미술 스타일

시각 예술에서 스타일은 “작품을 관련 범주로 그룹화 할 수있는 독특한 방식”또는 “… 행위가 수행되거나 예술 작품이 만들어 지거나되어야하는 식별 가능하고 인식 가능한 방식” 수행되고 만들어진다 “. 그것은 동일한 예술가 또는 동일한 기간, 훈련, 장소, “학교”, 미술 운동 또는 고고학 문화의 다른 작품과 관련이있는 예술 작품의 시각적 인 외관을 나타냅니다. “스타일의 개념은 오랫동안 예술 사학자의 주요 작품 분류 방식. 스타일을 통해 예술사를 선택하고 형상화한다. ”

스타일은 대개 기간, 국가 또는 문화 그룹의 일반적인 스타일, 예술가 또는 예술 운동의 그룹, 해당 그룹 스타일 내의 아티스트의 개별 스타일로 구분됩니다. “초기”, “중간”또는 “늦은”사이와 같이 두 가지 유형의 스타일 모두에서 구분이 이루어집니다. 예를 들어 피카소 (Picasso)와 같은 일부 예술가에서는 이러한 구분이 표시되고보기 쉽고, 다른 일부는 더 미묘합니다. 스타일은 대체로 역동적 인 것으로 보여 지지만 대부분의 경우 점진적 프로세스로 변화하지만 선사 시대 미술의 전형적 스타일이나 고대 이집트 미술의 느린 발전과 현대 미술 스타일의 급격한 변화 사이에는 속도가 크게 다릅니다. 스타일은 종종 급격한 변화와 함께 느린 개발 기간으로 일련의 점프로 발전합니다.

19 세기와 20 세기 초의 예술사에서 학술 토론을 지배 한 이후, 소위 “스타일 예술사”는 최근 수십 년 동안 공격을 받아 왔으며 많은 예술 사학자들은 이제 그들이 할 수있는 곳에서 문체 분류를 피하는 것을 선호합니다.

어원
단어 스타일은 라틴어 stilus, 로마인이 쓰는 데 사용되는 천공에서 비롯됩니다. 그러나 그리스의 stilo는 칼럼을 의미하며 칼럼은 가장 독특하고 개인화 된 건축 요소이기 때문에 스타일이란 단어는 원래 문학이나 건축이 만들어진 방식이라고 말할 수 있습니다.

개요
어떤 예술 작품이라도 이론상 스타일에 따라 분석 할 수 있습니다. 기간이나 아티스트도 완전한 무능함을 제외하고는 스타일을 유지하는 것을 피할 수 없으며, 반대로 자연물이나 광경은 스타일을 가지고 있다고 말할 수 없습니다. 스타일은 제작자가 선택한 선택의 결과 일뿐입니다. 예술가가 의식적으로 스타일을 선택하든, 자신의 스타일을 식별 할 수 있든 관계없이 중요합니다. 최근 개발 된 사회의 예술가들은 틀림없이 지나치게 의식적 인 자신의 스타일을 매우 의식하는 경향이있는 반면, 초기 예술가의 경우 스타일 선택은 아마도 “대부분 의식이 없다”라고 생각합니다.

대부분의 양식 기간은 예술 사학자가 나중에 식별하고 정의하지만 예술가는 자신의 스타일을 정의하고 이름을 지정할 수도 있습니다. 대부분의 구식 스타일의 이름은 예술 사학자의 발명품이며 그 스타일의 실무자가 이해하지 못했을 것입니다. 일부는 고딕, 바로크, 로코코 (Rococo) 등 비천한 용어로 시작되었습니다. 입체파주의는 다른 한편으로는 소수의 예술가들에 의해 만들어진 의식적인 신원이었다; 그 단어 자체는 화가보다는 비평가들에 의해 생겨난 것 같지만, 예술가들에 의해 급속하게 받아 들여졌다.

서양 미술은 다른 문화권, 특히 중국 예술과 마찬가지로 과거의 고전적인 스타일로 부활하려는 현저한 경향이 있습니다. 시각 예술에 대한 비판적 분석에서, 예술 작품의 스타일은 전형적으로 작품의 주제와 내용을 다루는 도상학과는 구별된다. 그러나 Jas Elsner의 경우 이러한 구별은 “물론 아니다. 모든 실제 사례가 있지만 수사 학적으로 매우 유용함이 입증되었습니다. ”

개념의 역사
고전 미술 비평과 미학에 관한 중세의 저서는 예술에 대한 스타일 개념이나 그 분석을 크게 발전시키지 못했고 미술에 대한 르네상스와 바로크 작가는 우리가 스타일이라고 부르는 것에 크게 관심을 가졌지 만 그것의 일관된 이론, 적어도 외부 건축술. 조르지오 바사리 (Giotto Vasari)는 조토 (Giotto)에서 자신의 매너리즘 시대 (Mannerist period)에 이르기까지 이탈리아의 회화 (주로)에서 스타일의 발전에 대해 매우 영향력있는 질문을 던졌다. 그는 베네치아 색보다는 디즈니 또는 라인 기반 드로잉에 기반한 피렌체 스타일의 개발을 강조했습니다. 레온 바티스타 알베르티 (Leon Battista Alberti)와 같은 다른 르네상스 이론가들과 함께 그는 자연의 현실적인 묘사와 그것의 이상화 사이의 예술에서의 최고의 균형에 대한 고전적인 논쟁을 계속했다. 이 논쟁은 19 세기와 근대주의의 출현까지 계속되었다.

신 고전주의 이론가 인 요한 요아킴 윈켈 만 (Johann Joachim Winckelmann)은 1764 년 그리스 고전 미술의 문체 변화를 분석하여 르네상스 예술의 변화와 밀접하게 비교했으며, “게오르그 헤겔은 각각의 역사적시기가 전형적인 스타일을 가질 것이라는 개념을 체계화했다. 스타일의 연구에 아주 긴 그림자. 헤겔은 흔히 독일인 자이 트 가이스트 (Zeitgeist)라는 단어의 발명에 기인 한 것이지만 그는 역사 ​​철학 강좌에서 Der Geist seiner Zeit (시간의 정신)이라는 문구를 사용하고 실제로 “결코 사람을 쓰지 않는다. 자신의 시간을 초월 할 수있다. 왜냐하면 그 시대의 정신은 그 자신의 영이기 때문이다. ”

역사적인 예술과 건축의 시대 스타일의 계획을 세우는 것은 19 세기의 학자들의 주요 관심사였습니다. 처음에는 주로 독일어를 사용하는 예술 역사 분야였습니다. Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried Sempre와 Alois Riegl은 1893 년 Stilfragen에서, 하인리히 Wölfflin과 Paul Frankl은 20 세기에 논쟁을 계속했다. Paul Jacobsthal과 Josef Strzygowski는 시간과 공간의 큰 범위에 걸쳐 스타일 요소의 전달을 추적하는 거대한 계획을 제안하면서 Riegl을 따라 갔던 예술 사학자들 중 하나입니다. 이러한 유형의 미술사는 형식주의 또는 미술에서의 형태 나 형태의 연구로도 알려져 있습니다.

Semper, Wölfflin, Frankl, 그리고 나중에 Ackerman은 아키텍처의 역사에서 배경을 가지고 있었고, 기간 스타일에 대한 다른 많은 용어와 마찬가지로, “Romanesque”와 “Gothic”은 처음에는 건축 스타일을 설명하기 위해 만들어졌습니다. 보다 명확하고 명확하게 정의 할 수 있습니다. 건축물의 스타일은 페인팅과 같은 비 유적 예술 스타일보다 규칙 집합을 따라 복제하기가 더 쉽기 때문입니다. 건축 기간을 묘사하기 위해 기원 된 용어는 종종 시각 예술의 다른 영역에도 적용되었으며, 음악, 문학 및 일반 문화에 대해서는 여전히 광범위하게 적용되었습니다.

건축술에서 수시로 따르고, 고딕 늑대 둥근 천장에서 현대 금속 및 강화한 콘크리트 건축에 새로운 기술 또는 물자의 발견에 의해, 가능하게한다. 미술사와 고고학의 주요 논쟁은 회화 나 도기와 같은 다른 분야의 문학적 변화가 새로운 기술적 가능성에 대한 반응이거나, Riegl의 kunstwollen을 개발하려는 자체 추진력을 가진 정도였습니다. 현재의 사고가 마르크스주의 미술사의 덜 엄격한 버전을 사용하여 강조하는 경향이 있으므로, 후원과 예술가의 조건에 영향을 미치는 사회적 경제적 요인에 대한 반응으로 변화한다.

작풍은 예술 역사 분석의 중심 구성 요소로서 잘 정립되었지만 예술 역사의 지나친 요소로 간주되는 것은 제 2 차 세계 대전에 의해 유행에서 벗어났습니다. 미술을 보는 다른 방법이 개발되고있을뿐만 아니라 작풍에 강조에 대하여 반작용; 스베틀라나 알퍼 스 (Svetlana Alpers)는 “미술사에서의 스타일의 정상적인 호출은 참으로 우울한 일이다. 제임스 엘 킨스 (James Elkins)에 따르면 “20 세기 후반 스타일에 대한 비판은 개념을보다 쉽게 ​​제어 할 수있는 형태로 유지하면서 헤겔 요소의 개념을 더 줄이기위한 것이 었습니다.” Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich, George Kubler (시간 모양 : 사물 역사에 관한 비평, 1962)는 비평 이론의 발전을 이끌어 낸 논쟁에 주목할만한 기여를했다. 2010 년 Jas Elsner는 다음과 같이 강력하게 말했습니다 : “20 세기 초반에는 스타일 예술 역사가 규율의 논란의 여지가없는 왕 이었지만, 70 년대와 80 년대의 혁명 이후 왕은 죽었습니다.” “스타일 예술의 역사”가 살아있는 방식을 탐구하고 그의 의견은 고고학에는 거의 적용될 수 없다.

Counter-Maniera와 같은 용어의 사용은 예술 사학자들 사이에서 그러한 “스타일 레이블”에 대한 참을성이 없어지는 것처럼 쇠퇴하고있는 것처럼 보입니다. 2000 년 이탈리아의 16 세기 이탈리아 회화와 시드니 조셉 프리드버그 (1914-1997)의지도자인 마샤 홀 (Marcia B. Hall)은 라파엘 이후의 중세 이탈리아 회화에서 비평을 받았다. 책의 시작 부분에있는 사기성 “스타일에 관한 노트”와 사용을 최소한으로 유지하겠다는 약속에도 불구하고이 용어와 다른 용어를 계속 사용하는 그녀의 “근본적인 결함”에 대한 16 세기.

최근 예술가의 스타일을 설명하고 분류하는 이론이 아닌 예술적 스타일의 변화를 설명하는 이론을 창안하는 희귀 한 시도는 행동 심리학자 콜린 마틴 데일 (Colin Martindale)이 다윈 이론에 기초한 진화론을 제안했다. 그러나 이것은 예술 사학자들 사이에서 많은지지를 얻었다고 말할 수 없다.

예술 분야
스타일은 전통적으로 한 시대의 일반적인 특징이나 예술가의 작품을 지정하는 일반적인 용어입니다. 예술 작품의 다양성을 분류하고 체계화하고 예술 작품간에 일관된 특징을 기술하기 위해 개별 예술 작품에서 파생 된 추상화 및 이상화 도구입니다. 특정 스타일에 대한 이러한 지정을 통해 또는 스타일 내에서의 차별화로서 스타일 지향적 인 작품은 다른 작품과 차별화되므로 적절한 과학적 기준에 의해 명료하게 구분할 수 있습니다.

시대 (에포크 양식) 내에서 국가 및 지역에 따라 차이가 있습니다. 단일 아티스트의 작품조차도 자신의 개인 스타일 (개별 스타일)을 구성하는 시간과 스타일의 모든 유사점에도 불구하고 나타납니다. 개발 단계가 끝나면 역사적으로 신기원뿐만 아니라 개별적인 스타일에서 조기, 후기 및 후기 단계로 구분되어 특정 경향을 발전시킵니다. 예를 들어 과충전은 한 시대의 후기 단계에서 전형적입니다.

예술사의 학문 분야에서, 예술 스타일은 소위 스타일리즘 (stylistics)에 의해 탐구됩니다. 현대 미술사에서 신기원이나 예술가의 작업에서의 스타일의 다원주의는 점차적으로 역사적, 사회적 및 의사 소통 적 맥락과 관련하여 조사되고 배치됩니다. 스타일은 일련의 예술 작품의 순서에 대한 공식적이고 추상적 인 기준뿐만 아니라 의식적으로 선택된 의미의 의미를 가진 사람으로도 분석됩니다 : 예를 들어, 고딕 양식의 대표적인 건물은 로마네스크와 같은 과거 시대의 형태로 만들어졌습니다 빌더의 역사적 중요성을 강조 (또는 심지어 가장)합니다. 따라서 통일 시대 스타일에 대한 전통적인 개념이 점점 더 의문시되고 있습니다.

개별 스타일
전통 예술사는 예술가의 개인적 스타일에 중점을 두었습니다. “개인 스타일의 개념 – 개성은 예술가가 그린 방식뿐만 아니라 작가의 글쓰기의 문체적인 단점에서도 독특하게 표현 될 수 있습니다. 예를 들어 – 아마도 서구의 정체성 개념의 공리 일 것입니다. ” 개개의 스타일을 확인하는 것은 르네상스 시대 이후 서양 전통의 작품에 대한 예술 시장에 대한 평가에서 지배적 인 요소 인 예술가에 대한 작품의 속성에서 특히 중요합니다. 작품에서의 개별적인 스타일의 식별은 “미술가와 박물관을 중심으로하는 집단 인 전문가라는 분야의 전문가 그룹에 본질적으로 할당되며, 종종 그들과 학술 예술 사학자들의 공동체 사이에 긴장이있다.

conoisseurship의 운동은 주로 분석하기 어려운 주관적인 인상의 문제이지만 기술의 세부 사항과 다른 예술가의 “손”을 아는 문제이기도합니다. 지오반니 모렐리 (Giovanni Morelli, 1816 ~ 1891)는 서양의 오래된 회화에서 예를 들어, 귀나 손과 같은 예술가의 의식이 거의없는 속기와 관습을 드러내는 진단적인 사소한 세부 사항에 대한 체계적인 연구를 개척했습니다. 그의 기술은 버나드 베렌 손 (Bernard Berenson)과 다른 사람들에 의해 채택되어 조각과 다른 많은 종류의 예술, 예를 들면 각하 존 Beazley에 의해 다락방 꽃병 그림에 적용되었습니다. 개인 기술은 개인 스타일 분석에 중요 할 수 있습니다. 예술가의 훈련은 본질적으로 모더니즘에 앞선 것이지만, 워크숍에서 견습생으로 배우 든, 나중에는 아카데미에서 학생으로 배웠 든간에, 기술적 인 방법을 가르쳐 왔기 때문에 항상 개인적인 변화의 여지가있었습니다. 그 (것)들을 개발 한 주인에 의해 가깝게 지켜진 기술적 인 “비밀”의 아이디어는 Vasari의 아마 Jan van Eyck의 신화적인 이야기에서 Georges Seurat의 은밀한 습관에 이르기까지 미술사에서 오래 지속 된 토포입니다.

그러나 개인적인 스타일의 아이디어는 확실히 서양의 전통에 국한되지 않습니다. 중국 미술에서는 전통적으로 중국 미술과 같은 서예 및 문학 작품의 일부 미술품을 감상하는 요소로 간주되지만, 중국 도자기와 같은 다른 예술 작품은 인식하지 못했습니다. 이는 서구의 소위 장식 예술에서 흔히 볼 수있는 구별이다. 중국의 회화는 또한 서양에서 일반적으로 감지되는 것보다 일찍 예술가가 정치적, 사회적 관점을 표현하는 것을 허용했다. 서예는 이슬람 세계와 동아시아의 미술로 여겨지며 개인 스타일의 영역 내에서 새로운 영역을 제시합니다. 서양 서예의 이상은 개개의 스타일을 억압하는 경향이있는 반면에, 그것에 의존하는 그래프는 스스로를 과학으로 간주한다.

방법
“매너 (Manner)”는 관련 용어로 종종 실제 스타일 또는 하위 기술에 중점을 둔 스타일의 하위 부문에 사용됩니다. 마침표 스타일의 많은 요소는 특성 양식이나 모양으로 축소 될 수 있지만 간단한 선으로 그려진 다이어그램으로 적절하게 표현할 수 있지만 “방식”은 작업의 전반적인 스타일과 분위기, 특히 회화는 정확한 분석의 대상이 될 수 없다. 그것은 부정확하기 때문에 학술 예술사에서 다소 오래된 용어입니다. 사용되는 경우 종종 예술가의 개별 스타일을 모방하는 맥락에서 나타나며 판매를위한 작품과 잘 알려진 작품의 관계를 위해 예술 무역에서 사용되는 신중하고 외교적인 용어의 계층 구조 중 하나이다 작업의 스타일과 렘브란트 자신의 스타일 사이의 거리가 먼 관계를 제안하는 “Manner of Rembrandt”로 예술가를 이끌었다. 경매인의 “카탈로그 실습 설명”은 경매 카탈로그에서 “매너의 …”은 “우리의 의견으로는 예술가의 스타일로 진행되지만 추후의 작업”이라고 설명합니다. 이탈리아 매니큐어에서 파생 된 매너리즘 ( “방식”)은 일반적인 르네상스 스타일의 특정 단계이지만 “방식”은 매우 광범위하게 사용될 수 있습니다.

고고학의 스타일
고고학에서는 방사성 탄소 연대 측정과 같은 현대 기술에도 불구하고 기간이나 문화적 스타일은 예술 작품뿐만 아니라 순수 기능적 인공물을 포함하여 모든 종류의 고고학 인공물을 식별하고 연대를 결정하는 중요한 도구로 남아 있습니다 (순전히 기능상의 인공물이 존재하는지 ). 유럽의 구석기 시대의 빙하기 예술과 같은 먼시기에도 예술가 또는 장인의 개별 스타일을 식별하는 것이 제안 된 경우도 있습니다.

미술사 에서처럼, 개인 공예품의 형태 (형태)에 대한 공식적인 분석이 출발점입니다. 이것은 다양한 유형의 인공물에 대한 유형을 구성하는 데 사용되며, seriation 기법을 통해 과학적 절대 데이트 기술을 사용할 수없는 사이트 또는 사이트 그룹에 대한 스타일에 따라 상대적인 데이트가 이루어집니다. 특히 돌, 세라믹 또는 금속 공예품 또는 유물을 사용할 수 있으며 이는 종종 그렇습니다. 도예의 수장은 많은 문화와시기의 장소에서 종종 매우 많으며, 작은 조각조차 자신의 스타일로 날짜가 정해져있을 수 있습니다. 최근의 학문적 미술사의 경향과는 달리, 문화 역사적 고고학에서부터 과정 고고학에 이르기까지 지난 세기의 고고학 이론 학교의 계승과 최근 수십 년간의 후기 고고학의 부상으로 인해 고고학 스타일 연구, 해석을하기 전에 대상을 분류하는 기초

양식
옥스퍼드가 아닌 영국 영어의 양식화 및 양식화 (양식화) 및 양식화 (양식화)는보다 구체적인 의미를 가지며 완전하고 정밀하지 않은 개체 또는 장면을 표현하는 단순화 된 방법을 사용합니다 매력적이고 표현력이 풍부한 전반적인 묘사를 선호하면서 시각적 인 외관 (mimesis 또는 “현실”)의 정확한 표현. 보다 기술적으로는 “선과 형태와 공간과 색상의 관계를 단순화하는 것을 포함하여 다양한 기존의 기법을 사용하여 인물과 대상을 장식적인 일반화”로 정의하고 “타 일화 된 예술은 시각적 인식을 구조물 표면 정교와 평평한 공간에서 패턴의 “.

고대, 전통 및 현대 예술뿐만 아니라 만화 또는 애니메이션과 같은 인기있는 형식은 매우 자주 양식화 된 표현을 사용합니다. 예를 들어 The Simpsons는 전통적인 아프리카 미술과 마찬가지로 고도로 양식화 된 묘사를 사용합니다. 이 페이지의 상단에 그림이 그려져있는 두 개의 피카소 그림은 화가의 스타일 내에서 인간의 형상을보다 양식화 된 표현으로 바꾸는 움직임을 보여줍니다. Uffington White Horse는 고도로 양식화 된 선사 시대의 묘사의 예입니다. palmette 또는 arabesque와 같은 장식 예술에있는 주제는 수시로 식물의 부분의 높게 유행에 따라 디자인 한 버전이다.

mimesis 또는 “리얼리즘”을 일반적으로 시도하는 예술에서도, 디자인의 정도는 세부 묘사, 특히 인물이나 나무와 같이 작은 규모의 피규어 또는 다른 피쳐에서 큰 일. 그러나 이것은 정밀 검사를 제외하고는 시청자가 알아 차리려는 의도의 양식이 아닙니다. 완성 된 작품으로 의도되지 않은 그림, 모 델 및 기타 스케치는 매우 자주 양식화됩니다.

“Stylized”는 어떤 문맥에서든 어떤 스타일의 채택을 의미 할 수 있으며 미국 영어는 “AT & T도 AT & T로 양식화되었습니다”와 같이 활판 인쇄 스타일에 자주 사용됩니다. 비록 기존의 다른 감각을 조금 확장 한 것이지만, 탈출 된 사전들.

문학의 획기적인 스타일
문학 학자 월터 베르신 (Walter Berschin)은 문학적 장학금으로 유익한 획기적인 스타일 개념을 만들고 문학 장르 (문학) 전기의 각 시대가 기다리고있는 중세의 전기가 어떻게 형성되는지 탐구했다.

컴퓨터 식별
미시간 주 Lawrence Technological University에서 실시한 2012 년 실험에서 컴퓨터는 34 명의 유명 예술가가 특수 개발 한 알고리즘을 사용하여 약 1,000 점의 그림을 분석하여 인간 예술 사학자에게 비슷한 스타일 범주에 배치했습니다. 이 분석에는 예술 작품 당 4000 개가 넘는 시각적 특징을 샘플링하는 작업이 포함되었습니다.