Il celebre nuovo padiglione australiano alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte, Biennale di Venezia, ha attirato l’attenzione globale. Fiona Hall è diventata la prima artista a rappresentare l’Australia nel nuovo edificio con la sua mostra Wrong Way Time.
Il mondo è un posto così straordinario, ma purtroppo viviamo in tempi difficili e quel senso si riflette in molte opere. Wrong Way Time presenta più di 800 oggetti in uno spazio, installati in enormi armadi pieni di curiosità. Intorno alle pareti ci sono orologi dipinti con immagini e slogan diversi, che scorrono e scandiscono in un ciclo per ricordare agli spettatori che il tempo sta passando.
La passione permanente di Hall per l’ambiente naturale può essere sentita intensamente. L’artista riunisce centinaia di elementi disparati che creano tensioni attorno a tre preoccupazioni intersecanti: politica globale, finanze mondiali e ambiente. Hall li vede come stati falliti, come “un campo minato di follia, cattiveria e tristezza” che si estende oltre il futuro prevedibile.
Il lavoro di Fiona Hall risponde alle sue preoccupazioni riguardo al nostro ruolo persistente nella fine della natura, o al pericoloso stato di varie specie. Nonostante un’oscurità prevalente, la mostra di Hall è fondamentalmente affermativa per la vita.
Biografia
Fiona Margaret Hall, AO (nata il 16 novembre 1953) è una fotografa e scultrice artistica australiana. Hall ha rappresentato l’Australia alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte alla Biennale di Venezia nel 2015. È conosciuta come “una delle artiste contemporanee più coerentemente innovative dell’Australia”. Molte delle sue opere esplorano “l’intersezione di ambiente, politica e sfruttamento”.
1970
Dopo la laurea, Hall visse a Londra, in Inghilterra, tra gennaio 1976 e agosto 1978. Nell’estate del 1976, Hall trascorse tre mesi viaggiando per l’Europa, durante i quali visitò numerose istituzioni d’arte e regalò due delle sue fotografie con Jean-Claude Lemagny – il Curatore capo della fotografia – presso la Bibliothéque nationale. Al suo ritorno a Londra, Hall iniziò a lavorare con Peter Turner, editore di Creative Camera, una rivista di fotografia britannica. Durante questo lavoro, Hall fu presentata a Fay Goodwin, per la quale fu assistente per il resto del suo tempo a Londra. Hall tenne la sua prima mostra personale nel 1977 alla Creative Camera Gallery di Londra. Hall tornò in Australia nel 1978 per visitare sua madre, che era malata. Nello stesso anno, espone la sua prima mostra personale australiana al Church Street Photography Centre di Melbourne, quindi si trasferisce negli Stati Uniti per studiare per un Master in Belle Arti (Fotografia) al Visual Studies Workshop di Rochester, New York .
1980
Gli anni ’80 videro la Hall creare un profilo artistico significativo per se stessa attraverso il coinvolgimento in diverse mostre personali e collettive in tutta l’Australia. Nell’ambito del suo studio, Hall tornò in Australia nel 1981 per vivere come artista residente presso la Tasmanian School of Art con il sostegno di una sovvenzione del Visual Arts Board dell’Australia Council. Lì, ha creato The Antipodean Suite con oggetti come la buccia di banana e i cavi di alimentazione, una prima dimostrazione di un tema coerente nel suo lavoro, “la trasformazione del quotidiano … in creazioni di bellezza immaginativa”. Sempre nel 1981, cinque fotografie di Fiona Hall furono acquisite dalla Galleria d’arte del Nuovo Galles del Sud, la prima delle sue opere ad entrare in una collezione pubblica. Hall si è laureato con un MAE nel 1982 e nello stesso anno ha partecipato alla Biennale di Sydney.
Nel 1983, Hall iniziò a tenere lezioni di studi fotografici presso la South Australian School of Art, Adelaide, dove rimase fino alle dimissioni formali nel 2002. Tra il 1984 e il 1986, Hall fu incaricata di documentare la nuova Parliament House of Australia, creando quarantaquattro fotografie per il progetto di costruzione della sede del parlamento.
Durante gli anni ’80, ha creato una serie di serie da oggetti di uso quotidiano, tra cui Morality Dolls – The Seven Deadly Sins, marionette di cartone composte da fotocopie di incisioni mediche; Illustrazioni della Divina Commedia di Dante, fotografie di figure umane realizzate con lattine di alluminio verniciate e brunite; e Paradisus terrestris, in cui Hall “ha usato scatole di sardine per formare squisite sculture di esemplari botanici che si trovano sulla parte superiore della latta aperta rivelando parti sessuali umane che corrispondono fisicamente agli attributi della pianta”. Nel 1989, Hall è apparso in un programma televisivo SBS su fotografi australiani, Visual Instincts.
1990
Tra giugno e ottobre 1991, Hall è stato Artist in Residence presso il Philip Institute of Technology di Preston, Victoria. Per quattro mesi nel periodo 1992-1993, la National Gallery of Australia ha ospitato una mostra del lavoro di Hall intitolata The Garden of Earthly Delights: The Art of Fiona Hall, che includeva “fotografie sul campo in anticipo, un campionamento da diverse serie di fotografie in studio, come scultura e ceramica “. Alla fine degli anni ’90, Hall smise di lavorare nel campo della fotografia e la fotografia di suo padre, incorporata nella sua installazione su larga scala del 1996 Give a Dog a Bone, fu l’ultima che espose.
Nel 1997, Hall prese congedo senza paga dall’Università dell’Australia Meridionale e trascorse la seconda metà dell’anno alla Canberra School of Art come Australian National University Creative Arts Fellow. Mentre viveva a Canberra, Hall progettò e progettò un’opera commissionata per il giardino di sculture della National Gallery of Australia. Invece di creare una scultura per la galleria, come inizialmente previsto, Hall ha creato Fern Garden, un’installazione permanente di arte paesaggistica di 20 metri quadrati, aperta al pubblico nel 1998. Nello stesso anno, ha trascorso i primi sei mesi a Londra presso lo studio London Visual Arts / Crafts Board, poi tornato in Australia come Artist in Residence presso il Mt Coot-tha Botanic Gardens (dove ha creato Cash Crop, 1998 (serie), parte di Fieldwork, 1999), e infine al Museo del Sud Australia in una serie di residenze informali. Ha trascorso il 1999 in Sri Lanka in una residenza Asialink Lunuganga. I suoi lavori successivi esplorarono ulteriormente i concetti di storia, trasporto e trapianto.
2000
Nel 2000, Hall fu incaricato di creare un’opera d’arte pubblica nei Royal Botanic Gardens di Sydney e progettò A Folly for Mrs Macquarie. Nel 2005, retrospettive del suo lavoro si sono svolte presso la Queensland Art Gallery e la Art Gallery of South Australia. Nello stesso anno, Hall fu incaricato di creare un pezzo per il nuovo edificio della Cancelleria dell’Università del Sud Australia. Nel 2008-2009, un’altra retrospettiva, intitolata Force Field, è stata esposta a Sydney, nel Nuovo Galles del Sud, al Museum of Contemporary Art, e in Nuova Zelanda alla City Gallery, Wellington e alla Christchurch Art Gallery.
2010s
Nel 2015 Hall ha rappresentato l’Australia alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte alla Biennale di Venezia, con un’opera intitolata Wrong Way Time. L’anno seguente, Wrong Way Time è stato esposto alla National Gallery of Australia. Hall continua a lavorare con la Roslyn Oxley9 Gallery di Sydney, dove espone dal 1995.
“Le realtà del terrorismo, della guerra, dei cambiamenti climatici, del saccheggio ambientale e delle turbolenze economiche sono diventate parte della nostra coscienza quotidiana”
Wrong Way Time può essere letto come un corpus di lavori che comprende centinaia di elementi, ognuno incastonato con strati di significato che lo spettatore scopre mentre naviga nella mostra.
Hall usa ripetizione, mimetismo, strati di riferimento e materiali e oggetti riproposti per creare un paesaggio simbolico che rivela il suo fascino per i cicli naturali e le politiche e le azioni che degradano i sistemi organici o diminuiscono la vita.
“Il corpo del lavoro che sto presentando è un tentativo personale di conciliare uno stato di oscurità e caos con una curiosità e affetto per il luogo in cui viviamo tutti”
“La nostra mentalità contemporanea ha provocato una paranoia diffusa su questo stato pericoloso. Ma è un mondo che è anche resistente e meraviglioso.”
La mostra
“Wrong Way Time”, composto da una miriade di opere squisite che riempivano completamente l’elegante struttura progettata come una scatola bianca all’interno di una scatola nera.
Hall è un artista con molto da dire ma il tempo sta per scadere. Gli orologi a pendolo allineati al muro sul retro dello spazio, come in un cimitero, sono variamente decorati con teschi, scheletri, cappio da boia e graffiti con frasi fatalistiche e numeri dall’aspetto occulto. Questi oggetti rappresentano giocosamente l’impossibile desiderio del titolo della mostra. “Torna indietro” sembrano dire. Il tempo sta andando nella direzione sbagliata.
“un campo minato di follia, cattiveria e tristezza in egual misura”
Wrong Way Time riunisce dozzine di opere in più parti create dall’artista Fiona Hall, messe in dialogo tra loro in un display multisensoriale e coinvolgente. Il soggetto di Hall è il campo intersecante di conflitto globale, finanze mondiali e ambiente, che lei percepisce come “un campo minato di follia, cattiveria e tristezza in egual misura”.
Fiona Halls ha sostenuto l’esame della complessa interrelazione tra natura e cultura, assumendo una nuova urgenza mentre risponde alle realtà del cambiamento climatico, della guerra e della crescente iniquità. Un museo di materiali e oggetti trasformati, insieme a dipinti e sculture intensi e toccanti, ci spingono a considerare il nostro impatto sul futuro della natura.
In Wrong Way Time, i visitatori entrano in uno spazio buio in cui gli oggetti illuminati emergono dalle ombre. Una foresta di orologi dipinti – nonno, nonna, mantello e cucù – forma pareti scure di lamento.
Gli armadi carbonizzati sono pieni di collezioni di banconote, giornali e atlanti e altri resti archeologici della vita contemporanea. Gli armadietti sono pieni di forme in bronzo fuso e intricate sculture di stagno martellato, pane scolpito e nidi di uccelli fatti di banconote tagliuzzate.
Il gabinetto circonda un gruppo centrale di figure sospese con teste distorte lavorate a maglia in tessuto mimetico, un centro nichilista di maschere mortali vuote. I suoni intermittenti del ticchettio degli orologi, il ronzio e il cucù, insieme alle registrazioni sul campo dei corvi, aggiungono uno strato risonante che contribuisce a un senso di follia e sventura.
Manuhiri (Travelers) (2014)
L’impatto della colonizzazione e del capitalismo sull’ambiente è esplorato anche a Manuhiri (Travelers) (2014), per il quale Hall ha raccolto legni da acquario, tra cui pino, pioppo, manuka e kanuka, dal fiume Waiapu sulla costa orientale dell’isola settentrionale di Aotearoa Nuova Zelanda. Il Waiapu era un tempo circondato da terreni boscosi prima di soffrire di erosione, deflusso chimico e accumulo di limo dovuto allo sviluppo. Con una mossa paradossale e poetica, i pezzi di legni scelti da Hall evocano la forma di creature viventi, che appaiono come toccanti vestigia del degrado ambientale che le ha modellate.
Tutti gli uomini del re
All the King’s Men (2014–15) è un display di figure tridimensionali sospese le cui teste sono lavorate a maglia con uniformi in tessuto mimetico di vari paesi, progettate per imitare la natura a beneficio delle attività delle forze militari. Corpi spettrali vestigiali pendono dalle teste sfigurate, formando un gruppo inquietante che sostituisce innumerevoli fanti, vittime della guerra indipendentemente dalla nazionalità.
“Mentre riflette un pervasivo senso di incertezza sul futuro, alimentato da notizie su guerre, mutazioni climatiche, estinzione di specie e disuguaglianza economica, la mostra stessa è affermativa e trasformativa”.
Punti salienti
La cacofonia degli orologi a ticchettio, punteggiata dal ronzio occasionale degli orologi a cucù, presenta un costante promemoria della nostra mortalità come un ricordo mori nelle dimensioni dello spazio e del tempo.
Al contrario, sulla parete destra immediatamente all’interno dell’ingresso c’è un serraglio di strani animali tessuti da erbe autoctone australiane e mimetiche militari. Il segno didattico spiega che la collezione presenta rappresentazioni di animali del deserto australiani in via di estinzione o in via di estinzione e sono state realizzate da Hall in collaborazione con i tessitori del deserto Tjanpi dei deserti occidentali e centrali dell’Australia.
Intorno e contenente quest’opera sono vetrate verticali su tutti i lati. Assomigliando più a un museo di storia naturale che a una mostra di arte contemporanea, i gabinetti di Hall contengono una vasta gamma di curiosità interessanti, troppe da elencare in questa breve recensione. Alcuni oggetti, come i legni usati per i Viaggiatori, sono selezionati per la loro somiglianza con le creature. Altri oggetti, tra cui le patate di bronzo, sono infatti minuziosamente e meticolosamente costruiti.
Molte delle opere esaminano le complesse interrelazioni tra natura e cultura. In Tender, una raccolta di nidi di uccelli vuoti, assistiamo al mimetismo della natura finemente osservato da Hall. Ad un attento esame, i nidi delle repliche sono costituiti da banconote da un dollaro USA triturate, i cui numeri di serie coprono un intero pannello di vetro. I nidi sono vuoti – gli uccelli estinti sono spariti da tempo – e il denaro ora non ha valore. Il titolo, con i suoi molteplici significati, ci spinge a riflettere sul tipo di società che si preoccupa più della distruzione delle banconote che dell’estinzione delle specie di uccelli.
Nonostante differenze superficiali, il denaro è essenzialmente lo stesso in tutto il mondo. Rappresenta valore e facilita le relazioni transazionali. Tuttavia, Hall tratta le note come manufatti culturali e allinea con loro intere pareti. Alcuni di questi splendidi esemplari in guazzo raffigurano piante che un tempo erano vitali per le economie dei paesi in cui crescevano e i loro semi venivano commercializzati in tutto il mondo. Ora questi nativi sembrano un virus botanico che sottrae le note e le rende comuni come la carta da montaggio. Alcune banconote sono disposte secondo le immagini stampate su di esse tra cui dighe, macchine agricole e centrali nucleari. Questi traguardi tecnologici celebrano lo sfruttamento e la conquista della natura.
I commenti di Hall sullo stato precario del mondo naturale e del nostro ambiente sono taglienti e diretti al punto ma con umorismo, ironia e leggerezza del tocco in modo da nascondere un bisturi simile a un chirurgo. Il bisturi non è una metafora nelle scatole di sardine ritagliate intitolate Paradisus Terrestris. Salvate dal cestino, queste scatole vengono trasformate ed elevate in opere d’arte. Gli strani ibridi erotici della flora e delle parti del corpo native implicano una collisione tra natura (piante indigene australiane) e cultura (la colonizzazione da parte dei coloni bianchi).
Le scatole, che rimangono tra le opere più amate dalle opere precedenti di Hall, sono tra le centinaia di pezzi apparentemente disparati che sono accuratamente posizionati in modo da aiutarci a stabilire connessioni tra loro e per guidare la nostra comprensione dei problemi su cui Hall è così appassionata . Nonostante i colori cupi e i messaggi di sventura, non essere mai nello spazio come se fossimo guidati in una marcia di protesta da attivisti radicali. Le tattiche di Hall sono molto più sottili ed efficaci.
I manufatti culturali riconfigurati ci spingono a interpretare e reinterpretare questi oggetti comuni in un modo nuovo e a formare nuove idee dalla loro nuova giustapposizione. In Vaporized quelle che erano in origine le bottiglie di profumo sono ora un cimitero di vetro dipinto a teschio. In Crust, pagnotte di pane sono scolpite in oggetti tra cui ossa, un elefante morto, uno sfortunato transatlantico, e collocati su atlanti aperti che ci ricordano che troppo spesso il nostro requisito universale anche per il nostro cibo più elementare è posto sullo sfondo di conflitti politici e il flusso dei confini nazionali.
In una teca nelle vicinanze sembrano nascere pesanti cristalli opachi di cartone ondulato con le sue sponde rivelatrici e le imperfezioni del cast economico rimasto. A differenza dei veri cristalli che sono meravigliosi, traslucidi, preziosi prodotti della terra e preziosi simboli di atemporalità, questi grumi di bronzo artificiale emergono da pile di giornali. Mettendoli contro le effimere curiosità piene di celebrità e i capricci delle notizie quotidiane con i suoi titoli scioccanti, Hall ha letteralmente e figurato “rilanciato” queste forme opache simili a cristalli per essere sacrificabili come la polpa della carta da giornale.
Numerose opere fanno riferimento al magnate dei media e al mediatore del potere politico, Rupert Murdoch. Il suo volto tipicamente scosceso adorna un orologio sotto il testo Notizie del mondo fukt, e presenta all’interno di un caleidoscopico peep-show intitolato Hack, che mostra cartelli in miniatura che annunciano un destino imminente.
Linda Michael, curatrice di Wrong Way Time, scrive nell’eccellente catalogo della mostra che le questioni che Hall affronta attraverso le sue opere sono le tre preoccupazioni globali che si intersecano nella politica globale, nelle finanze mondiali e nell’ambiente. Hall contiene ordinatamente i suoi sentimenti nella descrizione di questi stati falliti, come campo minato di follia, cattiveria e tristezza, in egual misura. È anche possibile trovare speranza per il futuro dell’umanità in questa travolgente visione di disperazione.
Padiglione australiano
Il padiglione australiano ospita la rappresentanza nazionale australiana durante i festival d’arte della Biennale di Venezia. Il padiglione australiano è stato progettato nel 1987 dal Design Arts Board dell’Australia Council e costruito nel 1988. Lo spazio espositivo singolo su due livelli comprende un ingresso in stile veranda con un cortile costruito attorno a un albero preesistente. Questa connessione tra spazio interno e paesaggio è stata progettata per essere correlata a temi architettonici in Australia. La curvatura del tetto in lamiera del padiglione ha lo scopo di invocare un’onda.
Il padiglione australiano originale, progettato da Philip Cox per essere una struttura temporanea di fibrocemento e acciaio, è stato aperto nel 1988 sul bordo occidentale dei Giardini. L’industriale italiano di origine italiana Franco Belgiorno-Nettis aveva precedentemente esercitato pressioni così positive che nel 1988 l’Australia ha battuto altri 16 paesi fino all’ultimo sito su cui costruire un padiglione permanente nei Giardini. Cox e altri generosi donatori hanno donato il padiglione al governo del Commonwealth.
Il padiglione non era protetto dal patrimonio a causa del suo status temporaneo. Un nuovo padiglione permanente è stato progettato dallo studio di architettura Denton Corker Marshall e completato nel 2015. Costruito in cemento e acciaio, la struttura a due piani contiene 240 metri quadrati di spazio espositivo e l’esterno è rivestito in granito nero dello Zimbabwe. La partecipazione dell’Australia alla Biennale di Venezia è gestita dall’Australia Council for the Arts. Tuttavia, tutti i 6 milioni di dollari (6,04 milioni di dollari) originariamente necessari per il nuovo edificio dovevano essere raccolti dal settore privato. Alla fine, il padiglione è costato $ 7,5 milioni per la costruzione, di cui $ 1 milione è stato finanziato dall’Australia Council for the Arts; il resto è stato donato da 82 donatori privati australiani, tra cui l’attrice Cate Blanchett e il produttore Santo Cilauro.
Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.
Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).
La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.
Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour e soggiorni speciali nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.
In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.