アカデミックアート、またはアカデミズムは、ヨーロッパの芸術アカデミーの影響下で制作された絵画、彫刻、建築のスタイルです。具体的には、アカデミックアートは、新古典主義とロマン主義の運動の下で実践されたフランスのアカデミーデボザールの基準に影響を受けた芸術と芸術家であり、両方のスタイルを統合するためにこれら2つの運動に従った芸術です。 、そしてそれはウィリアム・アドルフ・ブーグロー、トーマス・クチュール、そしてハンス・マカルトの絵画によって最もよく反映されています。この文脈では、「アカデミズム」、「アカデミズム」、「アートポンピア」（軽蔑的に）、「折衷主義」と呼ばれることが多く、「歴史主義」や「シンクレティズム」と関連することもあります。
アカデミックアートには、ヨーロッパのアカデミーの影響下で作成された絵画や彫刻が含まれ、この時期に多くのアーティストが正式なトレーニングを受けました。学術芸術は、主に文学的、神話的、歴史的な動機付けされた、許可された、または望ましいトピックの正典に尽力しました。彼女のアーティストは、日常や冒とくを描写することに関心を示しませんでした。したがって、学術芸術は現実的ではなく、理想主義的です。
スタイルの面では、アカデミックアートは、アリストテレスの理想の完璧な現実の模倣（模倣）を育みました。色、光、影を完璧に習得して、形は準写真のようにリアルに作成されました。一部の絵は、仕上げられた作品でブラシストロークが見えなくなった「磨かれた仕上げ」を示しています。この芸術の理想は、写真の発明によって19世紀半ばにその基礎に揺さぶられました。
新古典主義とロマン主義の影響を受けたフランスのエコールデボザールは、特にスタイルに影響を与えました。後にアカデミックアートがこれら2つのスタイルを合成しました。これらは、ウィリアムアドルフブーグロー、トーマスクチュール、ハンスマカートの絵画でよく見られます。
後期のアートスタイル、特に印象派の出現により、アカデミックアートは軽蔑され、「折衷主義」として却下されました。 20世紀の初めから終わりまで、ほとんどの芸術専門家はほとんど重要ではないと考えていたため、ほとんど言及されておらず、博物館の倉庫に姿を消しました。時折、彼らは軽蔑的に「アートポンピア」と呼ばれていました。絵画の学術的なスタイルは、国家社会主義の芸術政治によって絶対的な基準に引き上げられたという事実によっても信用されていませんでした。 1960年代まで彼女に忠実なままだったのは、ほんの少し古いアーティストだけでした。
フィン・ド・シークルのアカデミックアートが少しずつ「再発見」され、それ以来、ますます高く評価されるようになったのは1990年代になってからです。絵画は自身の前提条件を振り返り、疑問を投げかけることによって独自の道を進みましたが、特に歴史的な映画、特にサンダル映画は、過去の再建に対するアカデミズムの欲望を続けていました。
フランスのアカデミズム
フランス人のポンピエの起源-イタリア語では消防士-は不明です：展示中に、消防士のヘルメットに似た古典的な神や英雄の像のヘルメットから派生したり、安全作業を行っている同じ消防士を示したりする可能性があります公式サロンで公開するか、またはチャールズグレイアサークルの画家、ポンペイ絵画の模倣の支持者、または最後に、多くの豪華で修辞的な絵の表現に取り組むために参照してください。
18世紀に発生し、19世紀前半にまで及んだ新古典主義の芸術的潮流は、そのスタイルの合理的な厳密さにおいて、学校での教育に自分自身を貸すための最初の必要条件を持ち、その非常に内容的に示唆していた、模倣の道であり、社会の目に見える性質と現実の生活の道ではなく、芸術的製品と、調和と理想の美しさのモデルとして示された、その遠い過去のギリシャとローマの歴史と神話の道です。フランスでは、ダビデの芸術の示唆に富む例-さらに、個人的にはどのアカデミーにも反対です-そして学生のイングレスのそれは、コンセンサスを伝え、模倣者を生み出します。
王立絵画彫刻アカデミーは、アーティストに品質の証明書を保証し、シンプルさと壮大さ、調和、そして純粋さに基づいたスタイルを彼らに与えることを目的として、1648年にフランスで設立されました。この目的のために、次の原則を遵守する必要性が述べられました。
ヌードと解剖学の研究
古代人と理想化された自然の模倣
外気の代わりにスタジオでの作品の実現
色よりもデザインの優位性
仕事の完全性
これらのトレーニング基準は何世紀にもわたって変化せず、エコールデボザールの教授、Davidの学生、次にIngresの学生によって維持されました。彼らは教師が策定した原則に従いました。認められるには、学生は生きているモデルとしてのヌードの実行で構成される競争。
歴史のアカデミー
芸術の最初のアカデミーは、1563年1月13日、建築家のジョルジオヴァザーリの影響を受けて、イタリアのフィレンツェにあるコジモイデメディチによって設立されました。建築家のジョルジオヴァザーリは、アカデミアeカンパニーデッレアルティデルディセーニョ（アカデミーアンドフォーザアーツフォージアーツ図面）2つの異なる手術の枝に分かれていたため。会社はトスカーナのすべての働くアーティストが参加できる一種の企業でしたが、アカデミーはコジモの宮廷の最も著名な芸術的人物のみを含み、メディチナ州全体の芸術的生産を監督する任務を負っていました。このメディシャンの施設では、学生は「アルティデルディゼニョ」（ヴァザーリによって造られた用語）を学び、解剖学と幾何学に関する講義を聞いた。別のアカデミー、アカデミアディサンルカ（画家の守護聖人、聖ルカにちなんで名付けられました）は、約10年後にローマで設立されました。アカデミアディサンルカは教育的機能を果たし、フィレンツェのものよりも芸術理論に関心を持っていました。 1582年にAnnibale Carracciは彼の非常に影響力のあるDesiderosiアカデミーを公式の支援なしにボローニャに開設しました。ある意味では、これは伝統的なアーティストのワークショップのようなものでしたが、彼を「アカデミー」としてラベル付けする必要性を感じたことは、当時のアイデアの魅力を示しています。
アカデミアディサンルカは、後に1648年にフランスで設立されたアカデミーロワイヤルドペニンチュアエドデ彫刻のモデルとなり、その後、アカデミーデボザールになりました。アカデミーロワイヤルドペニンチュアエドデスカルプチャーは、「リベラルアートを実践する紳士」であるアーティストと、手作業で働く職人とを区別するために設立されました。アートメイキングの知的要素へのこの強調は、学術芸術の主題とスタイルにかなりの影響を与えました。
アカデミー王立彫刻と彫刻が1661年にフランスのすべての芸術活動を統制することを目的としたルイ14世によって再編された後、世紀全体の芸術的態度を支配していたメンバーの間で論争が起こりました。この「スタイルの戦い」は、Peter Paul RubensとNicolas Poussinのどちらが適切なモデルであるかについての対立でした。 「poussinistes」と呼ばれるPoussinの信奉者は、知性への訴求のためにライン（disegno）が芸術を支配するべきだと主張し、「rubenistes」と呼ばれるRubensの信者はその色（colore）が芸術を支配すべきだと主張した感情に訴える。
議論は19世紀初頭に、ジーンオーギュストドミニクイングレスの作品に代表される新古典主義と、ウジェーヌドラクロワの作品に代表されるロマン主義の運動の下で復活しました。また、自然を見て芸術を学ぶほうがいいのか、過去の芸術の巨匠を見て学ぶののほうがいいのかという議論もありました。
ヨーロッパ全体で形成されたフランスのモデルを使用するアカデミーは、フランスのアカデミーの教えとスタイルを模倣しました。イギリスでは、これは王立アカデミーでした。 1754年に設立されたデンマーク王立芸術アカデミーは、国立学校を設立し、輸入アーティストへの依存を減らすという目的を達成した、より小さな国で成功した例と見なされます。デンマークの黄金時代、およそ1800〜1850年の画家たちはそこでほぼすべての訓練を受け、多くの人が教えに戻ってきました。デンマークの芸術の歴史は、他の国の場合よりも、学術芸術と他のスタイルとの間の緊張感がはるかに少ない。
アカデミーへの移行の効果の1つは、19世紀後半まで王立アカデミーから除外されていた女性アーティストのトレーニングをより難しくすることでした（ロイヤルアカデミーの1861年）。これは、ヌードによる不適切な行為への懸念が一因でした。 20世紀まで、女子学生のための特別な手配がしばしば行われました。
アカデミックなスタイルの発展
Poussiniste-Rubenisteの議論が始まって以来、多くのアーティストが2つのスタイルの間で仕事をしていました。 19世紀には、復活した論争の形で、アート世界の注目と目的は新古典主義の系統とロマン主義の色を統合することとなりました。批評家は、テオドールシャセリアウ、アリーシェファー、フランチェスコハイエズ、アレクサンドルガブリエルドゥカンプ、トーマスクチュールなどのアーティストが次々と合成したと主張しました。後のアカデミックアーティスト、ウィリアムアドルフブーグローは、優れた画家になるための秘訣は「色と線は同じものだ」と見ているとコメントしました。トーマス・クチュールは、彼がアート手法について書いた本の中で同じ考えを宣伝しました。その色は、フォームの「価値」について語る方法でした。
この時代のもう一つの発展には、歴史的なスタイルを採用して、歴史的な時代と呼ばれる、絵画が描いた時代を示すことがありました。これは歴史主義と呼ばれています。これは、後にジェームスティソに影響を与えたヤンアウグストヘンドリックレイ男爵の作品で最もよく見られます。 Neo-Grecスタイルの開発にも見られます。歴史主義はまた、過去の芸術のさまざまな伝統の革新を取り入れ、和らげるべきであるという、学術芸術に関連する信念と実践を指すことも意味しています。
アートの世界はまた、アートの寓話にますます焦点を当てるように成長しました。線と色の両方の重要性の理論は、芸術家がこれらの要素を通じて媒体を制御し、テーマ、感情、アイデアを表現できる心理的効果を生み出すと主張しました。アーティストがこれらの理論を実際に統合しようとしたとき、寓意的または比喩的な手段としてのアートワークへの注意が強調されました。絵画や彫刻の表現はプラトニックな形、つまり理想を呼び起こすべきだとされ、そこでは通常の描写の背後にある抽象的な何か、永遠の真実を垣間見ることができました。したがって、キーツの有名な黙想「美は真実、真実の美しさ」です。絵画は「理想」、完全で完全なアイデアであることが望まれました。ブーグローは「戦争」を描くのではなく、「戦争」を描くと言ったことが知られています。アカデミックアーティストによる多くの絵画は、ドーン、ダスク、シーイング、テイスティングのようなタイトルを持つシンプルな自然の寓話であり、これらのアイデアは、アイデアの本質を引き出すような方法で構成された単一のヌードフィギュアによって擬人化されています。
アートの傾向はまた、現実主義に反するより大きな理想主義に向かっていた。描写された図は、彼らが立っていた理想を表すことができるように、より単純でより抽象化された-理想化された-。これには、自然に見られる形を一般化することと、アートワークの統一性とテーマにそれらを従属させることの両方が含まれます。
歴史と神話は劇の演劇または弁証法と見なされていたため、これらの主題のテーマを使用した重要な寓話の豊かな根拠は、最も深刻な絵画の形態と見なされていました。最初に17世紀に作成されたジャンルの階層が評価されました。ここでは、歴史、宗教、神話、文学、寓話の主題が上に配置され、次に次のジャンルの絵画、次に肖像画、静物画、風景が描かれました。 。歴史絵画は「グランデジャンル」とも呼ばれていました。ハンスマカルトの絵画は、しばしば人生の歴史的なドラマよりも大きく、彼はこれを装飾の歴史主義と組み合わせて、19世紀のウィーン文化のスタイルを支配しました。ポール・デラロッシュはフランスの歴史絵画の典型的な例です。
これらの傾向はすべて、歴史は競合するアイデアの弁証法であり、最終的には統合で解決した哲学者ヘーゲルの理論に影響されました。
19世紀の終わりに向かって、アカデミックアートはヨーロッパ社会を飽和させました。展示会は頻繁に開催され、最も人気のあった展示会はパリサロンで、1903年に始まったサロンドゥオートムネでした。これらのサロンは、国内外の訪問者を魅了するセンセーショナルなイベントでした。芸術的なものと同じくらい社会問題であり、1日の日曜日に50,000人の人々が訪れる可能性があり、50万人もの人々が2か月の間に展覧会を見ることができました。現在「サロンスタイル」と呼ばれる方法で、目の高さの真下から天井まで吊り下げられた数千枚の写真が表示されました。サロンでの成功した展示は、アーティストの承認の印であり、彼の作品は成長している民間コレクターのランクに売れるようになりました。ブーグロー、アレクサンドルカバネル、ジャンレオンジェロームがこの芸術の世界の主要人物でした。
アカデミックアートの治世中に、以前は好意的でなかったロココ時代の絵画が人気を取り戻し、エロスやプシュケなどのロココ芸術でよく使用されるテーマが再び人気を博しました。アカデミックアートの世界でも、彼の作品の理想のためにラファエルを偶像化し、実際にはミケランジェロよりも彼を好んだ。
ポーランドのアカデミックアートは、クラクフ美術アカデミーを設立したヤンマテイコのもとで栄えました。これらの作品の多くは、クラクフのスキエンニツェにある19世紀のポーランド美術のギャラリーで見ることができます。
アカデミックアートは、ヨーロッパやアメリカで影響力を発揮しただけでなく、その影響力を他の西欧諸国にも広げました。これはラテンアメリカ諸国に特に当てはまりました。彼らの革命はフランス革命をモデルにしていたため、フランス文化を模倣しようとしていました。ラテンアメリカのアカデミックアーティストの例は、メキシコのアンヘルサラガです。
アカデミズムの敗北と進化
1897年にはアカデミズムの敗北が確認された。エドワール・マネ、エドガー・ドガ、カミーユ・ピサロ、クロード・モネ、オーギュスト・ルノワール、シスレー、ポール・セザンヌは、政府の命令のために予約された公式の機関であるルクセンブルグ美術館に入りました。印象派の守護神であり、コレクターであり画家でもあるギュスターヴカイユボットの遺産は、3年間の激しい戦いの末に受け入れられました（最初にドガの絵画のみが認められました）。これらの作品が実際にフランス絵画の歴史の一部であったと主張して決定したのは国務院でした。実際には、洋ナシは半分にカットされていました。キャンバス67枚のうち、29枚は拒否されました。ジェロームは、美術の教授として議長を辞任すると脅し、これらの絵画を「ゴミ」と表現し、ルクセンブルクへの入国の際に「国民の終わり」の兆候を見た。
前衛的な流れが倍増した。アカデミーと美術学校自体が折衷的になりました、とクレア・バービヨンは言います。第二次帝国の期間中に拒絶された後、特定の骨抜きの形態を除いて、自然主義は第三共和国の最も公式な画家によって採用されたと彼女は書いている。象徴性に関しては、それはギュスターヴ・モローのような正式にかなり伝統的な芸術家とゴーギャンやオディロン・ルドンのような革新的な画家を結びつけます。
1986年のオルセー美術館の開館は、フランスで白熱した論争の機会となるでしょう。多くの人はその中で「消防士」のリハビリテーション、さらには「修正主義」のリハビリテーションを目にするでしょう。アンドレシャステルは、しかし、1973年には、見習い、古い戦いの遺産、穏やかで客観的な好奇心のグローバルな判断に取って代わられる利点のみがあると考えていました。
学校教育
若いアーティストは、4年間、厳しいトレーニングを行いました。フランスでは、試験に合格し、著名な芸術教授からの推薦状を携帯した学生のみが、アカデミーの学校、エコールデボザールに受け入れられました。 「アカデミー」と呼ばれるヌードのドローイングとペインティングは、アカデミックアートの基本的な構成要素であり、それらを作成するための学習手順は明確に定義されていました。まず、学生は古典的な彫刻の後に版画をコピーし、輪郭、光、影の原理に慣れました。このコピーは、学術教育にとって重要であると考えられていました。過去のアーティストの作品をコピーすることで、彼らのアート制作方法を取り入れることができます。次のステップに、そして次のステップに進むために、学生は評価のために図面を提示しました。
承認された場合、彼らは有名な古典的な彫刻の石膏模型から描きます。これらのスキルを習得した後で初めて、アーティストはライブモデルがポーズをとるクラスへの入場を許可されました。エコールデボザールで絵画が教えられたのは1863年まででした。筆で描くことを学ぶために、学生はまず、アカデミック絵画の基礎と考えられていた、絵を描く能力を示さなければなりませんでした。そうしてはじめて、生徒は学者のスタジオに参加して、絵を描く方法を学ぶことができました。プロセス全体を通して、所定の主題と特定の割り当てられた期間との競争は、各学生の進歩を測定しました。
テストの難しさは、学生が個人的なアトリエでの長期の見習いコースをたどって、厳格な研究旅程をたどった後にのみ、コンテストに提出しなければならないことを意味しました。最初は、図面や印刷物をコピーする必要があり、数か月の練習の後、孵化と強要、シェーディングに移りました。その後の重要なステップは、チョークのコピー、胸像の複製、または古典作品全体であり、芸術、文学、神話の歴史の研究を伴い、絵画や彫刻で頻繁に取り上げられたテーマでした。
このフェーズの後、学生は「自然の研究」を開始し、簡単なスケッチ-エスキス-構図の骨格-スケッチのより大きな定義-エボーシュ-まで進んだステップに従って、生きているモデルを描きます。影がハーフシェードとライトで分割された場所で、細部へのこだわり-la mise en place-と完成したデザインに至るまで。しかし、生きているモデルは依然として「修正」され、「自然の欠陥」を排除し、貴族と礼儀の理想的なモデルに従ってそれらを修正する必要がありました。
学生のための最も有名な芸術コンクールは、Prix de Romeでした。ローマ賞受賞者は、ローマのヴィラメディチにあるアカデミーフランセーズの学校で最長5年間研究するためのフェローシップを授与されました。コンテストに参加するには、アーティストはフランス国籍で、男性、30歳未満、独身である必要がありました。彼はエコールの入学要件を満たし、有名な美術教師のサポートを得なければなりませんでした。競争は厳しいもので、最終段階の前にいくつかの段階があり、10人の競技者がスタジオに72日間隔離され、最終的な歴史の絵画を描きました。勝者は本質的に成功したプロのキャリアを保証されました。
述べたように、サロンでの成功したショーは、アーティストの承認の印でした。アーティストは、「ライン上」または目の高さでの最適な配置について、絞首委員会に請願しました。展覧会が始まった後、アーティストは作品が「空」だったか、高すぎたのかと不平を言った。プロのアーティストにとっての究極の成果は、アカデミーフランセーズへの参加と、アカデミーとして知られる権利の選択でした。
その間、生徒はクロッキーの練習、個人の想像力を刺激する日常生活の瞬間の素早いスケッチを用いて作文の研究を続け、それは彼自身のノート、カルネドポッシュに翻訳されました。
アカデミーの学生は、アトリエですでに行われた描画コースを繰り返して、最終的に描画と同様に絵画コースにたどり着きました。スケッチは非常に重要で、アカデミーで特別コースが開催され、その後コンテストが行われました。詳細を無視して、作曲の概念に一般的な形を与えたのは学生の創造性の表現でした。しかし、この創造性は修士の研究によって規律と規制を受ける必要がありました。したがって、エスキスから、ソースが渡された炭で作られたエボーシュに進みました。淡い赤レンガ。次に、透明部分を混練し、影を希釈してほぼ透明にしました。
したがって、アカデミックコースの焦点は、古代の彫像を再現する生きたモデル、チョーク、およびルネサンスの巨匠の絵画のコピーにありました。このようにして、生徒は手動の手法とボリュームの整理方法を習得しただけでなく、過去に向けられた考え方を取り入れ、そこから常に発明の源泉を引き出しました。これはしばしば古典的な作品の引用でした。このようにして、アカデミーを去った画家は、すでに完成したものをやり直すか、すでに発明されたものを変更するか、使用されているソースをカモフラージュするように誘導されました。
学問的背景は芸術家のプロフェッショナリズムを証明し、芸術家は社会に自分自身を「秩序ある文書」で提示することができました。しかし、正式な承認を得て、公式の州委員会と民間のコレクターの委員会を保証するために、ローマ賞とパリサロンでの成功を公に奉献する必要がありました。
批評と遺産
アカデミックアートは、理想主義的な表現に基づいており、現代の社会的懸念が無視されていた一方で、理想主義的な決まり文句に基づいており、神話的かつ伝説的な動機を表すものとして、理想主義の使用について最初に批判されました。写実主義者によるもう1つの批判は、絵画の「偽りの表面」であり、描かれたオブジェクトは滑らかで滑らかで理想化されて見え、実際の質感を示さなかった。 RealistThéoduleRibotは、彼の絵の中で粗く未完成のテクスチャを実験することにより、これに対抗しました。
文体的には、目と手が下に置くものを正確に屋外ですばやく描くことを提唱した印象派は、完成した理想的な絵画スタイルを批判しました。アカデミックな画家たちは、最初に絵を描き、次に主題の油絵を描くことから絵を描き始めましたが、彼らの絵に与えられた高度な磨きは、印象派の嘘と同じように見えました。油絵の後、アーティストは学術的な「フィニ」で最終的な絵画を制作し、文体の基準に合わせて絵画を変更し、画像を理想化し、完全なディテールを追加しようとしました。同様に、遠近法は幾何学的に平面上に構築され、実際には視覚の産物ではありません。印象派は機械技術への献身を否定しました。
リアリストと印象派は、ジャンルの階層の最下部にある静物と風景の配置にも異論を唱えました。アカデミズムに反抗した初期の前衛の中で、ほとんどの写実主義者や印象派やその他の人々は、もともとはアカデミックアトリエの学生であったことに注意することが重要です。クロード・モネ、ギュスターヴ・クールベ、エドゥアール・マネ、そしてアンリ・マティスでさえ、学術芸術家の学生でした。
現代美術とその前衛が力を増すにつれ、学術芸術はさらに非難され、感傷的でありきたりな、保守的、非革新的、ブルジョワ的、そして「スタイルレス」と見なされました。フランス人はアカデミーアートのスタイルをL’art Pompier（ポンピアは「消防士」を意味する）とひどく言及し、消防士のようなヘルメットをかぶった兵士を描くことが多い、ジャックルイデイヴィッド（アカデミーによって高く評価された）の絵をほのめかしています。 。絵画は「グランデスマシン」と呼ばれ、工夫とトリックによって誤った感情を生み出したと言われています。
このアカデミックアートの批判は、すべてのアカデミックアートは「キッチュ」であると述べた美術評論家のクレメントグリーンバーグの著書を通じて、ピークに達しました。象徴主義の画家や一部のシュルレアリスム主義者など、他の芸術家はその伝統に親切でした。これらのアーティストは、架空の風景を生き返らせようとする画家として、表現力の強い伝統から学ぶことに意欲的でした。伝統が昔ながらのものと見なされるようになると、寓意的なヌードと演劇的なポーズの人物が奇妙で夢のように観客を襲いました。
ポストモダニズムの目的は、歴史をより社会的で多元的に説明することであり、学術芸術は歴史書や議論に取り入れられてきました。 1990年代初頭以来、アカデミックアートは、クラシカルリアリズムアトリエ運動を通じて、復活を限定的に経験しました。さらに、芸術は一般に広く評価されていますが、学術的な絵画はかつて数百ドルしかオークションにかけられなかったものもありますが、現在では数百万ドルしか集められていないものもあります。