Per la 56a Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia, il Visual Arts Center del MIT List ha commissionato a Joan Jonas, una figura pioniera del video e della performance art, la creazione di una nuova installazione multimediale che occupasse l’insieme delle cinque gallerie del Padiglione degli Stati Uniti.

L’installazione incorpora l’iconica miscela di Jonas di performance, video arte, disegno e scultura per creare un viaggio coinvolgente e multipart che affronta la fragilità del mondo naturale.

Per cinque decenni, Jonas è stato all’avanguardia nelle forme d’arte interdisciplinari. La sua integrazione pioneristica di video, scultura e performance crea ambienti espansivi spostando i modelli tradizionali di creazione di immagini e narrazione. Considerato tra i più influenti artisti video e performativi emergenti dalla fine degli anni ’60, Jonas continua a creare nuovi corpi di lavoro che considerano soggetti come la figura nel paesaggio, l’uso rituale di oggetti e gesti e la fragilità dell’ambiente naturale nel età dell’Antropocene. Il suo lavoro è stato recentemente oggetto di un’importante retrospettiva alla Tate Modern, e ha ricevuto il premio Kyoto del 2018, che riconosce risultati globali e contributi all’umanità.

Ispirato al precedente esame di Jonas del fantastico romanzo di Halldόr Laxness Under the Glacier, le sue estati in Nuova Scozia e la meraviglia della natura, They Come to Us without a Word integra video, disegni, suoni, oggetti e performance per costruire cinque gallerie immersive, ognuna organizzata intorno a un’immagine centrale (api, pesci, specchio, vento e homeroom). Frammenti di storie di fantasmi provenienti da tradizioni orali di Cape Breton, Nuova Scozia, formano una narrazione non lineare che collega ogni galleria con la successiva. Attraverso l’interazione di mezzi disparati, They Come to Us senza una parola rispecchia l’interferenza umana con gli ecosistemi della natura, creando un’esperienza in cui l’impatto di ogni elemento artistico riverbera in tutta la stanza. Nel loro insieme, questi elementi formano un lavoro estremamente complesso che raffigura una catena di vita fratturata ma interdipendente.

Biografia
Joan Jonas (nato il 13 luglio 1936) è un artista visivo americano e un pioniere del video e della performance art, che è una delle più importanti artiste femminili ad emergere tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70. I progetti e gli esperimenti di Jonas hanno fornito le basi su cui basare molta arte della performance video. Le sue influenze si estesero anche all’arte concettuale, al teatro, alla performance e ad altri media visivi. Vive e lavora a New York e Nova Scotia, in Canada.

Jonas è nata nel 1936 a New York City., Electronic Arts Intermix, recuperata il 13 agosto 2014. Nel 1958 si è laureata in Storia dell’Arte al Mount Holyoke College di South Hadley, nel Massachusetts. In seguito ha studiato scultura e disegno alla School of the Museum of Fine Arts di Boston e ha ricevuto un Master in Scultura alla Columbia University nel 1965. Immersa nella scena artistica del centro di New York negli anni ’60, Jonas ha studiato per due anni con la coreografa Trisha Brown . Jonas ha anche lavorato con i coreografi Yvonne Rainer e Steve Paxton.

Sebbene Jonas abbia iniziato la sua carriera di scultore, nel 1968 si è trasferita in quello che allora era un territorio all’avanguardia: mescolando performance con oggetti di scena e immagini mediate, situate all’aperto in paesaggi urbani o rurali e / o ambienti industriali. Tra il 1968-1971, Jonas eseguì Mirror Pieces, opere che utilizzavano gli specchi come motivo centrale o oggetto di scena. In queste prime esibizioni, lo specchio divenne un simbolo di (auto) ritrattistica, rappresentazione, corpo e reale vs. immaginario, aggiungendo a volte anche un elemento di pericolo e una connessione al pubblico che era parte integrante dell’opera. In Wind (1968), Jonas ha filmato attori che attraversavano rigidamente il campo visivo contro un vento che conferiva alla coreografia una mistica psicologica.

Nel 1970 Jonas fece un lungo viaggio in Giappone – dove comprò la sua prima videocamera e vide il teatro Noh, Bunraku e Kabuki – con lo scultore Richard Serra. Le sue esibizioni video tra il 1972 e il 1976 hanno ridotto il cast a un attore, l’artista stessa, esibendosi nel suo loft di New York come Organic Honey, il suo alter ego fondamentale inventato come una “seduttrice erotica elettronica”, il cui volto simile a una bambola visto riflesso i bit sulla macchina fotografica hanno esplorato l’immagine femminile frammentata e i ruoli mutevoli delle donne. disegni, costumi, maschere e interazioni con l’immagine registrata erano effetti che otticamente si correlavano a un raddoppio di percezione e significato. In una di queste opere, Visual Telepathy di Organic Honey (1972), Jonas scansiona la sua immagine frammentata su uno schermo video. In Disturbances (1973), una donna nuota silenziosamente sotto il riflesso di un’altra donna. Songdelay (1973), filmato con teleobiettivi e obiettivi grandangolari (che producono estremi opposti in profondità di campo) ha attinto ai viaggi di Jonas in Giappone, dove ha visto gruppi di artisti Noh applaudire blocchi di legno e fare movimenti angolari. In una video intervista per il MoMA, Jonas ha descritto il suo lavoro come androgino; le opere precedenti erano più coinvolte nella ricerca di un vernacolo femminile nell’arte, spiega, e, a differenza della scultura e della pittura, il video era più aperto, meno dominato dagli uomini.

Nel 1975, Jonas è apparso come interprete nel film Keep Busy, del fotografo Robert Frank e del romanziere-sceneggiatore Rudy Wurlitzer. Nel 1976 con The Juniper Tree, Jonas arrivò a una struttura narrativa da diverse fonti letterarie, come fiabe, mitologia, poesia e canzoni popolari, formalizzando un metodo di presentazione altamente complesso e non lineare. Usando un set teatrale colorato e suoni registrati, The Juniper Tree racconta una storia dei fratelli Grimm di una matrigna archetipica e cattiva e della sua famiglia.

Negli anni ’90, la serie My New Theater di Jonas si allontanò dalla dipendenza dalla sua presenza fisica. I tre pezzi indagarono, in sequenza: un ballerino di Cape Breton e la sua cultura locale; un cane che salta attraverso un cerchio mentre Jonas disegna un paesaggio; e infine, usando pietre, costumi, oggetti carichi di memoria e il suo cane, un video sull’atto di esibirsi. Ha anche creato ‘Revolted by the Thought of Known Places… (1992) e Woman in the Well (1996/2000).

Nella sua installazione / performance commissionata per Documenta 11, Lines in the Sand (2002), Jonas ha studiato i temi di sé e del corpo in un’installazione performativa basata sul poema epico della scrittrice HD (Hilda Doolittle) “Helen in Egypt” ( 1951–55), che rielabora il mito di Elena di Troia. Jonas ha interpretato molte delle sue prime esibizioni in The Kitchen, tra cui Funnel (1972) e la proiezione di Vertical Roll (1972). In The Shape, The Scent, The Feel of Things, prodotto da The Renaissance Society nel 2004, Jonas attinge al lavoro di Aby Warburg sull’immaginario Hopi.

Dal 1970 Jonas ha trascorso parte dell’estate a Cape Breton, in Nuova Scozia. Ha vissuto e lavorato in Grecia, Marocco, India, Germania, Paesi Bassi, Islanda, Polonia, Ungheria e Irlanda.

Le opere di Jonas furono eseguite per la prima volta negli anni ’60 e ’70 per alcuni degli artisti più influenti della sua generazione, tra cui Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham e Laurie Anderson. Mentre è ampiamente conosciuta in Europa, le sue esecuzioni rivoluzionarie sono meno conosciute negli Stati Uniti, dove, come scrisse il critico Douglas Crimp del suo lavoro nel 1983, “la rottura che viene effettuata nelle pratiche moderniste è stata successivamente repressa, attenuata”. Tuttavia, nel ristabilire le opere recenti e recenti, Jonas continua a trovare nuovi livelli di significati in temi e domande di genere e identità che hanno alimentato la sua arte per oltre trent’anni.

L’esibizione di Jonas ispirata agli scritti dell’antropologo tedesco Aby Warburg, The Shape, The Scent, The Feel of Things, è stata commissionata da Dia Beacon ed è stata eseguita due volte tra il 2005 e il 2006. Questo progetto ha stabilito una collaborazione continua e continua con il pianista Jason Moran.

Per la stagione 2014/2015 all’Opera di Stato di Vienna, Joan Jonas ha disegnato un quadro di grandi dimensioni (176 mq) come parte della serie di mostre Safety Curtain, ideata dal museo in corso.

Jonas ha anche recitato come coreografo per l’Opera di Robert Ashley intitolata Celestial Excursions nel 2003

Insegnamento
Dal 1993, Jonas, con sede a New York, trascorreva parte di ogni anno a Los Angeles, insegnando un corso in Nuovi generi alla UCLA School of the Arts. Nel 1994, è diventata professore ordinario presso l’Accademia di Belle Arti di Stoccarda, in Germania. Dal 1998 è professore di arti visive presso il Massachusetts Institute of Technology (MIT), dove attualmente è professore emerita di arte, cultura e tecnologia presso la School of Architecture and Planning.

Riconoscimento
Jonas ha ricevuto borse di studio e borse di studio per coreografie, video e arti visive dal National Endowment for the Arts; Fondazione Rockefeller; Fondo per la televisione di arte contemporanea (CAT); Television Laboratory presso WNET / 13, New York; Workshop televisivo per artisti presso WXXI-TV, Rochester, New York; e Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD). Jonas ha ricevuto il Museo d’Arte Moderna della Prefettura di Hyogo al Tokyo International Video Art Festival, il Polaroid Award per i video e l’American Film Institute Maya Deren Award per i video.

Nel 2009, Jonas è stato insignito del Lifetime Achievement Award dal Solomon R. Guggenheim Museum.

Nel 2012, Jonas è stato onorato in occasione del Kitchen Spring Gala Benefit.

Jonas è stato nominato Whitechapel Gallery Art Icon 2016. Nel 2018, Jonas ha vinto il Premio Kyoto per l’arte.

Jonas ‘ha ricevuto premi da Anonymous Was A Woman (1998); la Rockefeller Foundation (1990); Premio Maya Deren per i video dell’American Film Institute (1989); Fondazione Guggenheim (1976); e il National Endowment for the Arts (1974).

Collezioni pubbliche
Joan Jonas è rappresentata a New York City dall’impresa di Gavin Brown e a Los Angeles dalla Rosamund Felsen Gallery. Oltre a lavorare sulla sua arte, Jonas è membro del comitato consultivo dell’Hauser & Wirth Institute dal 2018.

Il lavoro di Jonas può essere trovato in diverse istituzioni pubbliche, tra cui:

Museum of Modern Art, New York
Museo Solomon R. Guggenheim, New York
Tate Modern, Londra

La mostra
Joan Jonas concepisce un nuovo complesso di opere, creando un ambiente multistrato, che incorpora video, disegni, oggetti e suoni. La letteratura è sempre stata fonte di ispirazione e fonte per Jonas e il progetto per Venezia amplierà la sua indagine sull’opera di Halldór Laxness e la sua scrittura sugli aspetti spirituali della natura, ma si concentrerà su altre fonti letterarie.

Jonas ha continuato a lavorare con un approccio multimediale per tutta la sua carriera, essendo uno dei primi artisti a esplorare il potenziale della videocamera come strumento per la creazione di immagini e il monitor TV come oggetto scultoreo. Allo stesso tempo, Jonas ha sperimentato nelle sue esibizioni l’incorporazione del corpo nel campo visivo. Le sue installazioni e performance riuniscono questi componenti attraverso disegni, oggetti di scena e oggetti per creare opere che riflettono la sua ricerca in relazione allo spazio, alla narrazione o alla narrazione e ai materiali mentre vengono alterate attraverso varie tecnologie come lo specchio, il video e la distanza. A Venezia, lavorerà con questi diversi aspetti della sua pratica per creare cinque stanze distinte, con temi comuni che unificano e risuonano in tutto lo spazio, in relazione alla condizione attuale del mondo in termini poetici.

Il lavoro di Jonas si è sviluppato attraverso i suoi studi di storia dell’arte e la sua pratica scultorea, e si è esteso alla performance e al cinema negli anni ’60 attraverso il suo coinvolgimento nella scena d’avanguardia di New York. Il suo lavoro ha avuto un’influenza significativa sull’arte contemporanea fino ad oggi, poiché ha continuato a essere una figura di spicco nel campo della performance e della videoarte negli ultimi cinquant’anni.

In concomitanza con la presentazione del suo nuovo lavoro al Padiglione degli Stati Uniti, la Lista presenterà Joan Jonas: Selected Films and Videos 1972-2005. Curata da Henriette Huldisch, questa mostra presenterà sette dei più significativi lavori video a canale singolo di Jonas, selezionati dalla sua carriera di 40 anni, nella Galleria Bakalar di List dal 7 aprile al 5 luglio 2015. La mostra intima fornirà un background importante e contesto per il nuovo lavoro di Jonas in mostra contemporaneamente a Venezia, e condividerà con il pubblico locale i video e le performance fondamentali che hanno portato alla selezione dell’artista come rappresentante degli Stati Uniti per la Biennale di Venezia 2015. Le opere in mostra includono:
Organic Honey’s Visual Telepathy (1972)
Songdelay (1973)
Good Night Good Morning (1976)
Mirage (1976)
Double Lunar Dogs (1984)
Volcano Saga (1989)
Lines in the Sand (2002-2005)

Temi
Vengono da noi senza una parola, che include video, disegni, elementi scultorei e performativi, evoca la fragilità della natura in una situazione in rapido cambiamento. Ogni stanza del padiglione rappresenta una particolare creatura (api, pesci), un oggetto (specchio), una forza (vento) o un luogo (la casa). Frammenti di storie di fantasmi provenienti dalla tradizione orale di Cape Breton, Nuova Scozia, fanno parte di una narrazione continua che collega una stanza all’altra. Questi frammenti parlati funzionano in parte come riferimento a ciò che rimane. Jonas afferma: “Siamo infestati, le stanze sono infestate.” Un pezzo all’aperto, nel cortile del padiglione, costituito da tronchi d’albero morti tenuti insieme da un filo metallico, fa eco ai temi dell’installazione.

Quattro stanze presentano due video ciascuna, una che rappresenta il motivo principale della stanza e l’altra la narrazione fantasma. Jonas ha sviluppato i video a New York nel 2015 con i bambini, che vanno dai cinque ai sedici anni. I bambini si sono esibiti di fronte a fondali video che contenevano estratti delle opere precedenti di Jonas e paesaggi realizzati dall’artista in Nuova Scozia, Canada e Brooklyn, New York.

Una selezione di oggetti che sono stati utilizzati come oggetti di scena nei video sono collocati in ogni stanza accanto ai disegni altamente distintivi di Jonas. L’installazione è animata da una colonna sonora progettata da Jonas, utilizzando brani di musica del pianista jazz, compositore Jason Moran e brani del cantante norvegese Sami Ánde Somby. L’illuminazione personalizzata è stata ideata dal designer Jan Kroeze.

Gli specchi coprono le pareti a pannelli della rotonda del padiglione, dove Jonas ha sospeso una struttura simile a un lampadario con perline di cristallo dal soffitto. Gli specchi increspati sono stati concepiti da Jonas e realizzati a mano a Murano.

Joan Jonas ha ricevuto un premio di Menzione Speciale da una giuria internazionale per la 56a Biennale di Venezia per la sua suggestiva installazione di video e suoni. Le installazioni, le opere video e le performance di Jonas riuniscono questi componenti con disegni, oggetti di scena, oggetti e linguaggio, riflettendo la sua ricerca su come l’immagine viene alterata attraverso i mezzi di specchio, distanza, video e narrativa.

Performance art
In concomitanza con la mostra, Jonas ha presentato spettacoli di Moving Off the Land, un tributo affascinante e una risposta poetica al potere dell’oceano. La performance a più livelli riunisce letture, danza, disegni dal vivo e proiezioni per ritrarre gli abitanti della biodiversità dell’oceano e le culture marine in via di estinzione.

L’installazione multimediale di Joan Jonas They Come to Us senza parole è stata ricreata e presentata come una serie di spettacoli nel luglio 2015 al Teatro Piccolo Arsenale di Venezia. Questo processo di traduzione tra i media è una pratica in corso nel lavoro di Jonas. Per le esibizioni l’artista ha rieditato i filmati creati appositamente per il padiglione degli Stati Uniti. Con They Come to Us without a Word II, Joan Jonas continua a studiare il movimento, lo spazio e il tempo in relazione al suono e all’immagine proiettata. In questo lavoro Jonas si riferisce ad aspetti della scomparsa nel mondo naturale attraverso ombre o fantasmi, mentre gli umani continuano a ignorare l’ambiente.

Concepito e diretto da Jonas, They Come to Us without a Word II presentava musica appena composta dal collaboratore di lunga data di Jonas, il pianista jazz e compositore americano Jason Moran.

“Questi fenomeni naturali che evoca Joan Jonas, mentre si esibisce con il suono, il disegno, il movimento e altri stimoli, sono presenti per se stessi e trasmettono allo spettatore ciò che sono e ciò che fanno, l’artista che funge da direttore o messaggero del loro essere. “(Marina Warner)

“Sebbene l’idea del mio lavoro implichi la questione di come il mondo stia cambiando così rapidamente e radicalmente, non mi rivolgo all’argomento direttamente o didatticamente”, ha dichiarato Jonas. “Piuttosto, le idee sono implicite poeticamente attraverso il suono, l’illuminazione e la giustapposizione di immagini di bambini, animali e paesaggio.”

Joan Jonas continua a studiare il movimento, lo spazio e il tempo, in relazione al suono e all’immagine proiettata con la sua esibizione in anteprima mondiale al Teatro Piccolo Arsenale. Per la performance Jonas ha rieditato il video creato appositamente per il padiglione degli Stati Uniti. Alcuni dei bambini presenti in quei video iniziali si sono anche esibiti dal vivo al Teatro Piccolo Arsenale.

Padiglione degli Stati Uniti
Il padiglione americano è un padiglione nazionale della Biennale di Venezia. Ospita la rappresentanza ufficiale degli Stati Uniti durante la Biennale. Il padiglione americano fu il nono ad essere costruito sui Giardini, ma a differenza di altri padiglioni, che sono costruiti dai governi, il padiglione americano era di proprietà privata. L’edificio palladiano di tre stanze fu costruito nel 1930 per le Grand Central Art Galleries di New York. La proprietà viene trasferita al Museum of Modern Art nel 1954 e alla Fondazione Guggenheim nel 1986.

Per la rappresentanza nazionale degli Stati Uniti, un comitato di esperti sceglie tra le proposte scritte dalle istituzioni. Il comitato consultivo per le esposizioni internazionali è riunito dal National Endowment of the Arts e dal Dipartimento di Stato. Il processo, durato mesi, prevede un’applicazione lunga quasi 100 pagine e un embargo finale prima dell’annuncio.

Il padiglione degli Stati Uniti alla Biennale di Venezia fu costruito nel 1930 dalla Grand Central Art Galleries, una cooperativa di artisti senza scopo di lucro fondata nel 1922 da Walter Leighton Clark insieme a John Singer Sargent, Edmund Greacen e altri. Come affermato nel catalogo delle Gallerie del 1934, l’obiettivo dell’organizzazione era quello di “dare un campo più ampio all’arte americana; di esporre in modo più ampio a un pubblico più numeroso, non solo a New York ma in tutto il paese, mostrando così al mondo il valore intrinseco che la nostra arte possiede senza dubbio “.

Nel 1930 Walter Leighton Clark e la Grand Central Art Galleries guidarono la creazione del Padiglione degli Stati Uniti alla Biennale di Venezia. Gli architetti del padiglione furono William Adams Delano, che progettò anche le Grand Central Art Galleries, e Chester Holmes Aldrich. L’acquisto del terreno, del design e della costruzione fu pagato dalle gallerie e supervisionato personalmente da Clark. Come scrisse nel catalogo del 1934:

“Perseguendo il nostro scopo di mettere in primo piano l’arte americana davanti al mondo, alcuni anni fa i registi hanno stanziato la somma di $ 25.000 per l’erezione di un edificio espositivo a Venezia sulla base della Biennale Internazionale. I signori Delano e Aldrich hanno donato generosamente i piani per questo edificio che è costruito con marmo istriano e mattoni rosa e che si regge di più con gli altri venticinque edifici nel parco di proprietà dei vari governi europei. ”

Il padiglione, di proprietà e gestito dalle gallerie, è stato aperto il 4 maggio 1930. Circa 90 dipinti e 12 sculture sono stati selezionati da Clark per la mostra inaugurale. Tra gli artisti figurano Max Boehm, Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper, Abraham Poole, Julius Rolshoven, Joseph Pollet, Eugene Savage, Elmer Shofeld, Ofelia Keelan e l’artista afroamericano Henry Tanner. L’ambasciatore degli Stati Uniti John W. Garrett ha aperto lo spettacolo insieme al duca di Bergamo.

Le Grand Central Art Galleries gestirono il padiglione degli Stati Uniti fino al 1954, quando fu venduto al Museum of Modern Art (MOMA). Durante gli anni ’50 e ’60, il MOMA, l’Art Institute di Chicago e il Baltimore Museum of Art hanno organizzato spettacoli. Il Modern si ritirò dalla Biennale nel 1964 e l’Agenzia d’informazione degli Stati Uniti gestì il padiglione fino a quando non fu venduto alla Fondazione Guggenheim per gentile concessione di fondi forniti dalla Collezione Peggy Guggenheim.

Il sostegno finanziario di Philip Morris e il denaro privato raccolto dal Comitato per il padiglione americano del 1986 alla Biennale di Venezia del 1986 hanno reso possibile la mostra al padiglione degli Stati Uniti. Dal 1986 la Collezione Peggy Guggenheim collabora con la United States Information Agency, il Dipartimento di Stato degli Stati Uniti e il Fondo per artisti di festival e mostre internazionali nell’organizzazione delle mostre di arti visive al padiglione degli Stati Uniti, mentre la Fondazione Solomon R. Guggenheim ha organizzato gli spettacoli comparabili alle Biennali di architettura. Ogni due anni i curatori di musei provenienti da tutti gli Stati Uniti descrivono in dettaglio le loro visioni per il padiglione americano in proposte che vengono esaminate dal Federal Advisory Committee on International Exhibitions (FACIE), un gruppo composto da curatori, direttori di musei e artisti che poi presentano le loro raccomandazioni al Fondo pubblico-privato per artisti statunitensi in festival ed esposizioni internazionali.

Tradizionalmente il comitato di selezione della dotazione ha scelto una proposta presentata da un museo o da un curatore, ma nel 2004 ha semplicemente scelto un artista che a sua volta ha nominato un curatore, successivamente approvato dal Dipartimento di Stato.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour e soggiorni speciali nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.