo formato.
All’inizio del XVIII secolo, la ricchezza proveniente dalle miniere brasiliane favorì l’arrivo di artisti stranieri: Claude Laprade, di origine francese, lavorò a Coimbra e Lisbona, mentre opere e artisti italiani furono portati a decorare il Palazzo Nazionale Mafra. che ha introdotto i modelli del barocco di questi paesi in Portogallo. Ma fu nel lavoro di intaglio che furono prodotte le opere più originali. Lo stile barocco delle pale d’altare ha traboccato la loro area, coprendo pareti e soffitti di carpenteria dorata.
E allo stesso modo della Spagna, il Portogallo ha esportato nelle sue colonie modelli, tecniche e temi nelle diverse arti. Il più grande scultore e eccezionale architetto brasiliano a cavallo tra il barocco e il rococò fu Aleijadinho.
In Polonia, a quel tempo unito al Granducato di Lituania, fu mantenuta la tradizione della scultura funeraria rinascimentale, che si adattò gradualmente al gusto barocco. Nell’ornamento delle chiese erano diffuse le decorazioni in stucco e le pale d’altare di sculture policrome con paramenti dorati.
Fu nella seconda metà del 18 ° secolo quando la scuola di scultura di Leopoli fu sviluppata a Galitzia, la più straordinaria del periodo in cui è possibile osservare somiglianze con la scultura bavarese o austriaca. Scultori come Sebastián Fesinger di origine tedesca o Antoni Osiński hanno prodotto immagini in composizioni dinamiche con tessuti pieghettati dall’aspetto metallico molto marcati. La sua figura principale era Johann Georg Pinsel. Nel suo lavoro preservato, insieme alle caratteristiche comuni alla scuola, si osservano una forte carica drammatica e una espressività molto pronunciata.