Rassegna della Biennale d’Arte di Venezia 2011, Italia
La 54. Esposizione Internazionale d’Arte, aperta al pubblico dal 4 giugno al 27 novembre 2011 ai Giardini e all’Arsenale. Questa edizione della Biennale comprende l’Esposizione Internazionale d’Arte nel Padiglione Centrale ai Giardini e all’Arsenale, oltre a 89 partecipazioni nazionali e 37 eventi collaterali in giro per la città.
Il tema della mostra intitolato “ILLUMInazioni”, sottolinea l’importanza della luce e dell’illuminazione, attira letteralmente l’attenzione sull’importanza di tali sforzi in un mondo globalizzato. la Biennale di Venezia è sempre stata animata da uno spirito internazionale, e ancor più ora in un’epoca in cui gli stessi artisti sono diventati turisti poliedrici, esigenti e culturali.
La mostra è incentrata sui temi della luce e dell’illuminazione, esplorando contemporaneamente idee legate alla “nazione”. Comprende diverse opere del vecchio maestro veneziano Tintoretto (1518-1594), poco ortodosse e sperimentali per il suo tempo, caratterizzate da un’illuminazione drammatica. Inoltre, nell’ambito del concept curatoriale di questa edizione, a quattro artisti è stato chiesto di creare dei ‘Para-Pavilion’, strutture scultoree in grado di ospitare opere di altri artisti.
ILLUMInazioni
ILLUMInations enfatizza l’intuizione e l’illuminazione del pensiero che viene favorita dall’incontro con l’arte e dalla sua capacità di affinare gli strumenti della percezione. La mostra rispetta e anche difende il valore dell’idealizzazione della ragione illuminata e di una specificità della pratica scientifica occidentale europea. ILLUMInazioni si concentrano sulla “luce” dell’esperienza illuminante, sulle epifanie che derivano dalla comprensione intercomunicativa, intellettuale. L’Età dell’Illuminazione risuona anche in ILLUMInazioni, a testimonianza della vitalità duratura della sua eredità.
Le questioni di identità e patrimonio sono state a lungo cruciali per l’arte contemporanea ed è improbabile che l’intensità dell’indagine artistica su questi temi diminuisca nel prossimo futuro. Storicamente, dal Medioevo al Rinascimento, si può scoprire il processo delle “ILLUMInazioni” nell’arte e nella cultura.
Il titolo suggerisce anche una vasta gamma di associazioni, dalle “Illuminazioni” selvaggiamente poetiche di Arthur Rimbaud e “Illuminazioni profane” di Walter Benjamin sull’esperienza surrealista alla venerabile arte dei manoscritti medievali miniati e alla filosofia della miniatura nella Persia del XII secolo. L’arte è un vivaio per la sperimentazione di nuove forme di “comunità” e per lo studio delle differenze e delle affinità che fungono da modelli per il futuro.
L’arte contemporanea è caratterizzata da tendenze collettive e identità frammentate, da alleanze temporanee e oggetti in cui è inscritto il transitorio – anche se fusi nel bronzo. La spinta espansiva che ha spinto l’arte dagli anni ’60 si è rivolta verso l’interno. L’arte non coltiva più il pathos dell’anti-arte. La percezione è ora focalizzata sui fondamenti della cultura e dell’arte al fine di illuminare le convenzioni semantiche dall’interno. Da un lato, il manufatto ha ceduto il passo a un’enfasi sul processo, mentre, dall’altro, il revival di generi “classici” come scultura, pittura, fotografia e cinema è motivato dall’interesse a dissezionarne i codici e ad attivarne le potenzialità sopite. . Queste preoccupazioni vanno di pari passo con un altro aspetto oggi di grande attualità:l’arte coinvolge e impegna fortemente i suoi spettatori.
Molte delle opere presentate alla 54. Esposizione Internazionale d’Arte sono state realizzate appositamente per l’occasione richiamandosi direttamente al tema delle ILLUMInazioni. Nelle opere del pittore e architetto veneziano giocano un ruolo di primo piano nell’instaurare un rapporto artistico, storico ed affettivo con il contesto locale. Le opere dei pittori d’arte classica sono raramente esposte nelle mostre d’arte contemporanea. Attraverso il tema di “ILLUMInazioni”, è facile scoprire che ci sono alcuni elementi che hanno ispirato la contemporaneità.
Questi dipinti esercitano oggi un fascino speciale con la loro illuminazione quasi febbrile ed estatica e un approccio quasi spericolato alla composizione che capovolge l’ordine classico e ben definito del Rinascimento. Sebbene l’autoriflessione sia un fattore determinante dell’arte contemporanea, raramente si sposta oltre il territorio coperto dalla storia del Modernismo.
L’incorporazione dell’opera del pittore veneziano del XVI secolo nella Biennale di Venezia trasmette segnali inaspettati e stimolanti e mette in luce le convenzioni del commercio artistico sull’arte antica e contemporanea. Le analogie di interesse in questa giustapposizione non sono di natura formale ma rafforzano piuttosto il significato delle opere d’arte come veicoli visivi di energia.
L’arte è un terreno altamente autoriflessivo che coltiva una visione lucida del mondo esterno. L’aspetto comunicativo è fondamentale per le idee alla base di ILLUMInazioni, come dimostra l’arte che spesso dichiara e cerca vicinanza alla vitalità della vita. Questo è più importante ora che mai, in un’epoca in cui il nostro senso della realtà è profondamente sfidato da mondi virtuali e simulati.
Punti salienti dei Padiglioni Nazionali
Padiglione dell’Australia: Il filo d’oro
“Il filo d’oro” di Hany Armanious, l’invocazione di forme e culture antiche, il suo abbraccio di una trasformazione quasi alchemica di un materiale in un altro, e il suo interesse nell’incorporare i processi di creazione ed esposizione di opere d’arte nelle sculture stesse, sottolineano desiderio di localizzare il misterioso nel mondano. Sostenendo che gli oggetti della nostra vita quotidiana, soffiatori di foglie, vasi, teiere, cesti, ferri da stiro, tapparelle o persino una corona di cartone di Burger King, possono portare tanto piacere visivo, tanto potenziale di bellezza, quanto quelle cose progettate o considerato nel dominio dell’estetica, il suo lavoro è un riconoscimento che c’è di più in questo mondo di quanto sembri.
Il progetto è panoramico, e abbraccia idee e immagini indipendentemente dal luogo. Il lavoro di Armanious è perspicace, toccante e spesso divertente. Basate sul processo di fusione, le sculture di Armanious presentano una doppia interpretazione di oggetti che vanno dalla storia antica al quotidiano. I suoi meticolosi calchi di oggetti trovati, di solito oggetti ridondanti o scartati che presentano l’usura delle loro vite passate, sono deliberatamente creati in materiali non preziosi, più comunemente resina poliuretanica. La mostra ridefinisce l’intenzione tradizionale di fusione, creando più riproduzioni identiche di un oggetto, e utilizza invece il processo per creare oggetti unici. Sia l’oggetto originale che lo stampo vengono spesso distrutti, e gli oggetti inanimati scrupolosamente fusi diventano una sorta di artefatto,deviando temporaneamente l’attenzione dall’oggetto stesso al processo della sua creazione ed evoluzione.
Padiglione del Canada: Steven Shearer: Exhume to Consume
La mostra personale “Exhume to Consume”, include una selezione di dipinti, disegni e sculture di Steven Shearer, con opere nuove e mai viste prima, che attingono da diverse influenze come la storia dell’arte, la cultura popolare e l’architettura vernacolare. Adottando ed elaborando stili e temi specifici della storia della pittura di figura, compresi quelli associati al simbolismo, all’espressionismo e al fauvismo, Shearer traccia paralleli formali e tematici tra la storia dell’arte e gli aspetti dimenticati o scartati della società.
Steven Shearer riesuma oggetti, immagini e idee dalla storia ma anche dal proprio passato, reinfondendo loro di significato inserendoli in un contesto contemporaneo. Il suo lavoro deriva dalla sua continua compilazione di migliaia di immagini che vengono selezionate da fonti come fanzine, bacheche online e santuari di immagini su siti web personali. Queste fonti frammentarie funzionano in modo generativo poiché vengono combinate e riciclate attraverso il suo lavoro. La sua arte suscita il potenziale psichico ed emotivo all’interno di queste immagini e le trasforma per riflettere la sua esperienza soggettiva.
Padiglione della Cina: Pervasion
La mostra “Pervasion” mostra opere d’arte create da Cai zhisong, Liang yuanwei, Pan gongkai, Yang maoyuan e Yuan gong. Peng feng presenta cinque installazioni di singoli artisti che ricordano i profumi associati alla tradizione culturale del paese (in contrasto con la tradizionale attenzione dell’occidente sull’estetica): tè, loto, liquore, incenso ed erbe medicinali. Il lavoro di Cai evoca il tè; yuan, l’odore dell’incenso; yang, erbe medicinali; pan, l’odore di loto; e liang è il profumo pungente del tradizionale spirito bianco cinese – “baijiu”. ‘Cloud-tea’ di cai zhisong i ‘dispositivi’ dipinti di bianco sono fatti di acciaio e campanelli eolici e tè. quando mosse dal vento, le nuvole emettono il profumo del tè e il suono del vento stesso. la fragranza viene dal tè longjing,che i monaci buddisti bevono tè per mantenere uno stato d’animo puro e rinfrescato. l’installazione è progettata per indurre sensazioni di veglia e illuminazione.
Sebbene appropriatamente correlati, la nebbia circostante è incidentalmente parte di un’altra opera, “incenso vuoto” di yuan gong. utilizzando venti set di atomizzatori ad ultrasuoni, il sistema water mist ad alta pressione dell’installazione riempie il padiglione di nebbia d’incenso atomizzata ogni due ore, da un quadrato di ciottoli bianchi posati sull’erba. “Tutte le cose sono visibili” di Yang Maoyuan sul terreno della cisterna dell’arsenale, i visitatori trovano migliaia di vasi di medicinali. Le ricette mediche tradizionali cinesi sono scolpite all’interno di questi vasi ma all’esterno non ci sono segni. Secondo la teoria della medicina tradizionale cinese, tutte le cose sono visibili, siano essi punti di agopuntura, meridiani o collaterali, ma non esistono affatto per la scienza moderna.
Padiglione di Cipro: tassonomia temporale
“Temporal Taxonomy”, propone una sinergia tra i disegni oggettuali ‘emotivi’ di Doering e le topografie ‘scientifiche’ di Christofides. Mira a creare un dinamismo speciale attraverso una museografia del tempo e dello spazio, la mostra mira a esplorare da un lato le relazioni sociali, politiche e culturali, nonché le tendenze e le tensioni a livello locale e globale, e dall’altro tenta di operare alla maniera dei “manoscritti illuminati” medievali che trasmettono nuove e preziose conoscenze.
Cipro è rappresentata da due artisti, Marianna Christofides ed Elizabeth Hoak-Doering. Partendo dall’esperienza cipriota e dalla realtà storica, entrambi gli artisti affrontano in modo particolare i temi della storicità, dell’identità e della memoria, tracciando e mappando i dati di una storia culturale più ampia. Il lavoro di entrambi gli artisti parte dall’esperienza cipriota e dal campo della socio-politica, ma si estende e si trasforma in modo da articolare un discorso sostanziale come parte di un sistema globale molto più ampio. Le questioni del multiculturalismo, degli incroci, dello spostamento, della migrazione e dell’ibridazione sono un terreno comune nella loro ricerca. Il loro incontro all’interno del Padiglione di Cipro cerca di evidenziare e negoziare le posizioni e le contraddizioni esistenti che circondano l’apparente omogeneità di un ambiente globalizzato,mentre allo stesso tempo affronta il bisogno profondamente umano di trasgressione spirituale e intellettuale: quello che porta a una ridefinizione dei sistemi spazio-temporali dell’esistenza, nonché a una riformulazione dell’esperienza umana.
Padiglione Egitto: 30 giorni di corsa nello spazio in
Multimedia “30 giorni di corsa nello spazio” di Basiony, ha registrato le scene reali del Cairo durante la primavera araba. Una visualizzazione digitale dell’attività fisica dell’artista mentre correva sul posto all’interno di una camera appositamente installata. I suoi segni vitali lampeggiavano sui muri come grafici e linee. Il pezzo è stato ripreso alla Biennale del 2011, insieme a filmati documentari che Basiony ha girato sulle proteste di piazza Tahrir mentre si svolgevano, dal 25 al 27 gennaio.
Padiglione dell’Estonia: una donna occupa poco spazio
“A Woman Takes Little Space” consiste in sei installazioni di stanze concettualmente connesse in un ambiente familiare simile ad un appartamento. Nelle sue installazioni fotografiche, video e site-specific, l’artista esplora vari argomenti, che vanno dalla femminilità e lo spazio sociale alle diverse rappresentazioni delle donne nella società contemporanea, così come i lavori “femminili”. Insieme all’attenzione allo spazio, c’è anche una forte enfasi sul tempo, il suo circolare e un certo elemento di ripetizione rituale e di “non andare da nessuna parte”.
La serie fotografica cattura donne di diverse età e status sociale nei loro luoghi di lavoro. La serie è ispirata a un’affermazione fatta in una colonna d’opinione sull’uguaglianza di genere apparsa sui media estoni alcuni anni fa affermando che le donne hanno bisogno di meno spazio per il loro lavoro quotidiano rispetto agli uomini. Una delle domande che attraversa la mostra tocca i meccanismi che consentono a tali idee di continuare relativamente senza ostacoli a seguito di un accordo non detto tra tutte le parti. Accanto al lavoro che si concentra sulla sfera privata e sul corpo, c’è anche il video Unsocial Hours che esplora il modello del ciclo del lavoro e della vita sociale delle donne attraverso il cibo.
Padiglione della Francia: Chance
Una spettacolare installazione intitolata “Chance” di Christian Boltanski, tratta un tema a lui caro: la fortuna, la sfortuna e il caso, forze che ci affascinano e impongono le proprie leggi. Un ambiente frenetico dove elementi in continuo movimento evocano la lotteria infinita della vita. Questo insieme di opere di Christian Boltanski si presenta anche come un racconto filosofico in cui lo spettatore non si accontenta di registrare passivamente una storia ma è coinvolto in un vero e proprio gioco. Può essere lui stesso scelto dal destino e, se la fortuna gli sorride, vincere una delle opere in mostra.
“Chance” si apre a un esame più ampio del destino. Lo svolgersi della vita e il ritmo delle nascite e delle morti sollevano la questione dell’universale e dell’individuale in una nuova forma, di ciò che distingue un essere dall’altro. Lungi dall’essere cupo, l’atmosfera qui è accogliente. Anche se la brutalità di un sistema industriale e meccanico serve a vanificare l’armonia neoclassica dell’edificio, qui la luce filtrata illumina i volti dei neonati. Periodicamente, uno di loro viene scelto e, se nulla lo distingue dagli altri in apparenza, potrebbe essere ancora quello la cui potenza e fama lasciano il segno nella storia.
Padiglione della Germania: Christoph Schlingensief
Premio Leone d’Oro per la migliore partecipazione nazionale
Nella sala principale del Padiglione Tedesco è stato presentato il palcoscenico dell’oratorio Fluxus A Church of Fear vs. the Alien Within, ideato da Schlingensief per la Ruhrtriennale 2008. In A Church of Fear vs. the Alien Within, Schlingensief usa le proprie esperienze personali per confrontarsi apertamente con i temi universali ed esistenziali della vita, della sofferenza e della morte. Il palcoscenico dello spettacolo, che consiste in molte proiezioni di film e video e una moltitudine di elementi scultorei, spaziali e pittorici, offre agli spettatori, più di ogni altro dei suoi allestimenti, un’installazione totale onnicomprensiva. Una delle due ali laterali del padiglione ospita un cinema in cui viene proiettato su un grande schermo un programma di sei film selezionati di diversi momenti della carriera di Schlingensief. Tutti i film sono digitalizzati da pellicole originali,e sono stati parzialmente restaurati. Il teatro è accessibile in ogni momento durante gli orari di apertura della Biennale e offre a un pubblico internazionale l’opportunità di vedere una significativa selezione dei film di Schlingensief, inclusi alcuni film per la prima volta sottotitolati.
L’ala sinistra del padiglione è dedicata all’Operndorf Afrika di Schlingensief, il suo villaggio d’opera in Africa. Situato vicino a Ouagadougou, la capitale del Burkina Faso, comprende una scuola che ospita aule di cinema e musica, una caffetteria, un ospedale e un edificio teatrale centrale con una sala per i festival. Il villaggio dell’opera è sotto la guida di Aino Laberenz e progettato con l’architetto Francis Kéré. Accanto alle fotografie e alla documentazione delle parti già realizzate del progetto africano – e in combinazione con scene selezionate di Via Intolleranza II, l’ultima commedia di Schlingensief in cui ha collaborato con attori del Burkina Faso – questa porzione del padiglione presenta una proiezione panoramica di grandi dimensioni di filmati dello scenario naturale che circonda il cantiere del villaggio dell’opera,girato da un regista africano che lo stesso Schlingensief aveva commissionato per l’uso nel padiglione tedesco.
Padiglione della Grecia: Beyond Reform
Un’installazione site specific intitolata “Beyond Reform” di Diohandi, esplora lo spazio e il tempo. Con l’interno e l’esterno del padiglione rivisti, come uno spazio esistente, che si trova in un dato momento. La facciata in stile bizantino era visibile attraverso piccole crepe nella superficie di un nuovo involucro esterno che ricopre la struttura originale, mentre acqua, luce e suono erano gli elementi dominanti dell’interno del padiglione. L’accesso all’interno avveniva da un corridoio ascendente che correva lungo il Padiglione tra una superficie d’acqua, conducendo fino alla luce pura. Dopo un’ampia ricerca sull’architettura e la storia del Padiglione Greco, il nuovo spazio di Diohandi vede l’ambiente circostante fondersi con l’interno, offrendo nuovi modi in cui il tessuto edilizio, la luce, il suono e l’acqua possono coesistere.
Diohandi comprende il tema “ILLUMInazioni” nel suo senso più profondo e basilare. A partire da quello che è uno spazio molto specifico, concreto, strettamente razionale, sia all’esterno che all’interno: l’intero spazio viene rimodellato, sebbene nessuno di questi interventi influisca effettivamente sulla struttura esistente. Sono presenti anche il suono e la luce, indispensabili per l’opera. L’installazione al Padiglione della Grecia riflette in un certo senso, con il lavoro specifico di Diohandi, l’attuale stato politico dell’Europa e del mondo in generale. È allo stesso tempo, ovviamente, un commento sull’esperienza greca contemporanea di recessione economica e tutela del FMI: un luogo di luce gettato nell’oscurità e nel declino, aggrappandosi, quasi volenti o nolenti, a speranze di ricostruzione spirituale e sociopolitica. ; in altre parole,a una visione di luce che dovrebbe portare con sé la chiarezza della mente, come se fosse la catarsi finale.
Padiglione dell’India: tutti d’accordo: sta per esplodere
Il primo padiglione dell’India alla Biennale di Venezia, intitolato “Tutti d’accordo: sta per esplodere”, mostra la collezione di Zarina Hashmi, incisore e scultore, Gigi Scaria, pittrice e videoartista, Praneet Soi, artista multimediale e Il collettivo della macchina del desiderio. Questo padiglione si avvicina a quell’idea attraverso i tropi della pratica transculturale, della migrazione e dell’impollinazione incrociata. In effetti, questo padiglione vuole fungere da laboratorio in cui si sperimentano alcune proposte chiave riguardanti la scena artistica indiana contemporanea. Attraverso di essa, potremmo vedere l’India come un’entità concettuale che non è solo basata sul territorio, ma è anche estesa in uno spazio globale dell’immaginazione.
L’obiettivo di Hoskote, nel fare la sua selezione di artisti, è quello di rappresentare un insieme di pratiche artistiche concettualmente rigorose ed esteticamente ricche che vengono messe in scena parallelamente al mercato dell’arte. Queste, inoltre, non sono già state valorizzate dal sistema delle gallerie e dal circuito delle case d’asta. La manifestazione indiana si concentra anche su posizioni artistiche che enfatizzano la natura interculturale della produzione artistica contemporanea: alcune delle opere d’arte più significative che vengono create oggi attingono a una diversità di luoghi, a diverse economie di creazione di immagini e a varie storie culturali.
Padiglione dell’Iraq: Wounded Water
“Wounded Water”, un’entusiasmante selezione curata da professionisti di 6 artisti iracheni di due generazioni, inclusi vari media artistici (pittura, performance, video, fotografia, scultura/installazione). Questi sono tempi straordinari per l’Iraq. Il progetto di creare un Padiglione nazionale ufficiale per la 54a Biennale di Venezia è un work in progress multiplo e partecipativo dal 2004. Storicamente sta giungendo a un periodo di grande rinnovamento dopo oltre 30 anni di guerre e conflitti in quel paese. Il Padiglione dell’Iraq ospita sei artisti iracheni contemporanei di fama internazionale che sono emblematici nella loro ricerca artistica sperimentale individuale, risultato del vivere sia all’interno che all’esterno del loro paese.
Rappresentano due generazioni: una, nata nei primi anni Cinquanta, ha vissuto sia l’instabilità politica che la ricchezza culturale di quel periodo in Iraq. Ali Assaf, Azad Nanakeli e Walid Siti sono diventati maggiorenni negli anni ’70 durante il periodo della creazione del socialismo politico che ha segnato il loro background. La seconda generazione, che comprende Adel Abidin, Ahmed Alsoudani e Halim Al Karim, è cresciuta durante il dramma della guerra Iran-Iraq (1980-1988), l’invasione del Kuwait, le schiaccianti sanzioni economiche dell’ONU e il successivo isolamento artistico. Questa generazione di artisti è uscita dal paese prima dell’invasione del 2003, trovando rifugio in Europa e negli Stati Uniti per pura fortuna unita alla virtù artistica del proprio lavoro.Tutti e sei gli artisti hanno quindi un’identità indubbiamente forgiata con la pratica artistica contemporanea che unisce la situazione globale con l’esperienza irachena e rappresentano un approccio sofisticato e sperimentale di respiro completamente internazionale.
Padiglione di Israele: il pavimento di un uomo è i sentimenti di un altro uomo
“One man’s floor is another man’s feeling” di Sigalit Landau, legando metaforico e materico in un’unica immagine, poetica e politica, il titolo allusivo genera un concept con ampio spazio all’immaginazione. Lavorando con tre elementi essenziali: acqua, terra e sale, il progetto di Landau si collega allo stesso padiglione israeliano. Il progetto è site specific, celebra l’acqua che c’è, i temi dell’interdipendenza, le comunità e le società che vivono in questa regione, adiacenti l’una all’altra, condividendo terra e cultura.
Padiglione Italia: Ministero per i Beni e le Attività Culturali
Per la tradizionale sede del Padiglione Italia, ampliata in occasione del 150° anniversario dell’Unità d’Italia, sono state selezionate 200 grandi personalità di riconosciuto prestigio internazionale a cui è stato chiesto di indicare un artista che abbia avuto un significato nel primo decennio di questo millennio, dal 2001 al 2011. Sono stati esposti 200 artisti, risultato di 200 modi diversi di intendere l’arte. Una rappresentazione caleidoscopica che non si limita alle scelte della critica e non segue le tendenze delle gallerie, ma alimenta lo straordinario connubio tra arte, letteratura, filosofia. L’Arsenale ha esposto anche il Museo della Mafia, portato da Salemi a Venezia, proponendo il leit-motiv dell’esposizione: “L’arte non è nostra”.
La mostra Italia: 150 / Biennale: 116. intende presentare una collezione di particolare importanza per varietà, consistenza e qualità artistica. La mostra comprendeva le opere di Augusto Sezanne, Ettore Tito, Marcello Dudovich, Carlo Scarpa, Albe Steiner, Milton Glaser, Ettore Sottsass, Gianluigi Toccafondo e Studio Tapiro con sede a Venezia. La mostra è stata realizzata con le risorse interne della Biennale, in particolare dell’ASAC (Archivio Storico delle Arti Contemporanee), nell’ambito del più ampio progetto di valorizzazione dei suoi Fondi. La mostra è stata resa possibile grazie al recente lavoro di rielaborazione e inventario dell’intera collezione di manifesti con 3.500 pezzi, rappresentati da 360 manifesti generali, oltre a manifesti secondari, manifesti e annunci.
Padiglione del Giappone: Tabaimo: teleco-zuppa
L’installazione intitolata “teleco-soup” di Tabaimo, creata proiettando un’animazione multicanale su pannelli a specchio, questo ambiente multimediale immersivo esplora l’identità del paese come stato insulare. “Teleco-zuppa”, connota l’idea di una zuppa “invertita”, ovvero l’inversione dei rapporti tra acqua e cielo, fluido e contenitore, sé e mondo. Coniata dall’artista, questa frase si basa su una tradizione intellettuale in Giappone che è alle prese con l’identità del paese come stato insulare, o quella che negli ultimi anni è stata conosciuta come la “Sindrome delle Galapagos”, originariamente usata per descrivere l’incompatibilità tra i giapponesi tecnologia e mercati internazionali, ma ora applicabile a molteplici sfaccettature della società giapponese nell’era della globalizzazione.La struttura della mostra fa inoltre riferimento a un proverbio attribuito al filosofo cinese Zhuangzi, “Una rana in un pozzo non può concepire l’oceano”, e un’aggiunta alla versione giapponese dello stesso, “Ma conosce l’altezza del cielo. ”
Attraverso l’uso di una proiezione di animazione multicanale e di pannelli a specchio, Tabaimo trasforma l’interno del Padiglione del Giappone in un pozzo e lo spazio aperto sotto il Padiglione, che si eleva su pilotis, in cielo. Il susseguirsi delle immagini porta a riconoscere l’ampiezza inimmaginabile del pozzo – o Giappone contemporaneo – e attraverso l’orientamento antigravitazionale dell’installazione si collega a una profondità/altezza infinita nel mondo eterno del cielo sottostante, visibile attraverso un’apertura nel piano al centro del Padiglione. In questo modo, estendendosi oltre i confini del Padiglione, l’installazione destabilizza le relazioni tra alto e basso, interno ed esterno, prospettive larghe e strette, e immerge i visitatori in un’esperienza corporea che chiede loro di interrogarsi,Il mondo di una rana che vive in un pozzo è davvero così piccolo? E, come possiamo negoziare i punti di contatto tra l’individuo e la comunità, come negoziamo le nostre sindromi delle Galapagos?
Padiglione della Lituania: dietro il sipario bianco
Behind the White Curtain è un’opera di Darius Mikšys, tenta di riunire e mostrare una mostra simbolica curata da uno stato moderno e trasformarla in una vera mostra e archivio nazionale. Agendo come uno specchio pubblico sia autocostruito che auto-organizzato, Behind the White Curtain costituisce una collezione di opere d’arte di artisti che hanno ricevuto la sovvenzione statale dal Ministero della Cultura della Repubblica di Lituania negli ultimi due decenni (1992-2010) .
Lo stato lituano seleziona gli artisti per una mostra simbolica assegnando premi e sovvenzioni per promuovere la pratica degli artisti lituani. Potrebbe essere visto come una programmazione mirata di prodotti culturali. In questo modo, lo stato funge da curatore, la cui sala espositiva non ha pareti e la cui mostra è in mostra da decenni. È possibile vedere una mostra del genere? Come si visita? Behind the White Curtain è un’installazione e una performance, che si svolge su entrambi i lati del sipario. Un lato funge da spazio di archiviazione per l’intera collezione, mentre il secondo funge da esposizione rotante; modellati in base agli interessi specifici di ciascun visitatore.
Padiglione del Lussemburgo: Le Cercle Fermé
“Le Cercle Fermé” di Martine Feipel & Jean Bechameil, si rende conto che la nozione di spazio è centrale. L’osservatore si presenta con un’unica idea: l’ovvia necessità di trovare un nuovo tipo di spazio. L’opera d’arte può essere intesa a vari livelli diversi che toccano tanto la filosofia quanto la storia dell’arte o la società. In questo progetto la gestione dello spazio è in crisi. Sulla scia della filosofia di Jacques Derrida, si tratta di cercare di superare il limite di un luogo per trovarne uno nuovo. Si tratta di pensare al senso del limite e al senso dello spazio che è principalmente frutto della tradizione.
L’importante è non oltrepassare o trasgredire la legge attraversando il limite, ma ”aprire” uno spazio proprio nel cuore dello spazio precedente. Questa apertura non crea un nuovo spazio da occupare, ma piuttosto una sorta di tasca nascosta all’interno dell’antico significato del limite. Si tratta di un’apertura nello spazio secondo il principio dello slittamento. Questo slittamento interno e la ricreazione dello spazio implicano sempre la distruzione di un’istituzione. La situazione sembra ancora aperta, ma mancano concetti di azione in grado di rispondere alla crisi ecologica e alla crisi di civiltà. Non c’è dubbio che oggi sia più che mai urgente considerare ogni riflessione sulla questione dello spazio come opera di civiltà, come rimodellamento della civiltà. Modificare il quotidiano rimodella completamente il nostro mondo.
Padiglione del Montenegro: The Fridge Factory e Clear Waters
La mostra intitolata “The Fridge Factory and Clear Waters”, artisti di performance congiunti hanno esibito insieme a Marina Abramović, llija Soskic e Natalija Vujosevic. Obod è una vecchia fabbrica di frigoriferi di 140.000 metri quadrati situata a Cetinje, capitale dell’antico regno del Montenegro, e costruita durante il regime comunista di Tito. Obod è stata fondata per produrre frigoriferi per tutta l’ex Jugoslavia e rimane oggi un esempio perfettamente conservato degli ideali del comunismo, dell’industrializzazione e del modernismo che erano così vicini alle biblioteche secolari, ai palazzi, ai monasteri e alle montagne che rendono Il Montenegro è una posizione geografica così avvincente. Lo spazio è stato convertito in un laboratorio di produzione, presentazione, distribuzione e sviluppo di diverse forme d’arte dalla performance, alla danza,teatro, opera, film e anche promuovere l’architettura, la scienza e le nuove tecnologie.
Il lavoro di Marina consiste in un video con una narrazione originale e una breve biografia sulle sue radici montenegrine e spiega il suo ambizioso progetto di stabilire due centri di performance contemporaneamente in Montenegro (Europa) e ad Hudson, New York. Il lavoro di Marina Abramović può essere visto anche in “Personal Structures” a cura di Karlyn de Jongh e Sarah Gold, ospitato nello splendido Palazzo Bembo vicino al Ponte di Rialto sul Canal Grande. Questa mostra collettiva riunisce un’interessante combinazione di 28 artisti, provenienti da 5 continenti. Artisti affermati o meno noti, tutti sono accomunati da un interesse comune: la dedizione al concetto di tempo, spazio ed esistenza.
Padiglione della Nuova Zelanda: Primo sguardo all’Omero di Chapman
“On first looking into Chapman’s Homer” di Michael Parekowhai, rende omaggio alla poesia con lo stesso titolo del poeta romantico inglese del XIX secolo John Keats e fa riferimento a nozioni di scoperta, esplorazione e interazione culturale tra il Vecchio e il Nuovo Mondo . L’artista comprende il lavoro di Homer di Chapman in un modo che si combina con l’arte performativa, molto del vero significato del lavoro passa attraverso la musica, che riempie lo spazio come nessun oggetto può. Michael Parekowhai crea un senso di dramma e sorpresa per il pubblico.
Padiglione della Norvegia: lo stato delle cose
Riflettendo sui principi del passaporto Nansen oggi, e sulla possibilità che l’immagine di una nazione possa essere definita dal suo internazionalismo, l’Office for Contemporary Art Norway (OCA) organizza “The State of Things”, una serie di conferenze pubbliche che fa parte della rappresentanza norvegese per la 54a edizione della Biennale di Venezia. Le conferenze pubbliche, tenute da intellettuali di fama internazionale, riflettono su temi come la diversità, l’Europa, l’ambiente, il processo di pace, i diritti umani, il capitale, la sostenibilità, la migrazione, l’asilo, l’estetica e la guerra. Ciascuno dei contributi affronta lo ‘stato delle cose’ oggi, attingendo dai campi di attività e di ricerca dei relatori, e da quelle che considerano le priorità intellettuali e politiche di oggi.
Padiglione della Russia: zone vuote
“Empty Zones”, un tentativo di vedere retrospettivamente le azioni di CA come vita nell’arte. Focalizzata sul paradosso della scala, la mostra mostra l’arte come produzione di sé piuttosto che di oggetti (dipinti, sculture, installazioni). Empty Zones è il concetto di vita come un’opera d’arte unica. E questa vita nell’arte è stata dimostrata attraverso l’utilizzo delle metafore create per lo spazio del Padiglione Russo.
È stato il primo esempio in Russia del tipo di arte che porta lo spettatore fuori dalla sua consueta condizione passiva e gli offre un ruolo attivo nella creazione di un evento artistico.” Gli eventi estetici spazio-temporali che compongono le ‘azioni’ di CA sono stati sviluppati sia in vasti spazi rurali (campi, boschi, fiumi e così via) e nei testi che introducono le azioni, le accompagnano e commentano gli eventi di un’azione, ma alcune azioni si sono svolte anche in città e in spazi chiusi quando il processo di elaborazione di un linguaggio estetico contemporaneo lo richiedeva, CA ha realizzato 125 azioni e compilato 10 volumi (i lavori sull’11PthP sono in corso) dei libri Gite fuori città.
Padiglione dell’Arabia Saudita: The Black Arch
“The Black Arch” di Mona Khazindar e Robin Start, parla molto di un punto d’incontro dei due artisti; di due visioni del mondo; dalle tenebre alla luce, e di due città, Mecca e Venezia. L’opera è un palcoscenico, impostato per proiettare la memoria collettiva di Black degli artisti, la monumentale assenza di colore – e la rappresentazione fisica di Black, riferendosi al loro passato. La narrazione è alimentata dalle storie ispiratrici raccontate dalle loro zie e nonne, ed è ancorata alla Mecca, dove le sorelle sono cresciute negli anni ’70.
Colpisce per le artiste l’esperienza con la presenza fisica di Black, la prima parte dell’installazione, ispirata alle sagome nere delle donne saudite. In contrapposizione, la seconda parte dell’installazione è un’immagine speculare, che riflette il presente. Questi i parametri estetici dell’opera. The Black Arch parla anche di un viaggio, di una transizione; ispirato da Marco Polo e dal compagno di viaggio del XIII secolo Ibn Battuta, entrambi esempi di come collegare le culture attraverso i viaggi. Gli artisti si concentrano sulle somiglianze tra le due città cosmopolite e sui loro poteri ispiratori. La doppia visione di due donne, due sorelle, due artiste si dipana in un mondo di rituali e tradizioni che però affronta con semplicità la realtà quotidiana del comportamento umano.
Padiglione della Slovenia: riscaldatori per sensazioni calde
L’installazione scultorea di Mirko Bratuša Heaters for Hot Feelings è composta da otto pezzi tattili, antropomorfi e biomorfi, ciascuno dei quali alto circa 2 m. I raccordi elettrici nascosti riscaldano, umidificano e raffreddano le sculture di argilla cotta. Il calore generato dal raffreddamento delle prime sculture veniva utilizzato per riscaldare le altre. Una rete di connessioni si configura come un sistema di corpi artificiali, che indicano la loro mutua dipendenza. Le metafore di un sistema artistico così costruito sono universalmente applicabili alla società moderna, in cui tutto avviene in relazione reciproca: accumulare ricchezze da una parte del pianeta porta alla povertà dall’altra, lo sfruttamento della natura provoca disastri naturali, i disordini sociali mutano le politiche sistemi.
Le sculture di Mirko Bratuša sono catturate in vari stati di emozione. Sono straordinariamente espressivi, progettati con stravaganza scultorea e umorismo raffinato. Alludendo a fenomeni eccentrici della tradizione cattolica occidentale, ci rivelano l’esotico nel luogo comune. Così per raggiungere un livello più alto di empatia sono realizzati con il materiale decisamente espressivo e non più commercializzato di massa dell’argilla cotta. Sono tattili, calde e fredde. Ci mostrano l’aspetto psicotico della nostra vita quotidiana, riflettono le nostre paure e parlano del nostro senso di smarrimento nella cultura moderna, dove sembra che non possiamo più influenzare la politica e i rapporti di potere sociale e che non è più possibile fermare il processi di distruzione della natura. Pertanto, suggerisce Bratuša, dobbiamo tornare alle percezioni elementari,al regno della sensibilità perduta.
Padiglione della Turchia: Plan B
Il “Piano B” di Ayşe Erkmen, attinge al rapporto ineluttabile e complesso che Venezia ha con l’acqua. Il progetto di Erkmen trasforma una stanza all’interno dell’Arsenale in una complessa unità di purificazione dell’acqua dove le macchine si comportano come sculture, avvolgendo il pubblico all’interno del processo di filtrazione che alla fine restituisce acqua pulita e potabile al canale. Ogni componente dell’unità di filtrazione è stato separato, disseminando i macchinari in tutto il locale e poi ricollegando gli elementi con tubi prolungati. Erkmen coreografa le eleganti forme industriali per attirare l’attenzione sul processo di trasformazione, al termine del quale l’acqua depurata viene restituita al canale: un gesto inutile, ma coraggioso contro la travolgente scala del canale e dell’oceano.
Formalmente, la pratica di Erkmen commenta spesso la relazione del minimalismo tra le forme industriali e il corpo. Qui l’installazione genera un’esperienza viscerale per gli spettatori che sono incarnati all’interno del meccanismo di trasformazione. “Piano B” veicola astrattamente sistemi e processi di cui facciamo parte quotidianamente: il sangue che circola nel corpo, il Capitale che scorre attraverso i confini, i meccanismi dell’autorità, l’approvvigionamento di risorse naturali mentre offre un riferimento poetico alla potenzialità del cambiamento. Allo stesso tempo, il lavoro è una critica sottilmente umoristica dell’euforia per soluzioni e cambiamenti di breve durata insostenibili all’interno dei complessi sistemi e strutture che ci circondano.
Padiglione del Regno Unito: I, impostore
“I, impostor” di Mike Nelson, installazione immersiva per il padiglione britannico. Il nuovo adattamento fonde strati di tempo e spazio reinventando la storia di una locanda lungo la strada del XVII secolo. Progettato per supportare le rotte commerciali mercantili attraverso l’Asia, il Nord Africa e l’Europa sudorientale, lo spazio era sontuoso durante il suo apice. L’ultima reinterpretazione spaziale fa quindi crollare il tempo integrando l’architettura seicentesca con manufatti del recente presente, come mobili in plastica e un televisore obsoleto. Spostare l’installazione da Istanbul a Venezia distorce anche la percezione della geografia, ma unisce le storie condivise delle due città come ex centri commerciali.
Padiglione degli Stati Uniti d’America: Gloria
Intitolato “Gloria”, il padiglione americano è stato riorganizzato, c’è molta polvere nell’aria fuori, e con tutto il cartone ei detriti che giace intorno come una zona di guerra. Un carro armato britannico da 60 tonnellate capovolto, chiamato Track and Field, hanno fissato un tapis roulant per esercizi in cima al binario destro del carro armato. Con esibizioni di ginnaste americane si è svolta all’interno del padiglione. Una replica della statua simbolica della Libertà si trovava accanto ad Algorithm, una pipa allestita con un bancomat funzionante, dove l’organo riproduce musica solo durante una transazione.
Allora e Guillermo Calzadilla rappresentano gli Stati Uniti con cinque installazioni. L’artista capisce l’evento che spesso viene chiamato le Olimpiadi del mondo dell’arte. Come gli atleti, si preparano rigorosamente e alla fine competono per l’oro. Gloria, come nella gloria olimpica, o la gloria dell’arte, o la gloria della guerra. Ma un carro armato capovolto può essere facilmente interpretato come un simbolo della gloria sbiadita dell’America. Il visitatore può vedere il rapporto tra militarismo, pensare alla guerra. La scultura riguarda anche la gravità, il peso, l’assemblaggio, la performance, il suono. Quindi ha tutte queste specie di registri multipli che lo fanno superare un solo fine, utile, pratico, funzionale.