インテリアポートレート（Interior portrait）は、17世紀末にヨーロッパに登場し、19世紀後半に大きな流行を遂げた絵画のジャンルです。それは、人がいなくても、居住空間を注意深く詳細に表現しています。これらの絵画は水彩画として一般的にレンダリングされており、創造性がほとんどないと偉大な技術的熟練が必要でした。 20世紀半ばまでに、このようなシーンはまだ作成されていましたが、写真はこの絵画のスタイルを意図的な古風な形に変えました。
インテリアポートレートという用語は、主に私的な内装の表現を扱う絵画のジャンルを指し、Biedermeierの文化的な時代にはほとんど独占的だった。
インテリアポートレートは、イングランドでは「会話作品」と呼ばれるものと混同されるべきではありません。いくつかの活動に従事し、しばしば屋外に置かれた人々の集まりを持つシーンを指定する用語。真のインテリアピースは部屋とインテリアだけを示していますが、以前の活動は部屋の中に物品を置くことによって示唆されるかもしれません。
絵画、彫刻、そしてさまざまなミキシングテクニックがありました。彼らは比較的小さく、彼らの平均的な風景のサイズは約32.5×22.5センチメートル、大きな偏差の上下が発生したが、まれであった。ほとんどの場合、イラストはボックスセットの原則に従っています。焦点は、しばしば中心から左にわずかにオフセットされていました。これらの作品は、アマチュアの作品ではなく、プロのアーティストによるもので、一部は専門の「部屋の画家」によるものでした。そのジャンルがしばらく楽しんだ感謝の明確な例は、有名な建築家画家Eduard Gaertnerが王室からベルリン市の宮殿のインテリアを作ることを依頼した一連の9色の水彩画です。
特定のインテリアの状態は、特定の時間 – 家具の外観と配置、壁紙、カーテンとカーペットの色や模様、芸術作品、毎日のオブジェクトや装飾品の部屋のデザインなどで非常に正確に記述されました。この内部の詳細な再現は、同時代がどれほど集中的に自分の私的環境の対象を扱っているかを明らかにし、同時にこれを記録したがっていることを明らかにする。人々はこれらの写真ではめったに表示されませんでした。そうであれば、個々の特徴はほとんどなく、各部屋の目的に対応する小規模で活動的でした。とりわけ、個人は彼の私的環境の正確な記述を通して間接的に存在していた。
部屋の写真は通常、特定の機会に個人的な贈り物として委託されました。プロイセン王女エリザベスは、ダルムシュタットに若者と結婚したとき、彼女の両親にベルリンの保育園の絵を与えました。また、ヘッセ・ダルムシュタットのルードヴィヒ大公爵夫人の研究の水彩画は、死後の写本であり、死後に捨てられた。葉はおそらく公に発行されておらず、売却されていないかもしれない。彼らはアルバムに集められました – 社会で女性に人気のある雇用 – そして家庭環境でそれらを見ました。彼らの感情的な意義に加えて、これらのアンソロジーは、芸術の理解、教育水準、および所有者の社会的地位のイメージでもあった。
初期のインテリアの肖像
16世紀にはドイツ人やオランダの初期の絵画、17世紀にはオランダの絵画の中にインテリアが長く存在し、前面と親密な肖像画の背景となっていました。 17世紀のオランダでは、内装のイメージは初期の国家芸術のジャンルになりました。
ヨーロッパの中世の時代には、ロマネスク様式とゴシック様式の教会や大聖堂の内部だけでなく、私有の住居にも注意が払われました。修道院と世俗的な内装（ロマネスクとゴシック）は、禁欲主義と最低限の家具で異なっていた。しかしそれでも、キッチン、ホール、ダイニングルーム、所有者のための寝室、客室とその寝室、召使い、兵器、保護者のための住居などの施設の再分配があります。限られた数の中世の内装やその隅は、近代的なミニチュア、後期の異邦人の絵画、初期のオランダ絵画の作品に反映されています。後者は、中世全国の経験に頼っていました。インテリアのイメージは、スケマティックイメージからゆっくりと進化しました
初期のオランダの絵画の傑作は、新人のArnolfiniの作品、Jan van Eyck（1434、National Gallery（London））の肖像画でした。彼はオランダに長く住み着いていたイタリアの商人と結婚したバーガーハウスの内部で結婚式の誓いを述べた。ヤン・ファン・アイクは、新人の年齢や性格の違いを隠さずに、通常の肖像画の境界を広げようと敢えて、珍しい服を今再現しました。新婚者は部屋の中にあり、窓からの柔らかく光っている光によって照らされる。中世の伝統に続いて、ヤン・ファン・アイクは、部屋に、実用的で象徴的な意味を持ついくつかのものを置いた。照明付きのキャンドル – 結婚式のヒント、窓のオレンジ、喜びのヒント、部屋の犬 – 忠誠のアレゴリー、帽子やハーネス – 敬意など。しかし、世帯のイメージの特異性は、日常生活における現実と物事の関係、純粋さ、利便性、幸福と快適さへの支配者の願望、家庭でオランダなどは、騒々しくて遊牧民的なイタリア人にとっては普通のことではありません。イタリアのインテリアの不便さと不整合は、オランダ人とドイツ人旅行者に不平を言った。
インテリアのイメージは、ドイツのグラフィックスのマスターによって作成されました。その中には、宗教的な場面（「告知」、「ストレッチ」）、創始者のイメージ（「セルの聖ジェローム」）などがあります。セルの聖ジェロニムのイメージは、事実上正式に認定され、中世の巨匠から再生と儀式の時代の巨匠に論理的に変容した。そこではそれぞれ神学者のセルの解釈を提出した。
世俗的な物語の中で、余暇の間に人々の稀少なイメージに注目が集まります（Izrael van Mekenem Jr.（1440-1503）、彫刻「The Dance in Roundabout」）、または独自のワークショップで職人のイメージによる彫刻のサイクル（彫刻家ヨースト・アンマン、「ブリュワー」、「タカッチ・キリマー」、「プリンティング・ハウス」、「薬学」、「美容サロン」、「スタジオ・ステンドグラス」）内装は人や家庭の状況から分離されておらず、しかし、マスターは、当時の家具、家庭用品、工作機械、器械、衣服の自由を自由に再現していました。職人との彫刻のサイクルでは、技術的に特徴のある技術特徴、特有の特徴、さらには技術の特徴さえも含む。
17世紀のインテリアの肖像
このタイプのシーンは、最初に17世紀の終わり近くに現れます。当時、意図は完全に記述的でした。彼らは通常、アートギャラリー、個人図書館、または好奇心のキャビネットの内容を示すために特別に行われました。最初の既知の例の1つは、1693年からのロンドンのサミュエル・ピピス（Samuel Pepys）の図書館を描いています。今日でも研究者やデコレータによって評価されています。 Pepysの場合は、当時の学者がその本を書棚（その時のイノベーション）にどのように配置し、講演者を利用し、快適にクッションを置いたり、地図をハングアップさせたりするのかを直接見ることができます
オランダの芸術は、フランダースと一緒に、単一の国家政治形成のメンバーであった第15,16世紀の歴史的オランダの領土の一部であったすべての地域の芸術において論理的に成長しました。 17世紀から、州と芸術部門があり、その結果、起源はユニークであるが、キャラクターが異なる2つの国立芸術学校が形成された。宗教的差異もまた芸術的な区別に寄与した。オランダとフランダースの南は、17世紀に宗教芸術が開花したカトリックの胸の中にとどまっていました。バロック様式で。オランダは文化的に現実的なガイドとバロック様式の限定された使用法を持つプロテスタント州が主になりました。
17世紀初めに、オランダは長年の自尊心と活力を経験しました。スペインの強力な帝国からの独立のための闘争がうまく終わったので。西欧の政治地図にちょうど現われた若い国の認知には長い間、研究がなされていました。自己主張と陽気は、カトリック教徒の宗教的制限を積極的に奪われた住民と国家の芸術の両方に固有のものでした。カトリックのモデルの宗教画を認識せず、象徴クラスの舞台を通過したプロテスタントの支配は、宗教画の勲章の大幅な削減につながった。それどころか、それはジャンルにおける世俗的なテーマの爆発的な普及につながるでしょう。オランダの芸術では、イタリアやフランスの有名な現代美術センターでも知られていなかった、肖像画、風景、日常のジャンル、静物、インテリアを驚異的なパワーと開発で獲得しました。
オランダのアーティストは、自分の住居や外国の住居の内部を塗装することを喜んでいます。有名なJan Wermerのほとんどすべての作品は、居心地の良い華やかな内装が施されています。フィギュアのインテリアの珍しいマスターは、Jan Stan、Peter de Hooh、Gerard Terborhでした。何年ものアイコン崩壊後、Peter Sanremad、Antony de Lormeによって描かれた教会の遂行的な内装。暖かい気持ちは、エマニュエル・デ・ヴィッテの絵画の神聖な内装で、太陽が照り輝き、細部にうんざりすることはありません。ピーター・コデー、コーネル・ビアグ、ミシエル・ファン・ミューチャー、アドリアン・バン・ガスベック、コーネル・ベルトによって、織物、芸術家、宗教家、公証人、小さな職人、鍛冶師の半分の農家が記録されました。コンポジションのシェアは内部の義務的なコーナーであった – それは “自分のオフィスの科学者”である。 Rembrandt、Solomon Konink、Bartolomeus Maton、Constantine Nettsher、Dominique van Tolは、神学者、または占星術師（書籍、地球儀付き）のいずれかとして、大人または灰色のキャラクターを持つ独自の変種を作成しました。オランダ人の絵画のインテリアは、生まれてから死ぬまで、または17世紀のオランダの芸術の特別なジャンルである「解剖学のレッスン」（好きな人が訪れた場所）に連れて行かれます。
17世紀のオランダの芸術は、17世紀のヨーロッパの芸術的状況における独特の現象となった。オランダによって設立された芸術家によって、ヨーロッパの他のヨーロッパの芸術学校のアーティストが行くでしょう。
18世紀の最後の四半期まで、異なる意図を持った新しいタイプのインテリアの肖像画が登場しました。このタイプは、まず建築会社で起き、クライアントの利益のために行われました。スコットランドのジェームズ・アダムと兄弟のロバート・アダム、フランソワ・ジョセフ・ベルランガーのような素晴らしい建築家は、将来の顧客を誘惑するために、以前のプロジェクトの水彩画を実行します。これは、裕福な人々と、自分の部屋の絵を委託して後世のために誇示し、保護するための貴族の間に流行を作り出しました。これらの絵はしばしばアルバムにまとめられました。この流行はイギリスで特に流行しました。そこから、それはヨーロッパ全体に広く広がった。
Biedermeierの特徴は、倫理的な態度ではなく、スタイルの問題として、シンプルさと謙虚さへの発展でした。溢れた形と金の豊富な使用の代わりに、単純で形式的に縮小されたオブジェクトとシンプルだが巧みに作られた素材は美的品質の証拠とみなされました。この特別な種類の控えめな謙虚さは高価でした。高貴さと裕福なブルジョアジーがそれを買える余裕が増えてきて、彼らはその成果を写真に記録しました。
18世紀の時代化
しばらくの間、18世紀の芸術。フランスでは、ロココと古典主義（または18世紀後半の新古典主義）、または非生産的な王の2つの主要な期間に分けられました。フランスの芸術で広く普及しているこの単純なアプローチは、むしろ模式的なものであり、歴史的なパターンや現実の印象に依存していません。単純なアプローチは、他の出来事に重点を置いて、実際の変化を無視して、反義務的な闘いの熱と、西ヨーロッパの芸術の独特の現象である革命的な古典主義のような期間の重要性を押し進めました。
アイデアやスタイルの変更の闘争の現実のイメージは、はるかに複雑で厄介な、多段階でした。
18世紀の最初の数十年。 – これは学術的な古典主義であり、非常に独特で、「バロック」の古典主義に似ています。
文脈の方向は、プレココの期間が先行していた。その弱い芽は、フランス人ではなく、いくつかの異なるマスターの仕事を破ったものであった（Dutchman Nicholas Berchem、ヴェネツィアのイタリアRosalba Career）
ロココ（17世紀の学術的古典主義と21世紀末の新古典主義を治めた）。
啓蒙主義はロココと並行して同時に開発され、1789-1793年の2年制の反教義革命を実際に準備した。
18世紀後半の古典主義。センチメンタリズムと共存して、短期的な革命的な古典主義とフランスの芸術（ナポレオンと彼のマーシャルサポーター）帝国に課された。
古典主義（そして帝国）は1830年代から1850年代にかけてロマン主義と共存した。
ほぼすべての期間、歴史的な絵画、大統領のジャンルを宣言、肖像画のジャンルに降伏、その先頭の位置を失った。フランスやイタリアのロココ支持者は、世紀のほとんどすべての著名なアーティストのために、ポートレート主義者であり、肖像画はアイデアの闘いの中心にあり、実質的には芸術的な探求に向かった。 。
ロココ絵画のインテリア
パリの18世紀の初めは、ロココスタイルの誕生によって特徴付けられました。絵画の新しいスタイルの形成には、フランスのアントワーヌ・ワトー美術家とヴェネツィア・ロサルバ・キャリアのイタリア人アーティストが参加し、豊かなパトロンのペドロ・クロズが積極的に支持しました。 Germain Bofranは、数多くのホテル（フランスの貴族の民間都市の土地）の宮殿の装飾でRococoを始めたインテリアデザイナーの間で、最初の重要な人物になりました。 Hotel Subizの楕円形のホールは、古典的なテクトニクスや円柱状の柱を拒否し、アーチ型の窓、植物の装飾を施した新しいスタイルのモデルとなっています。普通の建物は木製のパネルに置き換えられ、絵や鏡は奇妙な巻装の飾りになっています。インテリアの重要な特徴は、明るくて快適な家具で、豪華で重いバロック家具に取って代わりました。
芸術は、貴族のままであり、社会特権国のニーズに応えます。ロココの芸術は、貴族を喜ばせるように存在し、それをレジャーに簡単に楽しませるように存在しています（軽蔑、快楽の崇拝、嫌がらせ）。 Germain Boffranを含む多くの非常に才能のあるアーティストによるロココのスタイリスティックスに対処するのではなくても、それはファッションページの1つに残りました。ゴシック時代から初めて、内装は秩序を拒否し、それを植物性または波状のインテリアで置き換えました。ファッション、修理、および他のスタイルの建物の再開発の変化は、ロココの内部の保存には貢献しなかった。彼らの重要な芸術的価値の概念は後に来るでしょう。 19世紀には、20世紀の絵や写真の中で、一連の水彩画（Hau Edward Petrovich、Great Gatchina Palaceの内装）で記録されました。英国の岩のロココの珍しい芸術的価値は、歴史家がビクトリアアンドアルバート博物館（Norfolk Nawas Music Hall）のノーフォーク・ヌウス宮殿のユニークなインテリアに移り、過去の重要な展示品になるでしょう。
19世紀のアポジ
歴史的に重要な内部肖像画の最初の例は、1812年にマルメゾンで皇后ジョセフィーヌが設立した小さなアートギャラリーを表しています。オーギュスト・シモン・ガーネレーによるこの水彩画では、椅子、美術コレクション、ショールがアームチェア。こうして、新しい要素が現れます：装飾の心理的要素と触診可能な人間の存在。 1つは所有者の感情および考えを感じることができる。この意味で、絵画は本当に「肖像画」になっています。
19世紀には、多くの要因によって説明されるこれらの絵の表現の流行が経験されます。高い社会階級では、この現象は、快適さ、親密さ、家族の場所として家に与えられている重要性が増していることと一致しています。コインの機能はますます特殊化しています。たとえば、ダイニングルームのコンセプトは現在標準となっています6。一方で、貴族的な味をコピーすることを切望する新しい中産階級の開発は、運動を増加させる：世紀が進むにつれて、それをシリーズで製造する工業技術のおかげで、家具はより手頃である。選択。最後に、装飾モードは素早く更新され、以前のスタイルは新ゴシック、新古典、新ルイ15世などに再訪されます。したがって、住宅所有者は、インテリアの眺めを覚えたり提供したり、 。
19世紀のこれらの絵画の膨大な人気は、多くの要因によって説明することができます。ヌーボー・リッチェとブルジョアジーの間では、快適性、親密さ、家族の場として家庭が非常に重要視されていました。この期間はまた、かつては非常に裕福な人たちにしか知られていなかった専門施設（例えば、独立したダイニングルーム）を見た。これらの新しい「中産階級」は貴族的な趣味をコピーするのにも熱心であったし、工業化によって、はるかに幅広い種類の家具を手頃な価格で手に入れることができた。最後に、装飾スタイルは絶えず変更されて復活していたので、インテリアの肖像画は自分の思い出を保存し、次の世代に引き継ぐ方法でした。
ビクトリア女王は、これらの肖像画が大好きだったので、彼女の愛する家庭生活と家庭の快適さを味わい深く見せることができました。その流行はヨーロッパ王室に広がった。彼らが所有していた豪華な装飾された宮殿（冬の宮殿、Tsarskoye Selo、ガッチーナ宮殿、ピーターホーフ宮殿、Pavlovsk宮殿…）の数のために、Tsarsはインテリア肖像画の最も熱心な委員の間であった。事実上すべての部屋（ほとんどの部屋を除く）は少なくとも1回レンダリングされました。何度か。これらの水彩画は、そのジャンルの中で最も優れていると考えられています。
直後の歴史的なセクションでは、画像はしばらくの間、私的な記憶価値を保持しましたが、美的見解や個々の習慣の変化によって意味が失われました。この特別な方法で自分たちの4つの壁を描写したいという欲望は、もはやこれまでと同じくらい普及していませんでした。 “現代的”な写真の媒体を使いたいと思っていた人。しかし、彼らの創作から遠く離れて、Biedermeierの部屋の絵は再び文化史に関する重要な情報源となった。
20世紀の復活
20世紀と今日、いくつかのアーティストがこの伝統を永続させています。アーティストは今日、水彩画や油絵のオーダーを手掛けて、室内肖像画の芸術を永続させています。住宅所有者は、暮らしの幸福や愛する場所に住んでいたことの証として、覚えておいたり、子供たちにそれを託したりするために、家の景色を注文します。デコレータはまた、特別な雰囲気を与えたいプロジェクトにこのアートを使用します。
スペシャリストアーティスト
養殖されたすべての若い女性が水彩画を描くことを学んだとき、多くの人は自分の部屋またはレッスンを受けた部屋を描いていました。生き残った例のほとんどは匿名であり、高品質であることはめったにありませんが、技術的専門知識に欠けているものを補う魅力があります。
しかし、貴族の何人かのメンバーは、本当の才能を持っていました。たとえば、ポーランド人のアルトゥー・ポトキは、ローマからロンドンまで、宿泊したホテルの部屋やその他の場所の水彩画を描き、広く旅しました。
それにもかかわらず、事実上すべての最高品質の作品は、水彩画の卓越した技巧と遠近法の熟達、特に現代の目には奇妙な写真効果をもたらす2〜3の消失点を持つ円錐の視点を持つ専門家によって作られました。
Jean-Baptiste IsabeyやEugèneLami、建築家のJohn Nash、家具メーカーのThomas Sheraton（イギリスの両方）など数少ない例外を除いて、今日この肖像画を扱っていたアーティストはほとんどいません。以前に言及されていない、それらを制作した注目すべきアーティストの中には、
イギリス：William Henry Hunt、Mary Ellen Best、William Henry Pyne。
フランス：チャールズ・ペルシエ、アドリアン・ダウザッツ。
ドイツでは：Ferdinand Rothbart、Rudolf von Alt、Eduard Gaertner。
ロシアでは、Eduard Hau、Vasily Sadovnikov、Konstantin Ukhtomsky、Grigory Chernetsov、Nikanor Chernetsov（弟）、Alexander Brullov、Karl Brullov（弟）、Pyotr Sokolov、Orest Kiprensky、Alexey Venetsianov。
ポーランドでは、Aleksander Gryglewski。