コンセプチュアリズムとも呼ばれるコンセプチュアルアートは、作品に含まれるコンセプトまたはアイデアが、伝統的な美的、技術的、および物質的な問題よりも優先されるアートです。インスタレーションと呼ばれることもあるコンセプチュアルアートの一部の作品は、書かれた一連の指示に従うだけで誰でも作成できます。この方法は、アメリカのアーティスト、ソルルウィットがコンセプチュアルアートを定義するための基本でした。
1960年代半ばに制作された作品に適用されるコンセプチュアルアートで、ユニークなオブジェクトとの知覚的な出会いが著しく重視されなくなったり、完全に排除されたりして、アイデアとの関わりが生まれました。フルクサスグループのヘンリーフリントは1961年に彼のパフォーマンス作品を「コンセプトアート」に指定し、エドワードキエンホルツは1963年に「コンセプトタブロー」の考案を開始しましたが、この用語は最初に、発表された記事で明確なアート形式を定義することで有名になりました1967年にSol LeWittによって作成されました。ムーブメントとして大まかに定義するだけで、北米、ヨーロッパ、ラテンアメリカ、アジアでほぼ同時に出現し、アーティストの本を別のカテゴリとして生成し、貢献する、従来の芸術的生産の領域に影響を与えました。写真、楽譜、建築図面、絵画や彫刻と対等な立場でパフォーマンスアートを楽しめます。さらに、コンセプチュアルアートは、1980年代からそのような卓越性を発揮したマルチメディアインスタレーションへの動きを生み出しました。
コンセプチュアルアートでは、アイデアまたはコンセプトが作品の最も重要な側面です。アーティストがアートの概念的な形式を使用する場合、それはすべての計画と決定が事前に行われ、その実行がおかしな仕事であることを意味します。アイデアはアートを作る機械になります。
アートは、オブジェクトや作品の美的特性によってではなく、アートのコンセプトやアイデアによってのみ定義されます。世論に反して、批評の批評でImmanuel Kantが「美は概念なしで普遍的に喜ばれるものである」と表現した、xx世紀以前の芸術的美しさの支配的な定義に反対していません。芸術を喜ばせれば、この感謝の理由は必ずしも概念に還元可能ではありません。つまり、概念は概念的な基準がなくても満足できるということです。
コンセプチュアルアート（Art＆Ideas）（1998）の作者であるトニーゴッドフリーは、コンセプチュアルアートはアートの本質に疑問を投げかけていると主張し、ジョセフコスースは彼の独創的で初期のコンセプチュアルアートマニフェストでアート自体の定義に昇格した哲学（1969）。アートが独自の性質を調べるべきであるという考えは、影響力のある芸術評論家のクレメントグリーンバーグの1950年代の現代美術のビジョンの強力な側面でした。しかし、1960年代に言語ベースのアートが登場したことで、Art＆Language、Joseph Kosuth（Art-Languageのアメリカ人編集者）、Lawrence Weinerなどのコンセプチュアルアーティストが、アートよりもはるかに根本的な尋問を始めました。以前は可能でした（以下を参照）。
「コンセプチュアルアート」とは、1990年代の若いイギリス人アーティストとターナー賞との関係を通じて、特にイギリスで人気があり、絵画や彫刻の伝統的なスキルを実践していないすべての現代美術を指すようになりました。「コンセプチュアル・アート」という言葉が、本来の目的や形式から遠く離れた現代のさまざまな慣習と結びついてきた理由の1つは、用語自体を定義する問題にあると言えます。アーティストのメルボクナーが早くも1970年に提案したように、彼が「概念」という語句を好きではない理由を説明する際、「概念」が何を指すのかが必ずしも完全に明確ではなく、「意図」と混同されるリスクがあります。したがって、
2010年、ロンドンのキングストン大学の現代ヨーロッパ哲学研究センターのディレクターであるピーターオズボーンは、「コンテンポラリーアートはポストコンセプチュアル」と題する会議で論争を巻き起こしました。
定義
現代アートの文脈におけるコンセプチュアルアートの定義は、60年代中頃にそれを使用して、思考に基づいたアートの目標を定義し、もはや誤解され曖昧な審美的な喜びではなくなったジョセフコスースによるものです。実際、1965年に、コスースは、実際の椅子、写真の複製（左）、および「椅子」という単語の辞書の定義が印刷されたパネル（右）を含む作品Una e tre chairsを作成しました。l Theアーティストは、論理的および記号論的な言葉で、画像と単語の関係について瞑想するよう視聴者に電話することを提案しました。しかし、すでに1960年に、そしておそらくお互いに知られていない中で、カタロニア語のJoan Brossaは、詩のオブジェクトであるCerilla（match）を考案しました。これは、「cerilla」という単語、マッチのデザイン、そして実際のマッチを組み合わせたものです。
コンセプチュアルアーティストが追求するアートの感情的コンテンツの希少性は、すぐにアート作品を無視する意志を決定するようになりました
20世紀の前衛の斬新さの研究と不安に提供された最後の可能なもの（偶然ではなく、1965年から1980年までの概念の15黄金年に続いた最も関連性の高いイベントは、Transavanguardiaと呼ばれ、オブジェクトと絵画に戻ることを特徴とする）。この意味で、非常に異なる体験は「概念」として定義できますが、いずれの場合も、明確な共通点（ランドアート、アルテポヴェラ、ボディアート、ナラティブアートなど）によって特徴付けられます。
最初の「概念的な」体験は、50年代と60年代の間のネオダダとミニマルアートの運動によって表されました。最初の、ジャスパージョンズやロバートラウシェンバーグなどの主要な代表者は、後にポップアートの著名な指数になった最初の運動は、その使用から特徴付けられました日常生活から取られ、芸術作品に挿入されたオブジェクトの。同様の傾向は、アーティストのたわごとの缶で知られるピエロマンゾーニ、ヴィンチェンツォアグネッティ、マリオメルツ、マウリツィオナンヌッチ、ジュリオパオリーニなどのイタリア人アーティストのネオダダイストの挑発をすぐに区別します。
ミニマルアート（ミニマリズム）でさえアメリカで生まれ、色彩的に不可欠であり、共感性や美的楽しみへの譲歩なしに合理的なカビの結実を好む冷たく純粋に建設的なモダリティに触発された大きな幾何学的構造の生産によって特徴付けられました。
その後の2年間で、これら2つの運動によって定められた施設は、コンセプチュアルアート（ジョセフコスース、ブルースナウマン、ローレンスウェイナー、ジョセフボイス、ウルフヴォステル、ナムジュンパイク、シャーロットムーアマンなど）によって、貧しい芸術イタリア語によって継承され拡張されました。 （Alighiero Boetti、Giulio Paolini、Mario Merz、Jannis Kounellis、Michelangelo Pistoletto、Luciano Fabroなど）そして、コスタス自身にインスパイアされた「ナラティブアート」から、アーティストの作品がナラティブデュアリズムを中心に具体化し、画像で表現されましたそして書く。
概念的な領域では、2つの形式の芸術的アクションも発生しました。たとえば、出来事とパフォーマンスは、強力で明白な類似性にもかかわらず、代わりに、パフォーマンスには見られない出来事の典型的な集合である即興コンポーネントによって区別されます。 、劇場の演出とドラマツルギーの計画に近い。
これらの最後の経験の歴史的背景が確かに「未来派の夜」とダダイストキャバレーヴォルテールであった場合、60年代に新しい概念的な感性の範囲内でそれを転送することによって詩を継承するタスクは、主にボディアートに落ち、ジーナペインやランドアートの場合のように、アーティスト自身がアクションのために自傷行為の限界に追いやられることもあります。そこでは、ドキュメンタリー精神とアクションとテリトリーのつながりが、非常に説得力のある芸術的結果を伴う珍しい表現領域を探索しました（ヌーヴォーレアリスム出身のアーティスト、ブルガリアのクリストのパッケージング。1977年のライトニングフィールドなど、アメリカのウォルターデマリアの壮大な介入から、イギリスのリチャードロングの散歩まで）。
起源
コンセプチュアルアートは、現代アートの特定の期間ではなく、構造化された芸術運動や特定のアーティストグループでもありません。とはいえ、厳密な意味での1965年から1975年までのコンセプトアートの現在に至るまで、私たちは自分自身に現在の日付を残すことを許可できます（ただし、前任者と後継者がいることは明らかです）
コンセプトアートの歴史における基本的な展示の1つは、ハラルドゼーマンが主催し、多くのコンセプトアーティストを結集させたものです。1969年3月22日から4月27日まで、ベルンのカンターレで開催されます。キャサリンミレットがコンセプトアートについて語り始めたのはヨーロッパでもあり、主に北アメリカ人で構成された新しい芸術運動の最初の大きな現れでした。
コレクション「フルクサス：アンソロジー」で1961年に出版された音楽のテキストのタイトルとして、「コンセプトアート」という表現を最初に使用したのはアメリカ人アーティストのヘンリーフリントであると言われています。ジョセフ・コスースの定義から：「アートはアイデアとしてのアイデア。」（アートはアイデアとしてのアイデア）。または、アートと言語グループ。
Kosuthは、既製のボトルホルダー（1914）またはマルセルデュシャンの噴水（1917）などのコンセプチュアルアートの起源にさかのぼります。この傾向はまた、カシミールマレヴィッチのカレブランシュールフォンブラン（1918）シリーズなどの絵画にも反映され、最近では、純粋に仮想的な美的データの探索を提案したIsidore IsouによるArtinfinitésimal（1956）の作成により、想像してみてください。
コンセプチュアルアートは、アーティストのノウハウや、作品が「完成」しなければならないというアイデアさえ、もはや重要ではないようです。たとえば、アイデアは制作よりも優先されるためです。たとえば、一部のアーティストは、作品が何であるかのスケッチまたは指示さえ提供します誰もが作品を作るために、その実現ではなく「価値」を持っているという考えです。
コンセプチュアルアートでは、アート史上初めて、イヴクラインの無形の絵画的感性のゾーンや、たとえば、レバークーゼン（1969年にレバークーゼンのシュテティチェス美術館で開催されたコンセプティオン/コンセプション展）に出席するアーティストは、「アマチュアによる写真を伴って、言語にまで縮小されました。タイプされた紙が電報、パンフレット、ファイリングキャビネット、磁気テープの隣にありました。私たちは初めて、展示ホールのように見える展示ホールを訪れました。」
歴史
フランスのアーティスト、マルセルデュシャンはコンセプチュアリストへの道を開き、プロトタイプとしてのコンセプチュアルな作品の例、たとえばレディメードを提供しました。デュシャンの既製品の中で最も有名なのは、「R.Mutt」という偽名でアーティストによって署名された標準の小便器である噴水（1917年）であり、ニューインディペンデントアーティスト協会の毎年行われる審査なしの展示会に出品されました。ヨーク（それを拒否した）。芸術的な伝統は、小便器などのありふれたオブジェクトを芸術家として、または芸術であるという意図で作られておらず、また、ユニークでも手作りでもないため、芸術とは見なしません。デュシャンの関連性と将来の「概念主義者」に対する理論的重要性は、1969年のエッセイ「哲学後の芸術」で米国の芸術家であるジョセフコスースによって次のように記されています。
1956年、Lettrismの創設者であるIsidore Isouは、その性質上、実際には作成できなかったが、それでも知的に熟考することで美的報酬を提供できる芸術作品の概念を発展させました。この概念は、アートエスタペリス（または「無限美学」）とも呼ばれ、ゴットフリートヴィルヘルムライプニッツの無限小から派生したものです。概念的にしか存在し得なかった量です。イゾイア運動の現在の化身（2013年現在）であるExcoördismは、無限に大きなアートと無限に小さなアートとして自己定義しています。
1961年、アーティストのヘンリーフリントがそのタイトルをタイトルに持つ記事で造語した「コンセプトアート」という用語は、フルクサスの原著であるAn Anology of Chance Operationsに登場しました。しかし、1969年にArt-Language The Journal ofconceptual artで始まった、文書化された批判的探究に賛成して従来の芸術オブジェクトを破棄したジョセフコスースおよび英国の芸術と言語のグループによって採用されたとき、それは異なる意味を仮定しました。アーティストの社会的、哲学的、心理的地位。1970年代半ばまでに、彼らはこの目的のために出版物、索引、パフォーマンス、テキスト、および絵画を制作しました。1970年、コンセプチュアルアートとコンセプチュアルアスペクト、最初の専用コンセプチュアルアート展がニューヨーク文化センターで開催されました。
形式主義と芸術の商品化に対する批判
コンセプチュアルアートは、1960年代の運動として浮上しました。一部は、影響力のあるニューヨークの芸術評論家クレメントグリーンバーグによって表現された形式主義に対する反応として一部でした。グリーンバーグによると、現代美術は、各媒体の本質的で形式的な性質を定義するという目標に向けて、漸進的な削減と洗練のプロセスを踏襲しました。この性質に対抗して実行されたそれらの要素は削減されるべきでした。たとえば、絵画の仕事は、絵画が本当はどのような種類のオブジェクトであるかを正確に定義することでした。絵画の性質上、着色された顔料が適用されたキャンバス面を備えた平らなオブジェクトであるので、比喩、3D遠近錯視、外部の主題への参照などはすべて、絵画の本質には無関係であることがわかりました。削除する必要があります。
コンセプチュアルアートはオブジェクトの必要性を完全に取り除くことでアートのこの「非物質化」を継続すると主張する人もいれば、多くのアーティスト自身を含む他の人は、コンセプチュアルアートをグリーンバーグの形式主義的なモダニズムの根本的な破綻だと考えていました。その後、芸術家たちは、アートが自己批判的であるという好みと、幻想への嫌悪感を共有し続けました。しかし、1960年代の終わりまでに、アートに関するグリーンバーグの規定が各メディアの範囲内で継続し、外部の主題を除外することはもはや牽引力を持たなくなったことは確かに明らかでした。コンセプチュアルアートは、アートの商品化にも反応しました。それは、芸術の位置と決定者としてのギャラリーまたは博物館の転覆、および芸術の所有者と流通業者としての芸術市場を試みました。
Lawrence Weiner氏は、「あなたが自分の作品を知ったら、それを所有します。誰かの頭の中に登ってそれを取り除くことはできません。」したがって、多くのコンセプチュアルアーティストの作品は、それによって明示されるドキュメンテーションを通じてのみ知ることができます。たとえば、写真、書かれたテキスト、表示されたオブジェクトなど、それ自体が芸術ではないと主張する人もいます。それは時々（ロバートバリー、小野陽子、ワイナー自身の作品のように）作品を説明する一連の指示書に減らされますが、実際にそれを作るのではなく、アーティファクトよりも重要なアイデアを強調します。これは、アートとクラフトの間の表向きの二分法の「アート」側の明示的な好みを明らかにします。アートは、クラフトとは異なり、内部で行われ、歴史的な談話に従事します。たとえば、小野の「
懸念
コンセプチュアルアートは、多くの場合、このアートの分析的な性質を主張しないように、楕円形のメッセージを送信することに関連する巧妙な活動と混同されてきました。
ポールヴァレリーは、芸術における唯一の本物は芸術であり、アートは芸術としての芸術であるアドラインハルトであると述べました…絵画に適用されると、それは形式主義の名前を取った、つまり、絵画は絵画についてのみ語るべきであり、コンセプチュアルアートのテキストは、この形式主義に反対して、絵画の形式と構成に関する懸念よりもコンセプトに特権を与えましたが、クレメントグリーンバーグが定めたこの法律が芸術作品の自己定義によく対応していたことは否定できません。本質的には、コンセプチュアルアーティストのルールになります。彼らにとっても、アートはそれ自体の探求にすぎません。
さらに、そのスペースの併合では、最小限のアートが芸術オブジェクトのステージングに自身を結び付け、一般的にそれに付けられている慣習に疑問を投げかけました。
コンセプトアートはこれら2つの懸念の延長であると考えることができます。実際、最初にオブジェクトを分析する視線は、プレゼンテーションのコンテキストに向かって循環します。概念主義者は、芸術的オブジェクトとその建築環境の再定義だけでなく、社会的、イデオロギー的環境、さらには心理学にも焦点を当てましたそして哲学的文脈。
一方、標準的な形式を生み出す業界との関係では、ミニマルアートは、新しい形式のアートの開発よりも、進歩的なモダニズムの理想主義の終焉に大きく貢献してきました。ドナルドジャッドは1963年に次のように述べています。
「芸術の進歩は確かに正式ではありません。」
そして1967年に
幾何学的でも有機的でもない形は素晴らしい発見です。（「幾何学的でも有機的でもない形状を作成できることは素晴らしい発見です。」）
この発見は、ルネデニゾが彼のテキスト「The Limit of concept」で次の観察をするコンセプチュアルアートでおそらく現れる：
「アートをコンセプトの形で提示するコンセプチュアルアートは、アートをコンセプトにもたらすことで、それを彼が持っている形で、ある形に持っていくので、アートの典型的なテーマです。」
言語および/アートとして
言語は、1960年代と1970年代初頭のコンセプチュアルアーティストの第一波の中心的な関心事でした。アートにおけるテキストの利用は決して新しいものではありませんでしたが、1960年代になって初めて、ローレンスウェイナー、エドワードルシャ、ジョセフコスース、ロバートバリー、そしてアート＆ランゲージは、言語的手段だけでアートを生み出し始めました。以前は他の言語と一緒に1種類の視覚要素として提示され、包括的な構成（例：合成キュービズム）に従属していましたが、コンセプチュアルアーティストは筆やキャンバスの代わりに言語を使用し、それ自体がそれを表すことを許可しました。Lawrence Weinerの作品のうち、Anne Rorimerは次のように書いています。
英国の哲学者であり、コンセプチュアルアートの理論家であるピーターオズボーンは、言語ベースのアートへの引力に影響を与えた多くの要因の中で、コンセプチュアリズムの中心的な役割は、英米の分析哲学と構造主義の両方における意味の言語理論への転換から生じたことを示唆していますそして20世紀半ばのポスト構造主義大陸哲学。この言語的転換は、コンセプチュアルアーティストの方向性を「強化し、正当化」しました。オズボーン氏はまた、初期のコンセプチュアリストは芸術の学位に基づく大学のトレーニングを完了した最初の世代のアーティストであったとも述べています。オズボーンは、2010年7月9日にコモのヴィラスコタにあるフォンダツィオーネアントニオラッティで行われた公開講演で、現代美術は概念化されたものであると後で観察しました。
アメリカの美術史家エドワードA.シャンケンは、「コンセプチュアルアートとアートアンドテクノロジーの重要な交差点を強力に実証し、これらの美術史的カテゴリーの従来の自律性を爆発させた」ロイアスコットの例を指しています。イギリスのサイバネティックアートに最も密接に関係しているイギリスのアーティストであるアスコットは、サイバネティックの使用が主に概念的であり、テクノロジーを明示的に利用していなかったため、サイバネティックセレンディピティには含まれませんでした。
逆に、サイバネティックスの芸術および芸術教育への応用に関する彼のエッセイ「The Construction of Change」（1964）は、Lucy R. Lippardの独創的な6年間の献辞ページ（Sol Lewittへ）で引用されました： 1966年から1972年までのアートオブジェクト、アスコットのイギリスでのコンセプチュアルアートの形成への期待と貢献は、おそらく彼の作品が芸術とテクノロジーと密接に関連していたために（そして皮肉にも）わずかしか認められていません。別の重要な交差点は、1963年にアスコットがシソーラスを使用したときに調査されました。これにより、言語と視覚言語の分類学的品質の明確な類似点が引き出されました。この概念は、Joseph Kosuthの2番目の調査、命題1（1968）とMel Ramsdenの要素不完全な地図（1968）の。
コンセプチュアルアートと芸術的スキル
Weiner、Barry、Wilson、Kosuth、Art＆Languageは、言語を彼らの独占的な媒体として採用することにより、正式な発明と資料の取り扱いによって明らかにされた権威ある存在の痕跡を一掃することができました。
コンセプチュアルアートとより「伝統的な」アート制作の形態との重要な違いは、芸術的スキルの問題です。従来のメディアを扱うスキルは、コンセプチュアルアートではほとんど役割を果たしませんが、コンセプチュアルな作品を作るのにスキルは必要ない、またはスキルが常に欠けていると主張することは困難です。たとえば、John Baldessariは、プロのサインライターにペイントを依頼した写実的な写真を発表しました。そして、多くのコンセプチュアルパフォーマンスアーティスト（例：Stelarc、MarinaAbramović）は、技術的に優れたパフォーマーであり、自分の体の熟練したマニピュレーターです。したがって、伝統的なスキルや敵意がなくても、コンセプチュアルアートは、権威ある存在や個々の芸術的表現に関する従来の現代的な概念を無視していることは明らかです。
現代の影響
プロトコンセプチュアリズムは、たとえばマネ（1832–1883）や後にマルセルデュシャン（1887–1968）とともにモダニズムの台頭にルーツを持っています。「コンセプトアート」運動の最初の波は、1967年から1978年頃まで続きました。ヘンリーフリント（1940〜）、ロバートモリス（1931〜2018）、レイジョンソン（1927〜1995）などの初期の「コンセプト」アーティストは、後に影響を与えました。広く受け入れられているコンセプチュアルアートの動き。Dan Graham、Hans Haacke、Lawrence Weinerなどのコンセプチュアルアーティストは、その後のアーティストに非常に影響力があることが証明されており、Mike KelleyやTracey Eminなどの著名なコンテンポラリーアーティストは、「第2世代または第3世代」のコンセプチュアリストと呼ばれることもあります。 、または「ポストコンセプト」アーティスト（接頭辞ポストインアートは、「原因」と解釈されることがよくあります）。
現代のアーティストはコンセプチュアルアートムーブメントの懸念の多くを取り上げていますが、彼らは自分たちを「概念的なアーティスト」と呼んでいるかどうかはわかりません。反商品化、社会的および/または政治的批評、メディアとしてのアイデア/情報などのアイデアは、特にインスタレーションアート、パフォーマンスアート、ネットアート、エレクトロニック/デジタルアートを扱うアーティストの間で、現代アートの側面であり続けています。確認する見積もり]
アーティスト
この形のおかげで、コンセプチュアルアーティストは芸術作品の対象から遠ざかります。これは、言語とその派生物（数学的グラフ、距離測定、年のリスト…）の使用が作品の存在に必要かつしばしば十分な条件となる芸術活動につながります。ただし、これらのアーティストが最も効果的にデモンストレーションを提供できる能力のために言語を使用する場合、これは、批評家や作家に同化できることを意味しません。なぜなら、アートに関する談話はオブジェクトを置き換えるものの、主題は単にアート、しかしこのアイデアの実践に。
コンセプチュアルアーティストは、メルボクナーが彼の展覧会（その操作方法は非常にコンセプチュアルである）で初めて再会したことに気づいたとしても、均質なグループを形成したことはありません。 1966年にニューヨークのスクールオブビジュアルアーツで、その後カタログのページでのみ表示された展覧会でセスシーゲラウブによって展示されました。
もう1つの試みは、1969年に新聞の形でコンセプチュアルアートの主な俳優をまとめることでした。アートランゲージジャーナルオブコンセプチュアルアートは、最終的にグループのアートと言語に名前を付けます。彼らの会話、およびモダニズムの認められた実践に対するその重要な装置が作品の構成要素であると想定しているコンセプチュアルアーティスト。
全体として、最初から2つの傾向が主張されました。最初の傾向は、数学、記号論、哲学、または社会学によって引き起こされた興味を選びました。一方、2番目の傾向は、想像力とはかないものにリンクされた強力な詩的チャージを伴う提案を支持しました。また、これら2つのトレンドを統合した作品、特にVito Acconci、Carl Andre、Nancy Holt、Robert Smithsonのようなアメリカのアーティストの作品も見つかります。後者は具体的な詩の言語実験を拡張したものです。
アーティストのローレンスウィナーは、ナイアガラの滝でボールを投げるなど、「特定のアクションを実行する」ように書面で書いています。訴訟が発生し、重要なことは書面による提案であったため、Weinerはその訴訟を実行できることもできないことも明らかにしました。
同じように、リチャードロングは1969年3月22日までの間に行進し、展示会で彼の名前、日付、作品のタイトルを示す長方形の白いシートの形になりました。しかし、歩くプロセスへの彼のコミットメントと彼の数千キロを旅したことで知られているイギリス人アーティストにとって、達成は不可欠です。
注目すべき例
1917年：マルセル・デュシャンによる噴水。TheIndependentの記事にコンセプチュアルアートの発明として記載されています。
1953年：ロバート・ラウシェンバーグが、ウィリアム・デ・クーニングの絵であるラウシェンベルクが消した、イレースドデクーニングの絵を作成しました。アートの基本的な性質について多くの疑問を投げかけ、他のアーティストの作品を消去することは創造的な行為であるかどうか、また有名なラウシェンバーグが行ったので作品が「アート」にすぎないかどうかを視聴者に問いかけました。
1955：レアスーサンダースがシリーズpiècesde complicesの最初のテキストを作成し、ビジュアルアートと詩と哲学を組み合わせ、共犯の概念を導入します。視聴者は自分の想像力でアートを達成しなければなりません。
1956：Isidore Isouは、Introductionàuneesthétiqueimaginaire（Introduction to Imaginary Aesthetics）で、極小芸術の概念を紹介します。
1957年：イヴクライン、エアロスタティックスカルプチャー（パリ）。これは、Gallerie Iris Clertから彼の命題モノクロを宣伝するために空に放出された1001の青い風船で構成されていました。ブルーエポック展。クラインはまた、16台の爆竹が設置された青いパネルである「One Minute Fire Painting」を展示しました。彼の次の主要な展覧会、1958年のボイドでは、クラインは彼の絵画は現在目に見えないことを宣言し、それを証明するために空の部屋を展示しました。
1958：ヴォルフボステルダスシアターはシュトラーセにあります/劇場は通りにあります。ヨーロッパで最初の出来事。
1960年：イヴ・クラインの行動が「空への飛躍」と呼ばれ、窓から飛び出して飛ぶことを試みた。彼は言った：「画家は絶えず彼自身、1つの傑作を作成する必要があります。」
1960：アーティストのスタンリーブローは、アムステルダムのすべての靴屋が彼の作品の展示であると宣言しました。
1961年：ケルンのウルフボステルシティラマはドイツで最初のハプニングでした。
1961年：ロバートラウシェンバーグは、ギャラリーアイリスクラートに電報を送りました。「これは、私がそう言った場合、これはアイリスクラートの肖像です」と述べました。肖像画の展覧会への彼の貢献として。
1961年：ピエロマンゾーニはアーティストのたわごとを展示し、缶には自分の糞が含まれているとされています（作品を開くと作品が破壊されるため、誰も確実に言うことはできません）。彼は缶を金の重量で売りに出した。彼はまた、自分の息（風船に囲まれた）をBodies of Airとして販売し、人々の体に署名しました。これにより、彼らは常にまたは特定の期間、生きている芸術作品であると宣言しました。（これは、彼らが支払う準備ができている量に依存しました）。Marcel BroodthaersとPrimo Leviは、指定された「アートワーク」の1つです。
1962：アーティストのBarrie Batesは自分自身をBilly Appleにブランド変更し、元のアイデンティティを消去して、日常生活と商業をアートとして探求し続けました。この段階までに、彼の作品の多くは第三者によって作成されています。
1962年：クリストのアイアンカーテン作品。これは、パリの狭い通りにあるオイルバレルのバリケードで構成され、大きな渋滞を引き起こしました。アートワークはバリケード自体ではなく、結果として生じた交通渋滞でした。
1962年：イヴクラインがセーヌ河岸のさまざまな式典で重要でない絵画的感度を発表しました。彼は金箔と引き換えに彼自身の「絵画的感性」（それが何であれ、それを定義しなかった）を売ることを申し出た。これらの式典では、購入者は証明書と引き換えにクラインに金箔を与えました。クラインの機密性は重要でないため、購入者は証明書を焼く必要があり、クラインは金箔の半分をセーヌ川に投げました。（購入者は7人でした。）
1962：ピエロマンゾーニは「世界の基地」を作成し、それによって彼のアートワークとして惑星全体を展示しました。
1962年：アルベルトグレコは、パリ、ローマ、マドリード、ピエドララベスで開催された、ヴィヴォディトまたはライブアートシリーズを開始しました。それぞれのアートワークで、グレコは日常生活の中でアートに注意を向け、それによってアートは実際には見たり見たりするプロセスであると主張しました。
1962：ウィスバーデンのFLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik、George Maciunas、Wolf Vostell、Nam June Paikなど。
1963：ジョージブレヒトのイベントスコアのコレクションであるウォーターヤムは、ジョージマキュナスによって最初のフラックスキットとして公開されました。
1963：デュッセルドルフのFestum Fluxorum Fluxus、George Maciunas、Wolf Vostell、Joseph Beuys、Dick Higgins、Nam June Paik、Ben Patterson、Emmett Williamsなど。
1963：ヘンリーフリントの記事「コンセプトアート」がAnthology of Chance Operationsに掲載されました。ジャクソンマックローとラモンテヤング（編）が出版したアーティストとミュージシャンによるアートワークとコンセプトのコレクション。アンソロジーオブチャンスオペレーションズは、ジョンケージのアイディアに関連して、ディックヒギンズによるインターメディアアートのビジョンの発展を記録し、初期のフルクサスの傑作となりました。フリントの「コンセプトアート」は、「認知的虚無主義」という彼の考えと、論理と数学の脆弱性に関する彼の洞察から生まれました。
1964年：小野陽子が 『グレープフルーツ：説明書と図鑑』を出版。ヒューリスティックアートの例、または美的体験を得る方法に関する一連の指示。
1965：アートと言語の創設者、マイケルボールドウィンミラーピース。作品は絵画の代わりに、訪問者とクレメントグリーンバーグ理論の両方に挑戦するさまざまな数の鏡を示しています。
1965：スティルアンドチューと呼ばれるジョンレーサムのコンセプチュアルアート作品。レイサムがパートタイムで教えていたロンドンのセントマーチンズスクールオブアートで高く評価され、教えられたクレメントグリーンバーグの芸術と文化の価値に抗議するように、芸術学生を招待します。グリーンバーグの本（大学図書館から借りたもの）のページは学生によって噛まれ、酸に溶解され、結果として得られた溶液は瓶詰めされてラベルが貼られた図書館に返されます。その後、レーサムは非常勤のポジションから解雇された。
1965：ショーVで、無形の彫刻、オランダのアーティスト、マリヌスボエゼムがコンセプチュアルアートをオランダに紹介。ショーでは、人々が通り抜けられるように様々な空気ドアが設置されています。人々は暖かさ、空気の感覚的な経験を持っています。冷気と暖気の流れが部屋に吹き込まれると生じる3つの見えない空気ドアが、矢印と線の束で空間に示されます。生じる空間の明瞭さは、その空間における人の行動に影響を与える見えないプロセスの結果であり、誰が共演者としてシステムに含まれています。
ジョセフコスースは1965年に1つと3つの椅子のコンセプトを発表しました。この作品のプレゼンテーションは、椅子、その写真、「椅子」という言葉の定義の拡大で構成されています。Kosuthは辞書から定義を選択しました。定義が異なる4つのバージョンが知られています。
1966：1966年に考案されたArt＆Languageのエアコンショーは、Arts Magazineの11月号に1967年の記事として掲載されています。
1966年：NE Thing Co. Ltd.（バンクーバーのイアンとイングリッドバクスター）がバッグ付きの場所を展示ビニール袋で包まれた4部屋のアパートの内容。同じ年に企業として登録し、その後、企業モデルに沿って実践を組織しました。これは、「行政の美学」の最初の国際的な例の1つです。
1967：メルラムスデンが最初に100％抽象絵画を発表。絵画は、絵画の実体を構成する化学成分のリストを示しています。
1967年：ソル・ルウィットのコンセプチュアルアートに関するパラグラフは、アメリカのアートジャーナルArtforumから出版されました。パラグラフは、ミニマルからコンセプチュアルアートへの進歩を示しています。
1968：マイケルボールドウィン、テリーアトキンソン、デビッドベインブリッジ、ハロルドハレルがArt＆Languageを設立。
1968年：ローレンスウェイナーは、作品の肉体的な制作を放棄し、「意図の宣言」を公式化しました。これは、ルウィットの「概念芸術に関する段落」に続く最も重要な概念芸術の声明の1つです。彼のその後の実践を強調する宣言は次のとおりです。「1。アーティストは作品を作成することができます。2。作品は組み立てることができます。3。作品を構築する必要はありません。それぞれが等しく、アーティストの意図と一致しています。決定条件に関しては、受信の際に受信者にかかっています。」
フリードリヒ・ホイバッハは、ドイツのケルンで雑誌Interfunktionenを創刊しました。これは、アーティストのプロジェクトに優れた出版物です。もともとはフルクサスの影響を示していましたが、後にコンセプチュアルアートに移行しました。
1969年：ビリーアップルのアップル、ヴィトアコンチが多くの重要な初期の作品を生み出したロバートニューマンのゲイングラウンド、112グリーンストリートなど、ニューヨークの初代オルタナティブエキシビションスペースが設立されました。
1969年：バンクーバーのサイモンフレイザー大学でのロバートバリーのテレパシー作品。彼は「展覧会の間、テレパシーで芸術作品を伝えようとします。その性質は、言語やイメージに当てはまらない一連の思考です」 。
1969：Art-Language The Journal of Conceptual Artの最初の号が5月に発行されました。「コンセプチュアルアートのジャーナル」と題され、テリーアトキンソン、デビッドベインブリッジ、マイケルボールドウィン、ハロルドハレルによって編集されました。Art＆Languageはこの最初の番号の編集者であり、2番目の番号までに、1972年まで、Joseph Kosuthが参加してアメリカの編集者になります。
1969：Vito Acconciがフォローピースを作成し、ランダムに選択されたパブリックメンバーをプライベートスペースに消えるまでフォローします。作品は写真として提示されます。
英語のジャーナルStudio Internationalは、Joseph Kosuthの記事「哲学後のアート」を3つのパート（10月〜12月）で発行しました。「コンセプチュアルアート」で最も話題になった記事となりました。
1970：イアンバーン、メルラムスデン、チャールズハリソンがArt＆Languageに参加。
1970年：画家のジョンバルデッサリは、コンセプチュアルアートをテーマにした「キャンプタウンレース」や「いくつかの魅惑的な夜」などの人気曲にソルルウィットによる一連のエルディテの発言を設定した映画を展示しています。
1970年：ダグラスヒューブラーが一連の写真を展示し、道路を24分間走行しながら2分ごとに撮影されました。
1970年：ダグラスヒューブラーが美術館の訪問者に「1つの本物の秘密」を書き留めるように求めます。結果として得られた1800の文書は1つの本にまとめられ、いくつかの説明により、ほとんどの秘密は類似しているため、非常に繰り返し読むことができます。
1971：ハンス・ハッケのリアルタイム社会システム。このシステムアート作品は、ニューヨーク市で3番目に大きい地主の不動産保有を詳述しています。これらの物件は主にハーレムとローワーイーストサイドにあり、老朽化が進んでおり、維持管理も不十分であり、単一グループの管理下にあるこれらの地域で最大の不動産の集中を表しています。キャプションには、同じ家族が所有または管理している会社間の最近の売り上げを含め、建物に関するさまざまな財務詳細が記載されていました。グッゲンハイム美術館は、作品の明白な政治的含意が「美術館の生物に入った異質な物質」を構成していると述べて、展示をキャンセルしました。グッゲンハイムの受託者が、仕事の対象となった家族と経済的に関連していたことを示唆する証拠はありません。
1972：アート＆ランゲージインスティテュートは、Document＆5でインデックス01を展示します。これは、アート＆言語によるテキスト作品とArt-Languageからのテキスト作品のインデクシングインデックスです。
1972：国立芸術サロン（ムセオナシオナル、ボゴタ、コロンビア）でのアントニオカロの展示：彼の作品：Aquinocabeelarte（アートはここに収まりません）。各文字は個別のポスターであり、各文字の下に名前国家抑圧の犠牲者。
1972：フレッドフォレストが新聞Le Mondeの空白スペースを購入し、読者に自分の芸術作品で埋めてもらいます。
一般的なアイデアは、トロントでファイル誌を立ち上げます。この雑誌は、拡張されたコラボレーションアートワークとして機能しました。
1973：Jacek Tylickiが自然の環境で空白のキャンバスまたは紙をレイアウトして、自然がアートを作成できるようにします。
1974年：テキサス州アマリロ近くのキャデラックランチ。
1975–76：The Foxの3つの号がArt＆Languageによってニューヨークで発行されました。編集者はジョセフ・コスースでした。Foxは、Art＆Languageのアメリカ人メンバーにとって重要なプラットフォームとなりました。カールベヴァリッジ、イアンバーン、サラチャールズワース、マイケルコリス、ジョセフコスース、アンドリューメナード、メルラムスデン、テリースミスは、現代アートのコンテキストをテーマにした記事を書きました。これらの記事は、コンセプチュアルアートの内側のサークル内の制度的批評の発展を例示しています。アートの世界に対する批判は、社会的、政治的、経済的理由を統合しています。
1975-77 Orshi Drozdikの個人神話のパフォーマンス、写真、オフセット印刷シリーズと、ブダペストでのImageBankの理論。
1976年：内部の問題に直面し、アートと言語のメンバーは分かれる。Michael Baldwin、Mel Ramsden、Charles Harrisonの手に残るArt＆Languageという名前の運命。
1977：ドイツのカッセルにあるWalter De Mariaの垂直地球キロ。これは1キロの真鍮製のロッドで、地面に沈んでいたため、数センチしか見えませんでした。そのサイズにもかかわらず、したがって、この作品は主に視聴者の心に存在します。
1982年：Art＆LanguageによるオペラVictorineがカッセル市でドキュメンタ7として上演され、3 Wesley Place Painted by ActorsによってArt＆Language Studioと一緒に上映されることになりましたが、パフォーマンスはキャンセルされました。
1986：アートと言語がターナー賞にノミネートされました。
1989：クリストファーウィリアムズのベトナムへのアンゴラが最初に展示されます。作品は、1985年に政治的失踪が行われたことが知られている36か国のリストに従って選ばれた、ハーバード大学の植物博物館からのガラス植物標本の一連の白黒写真で構成されています。 。
1990：アシュリービッカートンとロナルドジョーンズがホイットニーアメリカ美術館の「第3世代のコンセプチュアルアーティスト」の「マインドオーバーマター：コンセプトとオブジェクト」展に参加。
1991：ロナルドジョーンズは、メトロピクチャーギャラリーで厳しい政治的現実に根ざしたオブジェクトやテキスト、芸術、歴史、科学を展示しています。
1991年：チャールズ・サーチはダミアン・ハーストに資金を提供し、翌年にはサーチ・ギャラリーで彼の「生きている人の心の死の身体的不可能性」、硝子体内のホルムアルデヒドのサメを展示します。
1992年：マウリツィオボローニニがプログラムされたマシンを「封印」し始めます。何百ものコンピューターがプログラムされ、無限に実行されて、誰も見ることのないランダムな画像の無尽蔵のフローを生成します。
1993年：Matthieu Lauretteは、フランスのテレビゲームTournezmanège（The Dating Game）に参加して彼の芸術的出生証明書を作成しました。そこでは、女性プレゼンターが彼に誰であるかを尋ね、「マルチメディアアーティスト」と答えました。ローレットは、自宅からテレビで番組を視聴するように芸術聴衆に招待状を送り、アーティストのステージングを実行された現実に変えました。
1993年：ヴァネッサビークロフトが彼女の最初のパフォーマンスをイタリアのミラノで開催し、モデルを使用して彼女の食事日記の展示の2番目の聴衆として行動しました。
1999：トレーシーエミンがターナー賞にノミネートされる。彼女の展示の一部は、コンドーム、血痕のあるニッカー、ボトル、寝室のスリッパなどのデトリタスに囲まれた乱れたベッドであるMy Bedです。
2001：マーティンクリードが、ライトの点灯と消灯を行う空の部屋である「The Lights Going On and Off」のターナー賞を受賞しました。
2004：Andrea FraserのビデオUntitled、コレクターとのホテルの部屋での彼女の性的出会いのドキュメント（コレクターが出会いを制定し、撮影するための技術コストを賄うことに同意したコレクター）がFriedrich Petzel Galleryに展示されています。彼女の1993年の作品「Do n’t Postpone Joy」または「Collecting Can Be Fun」（テキストの大部分が削除されたコレクターとのインタビューの27ページの筆記録）を伴います。
2005年：Simon StarlingがShedboatshedのターナー賞を受賞しました。Shedboatshedは、彼がボートに変えた木造の小屋で、ライン川を下って浮遊し、再び小屋に戻りました。
2005年：マウリツィオ・ナンヌッチがベルリンのアルテス美術館のファサードに大規模なネオンインスタレーションを制作。
2014年：オラフニコライは、国際大会で優勝した後、ウィーンのボールハウスプラッツでナチスの軍事正義の犠牲者のための記念碑を作成しました。3ステップの彫刻の上にある碑文には、スコットランドの詩人イアンハミルトンフィンレイ（1924〜2006年）の詩が2語のみで掲載されています。