I primi quattro decenni del XX secolo hanno costituito un periodo eccezionale di fermento artistico e rivoluzione. I movimenti d’avanguardia si sono evoluti rapidamente e si sono sovrapposti in una marcia verso un’astrazione totale e non figurativa. La natura morta, così come l’altra arte figurativa, continuò ad evolversi e ad adattarsi fino alla metà del secolo, quando l’astrazione totale, esemplificata dai dipinti a goccia di Jackson Pollock, eliminò ogni contenuto riconoscibile.

Il secolo è iniziato con diverse tendenze che hanno preso piede nell’arte. Nel 1901, Paul Gauguin dipinse Still Life with Sunflowers, il suo omaggio al suo amico Van Gogh, morto undici anni prima. Il gruppo noto come Les Nabis, tra cui Pierre Bonnard e Édouard Vuillard, riprende le teorie armoniche di Gauguin e aggiunge elementi ispirati alle xilografie giapponesi ai loro dipinti di nature morte.L’artista francese Odilon Redon dipinse anche notevoli nature morte durante questo periodo, in particolare i fiori.

Henri Matisse ha ridotto ulteriormente il rendering degli oggetti di natura morta a poco più di grassetti, contorni piatti pieni di colori vivaci. Ha anche semplificato la prospettiva e introdotto sfondi multicolore. In alcuni dei suoi dipinti di natura morta, come Still Life with Eggplants, la sua tavola di oggetti è quasi persa tra gli altri motivi colorati che riempiono il resto della stanza. Altri esponenti del fauvismo, come Maurice de Vlaminck e André Derain, esplorarono ulteriormente il colore puro e l’astrazione nella loro natura morta.

Paul Cézanne ha trovato nella natura morta il veicolo perfetto per le sue esplorazioni rivoluzionarie nell’organizzazione spaziale geometrica. Per Cézanne, la natura morta era il mezzo principale per togliere la pittura da una funzione illustrativa o mimetica a una che dimostrava indipendentemente gli elementi di colore, forma e linea, un passo importante verso l’arte astratta. Inoltre, gli esperimenti di Cézanne possono essere visti come diretti direttamente allo sviluppo della natura morta cubista all’inizio del XX secolo.

Adattando lo spostamento di aerei e assi di Cézanne, i cubisti hanno sottomesso la tavolozza dei colori dei Fauves e si sono invece concentrati sulla decostruzione degli oggetti in forme e piani puramente geometrici. Tra il 1910 e il 1920, artisti cubisti come Pablo Picasso, Georges Braque e Juan Gris dipinsero molte composizioni da still life, spesso includendo strumenti musicali, portando la vita sullo sfondo dell’innovazione artistica, quasi per la prima volta. La natura morta era anche l’oggetto dei primi lavori di collage cubista sintetico, come l’ovale di Picasso “Still Life with Chair Caning” (1912). In questi lavori, gli oggetti di natura morta si sovrappongono e si mescolano a malapena mantenendo forme bidimensionali identificabili, perdendo la tessitura superficiale individuale e fondendosi sullo sfondo, raggiungendo obiettivi quasi opposti a quelli della natura morta tradizionale. La natura morta di Fernand Léger ha introdotto l’uso di abbondanti spazi bianchi e forme geometriche colorate, definite con precisione, che si sovrappongono per produrre un effetto più meccanico.

Rifiutare l’appiattimento dello spazio da parte dei cubisti, Marcel Duchamp e altri membri del movimento Dada, è andato in una direzione radicalmente diversa, creando sculture di nature morte 3-D “ready-made”. Come parte del ripristino di un significato simbolico per la natura morta, i futuristi e i surrealisti hanno collocato oggetti di natura morta riconoscibili nei loro sogni. Nei dipinti di natura morta di Joan Miró, gli oggetti appaiono senza peso e galleggiano nello spazio bidimensionale leggermente suggerito, e persino le montagne sono disegnate come linee semplici. In Italia in questo periodo, Giorgio Morandi è stato il principale pittore di nature morte, esplorando una vasta gamma di approcci alla rappresentazione di bottiglie e utensili da cucina di uso quotidiano. L’artista olandese MC Escher, meglio conosciuto per la sua grafica dettagliata ma ambigua, ha creato Still life and Street (1937), la sua versione aggiornata del tradizionale tavolo olandese still life. In Inghilterra Eliot Hodgkin usava la tempera per i suoi dipinti di nature morte altamente dettagliati.

Quando gli artisti americani del XX secolo si sono resi conto del Modernismo europeo, hanno iniziato a interpretare soggetti di natura morta con una combinazione di realismo americano e astrazione derivata dal cubismo. Tipico delle opere di still-life americane di questo periodo sono i dipinti di Georgia O’Keeffe, Stuart Davis e Marsden Hartley, e le fotografie di Edward Weston. I dipinti a fiore ultra-primo piano di O’Keeffe rivelano sia la struttura fisica che il sottotesto emotivo di petali e foglie in un modo senza precedenti.

In Messico, a partire dagli anni ’30, Frida Kahlo e altri artisti hanno creato il loro marchio del Surrealismo, con cibi nativi e motivi culturali nei loro dipinti di natura morta.

A partire dagli anni ’30, l’espressionismo astratto ha ridotto drasticamente la natura morta a rappresentazioni crude di forme e colori, fino agli anni ’50 l’astrazione totale ha dominato il mondo dell’arte. Tuttavia, la pop art negli anni ’60 e ’70 ha invertito la tendenza e ha creato una nuova forma di natura morta. Gran parte della pop art (come “Campbell’s Soup Cans” di Andy Warhol) si basa sulla natura morta, ma il suo vero soggetto è molto spesso l’immagine mercificata del prodotto commerciale rappresentato piuttosto che l’oggetto fisico di still-life stesso. La natura morta di Roy Lichtenstein con Goldfish Bowl (1972) combina i colori puri di Matisse con l’iconografia pop di Warhol. Il tavolo da pranzo di Wayne Thiebaud (1964) non rappresenta il pranzo di una sola famiglia, ma una catena di montaggio di cibi americani standardizzati.

Il movimento Neo-dada, tra cui Jasper Johns, è tornato alla rappresentazione tridimensionale di oggetti di uso quotidiano di Duchamp per creare il proprio marchio di opere di nature morte, come in Johns ‘Painted Bronze (1960) e Fool’s House (1962). Avigdor Arikha, che iniziò come astrattista, integrò le lezioni di Piet Mondrian nelle sue nature morte come nelle sue altre opere; mentre si ricollegava alle antiche tradizioni dei maestri, ottenne un formalismo modernista, lavorando in una sessione e in luce naturale, attraverso cui l’argomento era spesso emerso in una prospettiva sorprendente.
Un contributo significativo allo sviluppo della pittura di nature morte nel 20 ° secolo è stato fatto da artisti russi, tra cui Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva e altri.

Al contrario, l’ascesa del fotorealismo negli anni ’70 ha riaffermato la rappresentazione illusionistica, pur mantenendo un po ‘del messaggio di Pop della fusione di oggetto, immagine e prodotto commerciale. Tipici a questo riguardo sono i dipinti di Don Eddy e Ralph Goings.

Dipinti del XX secolo

Henri Matisse (1869-1954), piatti e frutta (1901), Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo, Russia	Odilon Redon (1840-1916),Flowers (1903)	Georges Braque (1882-1963), violino e candelabro(1910), Museo d’arte moderna di San Francisco	Juan Gris (1887-1927), Nature morte(1913), Museo Thyssen Bornemisza
Marsden Hartley (1877-1943),Handsome Drinks (1916 circa), Museo di Brooklyn	Fernand Léger (1881-1955),Natura morta con un boccale di birra (1921), Tate	Pablo Picasso, Compotier avec fruits, violon et verre(1912)

Una natura morta (plurale: nature morte) è un’opera d’arte che rappresenta principalmente soggetti inanimati, in genere oggetti comuni che sono o naturali (cibo, fiori, animali morti, piante, rocce, conchiglie, ecc.) O artificiali (bere occhiali, libri, vasi, gioielli, monete, tubi, ecc.).

Con origini nel Medioevo e nell’antica arte greco-romana, la pittura di nature morte emerse come un genere distinto e una specializzazione professionale nella pittura occidentale verso la fine del XVI secolo, ed è rimasta significativa da allora. Una forma di natura morta conferisce all’artista più libertà nella disposizione degli elementi all’interno di una composizione rispetto a dipinti di altri tipi di soggetti come il paesaggio o la ritrattistica. La natura morta, come genere particolare, è iniziata con la pittura olandese dei secoli XVI e XVII e il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven. I primi dipinti di nature morte, in particolare prima del 1700, contenevano spesso simbolismi religiosi e allegorici relativi agli oggetti raffigurati. Alcuni lavori di still-life moderni rompono la barriera bidimensionale e impiegano mezzi di comunicazione misti tridimensionali, e utilizzano oggetti trovati, fotografia, computer grafica, nonché video e audio.
Il termine include la pittura di animali morti, in particolare il gioco. Quelli vivi sono considerati arte animale, anche se in pratica sono stati spesso dipinti da modelli morti. La categoria still-life condivide anche le parti comuni con l’illustrazione zoologica e soprattutto botanica, dove si è verificata una notevole sovrapposizione tra gli artisti. Generalmente una natura morta include uno sfondo completamente dipinto e pone le preoccupazioni estetiche piuttosto che illustrative come primarie.

La natura morta ha occupato il gradino più basso della gerarchia di generi, ma è stata estremamente popolare tra gli acquirenti. Così come il soggetto di natura morta indipendente, la pittura di natura morta comprende altri tipi di pittura con elementi di spicco della vita, di solito simbolici, e “immagini che si basano su una moltitudine di elementi di natura morta apparentemente per riprodurre una” fetta di vita ” ‘”. La pittura trompe-l’œil, che intende ingannare lo spettatore nel pensare che la scena sia reale, è un tipo specializzato di natura morta, che di solito mostra oggetti inanimati e relativamente piatti.