Pittura indiana moderna
Il movimento artistico indiano moderno nella pittura indiana è considerato iniziato a Calcutta alla fine del XIX secolo. Le antiche tradizioni pittoriche si erano praticamente estinte in Bengala e nuove scuole d’arte furono avviate dagli inglesi. Inizialmente, i protagonisti dell’arte indiana come Raja Ravi Varma attingevano alle tradizioni e alle tecniche occidentali, tra cui pittura ad olio e pittura da cavalletto. Una reazione all’influenza occidentale portò a un risveglio del primitivismo, chiamato la scuola d’arte del Bengala, che attingeva dalla ricca eredità culturale dell’India. Gli succedette la scuola di Santiniketan, guidata da Rabindranath Tagore, che recitava verso l’idilliaco popolo rurale e la vita rurale. Nonostante la sua influenza su scala nazionale nei primi anni, l’importanza della Scuola è diminuita dai “quaranta” e ora è buona come morta.
Scuole d’arte britanniche
La pittura ad olio e cavalletto iniziò in India all’inizio del XVIII secolo e vide molti artisti europei, come Zoffany, Kettle, Hodges, Thomas e William Daniell, Joshua Reynolds, Emily Eden e George Chinnery che venivano in India in cerca di fama e fortuna . Le corti degli stati principeschi dell’India furono un sorteggio importante per gli artisti europei a causa del loro patrocinio delle arti visive e dello spettacolo e anche della loro esigenza di ritratti di stile europeo
I mercanti della Compagnia delle Indie Orientali hanno anche fornito un grande mercato per l’arte nativa. Un genere distinto sviluppato di pittura ad acquerello su carta e mica nella seconda metà del XVIII secolo raffigurante scene di vita quotidiana, insegne di corti principesche e feste e rituali nativi. Denominato “stile aziendale” o “stile Patna”, prosperò dapprima a Murshidabad e si diffuse in altre città della sovranità britannica. Lo stile è considerato dalle autorità come “di stile ibrido e di qualità indistinguibile”.
Dopo il 1857, John Griffiths e John Lockwood Kipling (padre di Rudyard Kipling) uscirono insieme in India; Griffith ha diretto la scuola d’arte di Sir J. J. ed è stato considerato uno dei migliori pittori vittoriani per venire in India e Kipling è stato a capo della J. J. School of Art e della Mayo School of Arts fondata a Lahore nel 1878.
L’illuminata attitudine settecentesca mostrata da una precedente generazione di inglesi verso la storia, i monumenti, la letteratura, la cultura e l’arte dell’India presero una svolta a metà del diciannovesimo secolo. Le precedenti manifestazioni dell’arte indiana furono spazzate via come “morte” e roba da musei; “dal punto di vista ufficiale britannico, l’India non aveva arte vivente”. Per propagare i valori occidentali nell’educazione artistica e nell’agenda coloniale, gli inglesi fondarono scuole d’arte a Calcutta e Madras nel 1854 ea Bombay nel 1857.
Raja Ravi Varma
Raja Ravi Varma (1848-1906) è stato un notevole pittore indiano autodidatta dello stato principesco di Travancore. La sua esposizione in Occidente arrivò quando vinse il primo premio all’Esposizione d’Arte di Vienna nel 1873. I dipinti di Varma furono anche inviati alla World’s Columbian Exposition tenutasi a Chicago nel 1893 e il suo lavoro ricevette due medaglie d’oro. È considerato il primo dei modernisti e, insieme a Amrita Sher-gil (1913-1941), i principali esponenti delle tecniche occidentali a sviluppare una nuova estetica nell’interpretazione soggettiva della cultura indiana con “la promessa della materialità nel mezzo” di oli e il paradigma della realtà del formato specchio / finestra della pittura da cavalletto “. Altri importanti pittori indiani nati nel 19 ° secolo sono Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867-1944), Antonio Xavier Trindade (1870-1935), Manchershaw Fakirjee Pithawalla (1872-1937), Sawlaram Lakshman Haldankar (1882-1968) e Hemen Majumdar ( 1894-1948).
Il lavoro di Varma era considerato tra i migliori esempi della fusione delle tradizioni indiane con le tecniche dell’arte accademica europea, nel quadro nazional-coloniale del XIX secolo. È ricordato soprattutto per i suoi dipinti di bellissime donne vestite di sari, che sono state ritratte come formose e aggraziate. Varma è diventato il più noto allegorista di soggetti indiani nella sua rappresentazione di scene dell’epica del Mahabharata e del Ramayana.
Raja Ravi Varma considerava il suo lavoro come “stabilire una nuova identità di civiltà entro i termini dell’India del XIX secolo”.: 147 Mirava a formare un cantone d’arte indiano alla maniera di quelli delle classiche civiltà greca e romana. L’arte di Varma ha avuto un ruolo importante nello sviluppo della coscienza nazionale indiana. Varma acquistò una macchina da stampa che sfornò copie dell’oleografia dei suoi dipinti che abbellivano le case borghesi dell’India, molte decadi dopo la sua morte. Considerato un genio nella sua epica, nel giro di pochi anni dalla sua scomparsa, i dipinti di Varma furono sottoposti a severe restrizioni per imitare l’arte occidentale.
Raja Ravi Varma morì nel 1906 all’età di 58 anni. È considerato tra i più grandi pittori della storia dell’arte indiana.
Mr.Vaibhav S. Adhav
Picasso of India è venuto in faccia giovanile di Mr. Vaibhav S. Adhav. Il Vaibhav S. Adhav è un artista moderno indiano. E ha creato una nuova forma d’arte il cui nome è Indo-Euro Modern Art. Si tratta di un’arte unica nel mondo. Ha sede in India. Ha sviluppato là arte in Modern, contemporary, Indian, European, warli, Landscape, ecc. Ora è il futuro dell’arte indiana che si occupa della piattaforma globale.
La scuola del Bengala
Durante l’era coloniale, le influenze occidentali avevano iniziato ad avere un impatto sull’arte indiana. Alcuni artisti hanno sviluppato uno stile che utilizzava idee occidentali di composizione, prospettiva e realismo per illustrare temi indiani, tra cui Raja Ravi Varma. La scuola del Bengala sorse come un’avanguardia e un movimento nazionalista che reagiva contro gli stili di arte accademica precedentemente promossi in India, sia da artisti indiani come Varma che nelle scuole d’arte britanniche.
In seguito alla diffusa influenza delle idee spirituali indiane in Occidente, l’insegnante d’arte inglese Ernest Binfield Havel ha tentato di riformare i metodi di insegnamento presso la Calcutta School of Art incoraggiando gli studenti a imitare le miniature di Mughal. Ciò causò immense polemiche, che portarono a uno sciopero da parte degli studenti e denunce da parte della stampa locale, anche da parte di nazionalisti che lo consideravano una mossa regressiva. Havel è stato sostenuto dall’artista Abanindranath Tagore, un nipote del poeta Rabindranath Tagore.
Abanindranath dipinse una serie di opere influenzate dall’arte Mughal, uno stile che lui e Havel ritenevano essere espressivi delle distinte qualità spirituali dell’India, in opposizione al “materialismo” dell’Occidente. Il suo dipinto più famoso, Bharat Mata (Madre India), raffigurava una giovane donna, ritratta con quattro braccia alla maniera delle divinità indù, con oggetti simbolici delle aspirazioni nazionali dell’India. Le altre figure di spicco della scuola d’arte del Bengala erano Gaganendranath Tagore, il fratello maggiore di Abanindranath, Jamini Roy, Mukul Dey, Manishi Dey e Ram Kinker Baij, che è più famoso come il pioniere della Modern Indian Sculpture. Un’altra importante figura di questa era era Chittaprosad Bhattacharya, che respinse il classicismo della scuola del Bengala e le sue preoccupazioni spirituali. Il suo libro Hungry Bengal: un tour nel Midnapur District includeva molti schizzi della Carestia del Bengala tratti dalla vita, oltre alla documentazione delle persone raffigurate. Il libro fu immediatamente bandito dagli inglesi e furono sequestrate e distrutte 5000 copie. Solo una copia è stata nascosta dalla famiglia di Chittaprosad ed è ora in possesso della Delhi Art Gallery.
Durante gli anni di apertura del 20 ° secolo, Abanindranath sviluppò legami con figure culturali giapponesi come lo storico dell’arte Okakura Kakuzō e il pittore Yokoyama Taikan come parte di un’iniziativa modernista globalizzata con tendenze pan-asiatiche.
Quelli associati a questo modello indo-far-orientale includevano Nandalal Bose, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, B.C. Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha e successivamente i loro studenti A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli e pochi altri. L’influenza della scuola del Bengala sulla scena artistica indiana gradualmente ha iniziato ad alleviare con la diffusione delle idee moderniste dopo l’indipendenza.
Santiniketan
Il manto della Scuola del Bengala è stato assunto quando Rabindranath Tagore ha fondato l’università visionaria di Santiniketan, un’università incentrata sulla preservazione e l’elevazione della cultura, dei valori e del patrimonio indiani. Comprendeva una scuola d’arte “Kala Bhavan” fondata nel 1920-21. Sebbene lo stesso Rabindranath arrivò tardi per dipingere nella sua lunga vita produttiva, le sue idee influenzarono molto il modernismo indiano. In privato, Tagore realizzava piccoli disegni, colorati con inchiostri, per i quali traeva ispirazione dal suo inconscio dal suo primitivismo. Nella vita pubblica, il primitivismo di Rabindranath può essere direttamente attribuito a una resistenza anticoloniale, simile a quella del Mahatma Gandhi.
Uno dei primi studenti di Abanindranath Tagore fu Nandalal Bose, che in seguito divenne un insegnante e in seguito il direttore per l’arte. Nandalal ha portato la scuola a una posizione di preminenza nell’ideologia nazionalista che sta emergendo nella cultura indiana. La scuola di pensiero Shantiniketan sottolineava che “un’estetica era anche un ethos, che il ruolo dell’arte era più che la valorizzazione della vita, era la forma del mondo”. Ha stabilito una versione indiana del naturalismo distinta dalle scuole orientali e occidentali, un esempio è l’evitamento della pittura a olio e cavalletto per il lavoro su carta disegnata / colorata usando acquerelli, lavaggi, tempere e inchiostro. Il sogno di Rabindranath Tagore di venerare i vecchi valori, caratterizzato da motivi come le popolazioni rurali, in particolare i tribali di Santhal, è venuto a compimento nelle scuole legate all’arte dell’Università Viswa-Bharati di Santiniketan. Alcuni dei più importanti artisti della scuola di Santiniketan sono Benode Behari Mukherjee, Ramkinkar Baij, Shanko Chowdhury, Dinkar Kowshik, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Krishna Reddy, Ramachandran, Shobha Brhma, Ramananda Bandhapadhyay, Dharma Narayan Dasgupta, Sushen Ghose, Janak Jhankar Narzary.
Modernismo contestuale
L’idea del modernismo contestuale è emersa nel 1997 da Santiniketan di R. Siva Kumar: The Making of a Modernual contestual come strumento critico postcoloniale nella comprensione di un modernismo alternativo nelle arti visive delle ex colonie come l’India, in particolare quella degli artisti di Santiniketan .
Diversi termini tra cui la controcultura della modernità di Paul Gilroy e la modernità coloniale di Tani Barlow sono stati usati per descrivere il tipo di modernità alternativa emersa in contesti non europei. Il professor Gall sostiene che il “Modernismo contestuale” è un termine più adatto perché “il coloniale nella modernità coloniale non accetta il rifiuto di molti nelle situazioni colonizzate di interiorizzare l’inferiorità.” Il rifiuto di subordinazione degli insegnanti artisti di Santiniketan incorporava una contromisura della modernità, che cercava per correggere l’essenzialismo razziale e culturale che guidava e caratterizzava la modernità e il modernismo occidentale imperiale: quelle modernità europee, proiettate attraverso un trionfale potere coloniale britannico, provocarono risposte nazionaliste, altrettanto problematiche quando incorporarono analoghi essenzialismi “.
Secondo R. Siva Kumar “Gli artisti di Santiniketan sono stati uno dei primi a sfidare consapevolmente questa idea di modernismo optando per il modernismo internazionalista e l’indigeno storicista e cercando di creare un modernismo sensibile al contesto”. Stava studiando il lavoro dei maestri di Santiniketan e pensava al loro approccio all’arte fin dai primi anni ’80. La pratica dell’assunzione di Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij e Benode Behari Mukherjee sotto la Scuola d’Arte del Bengala, secondo Siva Kumar, era fuorviante. Questo è accaduto perché i primi scrittori erano guidati da genealogie di apprendistato piuttosto che dai loro stili, visioni del mondo e prospettive sulla pratica artistica.
Il modernismo contestuale nel recente passato ha trovato il suo utilizzo in altri campi di studio correlati, specialmente in architettura.
Post-indipendenza
Al tempo dell’Indipendenza, nel 1947, diverse scuole d’arte in India fornirono l’accesso a tecniche e idee moderne. Le gallerie sono state istituite per mostrare questi artisti. L’arte indiana moderna mostra in genere l’influenza degli stili occidentali, ma è spesso ispirata a temi e immagini indiane. I maggiori artisti stanno iniziando a ottenere riconoscimenti internazionali, inizialmente tra la diaspora indiana, ma anche tra il pubblico non indiano.
Il Progressive Artists Group, fondato poco dopo che l’India divenne indipendente nel 1947, era destinato a stabilire nuovi modi di esprimere l’India nell’era post-coloniale. Il suo fondatore fu Francis Newton Souza e S. H. Raza, M. F. Husain e Manishi Dey furono i primi membri. E ‘stato profondamente influente nel cambiare l’idioma dell’arte indiana. Quasi tutti i maggiori artisti indiani negli anni ’50 erano associati al gruppo. Tra loro spiccavano Akbar Padamsee, Sadanand Bakre, Ram Kumar, Tyeb Mehta, K. H. Ara, H. A. Gade e Bal Chabda. Nel 1950, V. S. Gaitonde, Krishen Khanna e Mohan Samant si unirono al gruppo. Il gruppo si sciolse nel 1956.
Altri pittori famosi come Narayan Shridhar Bendre, KKHebbar, KCS Paniker, Sankho Chaudhuri, Antonio Piedade da Cruz, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Satish Gujral, Bikash Bhattacharjee, Jehangir Sabavala, Sakti Burman, A. Ramachandran, Ganesh Pyne, Nirode Mazumdar , Ghulam Mohammed Sheikh, Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Vivan Sundaram, Jogen Chowdhury, Jagdish Swaminathan, Jyoti Bhatt, Bhupen Khakhar, Jeram Patel, Narayanan Ramachandran, Paramjit Singh, Pranab Barua, Dom Martin (il pittore surrealista di Goa) e Bijon Choudhuri ha arricchito la cultura artistica dell’India e sono diventati le icone dell’arte moderna indiana. Artisti femminili come B. Prabha, Shanu Lahiri, Arpita Singh, Anjolie Ela Menon e Lalita Lajmi hanno dato immensi contributi a Modern Indian Art and Painting. Storici d’arte come la prof.ssa Rai Anand Krishna hanno anche fatto riferimento a quelle opere di artisti moderni che riflettono l’ethos indiano. Alcuni dei più acclamati artisti indiani contemporanei includono Nagasamy Ramachandran, Jitish Kallat, Atul Dodiya e Geeta Vadhera che hanno avuto il plauso nel tradurre complessi temi spirituali indiani su tela come il pensiero Sufi, le Upanishad e il Bhagwad Geeta.
L’arte indiana ha avuto un impulso con la liberalizzazione economica del paese dall’inizio degli anni ’90. Artisti di vari settori ora hanno iniziato a portare vari stili di lavoro. Post liberalizzazione L’arte indiana lavora non solo all’interno delle tradizioni accademiche ma anche al di fuori di essa. Gli artisti hanno introdotto nuovi concetti che finora non sono stati visti nell’arte indiana. Devajyoti Ray ha introdotto un nuovo genere d’arte chiamato Pseudorealismo. L’arte pseudorealista è uno stile artistico originale che è stato sviluppato interamente sul suolo indiano. Lo pseudorealismo prende in considerazione il concetto indiano di astrazione e lo usa per trasformare scene regolari della vita indiana in immagini fantastiche.
Nell’India post-liberalizzazione, molti artisti si sono affermati nel mercato dell’arte internazionale come il pittore astratto Natvar Bhavsar, il pittore d’arte Astratta Nabakishore Chanda e lo scultore Anish Kapoor le cui mastodontiche opere postminimaliste hanno acquisito attenzione per le loro dimensioni. Molte case e gallerie d’arte sono state aperte anche negli Stati Uniti e in Europa per mostrare opere d’arte indiane.
Studiosi d’arte come Vaibhav S. Adhav, C. Sivaramamurti, Anand Krishna, R. Siva Kumar e Geeta Kapur hanno portato l’arte indiana a una piattaforma globale.