Un autoritratto è una rappresentazione di un artista che viene disegnato, dipinto, fotografato o scolpito da quell’artista. Sebbene gli autoritratti siano stati fatti fin dai primi tempi, non è fino al primo Rinascimento della metà del XV secolo che gli artisti possono essere identificati frequentemente raffigurandosi come il soggetto principale, o come personaggi importanti nel loro lavoro. Con specchi migliori e meno costosi e l’avvento del ritratto del pannello, molti pittori, scultori e incisori hanno provato qualche forma di autoritratto. Ritratto di un uomo in un turbante di Jan van Eyck del 1433 potrebbe essere il primo autoritratto del pannello conosciuto. Dipinse un ritratto separato di sua moglie, e apparteneva al gruppo sociale che aveva iniziato a commissionare ritratti, già più comune tra i ricchi olandesi che a sud delle Alpi. Il genere è venerabile, ma non fino al Rinascimento, con una maggiore ricchezza e interesse per l’individuo come soggetto, è diventato veramente popolare.

tipi

Un autoritratto può essere un ritratto dell’artista o un ritratto incluso in un’opera più grande, incluso un ritratto di gruppo. Si dice che molti pittori abbiano incluso raffigurazioni di individui specifici, incluso se stessi, nella pittura di figure religiose o di altri tipi di composizione. Tali dipinti non erano destinati a rappresentare pubblicamente le persone reali come se fossero loro stessi, ma i fatti sarebbero stati noti all’epoca all’artista e al mecenate, creando un punto di discussione e un test pubblico sull’abilità dell’artista.
Nei primi esempi superstiti di autoritratti medievali e rinascimentali, scene storiche o mitiche (dalla Bibbia o dalla letteratura classica) sono state raffigurate usando come modelli una serie di persone reali, includendo spesso l’artista, dando all’opera una funzione multipla come ritrattistica, autoritratto e storia / pittura mito. In questi lavori, l’artista di solito appare come una faccia nella folla o nel gruppo, spesso verso i bordi o l’angolo del lavoro e dietro i partecipanti principali. The Four Philosophers (1611-12) di Rubens è un buon esempio. Questo è culminato nel 17 ° secolo con il lavoro di Jan de Bray. Sono stati usati molti media artistici; oltre a dipinti, disegni e stampe sono stati particolarmente importanti.

Nel famoso Ritratto di Arnolfini (1434), Jan van Eyck è probabilmente una delle due figure intraviste in uno specchio – una concezione sorprendentemente moderna. Il dipinto di Van Eyck potrebbe aver ispirato Diego Velázquez a dipingere se stesso in piena vista come il pittore che creò Las Meninas (1656), come il Van Eyck appeso nel palazzo di Madrid dove lavorava. Questo era un altro aspetto moderno, dato che egli appare come il pittore (in precedenza non visto nella ritrattistica ufficiale ufficiale) e vicino al gruppo della famiglia del re, che erano i presunti soggetti principali del dipinto.

In quello che potrebbe essere uno dei primi autoritratti dell’infanzia che ora sopravvive, Albrecht Dürer si descrive come uno stile naturalistico come un ragazzo di 13 anni nel 1484. Negli anni successivi appare in vari modi come un mercante sullo sfondo delle scene bibliche e come Cristo.

Leonardo da Vinci può aver disegnato una sua foto all’età di 60 anni, intorno al 1512. L’immagine è spesso riprodotta direttamente come l’aspetto di Da Vinci, anche se questo non è certo.

Nel XVII secolo, Rembrandt dipinse una serie di autoritratti. In The Prodigal Son in the Tavern (1661), uno dei primi autoritratti con la famiglia, il dipinto include probabilmente Saskia, la moglie di Rembrandt, una delle prime raffigurazioni di un membro della famiglia di un famoso artista. I dipinti di famiglia e di gruppi professionali, compresa la raffigurazione dell’artista, divennero sempre più comuni dal 17 ° secolo in poi. A partire dal tardo 20 ° secolo, il video gioca un ruolo sempre maggiore nell’autoritratto e aggiunge anche la dimensione dell’audio, consentendo alla persona di parlare con noi nella propria voce.

Pittori donne
Le artiste donne sono notevoli produttori di autoritratti; quasi tutte le donne significative hanno lasciato un esempio, da Caterina van Hemessen alla prolifica Elisabeth Vigée-Lebrun e Frida Kahlo, così come Alice Neel, Paula Modersohn-Becker e Jenny Saville che si sono dipinte nude. Vigée-Lebrun dipinse un totale di 37 autoritratti, molti dei quali erano copie di quelli precedenti, dipinti per la vendita. Fino al XX secolo le donne non erano in grado di allenarsi a disegnare il nudo, il che rendeva difficile per loro dipingere grandi composizioni di figure, portando molti artisti a specializzarsi in ritratti. Le artiste hanno storicamente incarnato un certo numero di ruoli nel loro autoritratto. Il più comune è l’artista al lavoro, che si mostra nell’atto di dipingere, o almeno tiene in mano un pennello e una tavolozza. Spesso, lo spettatore si chiede se gli abiti indossati fossero quelli in cui normalmente vengono dipinti, poiché la natura elaborata di molti gruppi è stata una scelta artistica per mostrare la sua abilità con dettagli precisi.

antichità
Immagini di artisti al lavoro si incontrano nell’antica pittura egizia, nella scultura e anche nei vasi di antichi greci. Uno dei primi autoritratti fu fatto dal capo scultore del faraone Akhenaton, Bak, nel 1365 aC. Plutarco menziona che l’antico scultore greco Fidia aveva incluso una sua somiglianza in un certo numero di personaggi nella “Battaglia delle Amazzoni” sul Partenone, e ci sono riferimenti classici agli autoritratti dipinti, nessuno dei quali è sopravvissuto.

Asia
Ritratti e autoritratti hanno una storia continua più lunga nell’arte asiatica che in Europa. Molti nella tradizione del gentiluomo erudito sono piuttosto piccoli, raffiguranti l’artista in un grande paesaggio, che illustrano un poema in calligrafia sulla sua esperienza della scena. Un’altra tradizione, associata al Buddismo Zen, produce vivaci autoritratti semi caricaturati, mentre altri rimangono più vicini alle convenzioni del ritratto formale.

Arte europea
I manoscritti miniati contengono una serie di autoritratti apparenti, in particolare quelli di Saint Dunstan e Matthew Paris. La maggior parte di questi mostra l’artista al lavoro o presenta il libro finito a un donatore oa una figura sacra, o alla venerazione di una tale figura. Si crede che Orcagna si sia dipinto come una figura in un affresco del 1359, [citazione necessaria] che divenne, almeno secondo gli storici dell’arte – il Vasari registra un certo numero di tali tradizioni – una pratica comune degli artisti. [Citazione necessaria] Tuttavia, per gli artisti precedenti, senza nessun altro ritratto da confrontare, queste descrizioni sono necessariamente piuttosto speculative. Tra i primi autoritratti figurano anche due affreschi di Johannes Aquila, uno a Velemér (1378), nell’Ungheria occidentale e uno a Martjanci (1392), nella Slovenia nordorientale. In Italia Giotto di Bondone (1267-1337) si è inserito nel ciclo degli “uomini eminenti” nel Castello di Napoli, Masaccio (1401-1428) si è dipinto come uno degli apostoli nel dipinto della Cappella Brancacci, e Benozzo Gozzoli include se stesso, con altri ritratti, nella Processione dei Magi di Palazzo Medici (1459), con il suo nome scritto sul cappello. Questo è imitato pochi anni dopo da Sandro Botticelli, come spettatore dell’Adorazione dei Magi (1475), che si allontana dalla scena per guardarci. I busti ritratti scolpiti del XIV secolo e della famiglia Parler nella Cattedrale di Praga includono autoritratti e sono tra i primi busti di figure non reali. Ghiberti includeva una piccola testa di se stesso nella sua opera più famosa. In particolare, il primo autoritratto dipinto in Inghilterra, oltre che in un manoscritto, è la miniatura dipinta a olio su tavola dall’artista tedesco Gerlach Flicke, 1554.

Albrecht Dürer, 1471-1528, il primo prolifico autoritratto
Albrecht Dürer era un artista molto consapevole della sua immagine pubblica e della sua reputazione, le cui entrate principali provenivano dalle sue vecchie stampe principali, tutte contenenti il ​​suo famoso monogramma, che erano state vendute in tutta Europa. Probabilmente si è dipinto più spesso di qualsiasi artista prima di lui, producendo almeno dodici immagini, tra cui tre ritratti ad olio e figure in quattro pale d’altare. Il primo è un disegno a punto d’argento creato quando aveva tredici anni. A ventidue anni Dürer dipinse l’Autoritratto con Carnation (1493, Louvre), probabilmente da inviare alla sua nuova fidanzata. L’autoritratto di Madrid (1498, Prado) ritrae Dürer come un dandy nell’elegante vestito italiano, che riflette il successo internazionale che aveva raggiunto da allora. Nel suo ultimo autoritratto, venduto o donato alla città di Norimberga, e mostrato pubblicamente, che erano pochissimi ritratti, l’artista si dipingeva con un’inconfondibile somiglianza con Gesù Cristo (Monaco, Alte Pinakothek). In seguito ha riutilizzato il volto in un’incisione religiosa di, in modo rivelatore, il Velo di Veronica, l’autoritratto di Cristo stesso (B.25). Un autoritratto a guazzo che ha inviato a Raffaello non è sopravvissuto. Una xilografia di uno stabilimento balneare e un disegno mostrano autoritratti praticamente nudi.

Rinascimentale e barocco
I grandi pittori italiani del Rinascimento hanno fatto relativamente pochi autoritratti dipinti, ma spesso si sono inseriti in opere più grandi. La maggior parte degli autoritratti individuali che hanno lasciato erano rappresentazioni semplici; L’esibizione di Dürer è stata raramente seguita, anche se un Autoritratto controverso come David di Giorgione avrebbe qualcosa dello stesso spirito, se si tratta di un autoritratto. C’è un ritratto di Pietro Perugino del 1500 circa (Collegio del Cambio di Perugia), e uno del giovane Parmigianino che mostra il panorama in uno specchio convesso. C’è anche un disegno di Leonardo da Vinci (1512), e autoritratti in opere più grandi di Michelangelo, che ha dato il suo volto alla pelle di San Bartolomeo nel Giudizio Universale della Cappella Sistina (1536-1541), e Raffaello chi è visto nei personaggi della Scuola di Atene del 1510, o con un amico che gli tiene la spalla (1518). Notevoli anche i due ritratti di Tiziano come un uomo anziano negli anni ’60. Paolo Veronese appare come violinista vestito di bianco nel suo Matrimonio di Cana, accompagnato da Tiziano sul contrabbasso (1562). Gli artisti del nord hanno continuato a realizzare ritratti più individuali, spesso somiglianti a quelli degli altri personaggi borghesi. Johan Gregor van der Schardt ha prodotto un busto in terracotta dipinta di se stesso (1573 circa).

L’Allegoria della Prudenza di Tiziano (1565 ca.-15) è raffigurata per raffigurare Tiziano, suo figlio Orazio e un giovane cugino, Marco Vecellio. Tiziano dipinse anche un tardo autoritratto nel 1567; apparentemente il suo primo. L’artista barocco Artemisia Gentileschi La Pittura (Autoritratto come allegoria della pittura) si presenta incarnando la classica rappresentazione allegorica della Pittura, vista nella drammatica maschera indossata attorno al collo di Gentileschi che la Pittura porta spesso. L’attenzione dell’artista verso il suo lavoro, lontano dallo spettatore, mette in risalto il dramma del periodo barocco e il ruolo mutevole dell’artista dall’artigiano al singolare innovatore. Caravaggio si dipinse in Bacco all’inizio della sua carriera, poi appare nella composizione di alcuni dei suoi dipinti più grandi. Infine, il capo di Golia tenuto da David (1605-10, Galleria Borghese) è di proprietà di Caravaggio.

Rembrandt e il XVII secolo nell’Europa settentrionale
Nel XVII secolo, artisti fiamminghi e olandesi si dipinsero molto più spesso; entro questa data gli artisti di maggior successo avevano una posizione nella società in cui un membro di qualsiasi commercio avrebbe considerato di farsi dipingere il ritratto. Molti includono anche le loro famiglie, sempre seguendo la normale pratica per le classi medie. Mary Beale, Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens ci hanno regalato numerose immagini di se stessi, che spesso dipingevano anche la sua famiglia. Questa pratica era particolarmente comune per le artiste donne, la cui inclusione delle loro famiglie era spesso un tentativo deliberato di mitigare le critiche alla loro professione causando distrazione dal loro “ruolo naturale” di madri.

Rembrandt è stato l’autoritratti più frequente, almeno fino al periodo moderno ossessionato da se stesso, dipingendo spesso anche la moglie, il figlio e l’amante. Un tempo circa novanta dipinti erano considerati come autoritratti di Rembrandt, ma ora è noto che i suoi studenti hanno copiato i propri autoritratti come parte del loro addestramento. La borsa di studio moderna ha ridotto il conteggio degli autografi a qualcosa di oltre quaranta dipinti, così come alcuni disegni e trentuno incisioni, che includono molte delle immagini più straordinarie del gruppo. Molti lo mostrano in posa in costume quasi storico, o tirando le facce a se stesso. I suoi dipinti a olio tracciano il percorso da un giovane incerto all’elegante e ritrattista di grande successo degli anni Trenta fino ai ritratti tormentati ma massicciamente potenti della sua vecchiaia.

Dopo Rembrandt
In Spagna, ci sono stati autoritratti di Bartolomé Estéban Murillo e Diego Velázquez. Francisco de Zurbarán si rappresentò in Luca l’evangelista ai piedi di Cristo sulla croce (intorno al 1635). Nel 19 ° secolo, Goya si dipinse numerose volte. Autoritratti francesi, almeno dopo Nicolas Poussin tendono a mostrare lo status sociale dell’artista, anche se Jean-Baptiste-Siméon Chardin e alcuni altri hanno mostrato il loro vero costume di lavoro in modo molto realistico. Questa era una decisione che tutti gli auto-ritrattisti del XVIII secolo dovevano fare, sebbene molti si dipingessero sia in costume formale che informale in diversi dipinti. Da allora in poi, si può dire che i pittori più significativi ci hanno lasciato almeno un autoritratto, anche dopo il declino del ritratto dipinto con l’arrivo della fotografia. Gustave Courbet (vedi sotto) fu forse l’autoritratti più creativo del diciannovesimo secolo, e lo studio dell’artista e Bonjour, Monsieur Courbet, sono forse i più grandi autoritratti mai dipinti. Entrambi contengono molte figure, ma sono saldamente centrate sulla figura eroica dell’artista.

Autoritratti moderni e prolifici
Uno dei più famosi e prolifici autoritratti era Vincent van Gogh, che disegnò e dipinse se stesso più di 43 volte tra il 1886 e il 1889. In tutti questi autoritratti si nota che lo sguardo del pittore è raramente diretto a noi; anche quando è fisso, sembra guardare altrove. Questi dipinti variano in intensità e colore e alcuni ritraggono l’artista con bende; rappresenta l’episodio in cui si è tagliato un orecchio.

I numerosi autoritratti di Egon Schiele stabiliscono nuovi standard di apertura, o forse esibizionismo, che lo rappresentano nudo in molte posizioni, a volte masturbandosi o con un’erezione, come in Eros (1911). Stanley Spencer avrebbe seguito un po ‘in questo modo. Max Beckmann è stato un pittore prolifico di autoritratti come lo è stato Edvard Munch che ha realizzato un gran numero di autoritratti (70), stampe (20) e disegni o acquerelli (oltre 100) per tutta la sua vita, molti che lo mostrano maltrattato da la vita, e soprattutto dalle donne. Horst Janssen, che ossessivamente utilizzava l’autoritratto come espressione artistica personale e introspettiva, ha prodotto centinaia di autoritratti che lo ritraggono in una vasta gamma di contesti, in particolare in relazione a malattia, malumore e morte. La mostra del 2004 “Schiele, Janssen, Selbstinszenierung, Eros, Tod” (Schiele, Janssen: Autodidattica, Eros, Morte) al Leopold Museum di Vienna ha messo in parallelo le opere di Egon Schiele e Horst Janssen, attingendo pesantemente a saggi di erotismo e morte in combinazione con l’autoritratto inarrestabile. Frida Kahlo, che dopo un terribile incidente trascorso molti anni a letto, con solo lei stessa per un modello, era un altro pittore i cui autoritratti descrivono un grande dolore, nel suo caso fisico oltre che mentale. I suoi 55 autoritratti includono molti di se stessi dalla vita in su, e anche alcune rappresentazioni da incubo che simboleggiano le sue sofferenze fisiche.

Nel corso della sua lunga carriera, Pablo Picasso ha spesso usato autoritratti per dipingersi nelle molte diverse forme, travestimenti e incarnazioni del suo personaggio artistico autobiografico. Dal giovane periodo sconosciuto “Yo Picasso” al periodo del “Minotauro nel Labirinto”, al “vecchio Cavalier” e al “vecchio lussurioso artista e modello”. Spesso gli autoritratti di Picasso raffiguravano e rivelavano complicate intuizioni psicologiche, sia personali che profonde sullo stato interiore e il benessere dell’artista. Un altro artista che ha dipinto autoritratti interessanti e rivelatori durante la sua carriera è stato Pierre Bonnard. Bonnard ha anche dipinto dozzine di ritratti di sua moglie Marthe per tutta la sua vita. Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele e Horst Janssen in particolare hanno fatto degli autoritratti intensi (a volte in modo inquietante) e auto-rivelatori durante tutta la loro carriera.

Autoritratti in generale

Pittori al lavoro
Molti dei ritratti medievali mostrano l’artista al lavoro, e Jan van Eyck, il suo cappello da ballerino, ha le parti normalmente appese alla testa, dando l’impressione fuorviante di indossare un turbante, presumibilmente per convenienza mentre dipinge. All’inizio dell’era moderna, sempre più uomini e donne che si dipingevano sul lavoro dovevano scegliere se presentarsi nei loro abiti migliori e nella stanza migliore o rappresentare realisticamente la pratica dello studio. Vedi anche la galleria di pittori donne sopra.

Classificazione
La critica d’arte Galina Vasilyeva-Shlyapina separa due forme fondamentali dell’autoritratto: ritratti “professionali”, in cui l’artista è raffigurato all’opera, e ritratti “personali”, che rivelano tratti morali e psicologici. Propone anche una tassonomia più dettagliata: (1) l’autoritratto “inseribile”, in cui l’artista inserisce il proprio ritratto in, per esempio, un gruppo di personaggi relativi a qualche soggetto; (2) l’autoritratto “prestigioso, o simbolico”, in cui un artista ritrae se stesso sotto le spoglie di una persona storica o di un eroe religioso; (3) il “ritratto di gruppo” in cui l’artista è raffigurato con membri della famiglia o altre persone reali; (4) l’autoritratto “separato o naturale”, in cui l’artista è raffigurato da solo. Tuttavia si potrebbe pensare che queste classi siano piuttosto rigide; molti ritratti riescono a combinarne diversi.

Con i nuovi media è arrivata la possibilità di creare diversi tipi di autoritratti oltre alla semplice pittura statica o fotografie. Molte persone, in particolare gli adolescenti, utilizzano i siti di social networking per formare la propria identità personale su Internet. Altri ancora usano blog o creano pagine web personali per creare uno spazio per l’auto-espressione e l’autoritratto.

Specchi e pose
L’autoritratto suppone in teoria l’uso di uno specchio; specchi di vetro sono diventati disponibili in Europa nel 15 ° secolo. I primi specchi usati erano convessi, introducendo deformazioni che l’artista a volte conservava. Un dipinto del Parmigianino del 1524 Autoritratto in uno specchio, dimostra il fenomeno. Gli specchi permettono composizioni sorprendenti come il triplice autoritratto di Johannes Gumpp (1646), o più recentemente quello di Salvador Dalí raffigurato dal retro che dipinge sua moglie, Gala (1972-73). Questo uso dello specchio spesso si traduce in pittori destrimani che si rappresentano come mancini (e viceversa). Di solito la faccia dipinta è quindi un’immagine speculare di ciò che il resto del mondo ha visto, a meno che non si usassero due specchi. La maggior parte degli autoritratti di Rembrandt prima del 1660 mostra solo una mano – la mano di pittura non viene dipinta. Sembra che abbia comprato uno specchio più grande intorno al 1652, dopo di che i suoi autoritratti diventano più grandi. Nel 1658 un grande specchio in una cornice di legno si ruppe mentre veniva trasportato a casa sua; tuttavia, in quest’anno ha completato il suo autoritratto di Frick, il suo più grande.

La dimensione degli specchi a foglio singolo fu limitata fino a quando i progressi tecnici furono fatti in Francia nel 1688 da Bernard Perrot. Rimasero anche molto fragili, e quelli di grandi dimensioni erano molto più costosi pro-rata rispetto a quelli piccoli – le rotture erano riprese in piccoli pezzi. Circa 80 cm, o due piedi e mezzo, sembra essere stata la dimensione massima fino ad allora – grosso modo la dimensione dello specchio del palazzo in Las Meninas (lo specchio convesso nel Ritratto Arnolfini è considerato dagli storici in modo inesatto, uno dei Van Eyck molte astuzia distorsioni di scala). In gran parte per questo motivo, la maggior parte dei primi autoritratti mostra pittori a non più della metà lunghezza.

Gli autoritratti dell’artista al lavoro erano, come accennato sopra, la forma più comune di autoritratto medievale, e questi hanno continuato ad essere popolari, con un numero particolarmente grande dal XVIII secolo in poi. Un tipo particolare nel periodo medievale e rinascimentale fu l’artista raffigurato come San Luca (patrono degli artisti) che dipinge la Vergine Maria. Molti di questi furono presentati alla locale Corporazione di San Luca, da collocare nella loro cappella. Una famosa visione d’insieme dell’artista nel suo studio è The Artist’s Studio di Gustave Courbet (1855), un’immensa “Allegoria” di oggetti e personaggi in cui si trova il pittore.

Altri significati, narrazione
Gli autoritratti di molti artisti e modernisti contemporanei sono spesso caratterizzati da un forte senso narrativo, spesso ma non strettamente limitato alle vignette della storia della vita degli artisti. A volte il racconto ricorda la fantasia, il gioco di ruolo e la finzione. Oltre a Diego Velázquez, (nel suo dipinto Las Meninas), Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh e Paul Gauguin altri artisti i cui autoritratti rivelano complesse narrazioni includono Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile Gorky, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol e Gilbert e George.

Auto-promozione
L’autoritratto può essere una forma molto efficace di pubblicità per un artista, soprattutto per un ritrattista. Dürer non era realmente interessato ai ritratti commercialmente, ma fece buon uso dei suoi straordinari autoritratti per pubblicizzarsi come artista, qualcosa che era molto sofisticato nel fare. Sofonisba Anguissola dipinse miniature intricate che servivano da pubblicità per le sue capacità e oggetti di novità, considerati tali perché la rarità dei pittori donne di successo forniva loro una qualità bizzarra. Rembrandt si guadagnò da vivere principalmente con la ritrattistica durante il periodo di maggior successo e, come Van Dyck e Joshua Reynolds, molti dei suoi ritratti erano certamente destinati a pubblicizzare le sue abilità. Con l’avvento di regolari spettacoli Academy, molti artisti hanno cercato di produrre autoritratti memorabili per impressionare il palcoscenico artistico. Una recente mostra alla National Gallery, a Londra, Ribelli e Martiri, non si è ritirata dai fumetti comici che a volte risultavano. Un esempio del XXI secolo è Arnaud Prinstet, un artista contemporaneo altrimenti poco conosciuto che ha generato una buona dose di pubblicità impegnandosi a dipingere ogni giorno il suo autoritratto. D’altra parte, alcuni artisti si sono rappresentati molto come facevano altri clienti.

Diagnosi dell’autoritratto
Alcuni artisti che hanno sofferto di malattie neurologiche o fisiche hanno lasciato autoritratti di se stessi che hanno permesso a medici successivi di tentare di analizzare le interruzioni dei processi mentali; e molte di queste analisi sono entrate nei libri di testo di neurologia.

Gli autoritratti di artisti che hanno sofferto di malattie mentali offrono ai medici una possibilità unica di investigare l’auto-percezione in persone con disturbi psicologici, psichiatrici o neurologici.

Il sessuologo russo Igor Kon nel suo articolo sulla masturbazione osserva che l’abitudine di masturbarsi può essere rappresentata in opere d’arte, in particolare i dipinti. Così l’artista austriaco Egon Schiele si è raffigurato così occupato in uno dei suoi autoritratti. Kon osserva che questo dipinto non dipinge il piacere dalla masturbazione, ma un sentimento di solitudine. Le creazioni di Schiele sono analizzate da altri ricercatori in termini di sessualità e in particolare di pedofilia.

collezioni
Una delle più illustri e antiche raccolte di autoritratti è nel Corridoio Vasariano della Galleria degli Uffizi a Firenze. Era in origine la collezione del cardinale Leopoldo de ‘Medici nella seconda parte del 17 ° secolo e è stata mantenuta e ampliata fino ad oggi. Per lo più non è in vista per i visitatori generali, anche se alcuni dipinti sono mostrati nelle gallerie principali. Molti artisti famosi non sono stati in grado di resistere a un invito a donare un autoritratto alla collezione. Comprende oltre 200 ritratti, in particolare quelli di Pietro da Cortona, Charles Le Brun, Jean-Baptiste-Camille Corot e Marc Chagall. Altre importanti collezioni sono conservate presso la National Portrait Gallery (Regno Unito) di Londra (con varie stazioni satellitari altrove) e la National Portrait Gallery di Washington, D.C ..