La musica minimale è una forma di musica artistica che impiega materiali musicali limitati o minimali. Nella tradizione musicale occidentale i compositori americani La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich e Philip Glass sono considerati tra i primi a sviluppare tecniche compositive che sfruttano un approccio minimale. Ha avuto origine nella scena di New York Downtown degli anni ’60 ed è stato inizialmente visto come una forma di musica sperimentale chiamata New York Hypnotic School. Come estetica, è caratterizzato da una concezione non narrativa, non teleologica e non rappresentativa di un work in progress e rappresenta un nuovo approccio all’attività di ascolto della musica focalizzandosi sui processi interni della musica, che mancano obiettivi o movimento verso tali obiettivi. Le caratteristiche salienti della tecnica includono l’armonia consonantica, l’impulso costante (se non i droni immobili), la stasi o la trasformazione graduale e spesso la reiterazione di frasi musicali o unità più piccole come figure, motivi e celle. Può includere funzionalità come il processo additivo e il cambio di fase che porta a quella che è stata definita fase musicale. Le composizioni minime che fanno affidamento su tecniche di processo che seguono regole rigide sono solitamente descritte usando il termine process music.

Il movimento inizialmente coinvolgeva dozzine di compositori, sebbene solo cinque (Young, Riley, Reich, Glass e in seguito John Adams) emersero per essere pubblicamente associati alla musica minimal americana. In Europa, la musica di Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt e John Tavener esibisce tratti minimalisti.

Non è chiaro dove abbia origine il termine musica minimale. Steve Reich ha suggerito che sia attribuibile a Michael Nyman, un’affermazione secondo cui anche due studiosi, Jonathan Bernard e Dan Warburton, avrebbero scritto per iscritto. Philip Glass crede che Tom Johnson abbia coniato la frase.

Caratterizzazione
L’esatta caratterizzazione di questo stile musicale è difficile quanto una demarcazione contro un post-minimalismo a causa della grande varietà stilistica. Ci sono un certo numero di caratteristiche stilistiche:

strutture ripetitive che sorgono, tra l’altro, attraverso la giustapposizione e la ripetizione costante delle più piccole cellule (“melodiche”, “ritmiche” o “armoniche”)
armonia stabile, linguaggio musicale tonale con molte consonanze
Processi additivi e sottrattivi: aggiungendo o rimuovendo singole note delle cellule motivate, esse vengono modificate nella loro struttura ritmica.
Spostamenti di fase, sovrapposizioni, spostamento di enfasi delle cellule motivali in diverse voci creano un tappeto sonoro
Continuità ed evitare l’accumulo di stress.
Il colore e la densità dei toni sono poco cambiati.
Dà l’impressione di ascoltare frammenti da un continuum musicale permanente.
Concetto esteso di tempo: nuove dimensioni nella durata dei pezzi – da pochi secondi o minuti a ore, giorni, settimane
funzione positiva dell’oblio
In confronto alla musica d’arte, Minimal Music ha una complessità armonica piuttosto bassa: la musica minima di solito si muove nel contesto di una tonalità modale e usa le dissonanze solo in modo molto parsimonioso. L’elemento ritmico (spesso poliritmico) è fortemente enfatizzato in Minimal Music, è altamente ripetitivo: un semplice pattern di base (Pattern) viene ripetuto per lunghi periodi di tempo con solo lievi variazioni, spesso appena percettibili, il pezzo risulta dalla semplice giustapposizione delle varianti. Se un pattern viene riprodotto a velocità leggermente differenti allo stesso tempo, si verifica l’effetto dello sfasamento (phasing).

Minimal Music ha acquisito una notevole popolarità come musica contemporanea al di fuori della musica pop (con cui ci sono alcune interazioni), sebbene non necessariamente nel pubblico della musica classica tradizionale.

Breve storia
La parola “minimal” fu forse usata per la prima volta in relazione alla musica nel 1968 da Michael Nyman, che “dedusse una ricetta per il successo della” musica minimale “dall’intrattenimento presentato da Charlotte Moorman e Nam June Paik all’ICA”, che incluso una performance di Springen di Henning Christiansen e una serie di opere d’arte non identificate. Nyman in seguito ampliò la sua definizione di musica minimale nel suo libro del 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, uno dei pochi compositori a identificarsi come minimalista, sostiene anche di essere stato il primo a usare la parola come nuovo critico musicale per The Village Voice. Egli descrive il “minimalismo”:

L’idea del minimalismo è molto più ampia di quanto molti pensino. Include, per definizione, qualsiasi musica che lavori con materiali limitati o minimi: pezzi che usano solo poche note, pezzi che usano solo poche parole di testo, o pezzi scritti per strumenti molto limitati, come piatti antichi, ruote di bicicletta, o bicchieri di whisky. Include pezzi che sostengono un rombo elettronico di base per molto tempo. Comprende pezzi realizzati esclusivamente con registrazioni di fiumi e torrenti. Include pezzi che si muovono in cerchi infiniti. Include pezzi che creano una parete immobile di suono del sassofono. Include pezzi che impiegano molto tempo per spostarsi gradualmente da un tipo di musica a un altro tipo. Include pezzi che consentono tutti i tiri possibili, purché cadano tra C e D. Include pezzi che rallentano il tempo fino a due o tre note al minuto.

Già nel 1965 la storica dell’arte Barbara Rose aveva intitolato La musica da sogno di La Monte Young, le dinamiche caratteristiche di Morton Feldman e vari compositori senza nome “tutti, in misura maggiore o minore, debitori a John Cage” come esempi di “arte minimale”, ma non ha usato specificamente l’espressione “musica minimale”.

I più importanti compositori minimalisti sono John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley e La Monte Young. Altri che sono stati associati a questo approccio compositivo includono Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith e Michael Parsons. Tra i compositori afroamericani, l’estetica minimalista è stata abbracciata da figure come il musicista jazz John Lewis e l’artista multidisciplinare Julius Eastman.

Le prime composizioni di Glass e Reich sono piuttosto austere, con pochi abbellimenti sul tema principale. Questi sono lavori per piccoli ensemble strumentali, di cui i compositori erano spesso membri. Nel caso di Glass, questi ensemble comprendono organi, fiati, in particolare sassofoni e cantanti, mentre le opere di Reich hanno più enfasi sugli strumenti a percussione e a percussione. La maggior parte delle opere di Adams sono scritte per strumenti classici più tradizionali, tra cui orchestra completa, quartetto d’archi e pianoforte solo.

La musica di Reich and Glass ha presto sponsorizzato gallerie d’arte e musei, presentati in collaborazione con minimalisti di arti visive come Robert Morris (nel caso di Glass) e Richard Serra, Bruce Nauman, e il cineasta Michael Snow (come interpreti, in Reich’s Astuccio).

Sviluppo iniziale
La musica di Moondog degli anni ’40 e ’50, basata su contrappunti che sviluppavano impulsi statici e costanti in segnature temporali spesso insolite, influenzarono sia Philip Glass che Steve Reich. Glass ha scritto che lui e Reich hanno preso il lavoro di Moondog “molto seriamente e lo hanno capito e apprezzato molto più di quello a cui siamo stati esposti alla Juilliard”.

Una delle prime composizioni minimaliste fu novembre di Dennis Johnson, scritta nel 1959. Un’opera per pianoforte solo che durò circa sei ore, dimostrò molte caratteristiche che sarebbero state associate al minimalismo, come la tonalità diatonica, la ripetizione di frasi, il processo additivo e durata. La Monte Young attribuisce a questo brano l’ispirazione per il suo magnum opus, The Well-Tuned Piano.

Nel 1960, Terry Riley scrisse un quartetto d’archi in puro Do maggiore non inciso [chiarimento necessario] Nel 1963, Riley realizzò due lavori elettronici usando il delay a nastro, Mescalin Mix e The Gift, che iniettarono l’idea della ripetizione nel minimalismo. Nel 1964, Riley’s In C realizzò trame coinvolgenti in modo convincente per le prestazioni stratificate di frasi melodiche ripetute. Il lavoro è valutato per qualsiasi gruppo di strumenti e / o voci. Nel 1965 e nel 1966 Steve Reich realizzò tre lavori – It’s Gonna Rain e Come Out per tape e Piano Phase per esecutori dal vivo – che introdussero l’idea del phase shifting, o permettendo a due frasi identiche o campioni sonori riprodotti a velocità leggermente diverse per ripetere e lentamente andare fuori fase tra loro. A partire dal 1968 con 1 + 1, Philip Glass scrisse una serie di lavori che incorporavano il processo additivo (forma basata su sequenze come 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) nel repertorio di tecniche minimaliste; questi lavori includevano due pagine, musica in quinto, musica in contrari motion e altri. Il vetro è stato influenzato da Ravi Shankar e dalla musica indiana dal momento in cui gli è stata assegnata una trascrizione di musica da film di Ravi Shankar in notazione occidentale. Si rese conto che in Occidente il tempo è diviso come una fetta di pane; L’indiana e altre culture prendono piccole unità e le stringono insieme.

Stile
Secondo Richard E. Rodda, “la musica ” minimalista ” si basa sulla ripetizione di accordi comuni che cambiano lentamente [accordi che sono diatonici a più di una chiave, o triadi, o solo maggiori, o maggiori e minori-vedi: tono comune ] in ritmi costanti, spesso sovrapposti a una melodia lirica in lunghe frasi arcuate … utilizza schemi melodici ripetitivi, armonie consonanti, ritmi motori e uno sforzo deliberato per la bellezza auricolare. ” Timothy Johnson sostiene che, come stile, la musica minimale è essenzialmente continua nella forma, senza sezioni disgiunte. Una diretta conseguenza di ciò è una trama ininterrotta composta da schemi e impulsi ritmici interconnessi. È inoltre caratterizzato dall’uso di timbri luminosi e un modo energico. Le sue sonorità armoniche sono tipicamente semplici, di solito diatoniche, spesso sono composte da triadi familiari e settima corda, e sono presentate in un ritmo armonico lento. Johnson non è d’accordo con Rodda, tuttavia, nel trovare che la caratteristica distintiva della musica minima è la completa assenza di linee melodiche estese. Invece, ci sono solo brevi segmenti melodici, che spingono l’organizzazione, la combinazione e le caratteristiche individuali di pattern ritmici brevi e ripetitivi in ​​primo piano.

Nella musica popolare
La musica minimale ha avuto una certa influenza sugli sviluppi nella musica popolare. L’atto rock sperimentale The Velvet Underground ha avuto un legame con la scena di New York da cui è emersa la musica minimale, radicata nello stretto rapporto di lavoro di John Cale e La Monte Young, quest’ultimo influenzando il lavoro di Cale con la band. L’album di Terry Riley A Rainbow in Curved Air (1969) è stato pubblicato durante l’era della psichedelia e della potenza dei fiori, diventando il primo lavoro minimalista ad avere successo incrociato, attraente per il pubblico rock e jazz. Il teorico musicale Daniel Harrison ha coniato il film Smile Smile (1967) di Beach Boys, un’opera sperimentale di “rock protominimal”, elaborando: “[L’album] può quasi essere considerato un’opera d’arte nella tradizione classica occidentale, e le sue innovazioni nel il linguaggio musicale del rock può essere paragonato a quello che ha introdotto le tecniche atonali e altre non tradizionali in quella tradizione classica “. Lo sviluppo di specifici generi rock sperimentali come krautrock, space rock (dagli anni ’80), noise rock e post-rock è stato influenzato dalla musica minimale.

Sherburne (2006) ha suggerito che evidenti somiglianze tra forme minimali di musica dance elettronica e musica minimal americana potrebbero facilmente essere accidentali. Gran parte della tecnologia musicale utilizzata nella musica da ballo è stata tradizionalmente progettata per adattarsi a metodi compositivi basati su loop, il che potrebbe spiegare il motivo per cui alcune caratteristiche stilistiche di stili come il suono minimalista simile alla musica d’arte minimale. Un gruppo che chiaramente ha avuto la consapevolezza della tradizione minimalista americana è l’atto ambient britannico The Orb. La loro produzione del 1990 “Little Fluffy Clouds” presenta un esempio del lavoro di Steve Reich Electric Counterpoint (1987). Un ulteriore riconoscimento della possibile influenza di Steve Reich sulla musica dance elettronica arrivò con l’uscita nel 1999 del tributo Reich Remixed Tribute che presentava reinterpretazioni di artisti come DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii e Coldcut, tra gli altri.

serialismo
Sorprendentemente, Anton Webern, allievo di Arnold Schoenberg e membro della Second Vienna School, influenza anche il movimento minimalista. In particolare su La Monte Young, che cita le sezioni statiche di Six Bagatelles for String Quartet (1913) e Symphony, op. (1928) come opere che hanno fortemente contribuito a rendere il passaggio dal serialismo e dal minimalismo. Il fatto che Webern sia anche una grande influenza nel post-serialismo che si sviluppa nello stesso tempo in Europa, ma con concezioni musicali radicalmente diverse, è talvolta identificato come “paradossale” dai musicologi.

L’avanguardia americana
John Cage ha una grande influenza negli anni di nascita del minimalismo. Il più importante compositore delle avanguardie e della musica sperimentale negli Stati Uniti, le sue idee hanno ripercussioni, direttamente o indirettamente, sul lavoro dei minimalisti. Alcuni pezzi di Cage possono sembrare legati al minimalismo, incluse le sue prime composizioni, o il famoso 4’33 “risalente al 1952, la composizione più minimale, poiché composta solo dal silenzio. Cage è, tuttavia, molto critico nei confronti del minimalismo, e il suo preferito la tecnica è indeterminatezza (o non intenzionalità), cioè l’uso della casualità. Nelle opere o nel processo stesso della composizione, sarà fortemente respinto dal minimalista.

Musica non occidentale
Negli anni ’50 e ’60, l’Europa occidentale e gli Stati Uniti scoprirono la musica non occidentale. Queste musiche generalmente basate su modalità influenzeranno tutti i compositori minimalisti.

Vivendo sulla costa occidentale, La Monte Young scoprì la musica indiana nel 1957 nel campus dell’UCLA. Cita Ali Akbar Khan (sarod) e Chatur Lal (tabla) come particolarmente eccezionali. La musica indiana avrà un’influenza decisiva su Young, specialmente sulla scoperta di tampoura, che impara con Pandit Prân Nath. Il ruolo del tampoura bumblebee affascina Young e spinge il suo interesse verso suoni duraturi. Young riconosce anche l’influenza della musica giapponese e in particolare del gagaku. Questa influenza è esercitata nel gioco considerato il certificato di nascita del minimalismo, Trio for Strings (1958).

Terry Riley scopre la musica non occidentale durante il suo soggiorno in Europa, in particolare la musica marocchina e la musica indiana, attraverso La Monte Young. Collabora anche con Prân Nath per l’album Music from Mills (1986).

Jazz
Il jazz è di grande importanza per il minimalista. Tutti riconoscono l’influenza, e in particolare il modal jazz di John Coltrane, il free jazz e Ornette Coleman.

L’improvvisazione è centrale per Terry Riley, come per La Monte Young. Quest’ultimo è un sassofonista e ha esperienza del jazz come strumentista, praticato principalmente durante il liceo e gli anni universitari. A Los Angeles, ha suonato in grandi gruppi e in piccoli gruppi, in particolare con Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins e pianificato di dedicarsi al jazz. L’influenza del jazz è chiaramente visibile nelle sue opere, in particolare il suo sopranino saxofono o il suo interesse per le forme di improvvisazione. Riley è un pianista e ha studiato ragtime con Wally Rose, e gioca per vivere mentre studia all’università e durante il suo soggiorno in Francia. Riley è anche colpito da John Coltrane, che ha ispirato tra gli altri l’apprendimento del sassofono soprano.

Per Steve Reich, anche il jazz è una grande influenza. Reich è un batterista e ha suonato in gruppi jazz alla High School e alla Cornell University. E ‘stato estremamente influenzato da John Coltrane, che vedrebbe molto spesso in concerto, e cita Album come My Favorite Things e Africa / Brass come particolarmente significativo. Per Reich, è impensabile che la sua musica sia stata possibile senza il jazz, in particolare il ritmo, la flessibilità e il senso melodico del jazz, che sembra essere una fondamentale influenza.

A differenza dei suoi colleghi, Philip Glass, più esclusivamente la formazione di musica classica, non ha visto il jazz come una delle sue influenze, anche se riconosce di essere stato affascinato dal free jazz di Ornette Coleman e John Coltrane.

Influenze e posizione nella nuova musica
Minimal Music incorpora influenze asiatiche (in particolare indiane e indonesiane, in particolare gamelan) e africane (in particolare il loro poliritmico), la scuola di Notre Dame del XII / XIII secolo. Secolo, (gratuito) jazz e alcune forme di rock (rock psichedelico). Ignora in gran parte le convenzioni della composizione, come lo erano nella cultura occidentale (cioè essenzialmente europea) fino ad allora, specialmente le convenzioni dell’avanguardia degli anni ’50 e dei primi anni ’60, in particolare quelle della musica seriale allora dominante. Pertanto, è spesso inteso come un’antitesi al serialismo. Viene spesso respinto con veemenza da rappresentanti di questa direzione, anche se, per esempio, La Monte Young si riferisce teoricamente ad Arnold Schönberg e Anton Webern. Spesso è anche caratterizzato dalla musica postmoderna. A partire da Minimal Music, il post-minimalismo sviluppato negli anni ’70.

Influenze sulla musica popculturale
Molti dei produttori moderni di techno minimal sono anche nella tradizione della musica minimale.

Il chitarrista Dylan Carlson si è trasferito con le idee della Terra sulla musica minimale nel contesto di una rock band e così ha fondato il Drone Doom.

Il movimento minimalista
Il movimento minimalista è apparso negli anni ’60 con le opere di La Monte Young e Terry Riley, considerate precursori. Steve Reich e Philip Glass espanderanno le loro idee e proporranno processi compositivi che si dimostreranno di grande successo.

Tuttavia, il minimalismo riguarda solo una parte delle opere di questi compositori, e riteniamo che il minimalismo come generalmente definito finisca a metà degli anni ’70. Da questa data, i compositori integrano di fatto elementi musicali più ricchi, più melodia e armonia, persino contrappunto. L’aggiunta di questi elementi, senza decidere con il loro lavoro precedente, porta una chiara evoluzione. A volte parliamo di post-minimalismo, specialmente per John Adams. Philip Glass disse esplicitamente che per lui il minimalismo finisce nel 1974 a causa del suo pieno coinvolgimento nel “teatro musicale” di quel tempo.

Personalità, talvolta chiamate “mistici minimalisti”, come Arvo Pärt, che è apparso alla fine degli anni ’70, non sono gli eredi diretti dei ripetitivi americani, ma sono anche inclusi nella bandiera del post-minimalismo o, più in generale, del postmodernismo.

Post-minimalismo e postmodernismo
Il postmodernismo musicale è un atteggiamento di rifiuto contro l’isolamento e il post-serialismo ermetico, i compositori postmoderni che sostengono l’incrocio di razze e la miscela forma una tecnica di collage, prendendo in prestito e la citazione. Dove il post-serialismo era quello di fare una “lavagna pulita del passato” nelle parole di Pierre Boulez, il postmodernismo lo prende come riferimento. Così John Adams ritiene che la sua musica non si nutre di “… non solo minimalismo, ma Alban Berg, Stravinsky, Rock’n Roll, musica araba, ebraica, ecc.”. Con il suo ritorno a forme melodiche e tonali, l’uso di un linguaggio ripetitivo, il ricorso al collage e alla citazione, in tutte queste caratteristiche il minimalismo è la corrente più radicale del postmodernismo nella sua rottura con il post-serialismo.

Il post-minimalismo riguarda anche i compositori minimalisti della prima ora. Dopo Drumming (1971), Reich aggiunge la strumentazione dei suoi pezzi e sviluppa i suoi metodi ritmici e armonici a più complessità. Allo stesso modo, Philip Glass iniziò a comporre per “teatro musicale” e opera dal 1974, con preoccupazioni che si allontanarono dal minimalismo, in particolare l’uso dell’armonia come per l’opera Einstein on the Beach (1976) che segna questa evoluzione. Il minimalismo così post-minimalista si distingue per essere meno radicale e sperimentale.

Il “mistico minimalista”
Questi compositori sono a volte raggruppati e associati al movimento minimalista a causa del loro uso di certi principi di composizione di questo stile (ripetizione, suoni prolungati, silenzi, una certa semplicità) e un’influenza religiosa cristiana o spirituale apertamente reclamata nelle loro vite e in le loro composizioni. A volte Alan Hovhaness è considerato un precursore di questa tendenza, ma è soprattutto l’estone Arvo Pärt, il polacco Henryk Górecki e il britannico John Tavener che sono generalmente associati ai “minimalisti mistici”. Più in generale, Giya Kancheli e Sofia Goubaïdoulina vengono a volte trattenute anche in questo ramo del minimalismo.

Le opere di Pärt e Górecki sono caratterizzate dall’uso della tonalità, un materiale musicale semplice spesso usato in modo ripetitivo e una composizione influenzata da compositori medievali e da gregoriani. Entrambi, fortemente influenzati dalla repressione politica e spirituale nel loro paese sotto il dominio comunista, iniziarono a comporre negli anni ’60 in uno stile neoclassico prima di passare al serialismo causando la censura delle autorità. Pärt si trasforma poi in una musica di silenzio e contemplazione componendo Für Alina (1976), Fratres (1977) e Spiegel im Spiegel (1978), le opere fondanti di questo movimento interno di minimalismo, che getterà le basi per uno stile specifico che chiama Tintinnabulum. Questo stile è caratterizzato dall’uso simultaneo di due voci, un arpeggio su una triade tonica nota come “tintinnabulante” e l’altra basata su un basso diatonico in evoluzione. Il suo lavoro si rivolge alla scrittura quasi esclusiva della musica sacra, più spesso corale, sviluppando una “luminosità delle canzoni”. Górecki da parte sua compie il suo passaggio tra la musica seriale e il minimalismo sacro nel 1976, in particolare con la stesura della sua terza sinfonia, che avrà un altissimo profilo pochi anni dopo nell’Europa occidentale e negli Stati Uniti e la sua reputazione internazionale.

Descrizione musicale
L’insieme di opere classificate come musica minimalista è ben lungi dall’avere un’unità di stile o di avere caratteristiche musicali del tutto identiche. Sebbene una classificazione sia sempre riduttiva, è generalmente accettato che l’estetica della musica minimalista si basi su tre caratteristiche:

un ritorno ad un’armonia “consonantica” (anche tonale, o modale in alcune opere);
la ripetizione di frasi, figure o celle musicali con o senza piccole variazioni graduali;
un battito cardiaco normale.
Questo, tuttavia, include lavori con profili molto diversi e l’uso di diverse tecniche musicali. Allo stesso modo, i lavori dei cosiddetti compositori minimalisti non possono tutti essere considerati minimalisti, specialmente gli ultimi lavori di Steve Reich e Philip Glass, oi primi (spesso non musicali) brani de La Monte Young.

Tra teoria e intuizione
I pionieri del minimalismo Monte Young e Terry Riley sperimentano con una varietà di tecniche compositive. Il Monte Young produce in particolare una grande varietà di opere: pezzi ispirati al serialismo e Webern, pezzi concettuali vicini a John Cage, gruppi di improvvisazione ispirati alla musica indiana e al jazz, pezzi basati sulla sua ricerca formale sulle gamme naturali. Terry Riley è molto più empirico, fa esperimenti con i nastri e usa molto l’improvvisazione.

Caratteristiche musicali

Ritmo
La preoccupazione principale tra i minimalisti è il ritmo. La maggior parte delle composizioni ha una pulsazione regolare e sono costruite dall’intrico di unità ritmiche di base. Queste considerazioni ritmiche sono particolarmente marcate in Steve Reich e sono realizzate attraverso la tecnica del cambio di fase. Drumming (1971) segna il culmine del fascino di Reich per il ritmo, espresso dal phasing. A Philip Glass, il lavoro sul ritmo è presente dai suoi primi pezzi minimalisti usando il suo processo additivo di composizione, specialmente nel 1 + 1 (1968).

Il ritmo è il primo elemento sistematicamente analizzato dal minimalista, prima della futura reintegrazione dell’armonia e della melodia.

Armonia
Le prime opere minimaliste sono atonali, Young’s Trio for Strings (1958), Riley’s String Quartet (1960), anche se l’evoluzione estremamente lenta e la bassa densità di note danno un’illusione di tono, sopprimendo quasi ogni movimento. Anche In C, che è generalmente considerato come il lavoro del ritorno alla tonalità, non è strettamente tonale, ma una composizione atonale senza indicazione di armatura, anche se la composizione è in gran parte diatonica.

Il progressivo abbandono dei nastri magnetici a favore degli strumenti acustici favorisce lo sviluppo dell’armonia. In Steve Reich, da Piano Phase, un profilo tonale o modale viene stabilito all’inizio del lavoro, ma rimane ambiguo. La fase di diatonicismo del processo risultante non è scelta a priori, ma piuttosto è richiesta dall’esperienza.

Registro e dinamica
In Young and Riley, il basso interpreta un ruolo da drone, ispirato alla musica indiana. A Steve Reich non ci sono bassi e le altezze in generale appartengono al registro centrale (la fase di pianoforte non ha rating al di sotto di Mi 4, Phase Patterns sotto C 4). La mancanza di basse ambiguità di prodotto che Reich cerca di mantenere, pur non sapendo definire con precisione. Allo stesso modo, i minimalisti non usano affatto un gameplay completo, che è molto presente in altri stili di musica contemporanea.

Le tonalità generalmente variano molto poco, se non del tutto. Il livello sonoro è spesso molto alto, ad esempio in alcuni pezzi di La Monte Young e Glass, dove percepiamo l’influenza della roccia.

Esecuzione
Ascolto accessibile, la musica ripetitiva sembra falsamente facile da eseguire. I processi di sfasamento di Reich richiedono una grande concentrazione da parte degli strumentisti. Allo stesso modo, Glass riferisce che diversi direttori d’orchestra sono venuti prove non preparate hanno realizzato troppo tardi la difficoltà dei suoi punteggi 51. In assenza delle partiture del compositore non è sempre facile decifrare per interpreti, richiedendo inventiva per la mancanza di informazioni o la loro scarsa chiarezza.

Collegamenti con le arti visive

Danza
La danza, che per sua natura è sempre stata strettamente legata alle creazioni musicali del suo tempo, non sfugge all’influenza della musica minimalista, specialmente intorno alla nozione e all’uso della ripetizione. In un certo senso, l’origine dell’impatto della musica minimalista sulla danza risale alla collaborazione di John Cage con la coreografa americana Merce Cunningham nei primi anni ’50 quando iniziò la danza moderna. Attraverso di lui, Cunningham ha anche incontrato Morton Feldman che ha composto per lui musica per la sua coreografia innovativa come Melodie senza titolo per Merce Cunningham nel 1968. Inoltre, un gruppo composto da ballerini Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown e compositori Terry Riley e La Monte Young formarono intorno ad Anna Halprin tra il 1960 e il 1962 per esibirsi in spettacoli tra cui la Judson Church di New York. Tuttavia, questo è Trisha Brown che esplora ulteriormente il principio della ripetizione e della successiva accumulazione di movimenti coreografici durante questo periodo di danza moderna. Meredith Monk, che è anche una ballerina, si unisce poi a questo gruppo dove può combinare sia la sua ricerca musicale e le sue creazioni coreografiche in spettacoli orientati verso un movimento più raffinato e una certa trance spirituale.

Arti plastiche
I compositori minimalisti hanno mantenuto stretti rapporti con gli artisti, in particolare quelli dell’attuale minimalismo e dell’arte concettuale. Steve Reich e Philip Glass hanno avuto ottime amicizie con Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow o Nancy Graves. Reich scrive il suo saggio Music as a Gradual Process (1968) che sarà incluso nel catalogo di una grande mostra sul minimalismo insieme ai suoi amici di plastica al Whitney Museumin del 1969 e durante il quale dà, con Glass, concerti. Inoltre, un’opera come la musica del pendolo di Reich, in cui Serra, Nauman e Snow partecipano come esecutori, riguarda più le prestazioni che la musica. Steve Reich riconosce una “posizione comune” tra gli artisti e le loro creazioni, caratterizzata dall’aspetto “geometrico e metaforico” del loro lavoro ma senza influenze reciproche dirette. Dice “Stavamo nuotando nella stessa zuppa”. Nel 1977, alcuni artisti parteciparono alla vendita delle loro opere per salvare i debiti derivanti dall’installazione di Einstein sulla spiaggia di vetro. Infine, Glass fu l’assistente personale a tempo pieno di Richard Serra nel 1969. Il vetro non crea un legame diretto tra il suo lavoro di musicista e le opere dei suoi amici artisti.

Riconoscimento e popolarità
Il minimalismo è nato come un flusso sperimentale e sviluppato al di fuori del mondo tradizionale della musica classica. I primi concerti vengono assegnati principalmente nelle gallerie d’arte o nei musei e devono essere organizzati dagli stessi compositori. Sono soprattutto le registrazioni che consentiranno un’ampia diffusione della musica minimalista, anche in Europa, dove la ricezione è piuttosto buona. Inoltre, è l’Europa che fornirà al minimalista i primi importanti segni di riconoscimento, con il comando dello stato francese a Philip Glass, e un successo discografico con udito senza restrizioni per gli amanti della musica contemporanea, con il sig. Steve Reich, per l’etichetta tedesca Edition di musica contemporanea.

Critica e analisi
Critici estremamente forti si sono espressi verso il minimalismo, principalmente da compositori o musicologi vicini alle avanguardie o filosofi. Il compositore americano Elliott Carter ha ripetutamente espresso il suo forte rifiuto del minimalismo e più in generale della ripetizione nella musica, considerata la morte del compositore. È in particolare un’analogia con la pubblicità, non richiesta, invadente e ripetuta fino alla nausea. La qualifica fascista era anche usata esplicitamente, così come il paragone tra l’uso della ripetizione come metodo di lavaggio del cervello praticato nella pubblicità o nei discorsi di Hitler.

La critica del minimalismo a volte è confusa con quella del postmodernismo. Il compositore d’avanguardia Brian Ferneyhough rifiuta il postmodernismo, critico e in particolare John Adams, nel quale ha denunciato un’assenza di etica legata alla non inclusione della cultura musicale.