미학 (미학 운동)은 문학, 미술, 음악 및 기타 예술에 대한 사회 정치 주제보다 미학적 가치의 강조를 지원하는 지적 및 예술 운동입니다. 미학은 1890 년에서 1920 년까지 지속되었으며 아름다움 (미학적 인 외관)에서 가장 높은 가치를 지닌 시대입니다. 윤리, 지식, 종교, 사회 문제는 “아름다운”(미학적 도덕)에 종속되고 종속됩니다. 미학은 또한 결정의 활력 / 영혼에 대한 문제에 관한 Ernst Haeckel 또는 Carl Gustav Carus의 견해와 같은 철학적 및 과학적 측면에 영향을 미쳤다.
이것은이 특별한 운동의 예술이 “예술을위한 예술”이라는 더 깊은 의미를 가지기보다는 아름답게하는 데 더 중점을 두었다는 것을 의미했습니다. 월터 패터 (Walter Pater)와 오스카 와일드 (Oscar Wilde)와 같은 주목할만한 인물들의지지를 받아 19 세기 후반 유럽에서 특히 두드러졌지만, 더 현대적인 비평가들은 문학에 대한 사회적, 정치적 이데올로기를 투사하는 것에 반대하는 해롤드 블룸 (Harlold Bloom)과 같은 운동과 관련이있다. 그는 20 세기에 걸쳐 인문학과에서 점점 더 큰 문제로 여겨지고 있다고 생각합니다.
19 세기에 프랑스에서는 상징주의 나 퇴폐, 이탈리아에서는 퇴폐와 같은 다른 운동과 관련이 있으며 같은 스타일의 영국 판으로 간주 될 수 있습니다.
역사
르네상스 시대에는 예술이 종교적 정경에서 비롯된 예술적 활동이 수도원 작업이나 도시 수공예와의 중세적 연결에서 분리 될 때 최초의 미학적 경향이 나타났습니다. 18 세기에 임마누엘 칸트 (Immanuel Kant)는 “미 (美)”를 관심없는 즐거움으로 정의했습니다.
현대 미학은 낭만주의 (Friedrich Schlegel, Chateaubriand)에 뿌리를두고 있습니다. 1834 년에 쓰여진 그의 소설 Mademoiselle de Maupin에 대한 테오 필 가티에 (Teophile Gautier)의 서문은 획기적인 것으로 여겨지며, 그는 목적이없는 아름다움만을 인정하고 못생긴 것으로 유용한 모든 것을 묘사합니다. 1891 년, 오스카 와일드 (Oscar Wilde)의 도리안 그레이 초상화 (The Portrait of Dorian Gray)의 서문은 일종의 미학의 표현이되었습니다. Ludwig Tieck은 인생을 예술 작품으로 양식화 할 것을 제안했습니다. 19 세기에 댄디 (dandy)라는 용어는 영어-스코틀랜드에서 유래되었으며, 이후 미학은 삶의 방식이라고 불립니다.
1885 년에서 1915 년까지 미학은 인상주의, 상징주의, 절대시의 개별시에 영향을 미쳤다. 역류는 사실주의, 자연주의, 1900 년부터 신고전주의로 독일에서 이루어졌다.
미학의 대표자는 Walter Pater, John Ruskin, Oscar Wilde, Aubrey Beardsley, Frederic Lord Leighton, Stéphane Mallarmé, Stefan George 및 Gabriele D’ Annunzio입니다. 토마스만의 이야기 트리스탄은 미학과 댄디즘을 패러디합니다.
미학 문학
영국의 퇴폐 작가들은 옥스퍼드 교수 인 월터 패터 (Walter Pater)와 1867-68 년에 출판 된 그의 에세이의 영향을 많이 받았으며, 인생의 아름다움은 이상적으로 강하게 살아야한다고 언급했다. 르네상스 역사에 관한 그의 연구 (1873)는 19 세기 후반 예술 지향적 인 젊은이들에게 매우 잘 알려져 있습니다. Decadent 운동의 작가들은 “Art for Art ‘s Sake”(L’ art pour l’ art)라는 슬로건을 사용했는데, 그 기원은 논쟁의 여지가 있습니다. 일부는 철학자 빅터 쿠신 (Victor Cousin)에 의해 발명되었다고 주장한다. 프랑스의 테오 필레 가티에 (Théophile Gautier)가
에스테틱 스타일의 예술가들과 작가들은 예술이 도덕적 또는 감상적인 메시지를 전달하기보다는 세련되고 감각적 인 즐거움을 제공해야한다고 공언하는 경향이있었습니다. 결과적으로 그들은 존 러스킨 (John Ruskin), 매튜 아놀드 (Matthew Arnold), 조지 맥도날드 (George MacDonald)의 예술 개념을 도덕적이거나 유용한 “진실을위한 예술”로 받아들이지 않았다. 대신에 그들은 예술에 교훈적인 목적이 없다고 믿었다. 그것은 아름다워야했습니다. Aesthetes는 예술의 기본 요소를 고려한 아름다움의 숭배를 개발했습니다. 인생은 예술을 모방해야한다고 그들은 주장했다. 그들은 예술과 비교할 때 자연을 조잡하고 디자인이 부족하다고 생각했습니다. 스타일의 주요 특징은 다음과 같습니다. 진술보다는 표현, 관능, 상징 사용, 시너 마틱 / 동적 효과, 즉 단어, 색상 및 음악 간의 대응.
미학의 전신에는 존 키츠 (John Keats)와 퍼시 비쉬 셸리 (Percy Bysshe Shelley)와 낭만주의 정신의 유산 인 프리 라파엘 트 (Pre-Raphaelites)가 포함되었습니다. 라파엘 이전의 철학과 Aesthetes의 철학 사이에는 몇 가지 중요한 연속성이 있습니다. ‘예술을위한 예술’이라는 아이디어에 대한 헌신; 아름다움에 대한 감탄과 끊임없는 노력; 시각 예술을 통한 도피; 신중하고 자의적인 장인 정신; 다양한 매체의 예술을 병합하는 데 대한 상호 관심. 이 마지막 아이디어는 시인을 조각가 및 화가와 비교 한 Théophile Gautier의시 L’ Art에서 홍보됩니다. 단테 가브리엘 로제티와 에드워드 번 존스는 미학과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 하나, 미학에 대한 그들의 접근은 ‘Art for Art ‘s Sake’의 신념을 공유하는 것이 아니라 오히려 19 세기 중반의 칙칙한, 동요, 낙담 한 세계가 필요로하는 색, 아름다움, 사랑 및 청결의 원칙에 대한 열정적 인 재검토 많은.” 칙칙한 세계에서 아름다움에 대한이 단언은 또한 예술과시에서 라파엘 이전의 도피와 관련이있다.
영국에서 최고의 대표자들은 프랑스의 상징 주의자들의 영향을받은 Oscar Wilde와 Algernon Charles Swinburne, James McNeill Whistler와 Dante Gabriel Rossetti였습니다. 스타일과이 시인들은 Gilbert와 Sullivan의 만화 오페라 인내와 FC Burnand의 드라마 The Colonel과 같은 다른 작품과 펀치와 같은 만화 잡지, 특히 George Du Maurier의 작품에 의해 풍자되었습니다.
Compton Mackenzie의 소설 Sinister Street는 주인공이 나이가 많고 퇴폐적 인 개인의 영향을 받아 지나가는 단계로이 유형을 사용합니다. 옥스포드에서 열린 에스테 테 사회의 젊은 참가자였던 에블린 워 (Evelyn Waugh)의 소설은 대부분의 풍자적이지만 이전의 참가자로서의 에스테를 묘사합니다. 이 조립과 관련된 일부 이름은 Robert Byron, Evelyn Waugh, Harold Acton, Nancy Mitford, AE Housman 및 Anthony Powell입니다.
미적 시각 예술
미적 스타일과 관련된 아티스트로는 Simeon Solomon, James McNeill Whistler, Dante Gabriel Rossetti 및 Aubrey Beardsley가 있습니다. Edward Burne-Jones의 작품은 Grosvenor Gallery에 전시되어 있었지만,이 작품은 이야기를 포함하고 도덕적 또는 감상적 메시지를 전달하므로 주어진 정의를 벗어납니다.
미적 운동 장식 예술
크리스토퍼 드레서 (Christopher Dresser)에 따르면, 장식 예술의 주요 요소는 실용성입니다. 미학 운동의 다른 분야, 특히 미술에서 예술 또는 아름다움을 주요 요소로 식별하는 최대 “예술을위한 예술”은 이러한 맥락에서 적용될 수 없습니다. 즉, 장식 예술에는 먼저 유용성이 있어야하지만 아름답기도합니다. 그러나 미적 운동의 장식 예술 부문 인 마이클 쉰들러 (Michael Shindler)에 따르면, 미학의 주요 ‘순수한’지점의 실용적 사촌이 아니며,보다 심미적 인 전략을 수행 할 수있는 수단이 더 많다. 현대 미술과 마찬가지로, Shindler는 미학은 “외부 작업과 관련하여 자신의 삶을 구성하는 수수께끼”에서 태어 났으며 “이 문제를 극복하려고 시도했다”고 썼다. “작품 이상이 아니라 살아있는 예술 작품이 될 수있는 삶을 산출하기 위해 자신의 작품 안에 예술가를 포함시킴으로써” “아름다운 것들이 예술가들이 예전의 선원과 같지 않은 감각적 인 드라마 세트가되었습니다. 익명의 무대 손, 그러나 별. 결과적으로, 아테 테는 초상화의 우상,시의기도, 책상의 제단, 식당의 예배당 및 동료의 타락한 천사를 만들었다. ”
미적 운동의 중요한 요소는 개혁과 동방 예술로 확인되었습니다. 영국 정부의 디자인 스쿨은 1837 년부터 영국 상품의 디자인을 향상시키기 위해 설립되었습니다. 1851 년 대 대전 이후 수집품을 가르치는 학교를 위해 노력이 강화되었고 동양 물건이 구입되었습니다. 오웬 존스 (Owen Jones), 건축가 및 동양학자는 디자인의 핵심 원칙을 제시해야했으며, 이것들은 학교 교육의 기초 일뿐만 아니라 가장 체계적인 연구로 간주되는 장식의 문법 (1856)의 서문이되었습니다. 역사적인 세계 장식의 실용적인 소스 북.
Jones는 역사적 스타일의 지속적인 재활용보다는 현대의 요구 사항을 충족시킬 새롭고 현대적인 스타일의 필요성을 확인했지만 과거의 교훈을 거부 할 이유는 없었습니다. 학생이자 학교의 교수 인 크리스토퍼 드레서 (Christopher Dresser)는 오웬 존스 (Owen Jones)와 함께 장식 문법 (Grammar of Ornament)과 1863 년 사우스 켄싱턴 박물관 (South Kensington Museum)의 동양 법원 (중국어, 일본, 인도) 장식에서 작업했습니다. 그의 두 간행물 인 Art of Decorative Design 1862와 Principles of Design 1873의 새로운 스타일.
미적 스타일의 가구 생산은 대략 19 세기 후반으로 제한되었습니다. 미적 스타일의 가구는 몇 가지 일반적인 주제가 특징입니다.
금박 하이라이트가있는 돋을 새김 된 나무.
극동 영향.
자연, 특히 꽃, 새, 은행 나무 잎 및 공작새 깃털의 두드러진 사용.
도자기와 다른 훌륭한 도자기에 파란과 백색.
Ebonized 가구는 나무가 검은 흑단 마감으로 페인트 칠되거나 얼룩 져 있음을 의미합니다. 가구는 때때로 완전히 흑단 색입니다. 그러나 가구를 장식하는 깃털이나 양식에 일치시키는 꽃의 새겨진 표면에 금이 추가되는 경우가 더 많습니다.
미적 운동 장식은 관능과 자연에 관한 점에서 대응하는 글쓰기 스타일과 유사하기 때문에 자연 테마는 종종 가구에 나타납니다. 전형적인 미적 특징은 금으로 새겨진 꽃이나 양식화 된 공작새 깃털입니다. 새나 꽃의 채색 그림이 종종 보입니다. 비 -ebonized 미적 운동 가구는 나무에 새겨진 새나 꽃의 사실적인 3 차원 적 표현을 가질 수 있습니다.
칠면조 가구와 대조적으로 도자기와 도자기에는 파란색과 흰색을 사용합니다. 공작 깃털과 자연의 비슷한 주제는 식기류와 기타 그릇에 파란색과 흰색 톤으로 사용됩니다. 파란색과 흰색 디자인은 사각형 도자기 타일에서도 인기가있었습니다. 오스카 와일드는 젊었을 때 미적 장식을 사용했다고합니다. 이 운동의 양상은 펀치 잡지와 인내심으로 인해 풍자되었습니다.
1882 년에 오스카 와일드는 캐나다를 방문하여 온타리오 주 우드 스탁을 여행하고 5 월 29 일에 “The House Beautiful”이라는 제목의 강의를했습니다. 이 강의는 “장식 미학”아트 스타일이라고도 알려진 초기 미학 예술 운동을 다루었습니다. 지역 식물 군과 동물 군은 아름답고 질감이있는 층 천장이 인기있는 것으로 유명했습니다. 이에 대한 예는 캐나다 온타리오 주 틸 손버그에 위치한 Annandale National Historic Site에서 볼 수 있습니다. 이 집은 1880 년에 지어졌으며 Mary Ann Tillson이 장식했습니다. Mary Ann Tillson은 Woodstock에서 Oscar Wilde의 강의에 참석하여 영향을 받았습니다. 미적 예술 운동은 약 1880 년부터 약 1890 년까지만 유행했기 때문에,이 특정한 스타일의 살아남은 예는 많지 않지만, 그러한 예 중 하나는 런던의 Stafford Terrace, 18 중산층이 미학의 원리를 어떻게 해석했는지에 대한 통찰력을 제공합니다. 뉴욕 북부에있는 프레드릭 에드윈 교회의 고향 인 올라 나는 미적 운동 장식 예술의 이국주의의 중요한 예입니다.
운동의 질화와 발전
19 세기 말, 자연주의에 대한 반응으로 새로운 감수성이 발전했습니다. 이 새로운 운동은 현실의 사소한 것조차 묘사하는 데 근본적으로 관심이있었습니다.
에스테 또는 미용사에 관해서는, 그들은 세련미, 아름다움 및 예술의 탐구와 조사에 전념하는 것을 선호했습니다. 그들은 미의 종교를 강력하게 고수하고, 탐구되지 않은 형태의 “저속한”과 “단순한”형태로 발견했다. 예를 들어, 고대 예술과 옷은 고대 가구와 의복이 윌리엄 모리스 (William Morris)가 장식 한 예술과 난해한 언어 등이 재사용되었습니다. 예를 들어, “모든 예술은 완전히 쓸모가 없다”(서문에서 작품 Dorian Gray의 초상화까지)를 기억하자. 거의 같은 순간에이 철학의 가능성을 탐구하는 문학적 저술들 중에서 :
Joris-Karl Huysmans의 곡물 (1884)에 위배됩니다.
Oscar Wilde의 Dorian Grey (1890)의 초상화.
Henrik Ibsen의 Hedda Gabler (1891)
리셉션은 작은 원, 기사 및 문학 잡지의 세 작품에 열광적이었습니다.
꽤 오랫동안, 테오 파이어 가티에 (Teophile Gautier)와 예술 운동을위한 예술은 이러한 변화를위한 길을 마련했으며 (1835 년 작품 Mademoiselle de Maupin의 서문), 소위 아르누보가 개발 될 핵이 될 것입니다.
미학, 퇴폐주의, 독해 상징주의는 같은 불쾌감을 피하기위한 해결책이다. “19 세기 말”, 과학과 현대에 대한 믿음, 다른 한편으로는 물질주의로 인해 경쟁 한 가치에 대한 비관론. 그리고 그 자체로 아름다움의 숭배는 많은 길을 벗어난 것처럼 보였다. 부르주아의 도덕과 관습을 무시하고 논쟁하면서 일상의 현실을 피하거나 분배하는 데 관심이 있습니다.
마찬가지로, 미학 또는 미학의 정의에서 현재 강조된 측면과는 달리,이 전류는 전혀 철학적이지 않은 깊은 철학적 반성을 의미한다는 점에 주목할 것이다. 진정한 에스테 (또는 미용사)에게 피상적이고 단순한 것은 거의 범죄와 같습니다. 외부에서 아름다움을 얻는 것이 편리 할뿐만 아니라 동시에 균형과 내면의 아름다움을 찾아야하기 때문입니다. “아름다움”은 완전해야하며 “자신의 라이프 스타일”과 “적용의 법칙”으로 간주되어야합니다.
영국 후기 작가들은 월터 패터 (Walter Pater)와 그의 저서뿐만 아니라 소설 인 마리오 (Epicurean)의 영향을 크게 받았으며, 그곳에서 주로 아름다움으로 이상적인 삶을 살아야한다는 것이 확립되었다. 르네상스에 대한 연구와 함께 이러한 접근법은 그 당시 젊은 예술 애호가들의 성경이되었습니다. James McNeill Whistler, Oscar Wilde 및 Stéphane Mallarmé는 스트림의 세련미 패턴을 섬세한 감도로 아마도 가장 높은 지점까지 끌어 올렸습니다.
1891 년에 월터 패 터는 일련의 에세이 (감사)를 출판하여 그를 미학의 최고 대표자로 여겨지게했으며, 그의 작품과 인생에서 가장 눈부신 절묘한 측면을 드러냈다. 그녀의 광범위한시 Ravenna는 1878 년 권위있는 Newdigate Prize를 수상했으며 보헤미안 스타일의 영어 청소년을 삶의 철학으로 바 꾸었습니다.이 철학은 또한 미학의 가장 대표적인 인물 중 하나 인 Oscar Wilde가 진지하게 알 렸습니다.
이 운동은 1895 년 Oscar Wilde의 재판으로 끝났습니다.
미학, 상징주의, 퇴폐주의, 댄디즘
이러한 움직임은 그들 사이에 어떤 종류의 반대가 있는지를 결정하기 위해 많은 분석과 토론을 거쳤으며 전문가들 사이에서 자연스럽게 입장이 나뉘어져 있습니다. 따라서이 섹션에서는 확실한 결과가 기대되지 않습니다.
확실히 미학은 주로 “예술을위한 예술”을 옹호하는 반면, Decadence는 “파르 시아 인의 시적 운동과 그 예술 (예술을위한 예술”의 고전적 이상에서 영감을 얻은시의 움직임에 대한 반 추론) “을지지한다.