L’orfismo o il cubismo orfico, termine coniato dal poeta francese Guillaume Apollinaire nel 1912, fu una propaggine del cubismo incentrato sulla pura astrazione e sui colori vivaci, influenzato dal fauvismo, dagli scritti teorici di Paul Signac, Charles Henry e dal chimico Eugenio Chevreul. . Questo movimento, percepito come chiave nella transizione dal cubismo all’arte astratta, è stato pioniere di František Kupka, Robert Delaunay e Sonia Delaunay, che rilanciò l’uso del colore durante la fase monocromatica del cubismo. Il significato del termine Orphismo era elusivo quando apparve per la prima volta e rimane in una certa misura vago.
Storia
Gli orfisti erano radicati nel cubismo ma si muovevano verso una pura astrazione lirica, vedendo la pittura come l’unione di una sensazione di colori puri. Più preoccupato per l’espressione e il significato della sensazione, questo movimento è iniziato con soggetti riconoscibili, ma è stato rapidamente assorbito da strutture sempre più astratte. L’orfismo mirava a fare a meno degli argomenti riconoscibili e affidarsi alla forma e al colore per comunicare il significato. Il movimento mirava anche a esprimere gli ideali del Simultanesimo: l’esistenza di un’infinità di stati di essere interrelati.
La decomposizione della luce spettrale espressa nella teoria del colore neoimpressionista di Paul Signac e Charles Henry ha avuto un ruolo importante nella formulazione dell’orfismo. Robert Delaunay, Albert Gleizes e Gino Severini, tutti conoscevano Henry personalmente. Charles Henry, matematico, inventore, estetista e amico intimo degli scrittori simbolisti Félix Fénéon e Gustave Kahn, ha incontrato Seurat, Signac e Pissarro durante l’ultima mostra impressionista nel 1886. Henry avrebbe compiuto l’ultimo passo nel portare la teoria associativa emotiva nel mondo della sensazione artistica: qualcosa che influenzerebbe molto i neoimpressionisti. Henry e Seurat erano d’accordo sul fatto che gli elementi base dell’arte – la linea, la particella del colore, come le parole – potevano essere trattati autonomamente, ognuno possedendo un valore astratto indipendente l’uno dall’altro, se così fosse stato scelto dall’artista. “Seurat sa bene” scrisse Fénéton nel 1889, “che la linea, indipendentemente dal suo ruolo topografico, possiede un valore astratto valutabile” oltre, naturalmente, alle particelle di colore, e la relazione di entrambi con l’emozione dell’osservatore. La teoria alla base di Neo Impressionsim avrebbe un effetto duraturo sui lavori prodotti nei prossimi anni da artisti del calibro di Robert Delaunay. In effetti, i neoimpressionisti erano riusciti a stabilire una base scientifica oggettiva per la loro pittura nel dominio del colore. I cubisti dovevano farlo in entrambi i campi della forma e della dinamica, e gli orfori lo avrebbero fatto anche con il colore.
I simbolisti avevano usato la parola orphique in relazione al mito greco di Orfeo, che percepivano come l’artista ideale. Apollinaire aveva scritto una raccolta di quartine nel 1907 intitolata Bestiaire ou cortège d’Orphée (Parigi, 1911), all’interno della quale Orfeo era simboleggiato come un poeta e un artista. Sia per Apollinaire che per i simbolisti che lo hanno preceduto, Orfeo era associato al misticismo, qualcosa che avrebbe ispirato gli sforzi artistici. La voce di luce che Apollinaire menzionava nelle sue poesie era una metafora di esperienze interiori. Sebbene non sia completamente articolato nelle sue poesie, la voce della luce è identificata come una linea che potrebbe essere colorata e diventare un dipinto. La metafora orfica rappresentava quindi la forza dell’artista per creare nuove strutture e armonie di colori, in un processo creativo innovativo che si combinava per formare un’esperienza sensuale.
Apollinaire
Il termine Orphism fu coniato dal poeta e critico d’arte Guillaume Apollinaire al Salon de la Section d’Or nel 1912, riferendosi alle opere di František Kupka. Durante la sua conferenza alla sezione d’Or mostra Apollinaire ha presentato tre delle opere astratte di Kupka come esempi perfetti di pittura pura, come anti-figurativo come musica.
In Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (1913) Apollinaire descrisse l’Orfismo come “l’arte di dipingere nuove totalità con elementi che l’artista non prende dalla realtà visiva, ma crea interamente da sé. […] Le opere di un pittore orfico dovrebbero trasmettere un piacere estetico sereno, ma allo stesso tempo una struttura significativa e un significato sublime Secondo Apollinaire, l’orfismo rappresentava una mossa verso una forma d’arte completamente nuova, proprio come la musica era per la letteratura.I pittori orfici citavano analogie con la musica nei loro titoli ad esempio, Amorpha di Kupka: Fugue in Two Colors (1912) e composizione astratta di Francis Picabia Dance at the Source (1912) e Wassily Kandinsky’s Über das Geistige in der Kunst (1912) I dettagliati saggi teorici di Kandinsky descrivono le correlazioni tra colore e suono. Delaunay, anche lui preoccupato per le relazioni tra colore e musica, ha evidenziato la purezza e l’indipendenza del colore, e ha esibito con successo il Blaue Reiter su invito di Kandinsky. Fernand Léger e Marcel Duchamp, mentre tendevano all’astrazione, furono inclusi come orfisti negli scritti di Apollinaire.
Apollinaire rimase con i Delaunays durante l’inverno del 1912, diventando intimo amico ed elaborando molte idee. Apollinaire ha scritto diversi testi che discutono del loro lavoro per promuovere il concetto di Orphism. Nel marzo 1913 l’Orfismo fu esposto al pubblico al Salon des Indépendants. Nella sua recensione del Salon pubblicato su L’Intransigeant (25 marzo 1913), Apollinaire scrisse che “combina pittori di personaggi completamente diversi, i quali hanno comunque raggiunto una visione più interiorizzata, più popolare e più poetica dell’universo e di vita’. E a Montjoie (29 marzo 1913) Apollinaire sostenne l’abolizione del cubismo a favore dell’orfismo: “Se il cubismo è morto, viva il cubismo. Il regno di Orfeo è a portata di mano! ‘
Il salone Herbst (Erster Deutscher Herbstsalon, Berlino) del 1913, organizzato da Herwarth Walden di Der Sturm, espone molte opere di Robert e Sonia Delaunay, L’Oiseau bleu di Jean Metzinger (1913, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris) , Les Joueurs de football di Albert Gleizes (1912-13, National Gallery of Art), dipinti di Picabia e Léger, insieme a numerosi dipinti futuristi. Questa mostra segnò un punto di svolta nella relazione di Apollinaire con R. Delaunay (che si raffredderebbe notevolmente), seguendo alcune osservazioni in una discussione con Umberto Boccioni sull’ambiguità del termine “simultaneità”. Questa sarebbe stata l’ultima volta che Apollinaire usava il termine Orphismo nelle sue analisi critiche dell’arte; mentre rivolgeva la sua attenzione sempre più verso Picabia e Alexander Archipenko, ma soprattutto verso i futuristi.
I Delaunay
Sonia Terk Delaunay e Robert Delaunay, marito e moglie, diventeranno i principali protagonisti del movimento Orphic, Robert Delaunay ha anche studiato diversi stili di pittura, come l’Abstract Art. Nei loro lavori precedenti, i loro stili si concentravano sui colori fauvisti con vari gradi di astrazione; particolarmente evidente in Sonia’s Finnish Girl (1907) e Robert’s Paysage au disque (1906). L’ex dipinto si basa molto su colori vivaci e transizioni fluide tra le forme, mentre il secondo si basa su pennellate di colore e di mosaico dipinte sotto l’influenza di Jean Metzinger, anch’egli un neo impressionista (con componenti altamente divisionisti e fauve) all’epoca.
Le loro opere divennero sempre più identificabili dal contrasto “simultaneo” dei colori e dalla tendenza alla non rappresentazione. Nella serie della Torre Eiffel di Robert, il soggetto è ritratto come se fosse visto da più punti di vista contemporaneamente; utilizzando il concetto di “prospettiva mobile” sviluppato dal suo amico intimo Metzinger. Presto, invece di usare toni attenuati come i cubisti, dipingeva con colori audaci e brillanti giustapposti l’uno accanto all’altro (un concetto derivato dalla teoria dei colori neoimpressionista). Spesso ha ritratto la torre con rossi e rosa con colori più freddi. Più Robert dipingeva la torre, più diventava astratta, frammentata e colorata.
Nel 1913 i Delaunay mostrarono le loro opere nel Salon des Indépendants e nel Herbst Salon, quest’ultimo il primo Salon degli Orfici, che ospitò anche opere di pittori Picabia, Metzinger, Gleizes, Léger e Futuristi. A differenza di altri associati all’orfismo, i Delaunays sarebbero tornati a questo stile per tutta la vita.
Eugène Chevreul
Una delle maggiori influenze di Robert, oltre alla moglie, fu il chimico Eugène Chevreul. Più famoso per la scoperta della margarina, Chevreul ha approfondito la chimica della tintura e l’estetica del contrasto simultaneo dei colori. Aveva tre idee principali per le sue teorie sul colore: “quando i colori complementari sono giustapposti, ognuno sembra essere più intenso di quando visto isolatamente” e “se c’è una differenza percepibile nel valore della luce scura tra i due colori, allora il più scuro sembrerà ancora più scuro “così come” tutti i colori presenti nel campo visivo si modificano reciprocamente in modi specifici “. Chevreul ha influenzato molti artisti perché ha capito scientificamente ciò che molti artisti hanno espresso istintivamente.
Dopo il 1913
Anche dopo che Apollinaire si era separato dai Delaunays e l’Orfismo aveva perso la sua novità come una nuova forma d’arte, i Delaunays continuarono a dipingere nel loro personale stile condiviso. Potrebbero non aver sempre chiamato il loro lavoro orfico, ma l’estetica e le teorie erano le stesse. Robert ha continuato a dipingere mentre Sonia ha approfondito altri media, tra cui la moda, il design di interni e tessili, tutti nel regno dell’Orfismo.
eredità
L’orfismo come movimento fu di breve durata, essenzialmente terminando prima della prima guerra mondiale. Nonostante l’uso del termine, le opere classificate come Orfismo erano così diverse da sfidare i tentativi di collocarle in un’unica categoria. Gli artisti a intermittenza denominati Orphists di Apollinaire, come Léger, Picabia, Duchamp e Picasso, creavano autonomamente nuove categorie che difficilmente potevano essere classificate come orfane. Il termine Orphismo ha evidentemente abbracciato i dipinti di František Kupka, Robert Delaunay e Sonia Delaunay, se limitati alle implicazioni imposte dal colore, dalla luce e dall’espressione di composizioni non rappresentative. Persino Robert Delaunay pensava che questa descrizione rappresentasse in modo errato le sue intenzioni, sebbene la sua classificazione temporanea come Orfico avesse avuto successo. I pittori americani Patrick Henry Bruce e Arthur Burdett Frost, due degli allievi di Delaunay, si sono sforzati di creare una simile forma d’arte intorno al 1912. I Syncrromici Morgan Russell e Stanton Macdonald-Wright hanno scritto i loro manifesti nel tentativo di prendere le distanze dall’Orfismo di Robert Delaunay, ma a volte la loro arte appariva inevitabilmente orfica. Sostanzialmente una sottocategoria stilistica di Arte astratta creata da Apollinaire, l’Orfismo era un termine inafferrabile dal quale gli artisti inclusi nel suo ambito cercavano costantemente di staccarsi.