ミニマリズム音楽 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

ミニマリズム音楽は、限られたまたはミニマリズム音楽素材を使用するアート音楽の一種です。西洋の美術音楽の伝統では、アメリカの作曲家、ラ・モンテ・ヤング、テリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、フィリップ・グラスは、最小限のアプローチを利用した構成技術を初めて開発した人物であると評価されています。それは1960年代のニューヨーク・ダウンタウンのシーンから生まれ、最初はニューヨーク催眠学校と呼ばれる実験音楽の一種と見なされていました。審美的なものとして、それは進行中の作品の非物語的で非理論的で非表現的な概念によって特徴づけられ、音楽の内部プロセスに焦点を当てて音楽を聴く活動への新しいアプローチを表し、その目標に向けた目標や動きがない。このテクニックの顕著な特徴には、子音のハーモニー、定常的なパルス（不動の無人機でない場合）、停滞または徐々に変化するもの、そして多くの場合、フレーズや数字、モチーフ、セルなどの小さな単位が繰り返されます。それには、相加平均と呼ばれるものにつながる相加的なプロセスや位相シフトなどの機能が含まれている場合があります。厳密な規則に従うプロセス技術に大きく依存する最小の組成は、通常、プロセス音楽という用語を用いて記述される。

もともと、若い作曲家が数多く参加していましたが、アメリカのミニマムミュージックには5人しか出演しませんでした（ヤング、ライリー、ライヒ、グラス、そしてその後のジョンアダムス）。ヨーロッパでは、Louis Andriessen、Karel Goeyvaerts、Michael Nyman、Howard Skempton、Gavin Bryars、Steve Martland、Henryk Goriki、ArvoPärt、John Tavenerの音楽がミニマルな特徴を示しています。

ミニマリズム音楽という用語がどこから由来しているかは不明です。スティーブ・ライヒは、ジョナサン・バーナードとダン・ウォーバートンの2人の学者もまた書面で作ったという主張をマイケル・ナイマンが主張していることを示唆している。フィリップ・グラスはトム・ジョンソンがこの言葉を作ったと信じている。

特徴付け
この音楽スタイルの正確な特徴付けは、偉大な文体的多様性のためにポストミニマリズムに対する境界設定と同じくらい難しいものです。文体的な特徴がいくつかあります：

他のものの中で、最も小さなモチーフ（旋律的、律動的または調和的）細胞または「パターン」の並置および反復を介して生じる反復構造
安定したハーモニー、多くの和音を伴う調性のある音楽的言語
加法的および減法的過程：モチベーション細胞の個々の音符を追加または除去することによって、それらはそのリズミカルな構造に変化する。
位相シフト、オーバーレイ、異なるボイス内のモビビックセルの強調のシフトは、サウンドカーペットを作成する
ストレスの蓄積の継続と回避。
トーンの色と濃度はほとんど変わりません。
恒久的なミュージカル・コンティニュサムからの聴き分けの印象を与えます。
時間の概念の拡張：数秒または数分から数時間、数日、数週間までのピースの長さにおける新しい次元
忘れることの積極的な機能
美術音楽と比較して、Minimal Musicは高調波の複雑さがかなり低いです：Minimal Musicは通常、モーダルな調性の文脈で動き、不協和音をごくわずかしか使用しません。リズム・エレメント（しばしばポリリズム）は、ミニマル・ミュージックでは強く強調されていますが、それは非常に繰り返し的です。シンプルな基本パターン（パターン）は、そのバリエーションのパターンが同時にわずかに異なる速度で再生される場合、位相シフト（位相調整）の効果が生じる。

Minimal Musicは、伝統的なクラシック音楽の聴衆には必ずしもそうではないが、ポップ音楽以外の現代音楽として（かなりの相互作用がある）かなりの人気を集めている。

簡単な歴史
「ミニマル」という言葉は、1968年のマイケル・ナイマン（Michael Nyman）の「マイク・ナイマン（Michael Nyman）」が、「シャーロット・ムーマーンとナム・ジュン・パイクがICAで発表したエンターテイメントからの成功したミニマル・ミュージックのレシピを演繹した」 Henning ChristiansenによるSpringenのパフォーマンスと、未確認のパフォーマンスアート作品の数々が含まれていました。 Nymanはその後、1974年の「Experimental Music：Cage and Beyond」でミニマル音楽の定義を拡張しました。ミニマリストとして自信を持つ少数の作曲家の一人であるトム・ジョンソンも、The Village Voiceの新しい音楽評論家として初めてこの言葉を使用したと主張している。彼は「ミニマル」を描いている。

ミニマリズムの考え方は、多くの人々が理解するよりはるかに大きいです。それは定義上、限られた、または最小限の素材で動作するあらゆる音楽：いくつかの音符だけを使用する部分、数語の文章を使用する部分、または非常に限定された楽器のために書かれた部分、例えばアンティークシンバル、またはウイスキーの眼鏡。それは、長い間、1つの基本的な電子の騒音を支える部分を含んでいる。川や川の記録だけから作られた作品も含まれています。それは無限の円で動く部分を含んでいます。それは、不安定なサックスの音の壁を作り上げる作品を含んでいます。これは、ある種の音楽から別の種類に徐々に移行するのに非常に時間がかかる部分を含みます。これには、CとDの間にある限り、すべての可能なピッチを許すものが含まれます。テンポを1分あたり2〜3音まで遅くする部分も含まれます。

すでに1965年、美術史家のバーバラ・ローズは、「最小限の芸術」の例として、ラ・モンテ・ヤングのドリーム・ミュージック、モートン・フェルドマンの特徴的に柔らかいダイナミクス、無名の様々な作曲家を「多かれ少なかれ、ジョン・ケージに恩返しました。特に「ミニマリズム音楽」という表現を使用していませんでした。

最も有名なミニマリスト作曲家は、ジョン・アダムス、ルイス・アンドリッセン、フィリップ・グラス、スティーブ・ライヒ、テリー・ライリー、ラ・モンテ・ヤングです。この構成的アプローチに関連している他の人には、Michael Nyman、Howard Skempton、John White、Dave Smith、Michael Parsonsなどがあります。アフリカ系アメリカ人の作曲家の中でも、ミニマルな美学は、ジャズミュージシャンのジョン・ルイスや学際的なアーティスト、ジュリアス・イーストマンなどの人たちに受け入れられました。

グラスとライヒの初期の作品は、やや控えめで、主題を少しでも飾っています。これらは小物のアンサンブルのための作品であり、その作曲家はしばしばメンバーであった。グラスの場合、これらのアンサンブルは器官、風、特にサクソフォーンとボーカリストから構成されていますが、ライヒの作品はマレットやパーカッションの楽器をより重視しています。アダムズの作品のほとんどは、フルオーケストラ、弦楽四重奏、ソロピアノなど、伝統的な古典的な楽器のために書かれています。

ライヒとガラスの音楽は、アート・ギャラリーやミュージアムからの初期のスポンサーシップを、ロバート・モリス（グラスの場合）、リチャード・セラ、ブルース・ナウマン、映画製作者マイケル・スノウ（ライヒの場合）。

初期開発
1940年代と1950年代のMoondogの音楽は、しばしば珍しい拍子音符の定常的なパルスを静的に展開する対立地に基づいており、Philip GlassとSteve Reichの両方に影響を与えました。ガラスは、彼とライヒがムーンドグの作品を「非常に真剣に理解し、ジュリアードで暴露されたものよりはるかに理解し、評価した」と書いています。

1959年に書かれたデニス・ジョンソンの11月のミニマリストでは、最初のミニマリストの1曲が6時間ぐらいの長さで続き、6音色、フレーズ繰り返し、アディティブ・プロセス、および期間。ラ・モンテ・ヤングは、この作品を自身の巨匠のインスピレーションとして賞賛しています。

1960年、テリー・ライリーは純粋で無修正のCメジャーで弦楽四重奏を書いた。[解明が必要] 1963年、Rileyはテープ・ディレイ、Mescalin MixとThe Giftの2つの電子作品を作った。 1964年、Riley’s In Cは繰り返しメロディーフレーズのレイヤード・パフォーマンスから説得力のあるテクスチャーを作成しました。作品は、楽器や声の任意のグループについて採点されます。 1965年と1966年にはSteve Reichが3つの作品を制作しました。雨が降ってテープに出てくるとライブ演奏家のためのピアノ・フェーズは、位相シフトのアイデアを導入しました。ゆっくりと位相がずれます。フィリップ・グラスは、1968年から1 + 1で始まって、ミニマリスト技術のレパートリーにアディティブ・プロセス（1、1 2、1 2 3、1 2 3 4などのシーケンスに基づくフォーム）を組み込んだ一連の作品を書いた。これらの作品には、2ページ、5番目の音楽、逆の動きの音楽などが含まれています。ガラスはRavi Shankarとインドの音楽の影響を受け、Ravi Shankarによる音楽の表記を西洋表記にしていました。彼は、西洋の時間はパンのスライスのように分かれていることに気付きました。インドや他の文化は小さな単位を取り、それらをつなぎ合わせます。

スタイル
Richard E. Roddaによると、「Minimalist」の音楽は、ゆっくりと変化する一般的なコードの繰り返しに基づいている（和音、二重音階、またはメジャー、メジャー、 ]は、しばしば長い叙情的なメロディーでオーバーレイされた定常リズムで、反復的な旋律パターン、子音ハーモニー、モーターリズム、聴覚の美しさを意図的に追求しています。ティモシー・ジョンソン（Timothy Johnson）は、スタイルとして、ミニマム・ミュージックが主に連続した形で連続したセクションを持たないと主張する。これの直接的な結果は、連動するリズミカルなパターンとパルスから構成された連続したテクスチャです。さらに、明るい音色と精力的な使い方でマークされています。そのハーモニック・ソノリティーは独特のシンプルで、通常はダイアトニックであり、しばしばおなじみのトライアドと第7の和音で構成され、ゆっくりと調和するリズムで表されます。しかし、ジョンソンはロダとは、最小の音楽の最も特徴的な特徴は、拡張されたメロディーラインの完全な欠如であることに気づいていない。代わりに、短い、繰り返しのリズミカルなパターンの組織、組み合わせ、個々の特徴を前景に押し込む、短いメロディー・セグメントしかありません。

人気のある音楽では
ほとんどの音楽は、人気のある音楽の発展にある程度の影響を与えています。実験的なロックの演奏ベルベット・アンダーグラウンドは、ジョン・ケールとラ・モンテ・ヤングの密接な関係に根ざした、ニューヨークのダウンタウンシーンと結びついています。テリー・ライリーのアルバム「A Rainbow in Curved Air」（1969）はサイケデリアとフラワーパワーの時代にリリースされ、ロックとジャズの聴衆に魅力的な、クロスオーバーの成功を収めた最初のミニマリスト作品になりました。音楽理論家Daniel Harrisonは、 “Boys ‘Smiley Smile（1967）を” protominimal rock “の実験的作品とし、こう書いた。” [The album]は、西洋の伝統的な伝統の音楽作品のほとんどとみなすことができる。岩の音楽的な言葉は、古典的な伝統の中にatonalや他の非伝統的なテクニックを導入したものと比較することができます。クラウトロック、宇宙岩（1980年代）、岩石、岩石などの特定の実験的な岩石ジャンルの開発は、ミニマリズム音楽の影響を受けた。

Sherburne（2006）は、最小限の形態の電子ダンスミュージックとアメリカの最小音楽との類似点が容易に偶然になることを示唆している。ダンスミュージックで使用される音楽技術の多くは、ループベースの構成方法に合わせて設計されてきました。これは、最小限のアート音楽に似た最小限のテクノサウンドなど、アメリカの最小限の伝統を意識していた1つのグループは、英国のアンビエント（The Ambience）という行為です。彼らの1990年の作品「Little Fluffy Clouds」には、Steve Reichの「Electric Counterpoint」（1987）のサンプルが収録されています。スティーヴ・ライヒのエレクトロニック・ダンス・ミュージックへの影響の可能性については、1999年にReich Remixedのトリビュート・アルバムがリリースされました。DJ Spooky、Mantronik、Ken Ishii、Coldcutなどのアーティストによる再解釈を特集しました。

連想
意外なことに、アーノルド・シェーンバーグの弟子であり、第二ウィーン学校のメンバーでもあるアントン・ウェーバーンも、ミニマリスト運動に影響を与えます。特に、ラ・モンテ・ヤング（La Monte Young）は、シックス・バガテレス（Six Bagatelles for String Quartet）（1913）や交響曲（Symphony）の静的セクションを挙げている。（1928年）は、シリアス主義とミニマリズムからの移行を強力に助けた作品となった。ヴェーベルンは、ヨーロッパで同時に発達しているが、根本的に異なる音楽観を持つポストシリアス主義に大きな影響を与えているという事実は、音楽学者によって時には「逆説的」であると特定されている。

アメリカのアヴァンギャルド
ジョン・ケージはミニマリズムの誕生時代に大きな影響を与えます。アメリカのアヴァンギャルドと実験音楽の最も重要な作曲家であり、彼のアイデアは直接的または間接的にミニマリストの作品に影響を及ぼす。ケージのいくつかの作品は、最初の作品や、1952年の有名な4’33 “というものを含むミニマリズムに関連していると思われるかもしれませんが、技術は不確定性（または非意図的）、つまりランダム性の使用です。作品や構成自体のプロセスでは、ミニマリストによって強く拒否されます。

非西洋音楽
1950年代と1960年代には、西ヨーロッパと米国が非西洋音楽を発見しました。これらの音楽は一般的にモードに基づいており、ミニマルな作曲家に影響を与えます。

西海岸に住むラ・モンテ・ヤングは、1957年にUCLAキャンパスでインド音楽を発見しました。彼はAli Akbar Khan（sarod）とChatur Lal（tabla）を特に傑出したものとして引用しています。インドの音楽はヤングに決定的な影響を与えます。特にタンポウラの発見は、パンディット・プラーン・ナスと共に学びます。タンポラバンブルビーの役割はヤングを魅了し、長く持続する音に興味を持っています。ヤングはまた、日本の音楽、特に音楽の影響を認識しています。この影響は、ミニマリズムの出生証明書Trio for Strings（1958）と見なされる演劇で行われます。

テリー・ライリーはヨーロッパでの滞在中に非西洋音楽、特にモロッコ音楽とインド音楽をラ・モンテ・ヤングを介して発見する。彼はまた、アルバム「Music from Mills」（1986年）のためにPrânNathとコラボレーションしています。

ジャズ
ジャズはミニマリストにとって非常に重要です。すべてが影響を受け、特にジョン・コルトレーンのフリー・ジャズとオーネット・コールマンのモーダル・ジャズを認めます。

即興演奏は、ラ・モンテ・ヤングと同様に、テリー・ライリーの中心です。後者はサックス奏者であり、主に高校や大学時代に演奏された楽器演奏家としてのジャズの経験があります。ロサンゼルスでは、ビッグバンドや小グループ、特にEric Dolphy、Don Cherry、Billy Higginsと、そしてジャズに専念する予定でした。ジャズの影響は彼の作品、特にソプラノ・サクソフォンが即興の形に興味を示していることからはっきりとわかる。ライリーはピアニストであり、ウォリーローズとラグタイムを勉強し、大学で勉強している間、そしてフランス滞在中に生計を立てています。 RileyはJohn Coltraneにも感銘を受け、ソプラノ・サクソフォンを学ぶ人々の間でインスピレーションを得ました。

Steve Reichにとっては、ジャズも大きな影響を与えます。 Reichはドラマーであり、High SchoolとCornell Universityのジャズグループで演奏しています。それはジョン・コルトレーンの影響を強く受け、コンサートで頻繁に見られるだろうし、Album My Favorite ThingsやAfrica / Brassを特に重要なものとして挙げている。ライヒにとっては、ジャズのない音楽、特にリズム、フレキシビリティ、ジャズの旋律感が根本的な影響を与えていると考えられることは考えられない。

彼の同僚とは違って、Philip Glassはクラシック音楽教育だけではなく、Ornette ColemanとJohn Coltraneのフリージャズに魅了されたことを認めながらも、ジャズを彼の影響の一つとして見ていませんでした。

新しい音楽への影響と位置付け
Minimal Musicは、アジア（特にインドとインドネシア、特にGamelan）とアフリカの音楽（特にポリリズム）からの影響を取り入れたもので、12/13世紀のノートルダム教会です。世紀、（自由な）ジャズとある種の岩（サイケデリックな岩）。 1950年代から1960年代前半のアヴァンギャルドの習慣、とりわけ支配的な連続音楽の習慣のように、西洋（すなわち、本質的にヨーロッパの）文化にあったように、作曲の慣習をほとんど無視している。したがって、それはしばしば、直列性とは対照的であると理解される。ラ・モンテ・ヤングは、理論的にはアーノルド・シェーンベルクとアントン・ウェーバーンを指すが、この方向性の代表者によっては、しばしば強く拒否される。しばしばそれはポストモダン音楽としても特徴付けられる。ミニマル・ミュージックから始まって、1970年代にポスト・ミニマリズムが発展しました。

ポップカルチャー音楽への影響
今日のミニマルテクノのプロデューサーの多くは、ミニマリズム音楽の伝統にもあります。

ギタリストのディラン・カールソンは、ロックバンドという文脈で地球のミニマム・アイディアを移し、ドローン・ドゥームを設立しました。

ミニマリスト運動
ミニマル運動は、1960年代に、前駆物質と考えられているLa Monte YoungとTerry Rileyの作品で登場しました。スティーブライヒとフィリップグラスは、彼らのアイデアを広げ、非常に成功すると思われる構成プロセスを提案します。

しかし、ミニマリズムはこれらの作曲家の作品の一部に過ぎず、一般に定義されたミニマリズムは1970年代半ばに終了すると考えています。この日から、作曲家は実際にはより豊かな音楽要素、より多くのメロディーとハーモニー、さらには対位法を組み込んでいます。これらの要素の追加は、前の作業を決めることなく、明確な進化をもたらします。時にはポストミニマリズム、特にジョンアダムスについて話します。フィリップ・グラスは明示的に彼のために、その時からの “ミュージカル・シアター”への完全な関与のために、ミニマリズムは1974年に終了する。

1970年代後半に登場したアルヴォ・パルト（ArvoPärt）のような、時には「ミニマリスト・ミスティックス」と呼ばれる人格は、アメリカの反復の直接相続人ではなく、ポストミニマリズム、あるいはより一般的にはポストモダニズムの旗印のもとにも含まれる。

ポストミニマリズムとポストモダニズム
音楽のポストモダニズムは、孤立と密接なポスト・シリアス主義、誤った発言を主張するポストモダンな作曲家、その混合物がコラージュのテクニック、借用、および引用を拒絶する姿勢です。ポストモダニズムはピエール・ブーレーズの言葉の中で「過去のきれいなスレート」を作ることだったが、ポストモダニズムはそれを参考にしている。したがって、ジョン・アダムスは、彼の音楽は「ミニマルではなく、アルバン・ベルク、ストラヴィンスキー、ロックンロール、アラビア音楽、ユダヤ教など」と批判している。メロディーとトーンの形への復帰によって、繰り返し言語の使用、コラージュと引用への援助、これらすべての特徴ミニマルは、ポストモダニズムのポストモダニズムの中で最も急進的な流れです。

ポストミニマリズムは、最初の1時間のミニマリスト作曲家にも関係する。 1971年のドラミングの後、ライヒは彼の作品の計装を加え、より複雑になるようにリズミカルでハーモニックな方法を開発した。同じように、フィリップ・グラスは、1974年から「ミュージカル・シアター」とオペラのために作曲を始めました。ミニマリズム、特にこの進化を示すオペラ「アインシュタイン・オン・ザ・ビーチ」（1976年）のハーモニーの使用から離れました。ミニマル・ミニマル・ミニマリズムは、それほど過激で実験的であることで際立っています。

“神秘的なミニマリスト”
これらの作曲家は、時にはグループ化され、ミニマルストーリーに関連しています。これは、このスタイル（反復、長音、無音、あるシンプル）の構成の特定の原則と、彼らの生活と公然と主張しているキリスト教的または精神的な宗教的影響それらの組成物。 Alan Hovhanessはこの傾向の先駆者として時々見られるが、それは大抵エストニアのArvoPärt、Polish Henryk Goriki、そして英国のJohn Tavenerであり、彼らは一般的に「神秘的なミニマリスト」に関連付けられている。より広義には、Giya KancheliとSofiaGoubaïdoulinaは時にはミニマリズムのこの枝にも残されています。

PärtとGorikiの作品は、トーナリティ、繰り返し使用されることの多いシンプルな音楽素材、中世の作曲家やグレゴリオ聖歌の影響を受けた作曲を特徴としています。共産主義の下での自国の政治的および霊的な抑圧の影響を強く受けているのは、1960年代に新古典主義のスタイルで構成され、連邦主義に回り、当局の検閲を引き起こした。 Pärtは、このミニマリズムの内部運動の創始者であるFürAlina（1976年）、Fratres（1977年）、Spiegel im Spiegel（1978年）を作曲することで、静寂と熟考の音楽に変身し、特定のスタイルの基盤を築く彼はtintinnabulumと呼んでいる。このスタイルは、 “tintinnabulante”として知られているトニックのトライアドに1つのアルペジオと進化する低音のベースに基づいて2つのボイスを同時に使用することが特徴です。彼の作品は神聖な音楽のほとんど独占的な書き方に向かっています。ほとんどの場合、合唱では “歌の明るさ”を発揮します。ゴレキは、数年後に西ヨーロッパや米国で国際的な名声を確立した第3の交響曲の執筆を中心に、1976年に連続音楽と神聖なミニマリズムの間の移行を図っている。

ミュージカルの説明
ミニマリスト音楽に分類される作品のセットは、スタイルが統一されているか、まったく同じ音楽的特徴を持つことにはほど遠い。分類は常に還元的であるが、ミニマル音楽の美学は3つの特徴に基づいていると一般に認められている：

“子音”ハーモニー（音調、または一部の作品ではモーダル）への復帰。
小さな漸進的な変化を伴う又は伴わない文章、図形又は音楽細胞の繰り返し;
定期的な心拍。
しかし、これには、非常に異なるプロファイルを持つ作品と、さまざまな音楽テクニックの使用が含まれます。同様に、いわゆるミニマルな作曲家の作品はすべて、特にスティーブ・ライヒとフィリップ・グラスの最新作や、初期の（しばしば非音楽的な）ラ・モンテ・ヤングのミニマリストとはみなされない。

理論と直感の間
ミニチュア・モンテ・ヤングとテリー・ライリーの先駆者たちは、様々な構成技術を試しています。モンテ・ヤングは、特に、一連の作品やヴェーベルンにインスパイアされた作品、ジョン・ケージに近い概念的な作品、インドの音楽とジャズにインスピレーションを得た即興グループ、自然の範囲に関する正式な研究に基づいた作品を幅広く取り揃えています。テリー・ライリーはもっと経験的で、テープで実験し、即興をたくさん使っています。

音楽的特徴

リズム
ミニマリストの主な懸念はペースです。ほとんどの組成物は規則的な脈動を有し、基本的な律動単位の絡み合いによって構築される。これらのリズミカルな考察は、特にスティーブ・ライヒで顕著であり、位相シフトの技術によって実現されている。ドラミング（Drumming、1971）は、ライヒのフェイシングによるリズムの魅力を最大限に引き出すものです。フィリップ・グラスでは、特に1 + 1（1968）の彼のアディティブ・コンポジション・プロセスを使って、リミックスの作品が最初のミニマリストから発表されています。

リズムは、ハーモニーとメロディの将来の再統合の前に、ミニマリストによって系統的に分析された最初の要素です。

調和
非常にゆっくりとした進化と低密度の音符は、ほとんどあらゆる動きを抑えながら、トーンの錯覚を与えているが、最初のミニマリスト作品はアトナル、ストリングスのヤングトリオ（1958）、ライリーの弦楽四重奏（1960）である。一般に調性への復帰の仕事とみなされているC中の偶数は、厳密には調子ではなく、装甲の表示がない調律的な構図であるが、組成は主に気音が多い。

アコースティック楽器に有利な磁気テープの徐々の放棄は、ハーモニーの発展を助長する。ピアノ・フェイズのスティーブ・ライヒ（Steve Reich）では、作業の始めに音色またはモーダル・プロファイルが確立されていますが、あいまいです。得られたプロセスダイアトニックフェージングは先験的に選択されるのではなく、むしろ経験によって必要とされる。

レジストリとダイナミクス
ヤングとライリーでは、ベースはインディアン音楽にインスパイアされた無人機の役割を果たします。 Steve Reichには低音はなく、一般的に高さは中央のレジスタに属しています（ピアノ・フェーズはMi 4、C 4以下のフェーズ・パターンの下にはレーティングがありません）。ライヒは、正確に定義されていることを知らないうちに、製品のあいまいさが低いことの欠如が維持しようとしている。同様に、ミニマリストは、他の現代的な音楽スタイルにも存在する大規模なゲームプレイをまったく使用しません。

シェードは一般的にはほとんど変わりません。音量はしばしば非常に高く、たとえば、モンゴルの若干の作品や、ロックの影響を感じるガラスなどがあります。

実行
手ごろな価格のリスニング、反復的な音楽の実行は間違っています。ライヒのディフェーシングプロセスは、計器主義者の側に大きな集中が必要です。同様にGlassは、いくつかの指揮者が準備ができていなかったことを報告します。準備ができていないリハーサルは彼のスコアの難しさを遅刻させました51.作曲家の得点がない場合、情報の欠如または少しの明瞭さで創造力を必要とする通訳者の解読は、

視覚芸術とのリンク

ダンス
本質的に常にその時代の音楽制作に密接に結びついてきたダンスは、特に繰り返しの概念と使用について、ミニマリスト音楽の影響を免れません。ある意味では、ミニマリスト音楽がダンスに及ぼす影響の原点は、1950年代初期のアメリカの振付家であるマース・カニンガムとのジョン・ケージーのコラボレーションへと向かいます。カニンガム氏はまた、モートン・フェルドマンと出会い、彼は1968年にマーセ・カニンガムと名を馳せなかったメロディーとしての彼の革新的な振り付けの音楽を作曲した。さらに、シモン・フォーティ、イヴォンヌ・ライナー、トリシャ・ブラウン、作曲家テリー・ライリーとラ・モンテ・ヤングニューヨークのジャドソン教会を含む公演を行うために、1960年から1962年の間、アンナ・ハルプリンの周りにいた。しかし、これはトリシャ・ブラウンであり、モダン・ダンスのこの時期に振り付け運動の繰り返しと連続的な蓄積の原理をさらに探求している。また、ダンサーでもあるメレディス・モンクは、このグループに加わり、より洗練された動きと精神的なトランスに向き合った演奏で彼女の音楽研究と振り付けの両方の創作を組み合わせることができます。

プラスチック芸術
ミニマル作曲家は、アーティスト、特に現在のミニマリストや概念芸術家と密接な関係を維持してきた。 Steve ReichとPhilip GlassはRichard Serra、Sol Le Witt、Bruce Nauman、Michael Snow、またはNancy Gravesと非常に良い友情を持っていました。ライヒは彼のエッセイを「漸進的プロセスとしての音楽」（1968年）と書いています。これはWhitney Museumin 1969年の彼のプラスチック製の友人と一緒にミニマルの主要展覧会のカタログに載せられ、ガラスでコンサートを行います。さらに、セラ、ナウマン、スノーがエグゼクティブとして参加するライヒの振り子音楽のような作品は、音楽よりもパフォーマンスに関するものです。スティーブ・ライヒは、作品の「幾何学的・比喩的」な外観を特徴とするが、直接の相互作用に影響されない、アーティストと作品の「共通の立場」を認識している。彼は、「私たちは同じスープで泳いでいただけです」と言います。 1977年に、いくつかのアーティストがビーチのガラスにアインシュタインを設置したことによる債務救済のための作品の販売に参加しました。最後に、Glassは1969年にRichard Serraの専任のパーソナルアシスタントでした。Glassはミュージシャンとしての彼の作品と彼の友人アーティストの作品とを直接結びつけるものではありません。

認知度と人気
ミニマルは実験的な流れとして生まれ、伝統的な古典音楽の世界の外で開発されました。最初のコンサートは主にアートギャラリーやミュージアムで行われ、作曲家自身が主催する必要があります。特にレセプションがいいヨーロッパをはじめ、ミニマルな音楽の幅広い普及を可能にする録音です。さらに、ヨーロッパでは、フィリップ・ガラスへのフランス国家の指揮と、ドイツのレーベル版のためのスティーヴ・ライヒとのコンテンポラリー・ミュージックの愛好家のための無制限のヒアリングによるディスコグラフィーの成功を、ミニマリストに提供します現代音楽の

批判と分析
非常に強い批評家は、主に前衛派や哲学者に近い作曲家や音楽学者のミニマリズムに向かって自分自身を表明してきた。アメリカの作曲家エリオット・カーター（Elliott Carter）は、ミニマリズムに対する強い反駁と、より一般的には、作曲家の死と見なされる音楽における反復の繰り返しを繰り返し表明している。これは特に、広告、迷惑な、侵入的で反復的な広告の間違いの類推である。ファシストの修飾語は、明示的に使用されただけでなく、広告やヒットラーの演説で実践されているような洗脳方法としての繰り返しの使用の比較もされました。

ミニマリズムの批判は時にはポストモダニズムの批判と混同される。アヴァンギャルドの作曲家であるBrian Ferneyhoughは、ポストモダニスト、特にJohn Adamsを拒否し、彼は音楽文化の非包含に関連する倫理の欠如を非難した。