루이 13 세에 의해 시작된 군주주의 중앙 집권은 1630 년에 정치 영역에서 리슐리외의 권위 아래 마자린과 루이 14 세에 의해 주장되었다. 그것은 1635 년 프랑스 아카데미가 설립 된 이후 문화 분야에 영향을 미쳤으며, 다른 아카데미들은 언어를 체계화하고 작품의 구성을 규제하는 것을 목표로합니다. 그러나 정치적 권위와 문화적 권위가 너무 빨리 동화되어서는 안됩니다.
고전주의 작가들은 예술이 감정의 표현을 통제하는 이성에 근거해야한다는 생각으로 돌아 왔습니다. 이러한 이유로, 그들은 감정과 이성의 균형을 추구하여 순전히 가끔 또는 사적인 것을 무시하고 현실의 보편적 표현을 달성하려고 노력했다.
고전주의의 시학의 창시자는 프랑스 인 프랑소와 말 레르 브 (Francoman Francois Mahlerb, 1555-1628)로 프랑스 언어의 개혁을 수행하고 시적 캐논을 개발했다. 드라마에서 고전주의를 대표하는 대표자들은 비극적 인 사람들 인 코넬과 라신 (1639-1699)이었는데, 그의 창의성 주제는 공공의 의무와 개인적인 열정 사이의 갈등이었다. “낮은”장르는 우화 (J. Lafontaine), 풍자 (Boileau), 코미디 (Moliere 1622-1673)와 같은 높은 발전을 이루었습니다.
Boileau는 고전주의의 가장 위대한 이론가 인“Parnassus의 입법자”로 유럽 전역에서 유명해졌으며 시적 논문“Poetic Art”에서 그의 견해를 표명했습니다. 영국에서 그의 영향을 받아 시인 존 드라이든 (John Dryden)과 알렉산더 포프 (Alexander Pope)는 영국 시인 알렉산드리아 (Alexandria)의 주요 형태를 만들었다. 고전주의 시대의 영어 문제 (Addison, Swift)에서는 라틴어 구문도 특징적입니다.
이데올로기 적 관점에서, xvii 세기의 큰 문제는 종교적 문제입니다. 그러므로 고전 저술가들은 종교적 문화에 반드시 가파르게되어있다. Pascal의 Les Provinciales 또는 Bossuet의 작품과 같은 특정 작품은 전적으로 종교 아래 있습니다. 많은 사람들이 Jansenism의 영향을받을 것입니다.
18 세기 고전주의는 계몽주의 사상의 영향으로 발전한다. 볼테르의 작품 (1694-1778)은 자유의 길로 가득 찬 종교적 광신주의, 절대 주의적 억압에 반대한다. 창의력의 목표는 사회 자체의 고전주의 법칙에 따라 건물을 더 나은 세상으로 변화시키는 것입니다. 고전주의의 관점에서, 영국인 사무엘 존슨은 수필 론자 보스 웰, 역사가 깁봉, 배우 가릭을 포함하여 같은 생각을 가진 사람들로 현대 문학을 조사했습니다. 세 가지의 통일성은 극적인 작품의 특징이다 : 시간의 통일 (행동은 하루가 일어난다), 장소의 통일 (한 곳에서), 그리고 통일의 통일 (하나의 스토리).
편지, 논문,시 예술을 통해 고전적인 맛의 이론을 정의하는 것은 배운 사람의 작품입니다. Vaugelas, Guez de Balzac 및 Dominique Bouhours는 적절한 언어 사용에 관한 법률을 제정합니다. Jean Chapelain과 Abbé d’ Aubignac은 클래식 극장의 규칙을 정의합니다. 그들은이 맛을 그들이 참석하는 살롱의 평범한 청중에게 전했습니다. 문학 캐논은 또한 비 이론적 작품, 문학 작품 또는 그것들을 정당화하는 서문으로 정의됩니다. Molière, Racine, 특히 Corneille은 극작가 인 극작가 인 극작가 인 The Three Speeches on Dramatic Art에서 연극 작문에 대한 그의 의견을 정리 한 극작가입니다. 그러나 극작가들은 종종 서한에 거의 적용되지 않는 규칙의 적응을 주장한다.
학습의 가르침은 실제로 그리스와 라틴 모델에서 나온 규칙을 기반으로합니다. 우리는 당시 라 포에 티크 디 아리스토 테 (La Poétique d ‘Aristote)를 읽고 다시 읽었으며, 그 해석은 고전 극장의 규칙의 대부분의 원천입니다. 시에서 Horace의 시적 예술은 참고로 사용됩니다. 마지막으로, 고전 작가들은 자신의 작품을 만들기 위해 고대 모델을 사용합니다. 그러나 그들은 순수한 모방이 아닙니다. 위대한 작가들은 이러한 모델을 재사용하여 현대적인 작품을 만듭니다. 따라서 La Fontaine이 Aesop과 PhèdreIs의 우화를 차지한다면 xvii 세기의 맥락에서만 사회적 정치적 도덕을 이해할 수있는 현대 버전을 제공합니다.
개요
고전주의는 고대 그리스와 로마의 출처와 사회에 중점을 둔 문학, 건축, 예술 및 음악으로 표현되는 철학의 특정 장르입니다. 그것은 계몽주의 시대의 신고전주의에서 특히 표현되었다.
고전주의는 후기 골동품 시대에 되풀이되는 경향이며, 캐롤 링언과 오토 나니아 예술에서 큰 부흥을 겪었다. 비잔티움의 몰락과 이슬람 문화와의 무역 증가로 유럽의 유물에 대한 지식이 생겨 났을 때 이탈리아 르네상스에서 또 하나의 더 내구성있는 부흥이있었습니다. 그 때까지 로마 황제 콘스탄틴 1 세의 개종에서 고대와의 동일시가 그리스도교 국의 지속적인 역사로 여겨져왔다. 르네상스 고전주의는 수학, 경험주의를 예술, 인본주의, 문학에 적용하는 것을 포함하여 여러 가지 요소를 유럽 문화에 도입했다. 그리고 묘사적인 사실주의와 형식주의. 중요한 것은 또한 다신론, 또는 “이교도”, 그리고 고대와 현대의 병치 (juxtaposition)를 소개했다.
르네상스의 고전주의는 16 세기와 17 세기에 “고전적”이라는 것에 대한 다른 의미를 가져 왔으며, 그 길을 제시했다. 이 시대에 고전주의는 질서 정연성, 예측 성, 기하학과 격자의 사용, 엄격한 훈련과 교육학의 중요성, 예술과 음악 학교의 형성의 중요성을 더욱 명백하게 구조적으로 표현했습니다. 루이 14 세의 법원은 이러한 형태의 고전주의의 중심으로 여겨졌으며, 올림푸스의 신들을 절대주의에 대한 상징적 도구로 언급했으며, 공리적 및 연역적 추리에 대한 준수, 질서 및 예측 가능성에 대한 사랑으로 여겨졌다.
이시기는 그리스 드라마와 음악을 포함한 고전 예술 형식의 부흥을 모색했습니다. 현대 유럽 형태의 오페라는 그리스 표준으로 여겨지는 연극과 노래와 춤의 조합을 재현하려는 시도에 뿌리를두고 있습니다. 고전주의에 대한 이러한 호소의 예로는 단테, 페트리 크, 셰익스피어가시와 극장에 포함되었다. 특히 튜더 드라마는 고전적 이상을 모델로하여 작품을 비극과 코미디로 나누었다. 고대 그리스어를 공부하는 것은 교양 과목의 균형 잡힌 교육에 필수적인 것으로 간주되었습니다.
르네상스는 또한 건물의 주요 비율 인 황금 사각형, 고전 기둥, 그리스 및 로마 건축과 관련된 장식 및 세부 사항을 포함하여 그리스 및 로마 유물과 관련된 건축 모델 및 기술로 명시 적으로 돌아 왔습니다. 그들은 또한 조각품을위한 청동 주조와 같은 플라스틱 예술을 되살리기 시작했으며, 그림, 조각 및 조각의 기초로 고전적인 자연주의를 사용했습니다.
깨달음의 시대는 이전 세기의 고전주의를 이어 가면서 아이작 뉴턴 경의 물리학, 기계류 및 측정의 개선, 그들이 본 것으로 보이는 해방감에 의해 흔들린 고대의 비전으로 스스로를 확인했습니다. 그리스 문명, 특히 페르시아 제국과의 투쟁에서 존재합니다. 바로크 양식의 화려하고 유기적이며 복잡하게 통합 된 형태는 “고전적”또는 “신고 전적”으로 명시 적으로 간주되거나 빠르게 표시되는 일련의 움직임에 영향을주었습니다. 예를 들어, Jacques-Louis David의 그림은 예술의 형식적 균형, 선명도, 남성 성 및 활력으로 돌아 가려는 시도로 여겨졌습니다.
19 세기는 고전주의 시대가 과학의 동일 과정 설주의와 같은 운동과 예술 분야의 엄격한 범주의 창설과 같은 학문주의의 전조라고 보았다. 낭만주의 시대의 다양한 움직임은 예전의 라파 엘리트와 같은 정서주의와 불규칙성의 일반적인 경향에 대한 고전적 반란으로 여겨졌다. 이 시점까지 고전주의는 이전의 고전 운동이 부흥을받을만큼 오래되었다. 예를 들어 르네상스는 유기 중세와 질서 정연한 고전을 결합하는 수단으로 여겨졌습니다. 19 세기는 과학 분야의 많은 고전 프로그램, 특히 기계와 열 에너지의 교환을 통해 신체 사이의 에너지 이동을 설명하는 뉴턴 프로그램을 계속하거나 확장했습니다.
20 세기에는 예술과 과학에 많은 변화가있었습니다. 고전주의는 정치적, 과학적, 사회적 세계에서 변형을 거부하거나 일시적인 것으로 보았던 사람들과 19 세기의 지각 된 무게를 전복하기위한 수단으로 변화를 받아 들인 사람들 모두에 의해 사용되었다. 따라서, 20 세기 이전의 학문은 예술에서 “고전적”과 현대적 움직임으로 분류되었으며, 빛, 공간, 질감의 희미 함 및 형식적 일관성과 일치하는 것으로 보았다.
오늘날 철학 고전주의는 특히 사회와 예술의 디오니 시안 임펄스에 대한 아폴로니아의 용어와 관련하여 사용된다. 그것은 감성론보다 합리성, 또는 적어도 합리적으로 유도 된 카타르시스에 대한 선호입니다.
고전주의의 특징
xvii 세기의 고전주의는 고대인의 모방으로 제한되지 않습니다. 의사와 문학가들은 사실상 고전주의와 규칙에 대한 존중을 동화시키기 위해 현대 비판을 이끌어내는 상당히 제한적인 질서 원칙에 기초한 미학을 발명합니다.
고전적 글쓰기는 이성에 근거한다고 주장합니다. 우리는 때때로 데카르트의 합리주의의 영향을 보았지만 그것은 명쾌함과 분석에 대한 관심입니다. 고전적인 영웅과여 주인공은 일반적으로 합리적이지 않지만, 종종 폭력적인 그들의 열정은 글로 분석되어 이해하기 쉽습니다. 그러므로 고전주의는 나중에이 깨달음의 철학자들에게 영감을 줄 실제 합리주의보다는 비합리적인 이유를 이성의 질서에 복종시키려는 욕구에 더 영향을 받는다.
고전적인 작가들은 질서의 형태를 만들어 자연을 찾고 있습니다. 글쓰기 덕분에 형식과 내용이 완벽하게 일치하는 인상을주는 것이 실제로 고전적인 스타일의 이상입니다. 이런 점에서 고전주의는 바로크 양식과 효과적으로 긴장을 맺습니다. 찰스 소렐 (Charles Sorel)은 다음과 같이 썼다.“대부분의 사람들이 평범하게 생각하는 부어 진 언어보다 평범한 마음에 단순 해 보이는 자연어를 관찰하기가 더 어렵다” 글에서 단순성의 형태를 찾는 것은 Valery, Gide, Camus, Ponge와 같은 xx 세기의 많은 작가들의 찬사를 만들어 줄 것입니다.
자연 스러움을 느끼려면 무엇보다도 독자에게 충격을주지 않는 것이 중요합니다. 따라서 규칙과 장식의 가능성은 xvii 세기에 중요한 역할을합니다.
가능성은 사실처럼 보일 수 있습니다. 목표는 진실을 나타내는 것이 아니라 당시 대중이 생각한 것의 틀을 존중하는 것입니다. Boileau는 그의 시적 예술에서 “진실은 때때로 가능성이 없을 수도있다”고 말할 수있었습니다. 윤리, 사회 관계, 사용 된 언어 수준 등의 관점에서 대중의 의견에 해당 할 가능성이 높은 것 사실이 사실이더라도 아버지의 살인자와 결혼합니다.
타당성의 중요성은 고전 문학에서 도덕의 중요성과 관련이 있습니다. 고전 작품은 실제로 자신의 열정에 반성하게하여 대중을 “개혁”하는 목표를 세웠다. Chapelain에 따르면, 대중은 그들이 믿을 수있는 것에 의해서만 감동을받을 수 있고, 문학은 사람들이 그것을 만지면 개선하는 데 도움이 될 수 있습니다. 고전주의의 예술적 이상에는 정직한 사람의 이론적 인물에 구현 된 도덕적 이상이 수반됩니다. 이 표현은 예의, 문화, 겸손, 이성, 절제, 규칙에 대한 존중, 주변 사람들에 적응하는 능력과 같이, 예의로부터 기대할 수있는 모든 자질을 요약합니다.
극장
xvii 세기의 상반기 동안, 우리는 낭만적 인 음모와 복잡한 장식에 대한 비극적 인 의견을 높이 평가합니다. 7 세기에 걸쳐, 특히 이론가들의 영향을 받아, 음모가 단순화되고 세트가 줄어 들었습니다. 오늘날 고전 극장에 Abbé d’ Aubignac은 1657 년 La Pratique du théâtre 8에서 고대 극장과 현대 극장을 분석하고 고전 극장의 기반을 구성하는 원리를 도출하기 때문에 중요한 역할을합니다. 극장에 대한 이러한 반성은 학자와 극작가들에 의해 세기 내내 공급되었습니다. 1674 년 그의 시적 예술의 Boileau는 이미 적용된 효과적인 구절들만 다시 시작하고 요약 할 것입니다.
클래식 극장의 규칙
위에서 설명한 가능성 규칙은 고전 극장의 모든 규칙의 기원에 있습니다.
“하루에 한 곳에서 단 하나의 성취 된 사실 / 극장이 가득 찰 때까지 붙 잡았습니다. ”
Boileau의이 두 줄은 세 단위의 유명한 규칙을 요약합니다. 조치는 24 시간 (시간 단위), 단일 장소 (단위)에서 수행되어야하며 단일 플롯 (동작 단위)으로 만 이루어져야합니다. . 이 규칙에는 두 가지 주요 목적이 있습니다. 한편으로, 세트가 변경 될 필요가없고, 표현의 시간이 될 수있는 시간 내에 액션이 발생하기 때문에 연극 액션을 그럴듯하게 만드는 문제이다. 반면에 많은 문자를 혼합하는 복잡한 도표는 소수의 문자를 중심으로 한 선형 도표를 선호하기 때문에 동작을 수행하기가 더 쉽습니다. 이러한 규칙은 일종의 행동의 내재화로 이어졌다. 실제로, 연설은 장관을 희생하면서 발전했으며 고전 작품은 감정 표현과 심리적 분석을위한 많은 공간을 제공합니다.
품위의 법칙은 대중에게 충격을주지 않는 것만을 현장에 나타내야한다. 우리는 육체적 폭력뿐만 아니라 육체적 친밀감을 배제합니다. 그러므로 폭력적인 장면은 인물이 말해야합니다. Racine과 Molière의 시조 연극에서 Phdre와 Dom Juan의 죽음과 Andromaque의 Oreste의 성격의 광기와 같은 일부 예외는 유명합니다.
고전 극작가의 예로는 Pierre Corneille, Jean Racine 및 Molière가 있습니다. 낭만주의 시대에, 고전 규칙들 중 어느 것도 따르지 않은 셰익스피어는 낭만주의들이 결국 승리 한 프랑스 논쟁의 초점이되었다. Victor Hugo는이 컨벤션을 위반 한 최초의 프랑스 극작가 중 한 명입니다.
이 프랑스 규칙이 다른 국가의 극작가에게 미치는 영향은 논쟁의 여지가 있습니다. 영국 극장에서 William Wycherly와 William Congreve와 같은 복원 극작가들은 그들에게 익숙했을 것입니다. 윌리엄 셰익스피어 (William Shakespeare)와 그의 동시대 인들은이 고전주의 철학을 따르지 않았다. 특히 그들이 프랑스어가 아니었기 때문에 그리고 그들이 설립되기 수십 년 전에 글을 썼기 때문이다. The Tempest와 같은 단합을 나타내는 것처럼 보이는 셰익스피어 연극의 작품은 아마도 고대 유물의 실제 모델에 익숙 할 것입니다.
비극
프랑스 중세 시대에는 비극이 없었습니다. 그것은 오래된 비극을 다시 읽은 후 xvi 세기에 다시 태어났습니다. 그것은 xvi th와 xvii th 세기의 모든 것을 변형시킵니다. 처음에는 점점 낭만적 인 음모를 꾸미면서 비극이라고 불리는 것을 향해 진화합니다. 그러나 배우와 극작가는 고대 대포와 함께 유지하면서 모델로의 복귀를 더 방어하며 궁극적으로 고전 시대의 장르가됩니다. 이것이 위에서 설명한 규칙이 주로 비극에 적용되는 이유입니다.
그러므로 비극은 먼저 주제와 성격에 의해 정의됩니다. 비극적 인 플레이는 신화 적이거나 역사적 주제가 있어야합니다. 그의 캐릭터는 영웅, 왕 또는 최소한 귀족의 캐릭터입니다. 채택 된 스타일은 텍스트를 발췌 한 사람들의 키와 일치해야합니다. 대부분의 비극은 알렉산드리아 어로 작성되었으며 항상 높은 스타일을 존중합니다. 우리는 종종 비극과 불행한 목표를 동화했습니다. 대부분의 비극이 심하게 끝난다는 것은 사실이지만, 일부 비극은 잘 끝나는 결정적인 기준이 아닙니다.
고대 극장에서와 마찬가지로이 비극은 도덕적으로 끝납니다. 그것은 관중들이 그들의 열정 중 일부와 싸우면서 도덕적 수준에서 향상 될 수 있도록해야합니다. 아리스토텔레스에 이어, 우리는 비극이 자신의 실수의 결과로 짓 눌린 영웅의 운명에 직면하여 “테러와 동정심”을 불러 일으킨다 고 생각합니다. 이 두 가지 감정은 관중들이 영웅들을 행동으로 밀어 붙여서 그들 스스로를 재생산하지 못하게했던 열정으로부터 자신을 분리시킬 수 있어야합니다. 게다가 고전 이론가들은 아리스토텔레스에서 카타르시스라는 개념을 받아 들였는데, 이는 대략 정열의 제거를 의미한다. 아이디어는 폭력적인 열정으로 움직이는 캐릭터를 보면서 관중은 자신의 열정을 성취하고 자신을 자유롭게 할 것입니다.
위대한 고전 비극은 라신입니다. 그는 영웅들이 사망으로 정죄되고 운명에 갇혀 자신의 존재의 부조리를 드러내고 그들을 죽일 수있는 비극을 씁니다.
Corneille은 자신의 경력에서 바로크에서 클래식까지 진화합니다. 그의 비극은 종종 치명적인 결과로 정죄되었지만 실제로 그의 연극에서 영웅이되는 영웅에게 더 많은 가치를 부여합니다. Corneille은 관중을 구축하는 가능한 방법으로 영웅과의 신분을 제안 할 수있었습니다.
또한 서정 시대에는 서정적 비극이 발전했다. 이 장르는 특히 Jean-Baptiste Lully와 공동 작업을하는 Philippe Quinault가 대표합니다. 그것은 프랑스 오페라의 창조로 이어질 것입니다.
코메디
고전 작가의 코미디는 만화 작가가 매우 많더라도 Molière의 인물이 매우 강하게 지배합니다. 코미디는 작은 장르로 간주되기 때문에 이론가들에게는 거의 관심이 없기 때문에 비극보다 명시 적 규칙에 의해 훨씬 덜 짜여져 있습니다. 우리는 아리스토텔레스가 만화 작품에 전념했을 시학의 일부를 가지고 있지 않습니다.
그러나 Molière와 같은 작가는 코미디에 귀족의 형태를 제공하려고 시도하며 고전 극장의 규칙에서 영감을 얻었습니다. 행동의 통일성이 거의 존중되지 않으면, 장소와 시간의 통일성이 종종 존중됩니다. 무엇보다도 Corneille에 이어 그는 테렌스와 플라 우테의 라틴 코미디에서 영감을 얻은 음모 코미디를 작업합니다. 그러므로 그것은 고대인들로부터 영감을 받았습니다. 그러나 그것은 또한 새로운 코미디의 발전에 기여하기 위해 멀리 떨어져 있습니다. 복잡한 음모를 기반으로하며 3 ~ 5 개의 행위로 연주 할 수 있습니다. 그들의 성품은 분명히 위대한 귀족에 속할 수 없지만 종종 부르주아지 또는 낮은 귀족에 속합니다. 따라서 언어가 공통으로 등록되어 있고 때로는 익숙한 경우 스타일이 반드시 낮을 필요는 없습니다. 일부 코미디는 심지어 Alexandrine으로 작성되었습니다. Molière는 farce와 commedia dell’arte (caning, 오해 등)에서 물려받은 다소 거친 만화 효과를 사용하지만 그의 코미디는 좋은 취향과 관련이없는 균형을 찾고 있습니다. 권위 있는.
비극에 존재하는 도덕적 차원은 코미디에서도 발견됩니다. 코미디는 남성의 잘못을 재미있게 만듭니다. 따라서 관중은 등장 인물의 말도 웃으면 서 표현되는 결함에서 벗어날 수 있어야한다. 몰리에르는 타르 투페에서 거짓 헌신자들의 위선을 조롱했을 때이 위선에 맞서 싸우기를 희망했다. 유명한 공식 인 “castigat ridendo mores”는 기원이 불분명하지만 Molière에 의해 채택되었습니다. 그것은 호레이스가 그의 시적 예술에서 개발 한 아이디어를 표현하고 웃음을 교수법의 벡터로 사용하려는 열망을 요약합니다. 몰리에르의 극장은 고전과 바로크입니다.
로마 인
이 소설은 현재 매우 작은 장르로 간주됩니다. 다소 고려 된 성격이 소설의 저자라는 것을 인정할 수 없기 때문에 대부분 익명으로 출판됩니다. 세기의 첫 부분은 매우 길고 복잡한 소설로 특징 지워졌습니다. 고전 시대에,이 소설들은 단편 소설로 변형됩니다. 음모가 상당히 단순화되었습니다. 바로크 소설은 고대를 선호하는 반면 상당히 최근의 역사적 배경을 사용합니다.
Saint-Réal은 1672 년에 스페인의 필립 2 세의 아들 인 스페인의 돈 카를로스의 이야기를 보여주는 최초의 “단편”돈 카를로스를 썼습니다. 마담 드 라 페이 에트 (Maame de La Fayette)는 프랑스의 헨리 2 세 법원에서 장르의 걸작 인 클레 브의 공주의 행동을 거의 동시에 취한다. 이 소설은 고전주의의 모호함을 잘 보여줍니다. 왜냐하면 그것은 겸손한 볼륨과 글의 절제로 감상적인 소설에서 출발하지만 감정의 그림에서 귀중함의 특정 특징을 다시 취합니다. 마담 드 라 페이에 트는 참으로 귀중한 것이 었으며, 그녀의 관심사는 그녀 앞에 있었던 기간에 대해 전혀 반대하지 않았습니다.
일반적으로시
xvii th는 한 세기의 문학 발효이며 모든 고대 장르를 재현하는 것을 보여줍니다. 실제로, 16 세기 (소위 바로크 시대), 특정“문화적 쇼비니즘”으로 인해 시인들은 고대 장르에 대한 체계적인 의지에 대항하여 중세 형태 (론도, 세 쌍둥이, madrigals, 노래, 소네트)를 사용하게되었습니다. . xvii 세기에는 Namur de Boileau의 캐치 또는 Racine의 Port Royal des Champs에서 덜 알려진 것과 같은 odes (론 사드에서 이미 사용 된 종류)가 나타납니다. 우리는 Ovid의 Martialor, Horace 스타일 (특히 Boileau)의 풍자 또는 풍자 같은 태어날 에피 그램을 볼 수 있습니다. 우리는 또한 호머 또는 버지니아의 서사시의 부흥을 목격하고 있습니다. 그러나이 장르는 성공하지 못했습니다. 특히 Racine과 Boileau에 의해 선언 된 Chapelain의 하녀를보아야합니다. 풍자적 서사시 인 루틴 드 보일라 우만이 우리에게 친숙하게 남아 있습니다. 장 피에르 콜리 넷 (Jean Pierre Collinet)은 Boileau와 Perrault의 저서의 판을 만들었을 때, xvii 세기는 외형에도 불구하고 시가없는 세기이며 La Fontaine 또는 Racine만이이 규칙에서 벗어날 것이라고 지적했다.