Influenza dell’Art Nouveau

Art Nouveau è uno stile internazionale di arte, architettura e arte applicata, in particolare le arti decorative, che è stato più popolare tra il 1890 e il 1910. Una reazione all’arte accademica del 19 ° secolo, è stato ispirato da forme e strutture naturali, in particolare il linee curve di piante e fiori.

L’inglese usa il nome francese Art Nouveau (nuova arte). Lo stile è in relazione, ma non identico, con stili che sono emersi in molti paesi europei all’incirca nello stesso periodo: in Austria è noto come Secessionsstil dopo Wiener Secession; nel modernismo spagnolo; nel modernismo catalano; in secese ceco; in danese Skønvirke o Jugendstil; in tedesco Jugendstil, Art Nouveau o Reformstil; nell’ungherese Szecesszió; in Art Nouveau italiano, Stile Liberty o Stile floreale; in Norwegian Jugendstil; in Secesja polacca; in Secesia slovacca; in ucraino e russo Модерн (moderno); in svedese e finlandese Jugend.

L’Art Nouveau è uno stile artistico totale: abbraccia una vasta gamma di belle arti decorative, tra cui architettura, pittura, arte grafica, interior design, gioielli, mobili, tessuti, ceramica, arte del vetro e lavori in metallo.

Nel 1910, l’Art Nouveau era già fuori moda. È stato sostituito come lo stile architettonico e decorativo europeo dominante prima in Art Deco e poi nel Modernismo.

Art Nouveau in Francia
Dopo l’Esposizione del 1900, la capitale dell’Art Nouveau fu Parigi. Le residenze più stravaganti nello stile furono costruite da Jules Lavirotte, che copriva interamente le facciate con decorazioni scultoree in ceramica. L’esempio più eclatante è Lavirotte Building, in 29 avenue Rapp (1901). Gli edifici per uffici e i grandi magazzini erano caratterizzati da alti cortili coperti da cupole in vetro colorato e decorazioni in ceramica. Lo stile era particolarmente popolare nei ristoranti e nei caffè, tra cui Maxim’s al 3 rue Royale e Le Train bleu alla Gare de Lyon (1900).

La città di Nancy in Lorena è diventata l’altra capitale francese del nuovo stile. Nel 1901 fu fondata l’Alleanza provinciale delle industrie d’arte, nota anche come École de Nancy, dedicata a sconvolgere la gerarchia che poneva la pittura e la scultura al di sopra delle arti decorative. I principali artisti che vi lavoravano includevano i creatori di vasi e lampade in vetro, Emile Gallé, i fratelli Daum in design di vetro, e il designer Louis Majorelle, che creava mobili con graziose forme floreali e vegetali. L’architetto Henri Sauvage portò il nuovo stile architettonico a Nancy con la sua Villa Majorelle nel 1898.

Lo stile francese è stato ampiamente propagato da nuove riviste, tra cui The Studio, Arts et Idées e Art et Décoration, le cui fotografie e litografie a colori hanno reso lo stile noto a designer e clienti facoltosi in tutto il mondo.

In Francia, lo stile raggiunse la sua vetta nel 1900 e da allora in poi scivolò rapidamente fuori moda, praticamente scomparendo dalla Francia nel 1905. L’Art Nouveau era uno stile lussuoso, che richiedeva artigiani esperti e altamente retribuiti e non poteva essere facilmente o economicamente di massa prodotta. Uno dei pochi prodotti Art Nouveau che potevano essere prodotti in serie era la bottiglia di profumo, e questi continuano ad essere fabbricati nello stile oggi. L’Art Nouveau è stato sostituito da Art Deco (Art Déco).

Belgio, Paesi Bassi e Svizzera
Il Belgio fu uno dei primi centri dell’Art Nouveau, grazie soprattutto all’architettura di Victor Horta, che progettò le prime case in stile Art Nouveau, l’Hôtel Tassel nel 1893 e l’Hôtel Solvay nel 1894. Horta incontrò e influenzò molto il lavoro del giovane Hector Guimard. Altri importanti designer hanno incluso l’architetto Paul Hankar, che ha costruito una casa in stile Art Nouveau nel 1893; l’architetto e designer di mobili Henry van de Velde, il decoratore Gustave Serrurier-Bovy e l’artista grafico Fernand Khnopff. I designer belgi approfittarono dell’abbondante offerta di avorio importato dal Congo Belga; Sculture miste, che combinavano pietra, metallo e avorio, con artisti come Philippe Wolfers, erano popolari.

Nei Paesi Bassi, lo stile era noto come Nieuwe Kunst, la New Art. Gli architetti hanno incluso Hendrik Petrus Berlage, che ha progettato una variante più funzionale e razionale, mentre Carel Adolph Lion Cachet, Theo Nieuwenhuis e Gerrit Willem Dijsselhof hanno progettato uno stile più pittoresco e decorativo. Il design del mobile è stato influenzato dall’importazione di legni esotici dalle Indie Orientali Olandesi (l’Indonesia moderna), mentre i tessuti sono stati influenzati dai disegni e dalle tecniche del batik.

Tra gli artisti svizzeri di spicco del periodo ricordiamo il pittore e grafico Théophile Steinlen, creatore del famoso poster per il cabaret parigino Le Chat noir, e l’artista, scultore e decoratore Eugène Grasset, che si è trasferito dalla Svizzera a Parigi dove ha disegnato grafica, arredamento, arazzi, ceramiche e manifesti. A Parigi, ha insegnato alla scuola d’arte di Guérin (École normale d’enseignement du dessin), dove i suoi studenti hanno incluso Augusto Giacometti e Paul Berthon.

Stile moderno e scuola di Glasgow in Gran Bretagna
L’Art Nouveau affondò le sue radici in Gran Bretagna, nel movimento artistico e artigianale degli anni ’80 dell’Ottocento, che richiedeva un’unione più stretta tra le belle arti e le arti decorative, e una rottura dagli stili storici a disegni ispirati alla funzione e alla natura. Un notevole esempio precedente del disegno di Arthur Mackmurdo per la copertina del suo saggio sulle chiese cittadine di Sir Christopher Wren, pubblicato nel 1883.

Altri importanti innovatori in Gran Bretagna hanno incluso i grafici Aubrey Beardsley i cui disegni hanno caratterizzato le linee curve che sono diventate la caratteristica più riconoscibile dello stile. si potrebbe anche aggiungere il ferro battuto a flusso libero degli anni 1880, o alcuni disegni di stoffa floreale piatta, la maggior parte dei quali ha dovuto dare una spinta ai modelli del design del 19 ° secolo. Altri artisti grafici britannici che hanno avuto un ruolo importante nello stile includono Walter Crane e Charles Ashbee.

Il grande magazzino Liberty di Londra ha svolto un ruolo importante, attraverso i suoi colorati disegni floreali stilizzati per i tessuti e il design in argento, peltro e gioielli di Manxman (di origine scozzese) Archibald Knox. I suoi disegni di gioielli in materiali e forme si staccano completamente dalle tradizioni storiche del design del gioiello.

Per l’architettura e il design di mobili in stile Art Nouveau, il centro più importante della Gran Bretagna era Glasgow, con le creazioni di Charles Rennie Mackintosh e della Glasgow School, il cui lavoro era ispirato all’Art Nouveau francese, all’arte giapponese, al simbolismo e al revival gotico. A partire dal 1895, Mackintosh espose i suoi progetti in occasione di esposizioni internazionali a Londra, Vienna e Torino; i suoi disegni hanno particolarmente influenzato lo stile della Secessione a Vienna. Le sue creazioni architettoniche includevano il Glasgow Herald Building (1894) e la biblioteca della Glasgow School of Art (1897). Ha anche stabilito una grande reputazione come designer di mobili e decoratore, lavorando a stretto contatto con sua moglie, Margaret Macdonald Mackintosh, un importante pittore e designer. Insieme hanno creato disegni sorprendenti che combinavano linee geometriche dritte con decorazioni floreali delicatamente curve, in particolare un famoso simbolo dello stile, la Rosa di Glasgow “.

Léon-Victor Solon, ha dato un importante contributo alla ceramica Art Nouveau come art director di Mintons. Si è specializzato in targhe e in vasi rivestiti di tubo commercializzati come “articoli secessionisti” (di solito descritti come il nome del movimento artistico viennese). Oltre alla ceramica, disegnò tessuti per l’industria della seta di Leek e raddoppiò per un rilegatore di libri (G.T.Bagguley of Newcastle under Lyme), che brevettò il legame di Sutherland nel 1895.

L’edificio Edward Everard a Bristol, costruito durante il 1900-01 per ospitare le stampe di Edward Everard, presenta una facciata in stile Art Nouveau. Le figure raffigurate sono di Johannes Gutenberg e William Morris, entrambi eminenti nel campo della stampa. Una figura alata simboleggia lo “Spirito della luce”, mentre una figura che regge una lampada e uno specchio simboleggia la luce e la verità.

Jugendstil in Germania
L’Art Nouveau tedesco è comunemente noto con il suo nome tedesco, Jugendstil. Il nome è tratto dalla rivista artistica Die Jugend, che è stata pubblicata a Monaco e che ha sposato il nuovo movimento artistico. Fu fondata nel 1896 da Georg Hirth (Hirth rimase editore fino alla sua morte nel 1916, e la rivista continuò ad essere pubblicata fino al 1940). La rivista è stata determinante nel promuovere lo stile in Germania. Di conseguenza, il suo nome è stato adottato come il termine più comune in tedesco per lo stile: Jugendstil (“stile giovanile”). Sebbene, all’inizio del XX secolo, la parola fosse applicata solo ad esempi bidimensionali delle arti grafiche, specialmente le forme di tipografia organica e di design grafico trovate e influenzate da riviste tedesche come Jugend, Pan e Simplicissimus, è ora applicato a manifestazioni più generali delle arti visive dell’Art Nouveau in Germania, nei Paesi Bassi, negli Stati baltici e nei paesi nordici. I due centri principali per l’arte Jugendstil in Germania erano Monaco e Darmstadt (Mathildenhöhe).

Altre due riviste, Simplicissimus, pubblicato a Monaco, e Pan, pubblicato a Berlino, hanno dimostrato di essere importanti propugnatori dello Jugendstil. Le riviste erano importanti per diffondere l’idioma visivo di Jugendstil, in particolare le qualità grafiche. L’arte di Jugendstil include una varietà di metodi diversi, applicati dai vari artisti e presenta l’uso di linee dure e curve sinuose. I metodi vanno dal classico al romantico. Una caratteristica di Jugendstil è la tipografia utilizzata, la cui combinazione di lettere e immagini è inconfondibile. La combinazione è stata utilizzata per le copertine di romanzi, pubblicità e manifesti. I progettisti spesso usavano caratteri di visualizzazione unici che funzionavano in armonia con l’immagine.

Uno dei più famosi artisti tedeschi associati a Die Jugend e Pan era Otto Eckmann. Il suo animale preferito era il cigno, e tale fu la sua influenza nel movimento tedesco che il cigno venne a servire come il leitmotiv dello Jugendstil.

Uno dei più importanti designer tedeschi nello stile fu Richard Riemerschmid, che realizzò mobili, vasellame e altri oggetti decorativi in ​​uno stile sobrio e geometrico che puntava verso l’Art Deco.

Secessione di Vienna in Austria
Vienna divenne il centro di una distinta variante di Art Nouveau, che divenne nota come la Secessione di Vienna, un movimento artistico che fu fondato nell’aprile del 1897 da un gruppo di artisti che comprendeva Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil e Otto Wagner. Il pittore Klimt divenne il presidente del gruppo. Hanno contestato l’orientamento conservatore verso lo storicismo espresso da Vienna Künstlerhaus, l’unione ufficiale degli artisti. La Secessione fondò una rivista, Ver Sacrum, per promuovere le proprie opere su tutti i media. Lo stile Secessione era notevolmente più femminile, meno pesante e meno nazionalista dello Jugendstil nella vicina Germania. L’architetto Joseph Olbrich progettò l’edificio a cupola della Secessione nel nuovo stile, che divenne una vetrina per i dipinti di Gustav Klimt e altri artisti della Secessione. Lo stile architettonico della Secessione viennese ha avuto un’influenza ben oltre la città. Gli edifici nello stile apparivano nelle altre grandi città dell’Impero e oltre; uno degli esempi più famosi è il Palazzo Stoclet costruito da Josef Hoffmann a Bruxelles nel 1905-11. L’interno è interamente decorato in stile secessione, tra cui notevoli dipinti di Gustav Klimt.

Klimt divenne il più noto dei pittori della Secessione, spesso cancellando il confine tra la pittura artistica e la pittura decorativa. Koloman Moser era un artista estremamente versatile nello stile; il suo lavoro comprende illustrazioni di riviste, architettura, argenteria, ceramica, porcellana, tessuti, vetrate, mobili e altro ancora. Ha lavorato spesso in collaborazione con Hoffmann e Klimt; i tre insieme hanno creato gli interni, l’arredamento e persino gli abiti da indossare nel Palazzo Stoclet a Bruxelles. Nel 1903, lui e Hoffmann fondarono la Wiener Werkstätte, una scuola di formazione e laboratorio per designer e artigiani di mobili, tappeti, tessuti e oggetti decorativi.

Secessione nell’Europa centrale
Nelle capitali dell’Europa centrale, allora governate dall’impero austro-ungarico a Vienna, le forme nazionali dell’Art Nouveau appaiono rapidamente, e spesso assumono elementi storici o folcloristici. I progetti di mobili di Ödön Faragó a Budapest (Ungheria) combinano l’architettura popolare tradizionale, l’architettura orientale e l’Art Nouveau internazionale in uno stile molto pittoresco. Pál Horti, un altro stilista ungherese, aveva uno stile molto più sobrio e funzionale, fatto di quercia con delicate trame di ebano e ottone.

Praga, nella Repubblica Ceca, ha una notevole collezione di architettura Art Nouveau, tra cui l’Hotel Central e la Sinagoga del Giubileo, costruita nel 1908.

Lo stile di combinazione tra stile Liberty e elementi architettonici nazionali era tipico anche per l’architetto slovacco Dušan Jurkovič, che era sotto l’influenza dell’Art Nouveau ungherese. Le sue opere più originali sono la casa della cultura di Skalica in Slovacchia (1905), gli edifici delle terme di Luhačovice in Repubblica Ceca (1901-1903) e 35 cimiteri di guerra vicino a Nowy Żmigród in Galizia (ora Polonia), la maggior parte di essi pesantemente influenzata dai locali Lemko (Rusyn) arte popolare e falegnameria (1915-1917). Un altro esempio di architettura della Secessione in Slovacchia è la Chiesa di Santa Elisabetta (La piccola chiesa blu) a Bratislava.

Stile Liberty in Italia
Stile Liberty italiano ha preso il nome dal grande magazzino britannico Liberty, i cui tessuti colorati erano particolarmente apprezzati in Italia. Notevoli designer italiani hanno incluso Galileo Chini, le cui ceramiche sono state ispirate sia dalle maioliche che dall’Art Nouveau. In seguito fu conosciuto come pittore e scenografo; ha disegnato i set per due opere di Puccini, Gianni Schicchi e Turandot.

Il Teatro Massimo di Palermo, dell’architetto Ernesto Basile, è un esempio della variante italiana dello stile, lo stile architettonico, che combina elementi Liberty e classici.

La figura più importante nel design di mobili in stile Art Nouveau italiano è stata Carlo Bugatti, figlio di un architetto e scultore e fratello del famoso designer automobilistico. Ha studiato all’Accademia milanese di Brera e successivamente all’Académie des Beaux-Arts di Parigi. Il suo lavoro si è distinto per il suo esotismo e l’eccentricità, incluso argenteria, tessuti, ceramiche e strumenti musicali, ma è ricordato soprattutto per i suoi innovativi progetti di mobili, presentati per la prima volta alla Fiera di Belle Arti di Milano del 1888. I suoi mobili erano spesso caratterizzati da un design del buco della serratura e avevano coperture insolite, tra cui pergamena e seta, e intarsi di ossa e avorio. A volte aveva anche forme organiche sorprendenti, copiate dopo lumache e cobra.

Modernismo in Spagna, Arte Nova in Portogallo
In Spagna, una variante molto originale dello stile, Catalan Modernisme, è apparso a Barcellona. Il suo creatore più famoso fu Antoni Gaudi, che utilizzò le forme floreali e organiche dell’Art Nouveau in un modo molto nuovo nel Palau Güell (1886). I suoi progetti del 1903 circa, la Casa Batlló (1904-1906) e Casa Milà (1906-1908), sono più strettamente legati agli elementi stilistici dell’Art Nouveau. Tuttavia, strutture famose come la Sagrada Família contraddistinguono in modo originale le modernissime tendenze Art Nouveau con il neogotico revivalista. Oltre alla presenza dominante di Gaudí, Lluís Domènech i Montaner utilizzò anche l’Art Nouveau a Barcellona in edifici come Castell dels Tres Dragons (1888), Palau de la Música Catalana e Casa Lleó Morera (1905). Un altro importante modernista fu Josep Puig i Cadafalch, che progettò la Casa Martí e il suo caffè Quatre Gats, la fabbrica tessile Casimir Casaramona (ora il museo d’arte CaixaFòrum), Casa Macaya, Casa Amatller, il Palau del Baró de Quadras (casa Casa Àsia per 10 anni fino al 2013) e la Casa de les Punxes (“House of Spikes”). Molto nota è Josep Maria Jujol, con case a Sant Joan Despí (1913-1926), diverse chiese nei pressi di Tarragona (1918 e 1926) e la sinuosa Casa Planells (1924) a Barcellona. Alcuni altri grandi architetti che lavorano fuori Barcellona sono stati il ​​Munluisill i Parellada di Lluís, con una magnifica fabbrica tessile a Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, ora Museo della Scienza e della Tecnologia della Catalogna – Museu de la Ciència e della Tècnica de Catalunya) e una “casa colonica” / piccola casa padronale chiamata Masia Freixa nella stessa città; e César Martinell i Brunet, con le sue spettacolari “cattedrali del vino”, che ospitano cantine cooperative cittadine in tutta la Catalogna meridionale e centrale. Un architetto valenciano che lavorò in Catalogna prima di emigrare negli Stati Uniti fu Rafael Guastavino. Attribuito a lui è l’Asland Cement Factory a Castellar de n’Hug, tra gli altri edifici.

Il designer di mobili catalano Gaspar Homar (1870-1953), influenzato da Antoni Gaudi, spesso combinando intarsi e mosaici con i suoi arredi. Esempi di Art Nouveau (Arte nova), basati in gran parte sul modello francese, sono apparsi in Portogallo a Porto e Aveiro, Un esempio notevole è la libreria “Livraria Lello” a Porto, progettata da Xavier Esteves (1906).

Jugendstil nei paesi nordici
L’Art Nouveau era popolare nei paesi nordici, dove era comunemente noto come Jugendstil, ed era spesso combinato con lo stile romantico nazionale di ogni paese. In Norvegia, l’Art Nouveau era collegato a un revival ispirato all’arte e all’artigianato popolare vichingo. Tra i designer di spicco, Lars Kisarvik, che progettò sedie con motivi tradizionali vichinghi e celtici, e Gerhard Munthe, che progettò una sedia con un emblema stilizzato a testa di drago proveniente da antiche navi vichinghe, oltre a un’ampia varietà di manifesti, dipinti e grafici. Altri esempi includono la Chiesa di Skien (1887-1894) e la Chiesa di Fagerborg a Kristiania (Oslo) (1900-1903).

In Finlandia, buoni esempi sono la stazione ferroviaria centrale di Helsinki, progettata da Eliel Saarinen, padre del famoso architetto modernista americano Eero Saarinen. Esempi di questo stile includono il Teatro Nazionale Finlandese, la Chiesa di Kallio, il Museo Nazionale Finlandese e la Cattedrale di Tampere. In contrasto con i mobili molto elaborati dell’Art Nouveau norvegese, l’Art Déco finlandese era estremamente semplice e funzionale, come nelle sedie disegnate da Eliel Saarinen (1907-1908).

World of Art in Russia
Una variante russa molto colorata dell’Art Nouveau apparve a Mosca e San Pietroburgo nel 1898 con la pubblicazione di un nuovo giornale d’arte, “Мир искусства” (traslitterazione: Mir Iskusstva) (“Il mondo dell’arte”), degli artisti russi Alexandre Benois e Léon Bakst e capo redattore Sergei Diaghilev. La rivista organizzava mostre di importanti artisti russi, tra cui Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan e l’illustratore di libri Ivan Bilibin. Lo stile del Mondo dell’Arte ha fatto meno uso delle forme vegetali e floreali dell’Art Nouveau francese; attingeva pesantemente ai colori vivaci e ai disegni esotici del folclore e delle fiabe russe. Il contributo più influente del “World of Art” è stata la creazione di Diaghilev di una nuova compagnia di balletto, i Ballets Russes, diretti da Diaghilev, con costumi e scenografie disegnate da Bakst e Benois. La nuova compagnia di balletto è stata rappresentata a Parigi nel 1909 e si è esibita ogni anno fino al 1913. I set esotici e colorati progettati da Benois e Bakst hanno avuto un grande impatto sull’arte e sul design francesi. Il costume e scenografie sono stati riprodotti nelle principali riviste parigine, L’Illustration, La Vie parisienne e Gazette du bon ton, e lo stile russo è diventato noto a Parigi come à la Bakst. La compagnia fu bloccata a Parigi prima dallo scoppio della prima guerra mondiale, e poi dalla rivoluzione russa nel 1917, e ironicamente non si esibì mai in Russia.

Mosca e San Pietroburgo hanno diversi importanti edifici in stile Art Nouveau costruiti negli ultimi anni prima della Rivoluzione; in particolare l’Hotel Metropol di Mosca, che presenta un murale in ceramica sulla facciata, The Princess of Dreams, del designer scenografico Mikhail Vrubel; e la stazione ferroviaria di Vitebsk a San Pietroburgo (1904)

Tiffany Style negli Stati Uniti
Negli Stati Uniti, lo studio di Louis Comfort Tiffany ha avuto un ruolo centrale nell’Art Nouveau americano. Nato nel 1848, studiò alla National Academy of Design di New York, iniziò a lavorare con il vetro all’età di 24 anni, entrò nell’azienda di famiglia fondata da suo padre e nel 1885 fondò una propria impresa dedicata al vetro pregiato e sviluppò nuove tecniche per la sua colorazione. Nel 1893, iniziò a produrre vasi di vetro e ciotole, sviluppando nuovamente nuove tecniche che consentivano forme e coloriture più originali, e iniziò a sperimentare con i vetri decorativi delle finestre. Strati di vetro furono stampati, marmorizzati e sovrapposti, dando una ricchezza e una varietà di colori eccezionali. Nel 1895 i suoi nuovi lavori furono esposti nella galleria Art Nouveau di Siegfried Bing, dandogli una nuova clientela europea. Dopo la morte di suo padre nel 1902, rilevò l’intera impresa di Tiffany, ma dedicò molto del suo tempo alla progettazione e produzione di oggetti d’arte in vetro. Su sollecitazione di Thomas Edison, iniziò a produrre lampade elettriche con paralumi in vetro multicolore in strutture di bronzo e ferro, o decorate con mosaici, prodotte in numerose serie ed edizioni, ciascuna realizzata con la cura di un gioiello. Un team di designer e artigiani ha lavorato su ciascun prodotto. La lampada Tiffany in particolare divenne una delle icone dell’Art Nouveau, ma gli artigiani (e le artigiane) di Tiffany progettarono e realizzarono straordinarie finestre, vasi e altre opere in vetro. Il vetro di Tiffany ebbe anche un grande successo alla Exposition Universelle del 1900 a Parigi; la sua vetrata chiamata Flight of Souls ha vinto una medaglia d’oro.

Un’altra figura importante nell’Art Nouveau americano fu l’architetto Louis Sullivan, meglio conosciuto come l’architetto di alcuni dei primi grattacieli americani con struttura in ferro. Alla Esposizione colombiana del 1893 a Chicago, la più famosa per l’architettura neoclassica della sua rinomata Città Bianca, progettò uno spettacolare ingresso in stile Art Nouveau per l’edificio del trasporto. L’Esposizione colombiana era anche un luogo importante per Tiffany; una cappella che progettò fu esposta al Padiglione dell’arte e dell’industria. La Cappella Tiffany, insieme a una delle finestre della casa di Tiffany a New York, sono ora esposte al Museo d’arte americana Charles Hosmer Morse a Winter Park, in Florida.