2009年6月7日から11月22日まで一般公開された第53回国際美術展。第53回ヴェネツィアビエンナーレのメイン展は「MakingWorlds」と題されています。このビエンナーレには、モンテネグロ、モナコ公国、ガボン共和国、コモロ連合、アラブ首長国連邦の初めての参加を含む、90人のアーティストと77の国立パビリオンの作品が含まれています。
今回のビエンナーレでは、ジャルディーニとアルセナーレの中央パビリオンで開催される国際美術展を取り上げます。今年は、ビエンナーレのさまざまな会場が、ジャルディーニ・デッレ・ヴェルジーニとカステッロのセストリエールの間の新しい橋によってよりよく結び付けられ、ジャルディーニ・アルセナーレの全域に一体感が生まれました。
第53回ヴェネツィアビエンナーレのメイン展は「MakingWorlds」と題されています。ビエンナーレは、芸術作品がアーティストの世界観を提示する創造的なプロセスを強調しています。「Making Worlds」は、私たちの周りの世界と未来の世界を探求するという願望に駆り立てられた展覧会です。それは可能な新しい始まりについてです。 「世界を作る。」全体的な物語の推力はありませんが、インスタレーション、形式的および概念的な韻などを通して渦巻く一連のキュレーターのマイクロな物語は、それにいくつかの面白いテクスチャーを与えて、あなたを導きます。
芸術作品は世界のビジョンを表しており、真剣に受け止めれば、それは世界を作る方法と見なすことができます。ビジョンの強さは、使用するツールの種類や複雑さに依存しません。したがって、インスタレーションアート、ビデオとフィルム、彫刻、パフォーマンス、絵画とドローイング、ライブパレードなど、あらゆる形態の芸術的表現が存在します。 「ワールドメイキング」を出発点として、展示会は、制度的文脈の外で、アートマーケット。
世代全体を刺激するアーティストがいますが、これらの主要なアーティストは、美術館や見本市の世界で常に最も目立つとは限りません。この展覧会では、数世代にわたる一連のインスピレーションを探り、まだ定義されていない未来に成長するルーツとブランチを展示します。アートの世界の地理は急速に拡大しており、中国、インド、中東などの新しいセンターが出現しています。この展示会は、個々の強度のゾーンに明確に表現されたショーを作成し、1つの展示会のままです。
第53回国際美術展のコンセプトには、特に3つの側面が含まれます。制作プロセスへの近さ。これにより、「伝統的な美術館よりも創造と教育の現場（スタジオ、ワークショップ）に近い展示が実現します。いくつかの主要な芸術家と次の世代との関係：いくつかの歴史的な基準点が展覧会を支えています…最近の発展と最新の存在に関する描画と絵画の探求多くのビデオとインスタレーションのビエンナーレのエディション。
ショーは芸術の哲学を説明しようとはしていませんが、ヴェネツィアビエンナーレがまさにそれであると認めています：夏の娯楽のスマートなセット。アートワールドエンターテインメントの慣習では、あるスペースから次のスペースに移動する一種の比較対照プレゼンテーション戦略。展示会は、確立された名前と刺激的な新しい血を交互に繰り返します。なじみのあるアーティストによる型破りなもの、そして型破りなアーティストによるなじみのあるもの…
国立パビリオン
アルゼンチンのパビリオン
この展覧会を構成する向かい合った2枚の壁画は、それぞれの重要性から、複雑で断片的、広大で詳細なものであり、主題におけるこれらの緊張を変えています。その一部として、時間と空間の座標間の相互依存性を生み出します。仕事とその文脈の間。絵はここに変形し、その文脈を含むブラックボックスです。どちらの作品にも、視覚によって感覚を増殖させ、政治化することに成功した組織があります。世界的な困惑のこの時代に、ノエの作品は明快な一瞥と偉大な芸術家の挑戦を提供します。世界とアルゼンチンの歴史の危機と緊張は、ノエの作品の永続的かつ構成的な主題です。したがって、同様に、アーティストが彼の作品にタイトルを付けることを選択する方法は、現在のパラドックスに関する皮肉な文章で。
ノエの壁画は、さまざまな絵画の方法と一連のバリエーション（ミニチュアからジェスチャー、詳細からシンフォニックまで）を通じて、さまざまな注意の中心に多数の画像が共存していることから、創造的で共存する原則としてカオスを批判的に受け入れることを意味します。彼の作品は、感覚の純粋な緊張と、世界を知る方法で絵画と絵画の知識を変換する方法です。ノエの2つの壁画は、食欲をそそり、包括的であり、現在のアルゼンチンで最も広大で活気に満ちた若いアーティストの1人のエネルギーを明らかにし、世界の状態を召喚、キャッチ、表示、構築、提案、議論するネットのように機能します。
オーストラリアのパビリオン
ショーン・グラッドウェルによる「MADDESTMAXIMVS」は、オーストラリアの奥地の風景と象徴的なマッドマックス映画の影響を受けた、彫刻と写真の要素を備えた5つのテーマ的に相互に関連するビデオの魅力的なスイートです。このプロジェクトは、パビリオン自体の構造への彫刻作品と介入とともに、物理的な妙技を行う人物のアーティストのトレードマークであるスローフッテージのビデオインスタレーションをまとめたものです。グラッドウェルのビデオ作品の概念的な厳密さと視覚的な形式は、スケートやその後のBMXライディング、ブレイクダンス、カポエイラ、テコンドーなどの都市のストリートプラクティスの単純な栄光として機能することは決してありません。 MADDESTMAXIMVSは、グラッドウェルの以前の都市環境への焦点からの移行を示し、代わりに遂行的、オーストラリアの後背地との人間関係の境界と可能性の個人的な探求。
MADDESTMAXIMVSはまた、特に人体とその直接の環境との関係を通して、時間と存在のさまざまな経験を調べます。グラッドウェルのその後の実践を通じて発展した重要な要素は、彼の初期のビデオ作品ですでに明らかになっています。最も重要なのは、屋外の公共スペースで演じる人物を描いた（または視点をとった）作品は、一方ではそれらのスペースの社会的および建築的機能と慣習を混乱させ、他方では彼ら自身の場所の経験を物理的に表現しています。彼の実験では、スローモーションと周囲のサウンドスケープを利用して、時間を遅らせ、動きのある身体の視覚的な詳細を集中させ、パフォーマーの活動の微妙なニュアンスと本質的な性質を明らかにしました。これは詩的な結果をもたらし続けます、活動自体を幅広い読書に開放する催眠的で瞑想的な表現。
ブラジルのパビリオン
ブラジルパビリオンは、赤道直下のブラジルの北/北東ゾーンでライブと作品を発表しました。これらの場所では、ブラジルの画像でよく見られる熱帯の牧歌的で柔らかな光とは異なり、赤道の太陽が絶え間なく真っ直ぐに打ち、時にはほとんど目がくらむほど明るくなります。したがって、彼らの生産で開発されたのは、別のブラジル、つまり別の光、温度、風景、味、匂い、音、視線です。これらの場所を紹介することは実践の優先事項ではありません。アーティストや写真家は、彼らが話す場所を確認し、他の世界や他の視点を表現し、明らかにする可能性を探求するよう努めています。
中央アジアのパビリオン（カザフスタン、キルギスタン、タジキスタン、ウズベキスタン）
「MakingInterstices」は、グローバルな世界におけるアートメイキングの複雑な違いとオプションを認識することを提案しています。隙間を作ることは、過去30年間の政治的および経済的混乱の中で、中央アジア諸国でアーティストがどのように働き、運営し、制作するかを示しています。これらの隙間における非コミュニケーションの状態は、政治的および経済的権力の支配的な形態からの脱出として機能します。現代美術作品とその作成者は、上記の地域の政治的、経済的、公式的、社会的優先事項において重要な位置と位置を持っていないようです。存在するものと存在しないもののこの曖昧さの中で、これらのアートシーンは非コミュニケーションの隙間に似ています。しかし、彼らは明らかにこれらの社会で代替スペースを生み出しています。将来の国際的なパートナーやグループのイニシアチブとのコミュニケーションの個々の試みの現在の出現は、社会と国家の間に新しい対話を植え付けることができる現象です。
アーティストは、自由な思考と表現の豊富な核を作成するように動作し、抵抗の目立たないまたは微細な口頭または視覚モデルを提案し、静かに若い世代に影響を与えます。隙間を作ることは、グローバルな世界の多様性におけるアートメイキングの複雑な区別とオプションを認識することを提案します。メイキングワールドが今日の芸術の幅広いスペクトルとプロセスを提示する場合、メイキングインタースティスは、中央アジア諸国、および最近の過去と現在の間、つまり政治的および経済的全体にわたって同様の緊張関係にある他の多くの国でアーティストが働き、運営し、制作する方法を示します過去30年間の混乱。急速なイデオロギーと政府の変革の激しい合併症は、芸術家の発見能力を悪化させました、従来型とほとんどの場合抑圧的なマクロ政治と経済の間の小さなギャップ（隙間）を採用し、活用すること。隙間を作ることは、芸術家が彼/彼女の考え、欲望、ユーモアを芸術を通して戦術的、実験的、そして探索的な介入に自由に構成することを可能にする戦略です…
チリのパビリオン
IvánNavarroは、社会政治的な観点から一連の作品を発表します。多くの個人的なショーのおかげで国際舞台で知られているアーティスト。彼は複雑な光の彫刻を制作し、オブジェクトを介したエネルギー変換の概念と、日常的に使用するオブジェクトで作られた特定のインスタレーションを開発し、それらを正確な力の批評に結び付けています。テーマが彼のすべての作品に織り込まれているので、アーティストは彼のスレッショルド作品を3つの別々の要素/瞬間で形式化します。彼が使用する材料は、技術的側面に非常に重点を置いた見かけの冷たさを特徴とし、完全に電気エネルギーに依存しており、体液の根底にあるメタファーと、生命の生成および「アニメーション」オブジェクトにおけるそれらの作用を提案しています。
死刑囚監房は、内部にネオンライトが付いた13個のアルミニウムドアで構成されています。これにより、空間に光学的な休止が生じ、壁を通過する廊下の効果が生まれます。レジスタンスはインスタレーション（ビデオに接続された彫刻）です。それは、ペダルが回ると作動する蛍光パイプで作られた椅子に結び付けられた自転車です。ビデオでは、同じ自転車がニューヨークのタイムズスクエアを周回しており、明るい都会の家具とサイクリストの筋力によって生成される光のコントラストがはっきりしています。ベッドは地面に置かれた円形の彫刻です。 「BED」という言葉が「無限」に照らされた深い穴のような印象を与えます。この作品は、壁を越えた世界の可能性に疑問を投げかけますが、その領域に入る可能性を排除します。この幻想の要素と、人間と電気の間の平行性は、その産業的および蛍光的表現において、ナバロの芸術的旅の絶え間ない特徴です。
中国のパビリオン
Shan Shan Shengによる「OpenWall」は大規模なガラスのインスタレーションであり、このプロジェクトは万里の長城の一部を中国の遺産の一部を捉えて再解釈し、この歴史的建造物をガラス建築の一時的なゾーンとして翻訳します。このインスタレーションは、現代中国の新たに発見された開放性を表しており、現代の瞬間をグローバルな交流の極めて重要な瞬間として捉えています。オープンウォールは、建築、素材、国民の記憶、そして時間の認識に対するシャンシャンシェンの魅力の一例です。上海、香港、北京での彼女の大規模な絵画と吊り下げ彫刻で有名なシェンのコンセプチュアルアートのインスタレーションは、伝統的な中国のモチーフと記憶の場所の読書を活性化し、変革します。
オープンウォールは、中国の万里の長城の瞬間をガラスレンガの集合体として再構築します。ガラスレンガは一種の文化的通貨になり、設置の過程で配布および再配布されます。オープンウォールは、中国の現代的な瞬間の可能性を示唆しており、文化を世界経済に開放し、前例のない意見交換を行っています。シェンのオープンウォールはユニークな虹色の彫刻であり、中国と西洋文化の交差点の重要なシンボルとして、透明性と不透明性の両方のしきい値を示しています。簡単に分解して組み立て直すことができるShengのオープンウォールは、流動的で相互消費の瞬間を呼び起こします。オープンウォールは、万里の長城の建設から2、200年に相当する2,200個のガラスレンガで構成されています。シェンは万里の長城を積み重ねられたガラスの一時的なパビリオンとして再考します。彼女のインスタレーションは、グローバル化された時間の絶妙でありながら一時的な流れを呼び起こします。
コモロ諸島のパビリオン
Paolo W. Tamburellaは、モロニの労働者の助けを借りて、港で見捨てられた28隻のボートのうちの1隻を修理して復元しました。ジャハジボートは、何世紀にもわたってコモロ人の唯一の輸送手段であり、近隣諸国と連絡を取り、新しい商取引関係を築く方法でした。 2006年、港の近代化に伴い、ジャハジの使用が禁止されたため、島々でのコモロの港湾労働者の長年の伝統が中断され、コモロは世界経済の新しい章に置かれました。今日の貿易のほとんどで使用されている通常の輸送コンテナを積んだこの船は、希望と絶望の出現と緊急事態を結びつけて、アンビバレントなグローバル性のメタファーとして立っています。不確実性と移行の世界で消耗品の新しい形についての一種の注意話で。
デンマークのパビリオン
Elmgreen＆Dragsetの「TheCollectors」は、デンマークと北欧のパビリオンを、観客がゲストとして招待される家庭的な環境に変えます。ダイニングルーム、ベッドルーム、家具、暖炉、ステンドグラスの天窓、そして家庭内にあるアートワークは、架空の住民の不思議な物語を、その執着的な性格と多様なライフスタイルとともに明らかにします。このプロジェクトは、参加アーティストやデザイナーと緊密に協力して、より大きなアートイベントの通常の競争的側面を回避するために、ステージングされた展示会との親密さを生み出すことを目的としています。厳選されたアートワークは、インテリアデザイン、台所用品、衣類、さらにはハエのコレクションとともに、この二重展の複雑な物語を構成しています。家を通してd＆eaute;corとアートワークのコレクション、ワードローブの衣服、キッチンの磁器と図書館の本、架空の住民のアイデンティティ、彼らの情熱と憂鬱は、少しずつ現れます。
一般の人々は、「売り出し中」のデンマークのパビリオンを通る不動産業者のツアーに案内され、この家に出没していた家族のドラマの話を聞かれました。隣接する北欧パビリオンは、華やかな独身者のパッドになっています。ここでは、神秘的なB氏の現代アート作品やデザインのコレクションだけでなく、彼の元恋人たちの中古水着のコレクションも体験できます。 「コレクター」というタイトルが示すように、展覧会は収集のトピックと、物体を通して自分を表現する実践の背後にある心理学にアプローチします。収集のトピック、および物理的なオブジェクトを介して自分自身を表現する実践の背後にある心理学にアプローチすることによって。プロジェクトでは、なぜ私たちは日常生活の中でアイテムを集めてそれらに囲まれるのかという質問をしました。どの欲求のメカニズムが私たちの選択を引き起こしますか？
フランスのパビリオン
今年、クロード・レヴェックは、第53回国際美術展ラビエンナーレディベネチアでフランスを代表するアーティストです。フランスのパビリオンでは、彼の作品の推力に特徴的な「ル・グラン・ソワール」と題されたインスタレーションを特集しています。革命前夜のフランス独特のコンセプトである「ル・グラン・ソワール」は、世界が変わった瞬間を思い起こさせます。
フランスのパビリオンは棺の安置所のように見えます。ペリスタイルの後ろには黒い壁があり、ブラインド、ミュート、歓迎されません。凹面のファサードも黒く塗られています。動きが制限され、感情が抑制されました。光は強烈で、真珠のような壁はそれを冷やして回折させます。それは半光、反射がきらめく暗闇です。結局、遠くに震える黒い旗は、根本的な希望、または破壊の絶望のイメージを高めます。
ドイツのパビリオン
リアム・ギリックの「キッチン」は、ドイツのパビリオンを厳格な裸のキッチンに変えました。これは、象徴的なフランクフルトキッチンへの言及の可能性があります。パビリオンは変更もマスクもされていません。建物の内部と外部は基本的な形で残されており、見たり調べたりすることができます。建物の一般的なメンテナンスとして最近白く塗られたギリックは、このように壁を残して、彼のインスタレーションの背景をはっきりとしています。建物のすべての部屋は開いたままです。パビリオンのどの部分も閉鎖されたり、保管に使用されたりしていません。シンプルな松材で作られたキッチンのような構造。電化製品はありませんが、「キッチン」は、パビリオンの堕落した壮大さに対抗して共鳴する、願望、機能、適用されたモダニズムのエコーの図として存在します。
Gillickは、キッチンをIkeaともっとモダンなものの間の何か、一種の代替モダンに例えています。それは壮大な象徴性についてではなく、行き過ぎたイデオロギーについてでもありません。それは、ある意味で現代的なキッチンにつながる他のモダニズムです。最後の仕上げとして、ベルリンのジリックと彼のスタジオチームは、キャビネットの1つの上に座っているキッチンの居住者としてアニマトロニクス猫を作成しました。猫は建物の響きと戦い、終わりのない循環的な物語を語ります。猫は台所にいて、子供たちは台所にいます：「私はそれが好きではありません」と男の子は言います。 「私はそれが好きではありません」と女の子は言います。 「私はあなたが好きではありません」と猫は思います。このプロジェクトにより、ビスタは誰が誰に、どのような権限で話すのかという質問を検討することを余儀なくされました。
日本のパビリオン
やなぎみわの「吹きさらしの女たち」は、日本館から自立型または仮設構造物として、外装を黒で覆ったもの。このプロジェクトは、テントの仮設プレイハウスの流動性と機動性のように見えます。中には、柳がさまざまな年齢の女性の肖像画を収めた高さ4mの巨大な写真スタンドを設置しています。新しいビデオ作品と一連の小さな写真も表示されます。入ると、見る人は混乱し、特大の作品の中を歩くとスケール感や遠近感を失います。このインスタレーションのモチーフは、キャラバンの上にトレーラーハウスを持って旅行する女性だけで構成される一団です。
柳がベニスのために作成した巨大な女性の写真ショーケースは、決意を象徴しています。乱気流に囲まれているにも関わらず、動かずに立っています。何が起こっても、彼らは足を地面にしっかりと植えたままにします。華やかにデザインされた装飾的なフレームで提示されたこれらの女性は、シュールに見えますが、懐かしさの要素も体現しています。画像自体は不気味な品質ですが、活力を受け入れるように促します。
韓国のパビリオン
Haegue Yangによる「Condensation」は、nebensächlich（限界または取るに足らない）と見なされる可能性のあるプライベートまたは隠されたスペースを探索しますが、アーティストにとっては、理解のための深い背景を構成します：非公式の開発が発生する可能性のある脆弱なサイト。家のためのこれらの機能的な装飾は、デザインや時代区分の厳格な概念に逆らい、自己が世話され、考えられている私的な領域の非美的感覚を強調し、異なる方法で共有することができます。
ヤンは、凝縮のメタファーを使用して、機能しないが存在論的に重要な情報を伝える、一見無形の交換経路を通じて、未知の人々との直接的なコミュニケーションを求めています。自然光が溢れる積み重ねられたベネチアンブラインドの迷路のようなシステムで構成された一連の脆弱な配置—声と風は、物理的に存在しない場所と経験の影を呼び起こします。ここでヤンは、味の端に存在する説明できない、分類できない色とパターンで商業的に製造されたベネチアンブラインドを使用しています。彼女の視聴者はお互いに、そしてアーティストにとって無名で顔の見えないままですが、ヤンの「凝縮的なコミュニケーション」は、予測できない時間と予測できない場所で絶え間なく行われ、共有認識の可能性を提供します。主観性を活性化し、効率の正式な定義に抵抗することによって、ヤンは他人の盲目的で完全な受け入れを刺激する幽霊のような、しかし本当の理解を育みます。
ラテンアメリカのパビリオン
「FareMondi / Making Worlds」は、さまざまなテーマが有機的な一体感で絡み合ったユニークな展示会で、アートワークが相互作用し、空間自体と相互作用します。オリンポでは、フェルナンドファルコニ（エクアドル）が、地理的かつ歴史的なラテンアメリカのランドマークであるチンボラソ火山のイメージを探索します。ビデオは、火山の雪のキャップが溶ける様子を描いています。新世界の神々は、彼のククルカンインスタレーションでダリオエスコバル（グアテマラ）によって表されます。赤いケツァルコアトルの尾が支配的な、神話上の羽の生えた蛇は自転車のタイヤを作りました。これは、芸術作品としてのオブジェクトの再コンテキスト化に関連するアーティストの長年の研究プロジェクトに続くものです。小さな断片から作られた彼の作品の中で都市生活の叙情的で実存的な次元を呼び起こすルイス・ロルダン（コロンビア）。ワックス、光、レンガ、紙で作られた場所の伝記作家であるかのように建築レンダリングで遊ぶカルロス・ガライコア（キューバ）。
珍しい標本と多様な民族の突然変異体が住む奇妙な世界は、ラクエル・パイエウォンスキー（ドミニカ共和国）が都市生活の要素、あらゆる種類のステレオタイプ、自然、精神性、本能を融合する方法です。フェデリコ・エレーロ（コスタリカ）は、身振りと色の融合で、彼の感情によれば、色が不可欠な場所を描きます。ラテンアメリカの文化的シンクロリズムを呼び起こす色とパターンは、ガストンウガルデ（ボリビア）によって組み立てられたインカとアイマラのテキスタイルインスタレーションでも重要であり、デザインと質感の壮大な設定を作成します。写真家ニルス・ノバ（エルサルバドル）が生み出したトロンプ・ルイユ効果で、現実とフィクションの限界を解消し、空間の新しいビジョンが私たちの注目を集めています。
リトアニアのパビリオン
ジルビナス・ケンピナスは、視覚的なデータキャリアではなく、彫刻素材としてビデオテープを採用することで、彼の作品を紹介しています。彼のインスタレーションでは、目に見えない重力と空気循環が建築空間をアニメーション化し、まったく新しい環境に作り変えています。彼の最新作である大規模なインスタレーションTUBEは、アトリエカルダー（フランス、サシェ）で作成され、ヴェネツィアのリトアニアパビリオンが街の環境と共鳴するように設置されました。 TUBEは、視聴者の物理的および光学的体験、時間の経過、身体と建築の知覚に対処します。ケンピナスは、磁気テープを使用して、記念碑的でありながら壊れやすい体験の空間を構築してきました。遊び心のあるジェスチャーと幾何学的な明快さも同様に重要です。彼の芸術的実践は、最小限の抽象的な原則のリサイクルに基づいています。ポストミディアムコンディションのオプアートとキネティックアート。
メキシコのパビリオン
メキシコパビリオンで発表されたテレサ・マルゴレによる「¿Dequéotracosapodríamoshablar？（他に何について話せますか？）」は、悪魔のような国際経済の影響の微妙な記録です：禁止、中毒、蓄積の悪循環、貧困、憎しみ、抑圧は、地獄のように北から南への超越的な快楽とピューリタンの執着を変容させます。メキシコでの最近の暴力の急増により、テレサマルゴレスの作品は、ほぼ20年間、人間の遺体の芸術的可能性の探求に集中してきましたが、暴力的な死とその犠牲者への瞑想にますます重点を置いています。
¿dequéotracosapodríamoshablar？暴力と現在の世界経済が事実上使い捨ての社会階級としての全世代の個人の効果的な宣言を含む方法を取り巻く問題に訪問者を感情的かつ知的に巻き込むことを目指す汚染と物質的行動の戦術に基づく物語でした犯罪、資本主義、禁止の逆論理の間に。 Teresa Margollesは、パビリオンに沿ってさまざまなアクションと作業を行う、単一の継続的な介入を伴います。主題としての彼女の死の探求は、経済的および政治的不平等、社会的搾取、歴史的な追悼のプロセスと暴力の拡大が今日の文化的および哲学的な風景を定義しています。
ニュージーランドのパビリオン
ジュディ・ミラーによる「衝突」は、床や天井を突き抜ける大規模なペイントされたキャンバスのインスタレーションであり、建物の適切な閉じ込めを超えて空間に手を伸ばし、折りたたまれたり折りたたまれたりして、従来の展示モードや展示デザインを意図的に破棄します。このプロジェクトは、芸術の対象と展示スペースの間の伝統的な関係に挑戦します。アーティストのジュディミラーは、ニュージーランドを代表する画家の1人と見なされています。アーティストの大規模な絵画の中心的なテーマには、キャンバスとペイントの関係、静的と動き、美術史における絵画の場所が含まれます。
ポーランドのパビリオン
Krzysztof Wodiczkoによる「Guests」、移民、「家にいない」、「永遠のゲスト」のままでいる人々に焦点を当てています。 「見知らぬ人」、「その他」は、プロジェクション、ビークル、または技術的に高度な楽器であるかどうかにかかわらず、Wodiczkoの芸術的実践における重要な概念です。 、公共の場で存在感を発揮します。変化の多文化問題を扱うこのプロジェクトは、受け入れと合法化の言説がしばしば制限的な移民政策を伴うEUだけでなく、世界的にも現代世界で最も燃えている問題の1つに関係しています。
ポーランドパビリオンは、窓の幻想の背後にある、パビリオンの窓のない壁に映し出された、外に見えるシーンを視聴者が見る場所に変わります。個々の投影、パビリオンの建築に投影された窓の画像は、その内部を仮想に開きますが、同時に、移民が窓を洗ったり、休んだり、話したり、仕事を待ったり、彼らの厳しい実存的状況について意見を交換したりするシーン、失業、彼らの滞在を合法化する問題。それらを隔てるギャップを克服することができない経験。ここでも「ゲスト」である訪問者に思い出させてください。彼らは時々、中を覗き込もうとしている移民のイメージによって思い出されます。
ロシアのパビリオン
「VictoryOverthe Future」は、ロシアの前衛的な伝統と彼らの個人的な物語との間の緊張を探求するアーティストによる新作を紹介します。一連の壁画であるRainTheoremは、試合での騒々しいサッカー（サッカー）ファンを描いています。あるシーンでは、彼らは勝利の喜びで叫び、次のシーンでは、彼らは敗北で怒りに反応します。イリーナ・コリーナの作品は、存在の不確実性と限界状態を探求しています。彫刻は、曲がりくねった硬い形を並べた古いプラスチック製のテーブルクロスで作られています。静水圧によって植物のように直立した噴水は、流動性の知覚に挑戦します。アンドレイ・モロドキンのマルチメディアインスタレーション、ル・ルージュとル・ノワールは、サモトラケのニケの2つの中空のガラスの複製を提示します。 1つは脈動する油で満たされ、もう1つは脈動する「血液」で満たされます。
Gosha Ostretsovは、一連の放棄された部屋で構成されるインスタレーションを紹介します。創作者よりも長生きする作品の制作を通じて、芸術活動はその性質上、未来への勝利を表しています。未来の不条理なシーンで知られるPavelPepperstein。未来の風景は、シュプレマティスムのモチーフが未来のメガロポリスの曖昧な境界線を突き抜ける一連の絵画です。 Sergei ShekhovtsovのインスタレーションCARTOUCHEは、建築装飾の意味と象徴性に取り組んでいます。彼は、典型的な現代の素材である発泡ゴムを使用して、ATMマシン、セキュリティカメラ、およびエアコンを作成しています。アナトリー・シュラヴレフのブラックホールは、歴史的記憶の複雑さを探求するインスタレーションです。スケール、構造、質感で、Zhuravlyovは、過去を通して未来がどのように明らかにされるかを問う印象的なインスタレーションを作成します。
シンガポールのパビリオン
ミン・ウォンの「Life of Imitation」は、言語、性別、外見、伝統が絶えず互いに交渉し合う複数の世界の共存を舞台にしています。遊び心のある不完全な模倣とメロドラマの中で、この展覧会は、ルーツ、ハイブリッド、変化に関連するシンガポールの状態に鏡を持ちこたえようとします。ウォンは、「ワールドシネマ」を独自に再解釈することで、言語とアイデンティティのパフォーマンスのベニアを探求します。ハリウッド、ヨーロッパ、中国、東南アジアの古典的な映画の瞬間に触発された一連のマルチチャンネルビデオインスタレーションを作成しました。
パビリオンはまた、シンガポールの環境における西洋文化のローカリゼーションを私たちに提示します。ウォンとシンガポールで最後に生き残ったビルボードペインターのネオチョンテックが描いたビルボードや、シンガポールの古い映画館の写真、絵画、ドローイング、トランスクリプトなど、ウォンのビデオインスタレーションと展示全体の作成プロセスを描いた映画の記念品によって、ムードはさらに高まります。自体。このプロジェクトは、記憶とノスタルジアの複雑さを置き換えられた主題として位置づけ、現代アジアの芸術表現における空間とアイデンティティのアフォーダンスを通じて、モビリティが意味の再構築をどのように形作るかについて議論します。それはアイデンティティの言説を文脈化し、過去の再想像の間の関係を探求します。記憶の作り直しと国民の言説の脱構築。
スパンのパビリオン
「ミケルバルセロ」と題されたスペインのパビリオンは、最近の大判絵画と他の古い絵画を組み合わせて、2000年以降のミケルバルセロの作品の調査を構成しています。この展示は、霊長類、アフリカの風景、海の波の泡など、アーティストの長年のテーマを中心に展開しています。バルセロは一般的にスペインで最も影響力のある生きている画家の一人として認識されています。この展覧会では、フランスの芸術家で作家のフランソワ・アウギエラスによる一連の作品も展示されています。この作品は、アフリカの風俗画を小さな形式で表現しています。
トルコのパビリオン
「失効」は、「発生する出来事」の認識がどのように変化し、集合的記憶の失効のために歴史の異なるナレーションにつながる可能性があるかを示しています。このプロジェクトは、バヌ・セネトグルの「CATALOG」とアフメット・オグットの「ExplodedCity」の2人のアーティストの作品によって実現されました。両方のプロジェクトは、失効を通して考えられる多様な記憶形成または多様な物語の可能性を明らかにしています。時間の直線的で継続的な流れの経過は、見当識障害の感覚または私たちの個人的な環境との断絶のいずれかを意味します。そのような失効を認識することによってのみ、私たちは、ナレーションと私たちの感覚によって繰り返される残像で、途切れることのない流れを通して空間と時間の連続体の記憶を再構築する能力を実現します。これは主観的な行為です。しかし、日常のメディアの信頼性に依存する社会では、巨大なビジュアルアーカイブが集合的記憶として機能します。
AhmetÖgütは、最近重要なイベントが発生し、廃墟となった建物を追跡しているため、潜在意識に関連性が生じています。 「爆発都市」は、各建物の本来の建築的特徴を参考にモデル都市を表現しています。この作品は、爆発の前後にこれらの建物に起因する意味と価値を問いかけ、メディア画像を介して私たちの記憶に発生する失効を検出します。それはまた、建物を彼らの記憶から引き裂くことによって、さもなければ隠された失効を明らかにします。 「CATALOG2009」は、撮影された現実から抽出された写真が、新たな主観的かつ批判的な文脈で存在するだけでなく、この新たな文脈の表現の担い手となることが期待されているという事実を保持しています。バヌ・セネトグル ‘の写真はさまざまな地域に関連していると同時に、架空の物語に開かれています。作品は、何百枚もの写真が主観的なカテゴリーに分類された、遂行的な「通信販売カタログ」の形で提示されます。
アラブ首長国連邦のパビリオン
「It’sNotYou、It’s Me」、ヴェネツィアビエンナーレでのUAEの最初の展示会。このプロジェクトは、その性質と、舞台美術の要素と建築の組み合わせによるショーケースとしての機能に注目を集めています。パビリオンは、注目のアーティストであるLamya Gargashの作品を含む、さまざまなコンポーネントを組み込んだ「世界博覧会」のテーマを強調しています。 Ebtisam Abdul-Aziz、Tarek Al-Ghoussein、Huda Saeed Saif、HassanSharifなどのUAEアーティストによる作品のショールーム。国の文化的パノラマの主要人物との会話を特徴とするHannahHurtzigのキオスク。ジャクソンポロックバーによるドバイ公演の記録。テキストパネルやUAEアートインフラストラクチャの建築モデルなど、世界博覧会の伝統を彷彿とさせる舞台美術。
イギリスのパビリオン
英国のパビリオンは、スティーブ・マックイーンによる「ジャルディーニ」（庭園）というタイトルの新しい映画を上映します。彼の30分間の映画は、冬の庭園を見せてくれます。裸の木、雨滴、教会の鐘の荒涼とした世界。ジャルディーニは、季節外れのヴェネツィアの庭園を記録した分割画面の映画です。このエリアは、ビエンナーレ展が開催される半年間だけ一般に公開されています。映画の媒体を使用することにより、マックイーンは、野良犬が食べ物を探してさまよっている空の庭を体験することを可能にし、見知らぬ人が影に隠れ、恋人たちが出会う。詩的なシンプルさで、ジャルディーニは目に見えない、聞いたことのない美しさを楽しみ、ビエンナーレの光景とそのつかの間の自然をさらけ出します。
アメリカ合衆国のパビリオン
ナウマンは、米国パビリオンで彼の新しい主要なインスタレーションを紹介します。DaysとGiorniの両方で、作品を構成する声を集合的または単独で体験することができ、感動的で力強く、容赦のない音のオーケストレーションを作成します。ナウマンのテキストは曜日を繰り返し、巧みに再配置するため、同様に、通常は時間の経過を測定する順序を変更し、弱体化させます。「現代美術に専念する美術館の「記法」シリーズの文脈でのデイズとジョルニのプレゼンテーションは、訪問者がこれらの作品とナウマンの他の作品を含む美術館のコレクションの作品との類似点を描くことを可能にします。
ナウマンのジェスチャーにはかなり明確な論理があり、彼の仕事は渦巻いて出入りします。心と体の感覚はもはや一緒に保持されていません。苦痛を伴う空間感覚。古典的なナウマンの動きは、精神疾患の症状を把握し、それを回避するための作業を構築することであるように思われます。 「トポロジカルガーデン」は、ナウマンの作品の不協和音から抽出された、より酷使された要素と彼の聴衆に対してより公然と敵対する側面（例えば、クラウン拷問なし）を囲み、ほろ苦い、卒業生総代のショーです。真の芸術家と出会う入り口に隣接する2つの部屋に設置されたナウマンの携帯電話は、奇妙で不快なだけでなく、世界的に疲れたような方法でエレガントで魅力的です。
ウルグアイのパビリオン
3人のアーティストがウルグアイパビリオンを代表しており、この展示会はウルグアイの現代視覚芸術の重要な側面を反映しようとしています。芸術作品は、その固有の多様性のプリズムビューを提供し、手作業による製作と技術リソースの使用の両方を含む線、アイデンティティと地域性の問題の境界に位置する物語、そしてグローバルな側面を含みます。 Raquel Bessioによる「約束の地」は、灰色で暗い金属の破片の地形として提案されています。囲まれた空間は確実性と決意をもって食い尽くします。それは彼女の作品の断片が錆びていく過程で起こります。その過程で、彼らは自律性を達成し、管理不能になります。フアンブルゴスは、日常生活の中で増殖する都市の終末論的なビジョンを拡大します。彼の出発点は子供の童話であり、そこから彼は素晴らしいコラージュを構築します。パブロ・ウリベは偽のドキュメンタリーを制作しました。そうすることで、彼は現実とフィクションの間の遊び、表現内の表現について熟考します。