初期ネザーランド絵画の書式

初期のオランダの絵画は、15世紀と16世紀の北部ルネサンス時代のブルゴーニュやホプスブルクで活躍していた、フラマン語のプリミティブとして知られるアーティストの作品です。 ブリュージュ、ゲント、メッヘレン、ルーヴァン、トゥルネー、ブリュッセルの繁栄都市では、すべて現代ベルギーです。 彼らの作品はインターナショナル・ゴシック様式を踏襲し、1420年代初めにロバート・キャンピンとヤン・ファン・アイクと共に始まります。 多くの学者が1566年または1568年にオランダ革命の始まりにそれを拡張しているが、少なくとも1523年にGerard Davidが死亡するまで続きます（Max J.FriedländerのPeterer Bruegelによる高名な調査）。 初期のオランダの絵画は、初期と高イタリアのルネッサンスと一致しますが、独立した芸術文化と見なされます。これは、ルネサンスのヒューマニズムとは別に、イタリアの発展を特徴付けています。 これらの画家は、北ヨーロッパの中世の芸術的遺産とルネッサンスの理念の結集の頂点を表しているため、ルネッサンス時代とゴシック時代の両方に属すると分類されることがあります。

オランダの主要画家には、カンピン、ファン・アイク、ロジェ・ファン・デル・ウェイデン、ディアリック・ブーツ、ペトラス・クリスチャス、ハンス・メムリング、ヒューゴ・ファン・デル・ゴーズ、ヒエロニムス・ボッシュが含まれる。 これらの芸術家は、自然の表現と幻想の著しい進歩を遂げ、その作品は通常、複雑な象徴を特徴としています。 彼らの主題は、通常、宗教的な場面や小さな肖像画であり、物語の絵画や神話のテーマは比較的まれです。 ランドスケープはしばしば豊かに記述されていますが、16世紀初頭までは背景の詳細​​として推移しました。 塗装された作品は、一般的に単一の作品として、または複雑な携帯用または固定式の祭壇のようなパネル上の油であり、ディンプル、トリプティックまたはポリプチッチの形態である。 彫刻、タペストリー、照明された原稿、ステンドグラス、彫刻されたリタブルの期間もあります。

第一世代の芸術家は、低国が工芸品や高級品で知られている北欧の政治経済中心となったヨーロッパで、ブルゴーニュの影響力が高まった時に活動していました。 ワークショップ・システムの助けを借りて、パネルや様々な工芸品が、外国の王子や商人に民間の関与や市場の売り場で売却された。 過半数は16世紀と17世紀の崩壊の波の間に破壊された。 今日は数千の例しか生き残れません。 初期の北部芸術は一般的に17世紀初めから19世紀半ばまではよく見られず、画家とその作品は19世紀半ばまで十分に文書化されていなかった。 美術史家は、ほぼ一世紀に渡って帰属を決定し、象徴学を研究し、主要な芸術家の生活の裸の輪郭を確立しました。 最も重要な作品の一部のアトリビューションは依然として議論されている。

19世紀と20世紀の美術史の主な活動の1つであり、20世紀の最も重要な芸術史家の2つの主要な焦点であった：Max J.Friedländer（Van EyckからBreugel、Earlyオランダの絵画）とアーウィン・パノフスキー（初期のオランダの絵画）。

フォーマット
オランダのアーティストは主にパネル画で知られていますが、照明原稿、彫刻、タペストリー、彫刻されたリタブル、ステンドグラス、真ちゅうのオブジェクトや刻まれた墓などさまざまなフォーマットが含まれています。 美術史家のスージー・ナッシュによると、16世紀初頭までに、ポータブル・ビジュアル・カルチャーのほぼすべての側面で、「他の誰とも競争することのできない高いレベルの専門的な専門知識と生産技術を備えた」領域がこの分野をリードしました。 ブルゴーニュの裁判所は生き残った書類によく記録されているタペストリーと金属工作を好んだが、パネル絵画の需要はそれほど明白ではなく、巡回裁判所にはあまり適していないかもしれない。 壁掛けや本は、政治的宣伝や富と権能を示す手段として機能しましたが、肖像画はあまり好まれませんでした。 Maryan Ainsworthによると、委任された人たちはvan der WeydenのCharles Boldの肖像画のような継承の行を強調するように機能しました。 ファン・アイクの失われたポルトガルのイザベラの肖像画のように、ベートロートルのために。

宗教的な絵画は、王室とデュカルの宮殿、教会、病院、修道院、裕福な聖職者と私的ドナーのために委託されました。 より豊かな都市や町では、市民の建物の作業を依頼しました。 アーティストはしばしば複数のメディアで働いていました。 ヴァン・アイクとペトラス・クリスチャスは共に写本に貢献したと考えられています。 ファンデルワイデンはタペストリーをデザインしましたが、生き残る人はほとんどいません。 オランダの画家たちは、二重フォーマットの進歩、ドナー肖像画の慣例、マリアン肖像画の新しい慣行、ヴァン・アイクのロンリン首相、ヴァン・デル・ヴァイデンの聖ルカの聖母画1430年代には、別のジャンルとして風景画の発展の基礎を築いた。

イルミネーション原稿
15世紀半ばまで、照明された本はパネル絵画よりも高い芸術品とみなされ、その華やかで豪華な性質は所有者の富、地位、好みをよりよく反映していました。 写本は、王朝の結婚やその他の主要な儀式を記念して、外交の贈り物や奉仕品として理想的でした。 12世紀から専門修道院に基づいたワークショップ（フランス語のlibrairesで）は、数時間の書籍（正典時に祈るコレクション）、詩人、祈りの本と歴史、ロマンスと詩の本を制作しました。 15世紀の初め、パリのゴシック様式の写本が北欧市場を支配しました。 彼らの人気は、不本意な時間の本に挿入できる、より手頃な価格のシングルリーフミニチュアの生産によるものでした。 これらは時々、顧客が「余裕がある限り多くの写真を含める」ことを奨励するように逐次的に提供され、ファッションのアイテムとして、また耽溺の形態として明確に提示された。 単一の葉には挿入物以外の用途があった。 クリスチャスの1450〜60年のパネル、若い男の肖像画に見られるように、民間の瞑想と祈りの助けとして壁に取り付けることができます。現在はナショナルギャラリーにあり、頭に描かれているベラのアイコンキリストの フランスの芸術家は、ゲント、ブルージュ、ユトレヒトの巨匠によって15世紀半ばから重要性を奪われました。 かつては最高品質の英語制作が大幅に減少し、イタリアの写本はアルプスの北側にはほとんどなかった。 しかし、フランスの巨匠たちは容易にポジションを譲らなかったし、1463年にもギルドにオランダのアーティストに制裁を科すよう促した。

Limbourg兄弟の華麗なTrèsRiches Heures du Duc de Berryはおそらく、オランダのイルミネーションの始まりと終わりの両方を象徴しています。 その後、聖ルチアの伝説のマスターは、幻想と現実主義の同じミックスを探求しました。 Limbourgsのキャリアは、van Eyck’sが始まったときと同じように終わりました.1416年までに、すべての兄弟（誰も30歳に達していない）とその守護者Jean、Duke of Berryが死亡していました。 ヴァン・アイクは、トリノ・ミラノ時代のミニチュア作品のひとつである手のひらGとして知られている匿名のアーティストとして貢献したと考えられています。この期間のイラストレーションの多くは、ジェラルド・デイビッドとの文体的に似ています。彼の手や追随者のものである。

多くの要因が、オランダのイルミネーションの人気につながった。 初代は、14世紀の修道院改革に続く数世紀にこの地方で発展した伝統と専門的知識であり、12世紀の修道院、修道院、教会の数が著しく増加しており、 。 強力な政治的側面がありました。 このフォームにはJean、Berry公爵、Philip the Goodのような多くの影響力のある後援者がいました。後者は彼の死の前に1000点以上の照明付きの本を集めました。 トーマス・クレンによると、フィリップの “図書館は、キリスト教徒の王子としての男の表現であり、国家の具体例 – 彼の政治と権威、彼の学びと信心”であった。 彼の後援のため、ローランドの原稿産業は成長し、数世代にわたりヨーロッパを支配しました。 ブルゴーニュの書物収集の伝統は、フィリップの息子と妻のチャールズ・ボールドとヨークのマーガレットに渡された。 彼の孫娘ブルゴーニュのメアリーと夫のマクシミリアンI。 フランドルの写本の熱心なコレクターだったエドワード4世の義理の息子に、 フィリップとエドワード4世が残した図書館は、ベルギーの王立図書館と英国王立図書館を舞台にした核を形成しました。

オランダのイルミネーションは、重要な輸出市場を持ち、特に英語市場向けの多くの作品をデザインしていました。 チャールズ大統領が1477年に亡くなった後の国内援助の減少に続いて、輸出市場がより重要になった。 イルミネーターは、エドワード4世イングランド、ジェームズ4世スコットランド、エレノア・ビゼウなど、外国のエリートに合わせたより贅沢で豪華な装飾作品を製作することで、趣味の違いに対応しました。

パネルの塗装と照明の間にはかなりの重複がありました。 ファン・アイク、ヴァン・デル・ウェイデン、クリスマス、その他の画家が原稿のミニチュアをデザインしました。 さらに、ミニチュア主義者はパネル絵画からモチーフやアイデアを借りるだろう。 Campinの作品は、「Raoul d’Aillyの時」など、このような方法でソースとして使用されることがよくありました。 手数料は、ジュニア・ペインターや専門家が協力して、特に国境の装飾などの細部について助けを借りて、いくつかのマスターの間で共有されることがよくありました。 マスターは、仕事に署名することはめったになく、帰属を困難にしました。 より重要なイルミネータのいくつかのアイデンティティが失われる。

オランダの芸術家は、自分の作品を周囲の国からの写本と区別して差別化するためにますます独創的な方法を見つけました。 そのような技術には、精巧なページ境界を設計し、スケールとスペースを関連付ける方法を工夫することが含まれていました。 彼らは、原稿の3つの不可欠な構成要素、境界線、ミニチュア、およびテキストの間の相互作用を探求した。 一例は、ブルゴーニュのメアリーのウィーン修道師によるナッソーの時間帳（c.1467-80）であり、境界線は大きな幻想的な花や昆虫で装飾されている。 これらの要素は、模様の金めっきされた表面に散らばっているかのように、広く塗られてその効果を達成しました。 この技法は、革新的なページレイアウトで知られていたスコットランドのジェームズ4世（おそらくジェラルド・ホレンブー）のフランダースマスターによって続けられました。 さまざまな幻想的な要素を使って、彼はしばしばミニチュアとその国境の間の線をぼやけて、頻繁に彼の場面の物語を進めるための彼の努力に両方を使用していました。

19世紀初頭には、15世紀と16世紀のオランダのコレクションがアルバム用のミニチュアやパーツとして、ウィリアム・ヤング・オットリーのような愛好家の間でファッショナブルになり、多くの原稿が崩壊しました。 オリジナルは、世紀の後半にオランダの芸術の再発見を助けた復活であり、非常に追求されました。

タペストリー
15世紀半ばに、タペストリーはヨーロッパで最も高価で貴重な芸術品の一つでした。 商業生産は、アラス、ブルージュ、トゥルネーの都市を中心に、15世紀初頭からオランダとフランス北部に広がりました。 これらの職人の知覚された技術力は、1517年にジュリアス2世がラファエルの漫画をブリュッセルに送って吊り下げられたようなものでした。 このような織りの壁掛けは、外交的な贈り物として、特により大きな形式で中心的な政治的役割を果たした。 フィリップ・ザ・グッド・グッドは、1435年にアラス大会の参加者たちにフィリップ・グッド・フィリップを迎え入れました。「ホール・オブ・リエージュの戦いと転覆」の場面を映し出したタペストリーで、ホールは上から下へとまっすぐにドレープされました。 チャールズ・ザ・ボールドとヨークの結婚式のマーガレットでは、部屋は「ウール、ブルーとホワイトのカーテンで上に吊り下げられていて、両サイドにはジェイソンとゴールデン・フリースの歴史を織り交ぜた豊かなタペストリーが貼られていました。 客室は典型的には天井から床にタペストリーで吊り下げられ、いくつかの部屋にはローズ・オブ・ザ・ローズの風景を持つ白いタペストリーの名前が付けられたフィリップ・ザ・ボールドのようなタペストリーがあります。 ブルゴーニュ時代の約2世紀の間、熟練した製作者は「金と銀の糸で無数の吊り下げが無数にありました。

テキスタイルの実際の使用は、その移植性に起因する。 タペストリーは、宗教的または市民的儀式に適した容易に組み立てられたインテリア装飾を提供した。 彼らの価値は、現代の在庫でのポジショニングに反映されています。現代インベントリでは、通常レコードの最上位にあり、素材や色分けに従ってランク付けされています。 白と金は最高の品質と考えられていました。 フランスのチャールズVには57のタペストリーがあり、そのうち16は白です。 ジーン・デ・ベリーは19世帯、ブルゴーニュのメアリー、バローアのイザベラ、バイエルンのイザベー、グッド・フィリップのすべてが実質的なコレクションを所有していました。

タペストリーの生産はデザインから始まりました。 デザインや漫画は、通常、紙や羊皮紙で実行され、資格のある画家によってまとめられ、その後、織り手に送られました。 漫画は再利用できるので、職人はしばしば数十年前の素材で作業しました。 紙と羊皮紙の両方が非常に傷みやすいので、元の漫画はほとんど生存していません。 設計が合意されると、その製作は多くの製織業者の間で行われるかもしれない。 織機はフランダースの主要都市、ほとんどの町や多くの村で活発だった。

織機はギルドによって制御されていませんでした。 移住労働者に依存して、彼らの商業活動は、通常は画家だった起業家によって推進された。 起業家は顧客を見つけて委任し、漫画の在庫を保持し、しばしば輸入されなければならなかったウール、シルク、時には金と銀などの原材料を提供した。 起業家は後援者と直接接触していました。彼らはしばしば漫画と最終ステージの両方でデザインのニュアンスを経験しました。 この調査はしばしば困難な事業であり、繊細な管理が必要でした。 1400年にバイエルンのイザベーは、コラール・デ・ラオーンによるデザインを以前に承認したことを拒否しました。それは、デ・ラオーン氏、そしておそらく彼のコミッショナーの相当な恥ずかしさです。

タペストリーは主に画家によって設計されたものなので、彼らの正式な慣習はパネル絵画の慣行と密接に関連しています。 これは天と地獄のパノラマを制作した16世紀の画家の後世には特に当てはまります。 Harbisonは、BoschのEarthly Delightsの庭園の複雑で密集したオーバーレイされたディテールが、「その正確な象徴で…中世のタペストリー」のように似ていることを説明します。

三位一体と祭壇画
北トリプティクとポリプチクは14世紀後半からヨーロッパ全域で普及し、16世紀初頭まで需要のピークが続いた。 15世紀の間、彼らは北パネル画家の最も広く生産された形式でした。 宗教的な主題に精通して、彼らは2つの広いタイプに来る：より小さい、携帯用の民間の信心深い仕事、または祭壇の設定のためのより大きな祭壇。 最も初期の北部の例は、彫刻と絵画を組み入れた複合作品で、通常、彫刻された2つの翼が刻まれた中央のコーパス上に折り畳まれています。

ポリップは、より熟達したマスターによって生産されました。 彼らはバリエーションの幅が広がり、一度に見ることのできる内装パネルと外装パネルの可能な組み合わせの数が増えます。 ヒンジ付きの作品を開閉することができ、実用的な目的を果たしました。 宗教的な休日には、より懐古的で日常的な外側のパネルは、緑豊かなインテリアパネルに置き換えられました。 1432年に完成したゲントの祭壇画は、平日、日曜日、教会の休日などの構成が異なります。

第1世代のオランダの巨匠たちは、13世紀と14世紀のイタリアの祭壇画から多くの習慣を借りました。 1400年以前のイタリアの三位一体の慣習は非常に固いものでした。 セントラルパネルでは、地中海は聖家族のメンバーによって占領されました。 初期の作品、特にシエーネやフィレンツェの伝統からは、陽気なヴァージンのイメージが金色の背景に対して圧倒的に特徴付けられました。 翼には通常、様々な天使、献血者、聖人が含まれていますが、直接的な目の接触はなく、まれにしか物語のつながりはありません。 オランダの画家たちは、これらの慣習の多くを適応させましたが、始めからほぼ崩壊しました。 ヴァン・デル・ヴァイデンは特に革新的で、彼の1442-45年のミラフロレスの祭壇画で明らかになった。 1452ブレイクトリプティック。 これらの絵画では、神聖な家族のメンバーは中央のパネルの代わりに翼に現れますが、後者は3つの内側のパネルをつなぐ連続した風景の中で顕著です。 1490年代から、Hieronymus Boschは少なくとも16の三つ組を描きました。そのうちの最高のものが既存の慣習を覆しました。 Boschの作業は世俗主義への移行を続け、景観を強調しました。 ボッシュは、インナーパネルのシーンも統一しました。

トリプティックは1380年代からドイツのパトロンに委託され、1400年頃から大規模な輸出が開始されました。これらの非常に初期の例はほとんど存続しませんでしたが、ヨーロッパ各地のオランダの祭壇画の需要は、大陸の教会にまだ残っている多くの例からも明らかです。 Till-Holger Borchertは、15世紀前半にオランダのブルゴーニュの工房だけが達成できる「威信」をどのように授与したかを述べています。 1390年代までに、オランダの祭壇画は主にブリュッセルとブルージュで生産されました。 ブリュッセルの祭壇画の人気は、アントワープのワークショップの成果が好調になった約1530年まで続いた。 これは、専門家のワークショップメンバーの間でパネルの異なる部分を割り当てることにより、より低コストで生産されたことの1つで、Borchertの練習は労働の分裂の初期の形態と言います。

16世紀半ばにアントワープ・マンネリズムが目立つようになったため、マルチパネルのオランダの絵画は賞賛に欠け、昔ながらのものとみなされました。 その後、宗教改革の名目破壊勢力は攻撃的だとみなし、低国家の多くの作品は破壊された。 現存する例は、主にドイツの教会や修道院で見られる。 世俗的な作品の需要が高まるにつれて、三重派はしばしば分割され、個々の作品として販売されました。特にパネルやセクションには、世俗的な肖像画として渡すことができる画像が含まれていました。 パネルは時には図のみにカットされ、背景は「オランダの17世紀の絵画のよく知られたコレクションにぶら下がるジャンルの作品のように見える」ように描かれていました。

ディッピンチ
ジッペルクは、15世紀半ばから16世紀初頭にかけて、北ヨーロッパで広く普及していました。 彼らはヒンジ（または、しばしば固定フレーム）で結合された2つの同じ大きさのパネルから成っていた。 パネルは通常、テーマに沿ってリンクされていました。 ヒンジ付きパネルは、内側と外側の両方のビューを可能にしながら、本のように開閉することができました。一方、羽根を閉じると内側の画像を保護することができました。 時間の本の慣行から生まれたディプチックは、通常、安価で持ち運びやすい祭壇画として機能しました。 二重壁はペンダントとは物理的に繋がっていて、単に吊るされた二つの絵ではないという点で異なっています。 彼らは通常、規模がほぼミニチュアであり、中世の「宝物芸術」 – 金や象牙製の小片をエミュレートしたものもあります。 ヴァン・デル・ヴァイデン（Van der Weyden）のヴァージン・アンド・チャイルド（Virgin and Child）のような作品に見られる文章は、この時期の象牙の彫刻を反映しています。 このフォーマットは、van Eyckとvan der WeydenによってValois-Burgundyの家からの委託を受け、Hugo van der Goes、Hans Memling、そしてJan van Scorelによって洗練された。

オランダの不自然さは、宗教的な場面のほんの少ししか描かない傾向があります。 ヴァージンと子供の数々の描写があり、ヴァージンの現代的な人気を献身の対象として反映しています。 内部のパネルは、主に夫や妻の寄付の肖像画が聖人や聖母と子どもと一緒に構成されていました。 ドナーは、ほとんど常に、完全に、または半分の長さでひざまずいて示され、手で握られていました。 バージンとチャイルドは常に右側に位置し、神の側にある「名誉の場所」としての右側のキリスト教の敬意を反映しています。

彼らの発展と商業的価値は、Devotio Moderna運動によって実証されたより瞑想的で孤独な献身が人気を増した14世紀の宗教的態度の変化に結びついています。 私的な反省と祈りが奨励され、小規模な祈りがこの目的に適合しました。 新しく出現する中産階級と、低国とドイツ北部のより豊かな修道院の間で普及しました。 エインズワース氏は、大きさに関わらず、大きな祭壇画であろうと小さな彫像であろうと、オランダの絵画は「小規模かつ細かい細部の問題」であると言います。 小さなサイズは、観客を個人的な献身のための瞑想的な状態に、おそらくは「奇跡的なビジョンの経験」に誘導するためのものでした。

20世紀後半の技術審査では、個々のディペンチのパネル間でテクニックとスタイルに大きな違いが見られました。 テクニカルな不一致は、アシスタントによって多くの忠実なパッセージが完了することが多いワークショップシステムの結果である可能性があります。 歴史家のジョン・ハンド氏によると、パネルの間のスタイルの変化は、神のパネルが通常、オープンマーケットで販売されている一般的なデザインに基づいており、後援者が見つかった後に追加されたためです。

無傷の二重裂片はほとんど生存しない。 祭壇画の場合と同様に、大部分は後で分離され、単一の「ジャンル」の絵として販売された。 ワークショップのシステムでは、いくつかは交換可能であり、宗教作品は新たに委任されたドナーパネルとペアになっているかもしれない。 後で多くのディプチッチが壊れてしまいました。 改革の間、宗教的な場面はしばしば削除されました。

ポートレート
世俗的な肖像画は、1430年まではヨーロッパの芸術ではまれでした。形式は別のジャンルとして存在せず、流通の肖像画や王室の手数料の市場の最高の終わりにはまれにしか見つかりませんでした。 このような取り組みは利益をもたらしたかもしれないが、それはより低い芸術形態とみなされ、16世紀までの生き残りの例の大半は無償である。 聖人と聖書の数字を示す単一の信心深いパネルが大量に生産されていましたが、歴史的に知られている人物の描写は1430年代初頭までは始まっていませんでした。 ヴァンアイクはパイオニアでした。 彼の精液1432レアルお土産は、その現実主義における新しいスタイルを象徴的に残している最も初期の生き残りの例の1つであり、シッターの外観の小さな細部の鋭い観察である。 彼のArnolfini Portraitは、Chancelor RolinのMadonnaと同様に、Rolinのパワー、影響力、そして敬虔さに対する証言として委託されているように、象徴に満ちています。

ヴァン・デル・ヴァイデンは北部の肖像画の慣習を発展させ、次の世代の画家に大きな影響を与えました。 van Eyckの細部への細心の注意に単に従うのではなく、van der Weydenはより抽象的で感覚的な表現を作成しました。 彼は肖像画家として非常に追求されていましたが、彼の肖像画には著しい類似点がありました。おそらく、同じアンダーグラウンドを使用し再利用したためです。 これらは、特定の看護師の顔の特徴および表現を示すために適合された。

Petrus Christusは、フラットで特徴のないバックグラウンドではなく、自然に囲まれた場所に彼の傍らを置いた。 このアプローチは、部分的には、彫刻の人物を重視して、非常に浅い絵の空間を利用したファン・デル・ヴァイデン（van der Weyden）との反応でした。 彼の1462年の肖像画では、Dieric Boutsは人を部屋の外に見える部屋に置くことによってさらに遠ざかりました.16世紀には、全長の肖像画が北部で人気を得ました。 後者の形式は、初期の北部芸術では事実上見られませんでしたが、イタリアでは何世紀にもわたる伝統がありましたが、最も一般的にはフレスコ画と照明付き原稿です。 全長の肖像画は社会の最高階級の描写のために予約されており、威厳のある陳列に関連していました。 第二世代の北の画家のうち、ハンス・メムリングはイタリアの代表的な肖像画家になり、イタリアまで手数料を取った。 彼は後の画家に非常に影響力があり、レオナルドがモナリザを風景の前に置いていることを賞賛しています。 Van Eyckとvan der Weydenは同様に、フランスのアーティストJean Fouquetとドイツ人Hans PleydenwurffとMartin Schongauerに影響を与えました。

オランダのアーティストは、イタリアQuattrocentoの間に普及したプロフィールビューから、よりフォーマルではなくより魅力的な3/4ビューに近づいた。 この角度では、看護師の身体が観察者に向かって回転するにつれて、顔の1つ以上の側面が見える。 このポーズは、頭部の形状および特徴をよりよく理解し、看護者が観察者に向かって見えるようにする。 シッターの凝視者は、視聴者に関わることはめったにありません。 Van Eyckの1433年の人物の肖像画は、鑑賞者を見ているアーティスト自身を示す初期の例です。 多くの場合、被験者と視聴者との間には直接の眼の接触があるが、被験者の高い社会的地位を反映するために、外見は通常は切り離されている。 典型的にはブライダルポートレートや潜在的なベートロートの場合には例外があり、作業の目的はシッターを可能な限り魅力的にすることです。 このような場合、シッターはしばしば彼女の意図したものにアピールするように設計された魅力的で鮮やかな表現で笑顔で示されました。

1508年頃、AlbrechtDürerは「肖像画の機能は、死後の人の姿を保存する」と述べています。 肖像画は地位のオブジェクトであり、個人の個人的な成功が記録され、生涯を超えて耐えられることを確実にするよう働いた。 ほとんどの肖像画は、教会の王族、上層部または君主制を示す傾向がありました。 オランダのブルゴーニュの新しい豊かさは、上層階級のメンバーが今や肖像画を手に入れる余裕があるため、より多様な顧客をもたらしました。 その結果、ローマ時代末期以来、いつものよりも、その地域の人々の外観と服装について、より多くのことが知られています。 肖像画は一般的に長時間の座りを必要としませんでした。 典型的には一連の準備図を用いて最終パネルを完成させた。 これらの絵のほとんどは生き残ることができません。彼の肖像画「NiccolòAlbergati」のためのファン・アイクの研究の著しい例外はありません。

風景
風景は、1460年代半ば以前には、オランダの画家には二次的関心事でした。 地理的設定はまれで、通常は開いた窓やアーケードを介して一見で構成されているように見えました。 彼らはめったに実際の場所に基づいていませんでした。 その設定は主に想像される傾向があり、パネルの主題に合うように設計されていました。 殆どの作品はドナーの肖像画だったので、理想的なインテリア空間に調和の取れた環境を提供するために、風景は慣れていて、制御されていました。 この中で、北部のアーティストは、地理的に識別可能で詳細に描写された風景の中にすでにその人物を配置していたイタリア人の後ろに遅れをとった。 北部の風景の中には、ファン・アイクの控えめなものを含む、非常に詳細で注目に値するものもあります。 1430十字架刑と最後の審判ディプティッヒとヴァン・デル・ヴァイデンは広く聖書を描いた1435-40聖ルカをコピーしています。

Van Eyckは、Limbourgの兄弟がTrèsRiches Heures du Duc de Berryのために描いた月の風景のLaboursによってほとんど確かに影響を受けました。 その影響は、トリノ・ミラノの時間に描かれたイルミネーションで見ることができます。 これらは、ペシュトによれば、オランダの風景画の初期の例として定義されるべきである。 照らされた写本の風景の伝統は、少なくとも次の世紀にも続くだろう。 サイモン・ベーティングは、 “風景のジャンルで新しい領域を探索した”、彼はcのために描いた葉のいくつかに見られた。 1520グリマーニ聖公会堂。

15世紀後半から、数々の画家が作品の風景を強調しました。宗教的な象徴から宗教的な主題への志向の転換が一因でした。 第二世代のオランダの画家たちは、14世紀半ばに自然鑑賞の言葉を適用しました。 これは、地域の中産階級の裕福な生活の中で生まれました。その多くは現在、南に移動し、祖国とは著しく異なる田舎を見ていました。 同時に、世紀の後半には、15世紀半ばのコンラッド・ウィッツ、そしてその後のヨアヒム・パティニールなど、景観の細部化に焦点を当てた専門化と数々のマスターが登場しました。 このフォーマットのほとんどの革新は、ブルゴーニュ地方のオランダの地域に住んでいるアーティスト、特にHaarlem、Leiden、およびHertogenboschのアーティストから来ました。 これらの分野の著名なアーティストたちは、その前の風景を忠実に再現しませんでしたが、彼らが取り組んでいるパネルの強調と意味を強化するために、微妙な方法で彼らの風景を適応させ修正しました。

パティニールは現在、世界の風景のジャンルと呼ばれるものを開発しました。これは、想像されたパノラマ風景、通常は山と低地、水と建物内の聖書的または歴史的な人物に代表されています。 このタイプの絵画は、視点が高く、周囲が矮小であるという特徴があります。 このフォーマットは、特にGerard DavidとPieter Bruegel Elderによって取り上げられ、ドイツで人気を博し、特にドナウ派の画家たちに人気を博しました。 Patinirの作品は比較的小さく、水平のフォーマットを使用しています。 これはアートの風景の標準となり、通常の文脈では現在は「風景」形式と呼ばれていましたが、当時、1520年以前のパネル絵画の大部分が垂直形式であったため、かなり新しいことでした。 世界の風景画は、15世紀半ばから発展した要素の多くを保持していますが、現代の映画の言葉では、中世のものではなく長いものとして構成されています。 人間の存在は、単なる職員としての役割を果たすのではなく、中心的な存在でした。ヒロロニズム・ボッシュは、世界的な風景のスタイルの要素を適用し、特別なパネルの絵画に顕著な効果を与えました。このタイプの最長

一般的なテーマには、エジプトへの飛行、聖人ジェームームやアンソニー等の隠れ家の悲惨が含まれます。後世の発見と世界貿易と地図製作の盛んな中心地としてのアントワープの役割、裕福な街の住人の田舎についての見解を結びつけるだけでなく、美術史家は絵画を宗教的なメタファーとして探求してきました。人生の巡礼

Iconoclasm
宗教的イメージは、1520年代のプロスタット改革の始まりから、実際に、あるものは潜在的に偶像に崇拝的なものとして、厳重に調査されました。マーティン・ルーサーはいくつかのイメージを受け入れましたが、初期のネーザーランドの絵画は彼の基準を満たしていませんでした。アンドレアス・カールシュタット、Huldrych Zwingli、ジョン・カルバンは、とわけ教会で公的宗教像に全面的に反対し、カールバニズムはオランダのプロジェクト主義の支配的な力となった。1520年以降、北欧の多くの地域で改革派の崩壊が勃発した。これは、オランダの1566年にBeeldenstormや “Iconoclastic Fury”のように、チューダーズと英連邦の英国のように公式で平和的でなくてはならない、非公式でよく暴力的にもしなかった。1566年8月19日、この暴動の波がゲットに到達した。それは、マーカス・ファ彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/彼/彼女/夫人/ 1576年には公式のアイコン破滅の期間が続き、カルヴァン主義者が市議会を支配した時代の都市とギルドの建物が含まれていますされました。ナッシュは、「選択したテーマを繰り返し、拡大する、または多様化させる、他のイメージとの関連で、必然的に誰かが見えるだろう」と続きます。象徴的なものは教会や大聖堂を対象としていたため、個々の作品の展示に関する重要な情報は失われており、それによって、それぞれの時代の作品の意味についての洞察が得られました。他のくの作品は火災や戦争で失われました。

絵画、彫刻、祭壇画、ステンドグラス、十字架など、何千もの宗教的な目的や人工物が破損された、主要アーティストの作品の生存率は低い – Jan van Eyckでも自信を持っている。 、後のアーティストと一緒に増えますが、それでもなお異常があります。Petrus Christusは主要なアーティストだと考えられているが、van Eyckよりも作品数が少ない。一般に、南ヨーロッパに輸出された15世紀後半の作品は、生存率がはるかに高い。

期間の芸術作品の多くはは、教会のために聖職者によって委託され、既存の建築計画やデザイン計画を補完する物理的な写真や絵のコンテンツは仕様が付いています。そのような教会の内装がどのように見えたかのようなアイデアは、教会のヴァン・アイクのマドンナとヴァンデル・ヴァイデンの聖ヒューイットベットの亡霊の両方から見えることができます。Nashによって、とvan der Weydenのパネルは、改革前の教会の様子と、他の絵や物と共鳴するように画像が置かれた様子を洞察的に見ています。

ヴァロワブルゴーニュ状態の解体は、低国家を1945年までヨーロッパ紛争の操縦士にした。ヴァン・デール・ヴァイデインのトラジャとハルキンバートのポリプキキの正義はおそらく最も大きな損失である。レコードからはゲントの祭壇画に敵対する規模と野心に敵敵するように見える。それは1695年にブリッスルの砲撃中にフランネルの砲兵によって破壊され、今日はタペストリーのコピーからのみ知られています。