그로테스크 (grotesques)는 Augustine 시대의 로마식 그림에 뿌리를두고 있으며 15 세기 후반부터 재발견되고 대중화 된 정수리 회화의 특별한 유형입니다. 이 용어는 지금도 우스꽝스럽고 기괴하고 우스꽝스럽고 특정 공포와 섞여있는 성격을 나타냅니다. 그 다양성과 다양성이 뛰어나 그로테스크의 형태를 식별하는 데 어려움이 있지만 그로테스크는 하나 이상의 구현으로 축소 될 수 있습니다 이러한 이유들 : 반복, 하이브리드, 변태.
적어도 18 세기 이래로 그로테스크는 이상하고 신비 롭고 장대하고 환상적이며 무시 무시하고 못생긴 불쾌한 혐오감을 나타내는 일반적인 형용사로 사용되어 이상한 모양과 왜곡 된 형태를 묘사하는 데 자주 사용됩니다 할로윈 마스크와 같은. 그러나 예술, 공연 및 문헌에서 그로테스크는 관객에게 불편한 기괴함과 공감의 동정심을 동시에 불러 일으키는 것을 의미 할 수도 있습니다. 좀 더 구체적으로 말하면, 고딕 건물의 그로테스크 한 형태는 드레곤 스파우트로 사용되지 않을 때, 가고일이라고 불려서는 안되며 단순히 그로테스크 또는 키메라라고 불립니다.
그로테스크 한 장식은 하이브리드와 괴물 같은 존재, chimeras, 종종 슬림하고 기발한 인형으로 묘사되며, 기하학적이고 자연주의적인 장식, 대칭 구조, 일반적으로 흰색 또는 어떤 경우에는 배경에 혼합되어 묘사됩니다. 수치는 매우 다채 롭고 프레임, 기하학 효과, 얽힘 등을 일으키지 만, 일반적으로 피사체는 배경에서 거의 붓글씨로 남아 있기 때문에 일정한 경도와 경쾌함을 유지합니다. 주로 상상력과 장난기가있는 일러스트레이션은 항상 순수한 장식적인 기능을 추구하지는 않지만 때로는 예술과 과학 또는 시조의 표현을 재현하여 교훈적이고 백과 사전적인 목적을 수행합니다.
Rémi Astruc은 모티프와 인물이 엄청나게 다양하지만 그로테스크의 세 가지 주된 트로피는 이중성, 하이브리드 성 및 변태라고 주장했다. 미학적 범주 인 그로테스크에 대한 현재의 이해를 넘어, 그는 그로테스크가 기본적인 실존 적 경험으로서 어떻게 기능 하는지를 보여 주었다. 또한, Astruc은 그로테스크를 사회가 대체 성과 변화를 개념화하는 데 사용한 결정적이고 보편적 인 인류 학적 장치라고 단언합니다.
유래:
이 단어는 네로가 지은 이상한 패턴으로 덮힌 Golden Age (골든 하우스라고도 함)의 집인 Domus Aurea의 장식품을 묘사합니다. 15 세기 말 젊은 로마인은 오피 우스 경사면의 구멍에 빠졌고 놀라운 그림으로 덮인 동굴 같은 곳에서 발견되었습니다. 따라서이 그림에 주어진 “괴기 한”이름입니다. 사실 매장 된 도무스 아우 레아 (Domus Aurea)였습니다. 원래이 용어는 현재와 같은 의미가 아닙니다. 그로테스크 한 그림은 다양한 요소 (건축, 화병, 화환, 단풍 등)의 기발한 몽타주이며, 종종 인간적이고 동물적인 인물이 포함될 수 있습니다.이 인물은 아마도 키메라적이고 캐리커처가 될 수 있지만 반드시 그런 것은 아닙니다.
괴기 한 역사 :
그로테스크는 사치스러운 스타일이다. (그 동기는 어리 석고 천박하거나 어리석은 것으로 정의되었다) 용어 그로테스크를 형용사, 심지어 불규칙하고 무례하고 맛이없는 용어와 동의어로 확장했다. 또한 이것은 인공 동굴에 대한 상대적 물건으로 명명됩니다. 자갈 또는 rocaille 장식 (각각 정원 및 인테리어)은 나중 스타일 (세기 XVIII의 로코코)의 소유입니다. 훨씬 이전에 중세 미술 (gargoyles, corbels)에서 괴물의 사용; 르네상스의 마지막 단계 인 매너리즘에는 그것의 탁월한 사례가 있습니다 (Bomarzo의 괴물의 공원). 그로테스크는 결국 숭고한 범주가 아니라 고전적인 아름다움의 개념과 차별화 된 미학적 범주를 정의하게되었습니다.
그로테스크 (grotesques)는 공중에 떠있는 형태 만 놓을 수있는 벽을 꾸미기 위해 고대에 발명 된 자유롭고 재미있는 그림의 일종입니다. 그 (것)들에서는, 예술가는 괴물 기형, 성격의 변덕의 딸 또는 화가의 호사스러운 환상을 대표했다 : 그들은 모든 규칙에서 그 모양을 발명했다, 아주 얇은 실을 결코 지원할 수 있지 않는 무게를 걸고, 말의 다리와 크레인 다리에 남자 다리, 그리고 또한 장난과 낭비를 많이 그렸습니다. 가장 넘치는 상상력을 가진 사람이 가장 유능 해 보였다. 규칙이 도입 된 후 경이로움은 프리즈와 구획으로 제한되었습니다. – 조르지오 바사리
로마 장신구의 초기 예 :
예술에서 그로테스크는 교착 된 화환과 작고 환상적인 인간과 동물의 모습을 지닌 아라베스크의 장식 배열로, 대개 어렴풋이긴하지만 어떤 형태의 건축 틀을 중심으로 대칭 패턴으로 그려져 있습니다. 이러한 디자인은 프레스코 벽 장식, 바닥 모자이크 등으로 고대 로마에서 유행했으며 비 트루 비우스 (Vitruvius, 기원전 30 년)에 의해 비판 받았으며, 무의미하고 비논리적 인 것으로 그들을 해고하면서 “갈대는 기둥 곱슬 머리와 피리가있는 피리 부는 심장은 페디먼트, 칸델라 브라 (candelabra)의 신전 표현, 지붕 위의 가느 다란 줄기와 볼드 (volutes)가 무감각하게 자리 잡은 인물로 성장합니다. ”
로마에있는 네루의 궁전 인 도무스 아우 레아 (Domus Aurea)가 15 세기 후반에 우연히 재발견되어 1 천 5 백 년의 세월이 흐른 후 첫 번째 돌파구가 그 위에 있었기 때문에 객실을보기 위해 열심히 노력해야했습니다. 로프, 동굴과의 닮은 점, 이탈리아의 동굴 탐험. 벽화와 섬세한 치장 벽토의 로마 벽 장식은 계시였습니다.
르네상스의 괴기 한 글 :
르네상스 시대 이후로 사용 된 그로테스크는 로마의 티토와 리비아, 네로의 도무스 아우 레아, 티볼리의 빌라 아드리아나, 그리고 여러 건물의 에르 콜라 네움에서 주로 고대 유물의 지하 동굴에서 발견 된 회화의 모방이라고 추정됩니다 와 폼페이 (Pompeii). Benvenuto Cellini는 자신의 자서전에서 Grottesca 또는 Grottesche라는 용어가 1480 년에 발견되어 10 세기 동안 묻혀 있던 Domus Aurea의 아치형 천장의 방에서 어떻게 사용되기 시작했는지를 반영합니다. 그것의 복잡한 벽 장식의 발표는 Botticelli, Filippino Lippi, il Pinturicchio, Raphael, Giovanni da Udine, Il Morto da Feltre, Bernardo Poccetti, Marco Palmezzano 또는 Gaudenzio Ferrari와 같은 관심있는 예술가와 로마에서 센세이션을 일으켰습니다.
낱말 grottesche의 첫번째 외관은 Siena의 duomo에 붙어 있던 Piccolomini 도서관을위한 1502 년 계약에서 나타난다. 로마의 바티칸 궁전에있는 라파엘 룸 (Raphael ‘s Rooms) 시리즈의 일부인 로지아 (Loggias)의 장식품의 전체 시스템에 그로 테크 (grottesche)를 개발 한 라파엘 산시오 (Raphael Sanzio)와 장식 화가 팀이 소개했습니다. “훈장은 클래식 주문의 문법을 잘 알고 있었지만 민간 주택에서 로마인들이 종종 그 규칙을 무시하고 그 대신에보다 기발하고 비공식적 인 스타일을 채택했다는 것을 추측하지 못한 한 세대의 예술가를 놀라게하고 매료 시켰습니다. 모든 가벼움, 우아함 및 은총. ” 이러한 그로테스크 한 장식물에 태블릿이나 촛대가 집중할 수 있습니다. 프레임은 피벗 워드 잭슨 (Scott Ward-Jackson)이 지적한 것처럼 주변 디자인의 일부를 일종의 비계처럼 스크롤로 확장했다. 가벼운 스크롤 그로테스크는 그 (것)들을 더 구조를주기 위하여 pilaster의 구조 내의 그 (것)들을 제한해서 주문 될 수 있었다. Giovanni da Udine은 새로운 로마 빌라 중 가장 영향력있는 Villa Madama를 꾸미기 위해 그로테스크 (grotesques)라는 주제를 채택했습니다.
16 세기에는 그러한 예술적 면허와 비합리성이 논쟁의 대상이었다. Francisco de Holanda는 1548 년 Da Pintura Antiga에 대한 그의 세 번째 대화에서 미켈란젤로의 입을 열었습니다.
“사람의이 탐욕스러운 욕망은 때로 기둥과 문이있는 평범한 건물을 좋아한다. 부도덕 한 스타일로, 꽃 줄기에서 자라는 기둥이 있고, 구덩이의 구덩이와 구덩이의 갈라진 틈과 갈라진 틈이있다. 그리고 불가능한 것 같고 이성에 위배되는 것, 그러나 그것이 숙련 된 예술가에 의해 수행된다면 정말 대단한 일이 될 것입니다. ”
Juan Nani의 그로테스크는 환상적인 존재, 야채 및 동물을 기반으로 한 장식적인 모티브로 복잡하게 연결되어 전체를 구성합니다. 그것은 르네상스와 관련된 주제이며, 일반적으로 그 상단 부분에 인간 또는 동물의 머리 또는 몸통으로 구성되어 아래에서 식물 또는 식물 요소의 집합으로 끝납니다.
매너리즘의 괴기 한 표현 :
박식 한 인물 만이 이용할 수있는 비밀 아이콘 그래픽 프로그램에서 매너주의 예술가들과 그들의 후원자들의 즐거움은 그로 테크의 계획에 구체화 될 수 있었다. 안드레아 알시 아토의 엠 블라 타 (Emblemata, 1522)는 비 네트에 대한 기성 아이콘 일러스트를 제공했다. 그로테스크에 대한 더 친숙한 자료는 Ovid의 변형 (Metamorphoses)에서 얻을 수 있습니다.
바티칸 로지아 (Batican loggias)는 사면 궁전의 한쪽 구석에있는 로지아 복도 공간으로, 라파엘 스 (Raphaels)의 대규모 예술가 팀이 1519 년경에 지어졌다. 공간의 상대적 중요성과 Domus Aurea 스타일을 복사하려는 욕망으로 인해 큰 그림은 사용되지 않았고 표면은 주로 흰색 배경에 그로테스크 한 디자인과 틈새로 조각을 모방 한 그림과 작은 비 유적 주제로 덮여있었습니다 고대 로마 스타일의 부흥에서. 이 큰 배열은 유럽 전역의 후기 아티스트를위한 기본 요소 인 요소의 레퍼토리를 제공했습니다.
미켈란젤로의 메디치 예배당에서 지오반니 다 우디 네 (Giovanni da Udine)는 1532 ~ 33 년 동안 “골짜기에”단풍, 장미 및 기타 장식품을 치장 용 벽토와 금으로 장식했다 “며”단풍, 새, 가면 및 인물의 스프레이 ” 그러나 교황 클레멘스 7 세 메디치 (Clement VII Medici) 나 1556 년 그로테스크 데코 장식을 새겼던 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)도 그러지 않아야합니다. 특히 개혁주의 작가 인 볼로냐 주교 가브리엘레 팔레오 티 (Gabriele Paleotti)는 그럴듯한 복수로 그로테스크를 돌 렸습니다.
Vitruvius를 반향하는 Vasari는 스타일을 다음과 같이 묘사했다 : “Grotesques는 고대인이 한 극단적으로 방탕하고 터무니없는 그림의 한 종류이다 … 어떤 논리도없이, 무게를지지 할 수없는 얇은 실에 부착시킨다. 말에는 잎으로 만든 다리가 있고 사람에게는 무수한 다른 불가능한 부조리가있는 크레인의 다리가 있고 화가의 상상력은 그 사람이 더 높다는 평가를 받았다.
Vasari는 “Bacchiacca”라고 불리는 Francesco Ubertini가 Grotteschi를 발명 한 것을 기쁘게 생각했으며, (약 1545 년) Duke Cosimo de ‘Medici가 동물과 희귀 한 식물로 가득한 베키오 궁전 (Palazzo Vecchio)의 중이층에 studiolo를 그렸다고 기록했습니다. grottesche에 다른 16 세기 작가 Daniele Barbaro, Pirro Ligorio 및 Gian Paolo Lomazzo를 포함했다.
판화, 목공예, 도서 그림, 장식 :
한편, 판화의 매개체를 통해 그로테스크 한 표면 장식이 스페인에서 폴란드에 이르기까지 16 세기 유럽의 예술 레퍼토리로 전해졌습니다. 고전적인 스위트 룸은 Enea Vico에 기인 한 것으로, 1540-41 년에 회화 적 설명 제목 인 Leviores et extemporaneae picturae quas grotteschas vulgo vocant, “가볍게 그로테스크라고 불리는 가볍고 즉흥적 인 그림”으로 출판되었습니다. 나중에 매너 니스트 버전은, 특히 조각에있어서 초기의 밝기를 잃어 버렸고, 로마인과 라파엘에 의해 사용 된 공기가 잘 통하는 스타일보다 훨씬 더 조밀 해졌다.
곧 grottesche는 상감 세공 (훌륭한 목공예)에 등장했으며, 특히 1520 년대 후반 Urbino에서 제작 된 maiolica에서는 책 일러스트레이션과 다른 장식 용도로 사용되었습니다. Fontainebleau Rosso Fiorentino와 그의 팀은 그로테스크의 어휘를 스트랩 작업의 장식적인 형태와 조합하여 고루 꾸몄습니다. 그로테스크에서 요소를 형성하는 석고 또는 목재 몰딩의 가죽 스트랩을 묘사했습니다.
바로크 시대와 빅토리아 시대의 그로테스크 :
17 세기와 18 세기에는 그로테스크가 다양한 기형 (괴물의 과학)과 예술적 실험을 포함합니다. 예를 들어, 괴물은 종종 놀이의 개념으로 발생합니다. 그로테스크 식 범주의 운동 능력은 자연사 저작과 호기심의 캐비닛에서 루스 너스 라틴어의 초 자연적 범주라는 개념에서 볼 수 있습니다. 예를 들어 오페라 광경과 같이 그로테스크를 표현할 기회를 제공하는 등 놀라운 로맨스의 마지막 흔적도 있습니다. 소설의 혼합 된 형태는 일반적으로 그로테스크로 묘사되었습니다. 예를 들어 필딩의 “산문 서사시”를보십시오. (조셉 앤드류와 톰 존스)
그로테스크 한 장식품은 폼페이 (Pompeii)의 원형 로마 식 프레스코 화와 스투치 (stucchi)의 새로운 발견과 세기 중반부터 배수 비오 산 (Mount Vesuvius)의 다른 매장지에서 더욱 자극을 받았습니다. 엠파이어 스타일과 빅토리아 시대에 사용이 계속되어 점점 더 무거워졌습니다. 16 세기의 조각과 마찬가지로 디자인이 밀집 해지면서 우아함과 스타일이 사라졌습니다.
그로테스크 확장 :
예술가는 국경 장식이나 조명 원고의 머리 글자에있는 명사의 중세 전통을 직접적으로 이어 받아 기괴한 장식으로 이상한 캐리커처 식 표현을 사용하여 인물의 작은 얼굴을 제공하기 시작했습니다. 이 용어는 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)와 같은 더 큰 캐리커처에 적용되기 시작했으며 현대 감각이 발달하기 시작했다. 그것은 토마스 브라운 경 (Thomas Browne)에게서 1646 년에 처음으로 영어로 기록됩니다 : “본질적으로 그로테스크는 없습니다”. 시간이 거슬러 올라가면이 용어는 중세의 원본에도 사용되고 현대 용어로 중세 시대의 사람들은 여백에 그려진 인간의 엄지 손톱 그림과 건물에 새겨 져있는 인물 (물웅덩이가 아니기 때문에 개걸로일지도 모름)이 “그로테스크”라고도합니다.
그로테스크 한 장르의 예술 작품 제작에서의 붐은 1920-1933 년의 독일 미술을 특징으로했다. 현대의 일러스트레이션 아트에서는 일반적인 회화 적 의미에서 그로테스크 한 인물이 일반적으로 환상적인 예술이라고도 알려진 장르 그로테스크 예술에 등장합니다.
그로테스크 문학 :
문학적 장르를 나타내는 용어 그로테스크의 첫 번째 용도 중 하나는 몽테뉴의 수필에 있습니다. 그로테스크는 종종 풍자와 비극과 관련이 있습니다. 청중에게 슬픔과 고통을 전하는 효과적인 예술적 수단이며 토마스 만 (Thomas Mann)은 “진정한 항생제 스타일”이라고 분류했습니다.
가장 초기에 쓰여진 텍스트 중 일부는 기괴한 사건과 괴물을 묘사합니다. 신화에 대한 문헌은 풍부한 괴물의 원천이었습니다. Hesiod의 Theogony에서 Homer의 Odyssey에있는 Polyphemus에 이르기까지 외눈 박이 Cyclops (한 예를 인용)에서. 오비드의 변태 (Ovid ‘s Metamorphoses)는 그로테스크 한 변형과 신화의 잡종 생물을위한 또 다른 풍부한 원천입니다. Horace의 Art of Poetry는 또한 고전적인 가치를 공식적으로 소개하고 그로테스크 한 또는 혼합 된 형태의 위험성을 제시합니다. 사실, 질서, 이성, 조화, 균형 및 형태의 고전적 모델에서 출발하면 그로테스크 한 세계로 진입 할 위험이 있습니다. 따라서 영국 문학은 스페이서 퀘이 네 (Sperie Queene)의 스펜서 (Spenser)의 우상의 이상한 세계에서부터 16 세기극의 드라 기 – 코믹 (tragi-comic) 모드에 이르기까지 고유 한 그로테스크 퀘스트로 가득합니다. (괴기 한 희극 요소는 리어 왕 (King Lear)과 같은 주요 작품에서 볼 수 있습니다.)
혼성 장르의 문학 작품은 때로 그로테스크 한 것으로 불리기도하며 판토마임이나 광대극과 같은 “저”또는 비 문학 장르이기도합니다. 고딕 양식의 글은 문자, 스타일 및 위치면에서 기묘한 요소를 가지고 있습니다. 다른 경우, 설명 된 환경은 도시 (Charles Dickens)이든, 때로는 “Southern Gothic”이라고 불리는 미국 남부의 문헌이든 그로테스크 한 것일 수 있습니다. François Rabelais와 Mikhail Bakhtin의 카니발 (예 : esque)와 같은 사회 문화적 측면에서 문학의 그로테스크가 탐구되는 경우가 있습니다. 테리 캐슬 (Terry Castle)은 변태, 문학 작품 및 가장 무도회 사이의 관계에 대해 기록했습니다.
그로테스크 한 몸은 문학 비평가 인 미하일 바크 틴 (Mikhail Bakhtin)이 라벨 레스 (Rabelais)의 저작에 적용하는 개념이다.
Justus Möser (Harlekin, Grotesk-Komischen 또는 “Groteque-Comic의 할리퀸 또는 방위”- 1761)는 예술 코미디의 “인물의 과장”에서 조형 예술의 풍자 만화와 정체성을 식별하며, 극장에 “남성의 관습”을 묘사하는 독특한 방식을 허용합니다.
그로테스크의 또 다른 주요 원인은 18 세기의 풍자적 저작에 있습니다. Jonathan Swift의 Gulliver ‘s Travels는 그로테스크 한 표현에 대한 다양한 접근법을 제공합니다. 시에서는 알렉산더 포프 (Alexander Pope)의 작품이 그로테스크에 대한 많은 예를 제공합니다.
허구에서, 인물들은 일반적으로 공감과 혐오를 유도한다면 그로테스크 한 것으로 간주됩니다. (혐오감을 불러 일으키는 캐릭터는 단순히 악당이나 괴물 일뿐입니다.) 명백한 예에는 육체적으로 변형 된 것과 정신적으로 결핍 된 것이 포함되지만 시선을 사로 잡는 사회적 특징을 가진 사람들도 포함됩니다. 독자는 그로테스크의 긍정적 인면에 의해 흥분해지고, 캐릭터가 그들의 더 어두운면을 정복 할 수 있는지 읽기 위해 계속해서 읽습니다. 셰익스피어의 The Tempest에서 칼리반의 모습은 단순한 경멸과 혐오보다 더 미묘한 반응을 불러 일으켰습니다. 또한 J. R. R. Tolkien의 에서 골룸의 성격은 역겨운 템플렛에 맞기 때문에 역겹고 공감하는 성격을 띤 것으로 간주 될 수 있습니다.
Victor Hugo의 Notre Dame의 꼽추는 문학에서 가장 유명한 그로테스크 중 하나입니다. 프랑켄슈타인 박사의 괴물은 제목 문자, 오페라의 환영에서 에릭, 미녀와 야수의 야수뿐만 아니라 그로테스크 한 것으로 간주 될 수도 있습니다. 낭만적 인 그로테스크의 또 다른 예는 Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, Sturm und Drang 문학 또는 Sterne의 Tristram Shandy에서. 낭만적 인 그로테스크는 웃음과 다산을 기념하는 중세 그로테스크보다 훨씬 끔찍하고 멍청합니다. 이 시점에서 프랑켄슈타인의 괴물 (1818 년에 출판 된 Mary Shelley의 소설에서)과 같은 그로테스크 한 창조물이 사회의 희생자 인 외부인으로 더 호의적으로 제시되기 시작합니다. 그러나이 소설은 또한 불친절한 사회에서 동정 문제를 문제 삼게 만든다. 이것은 사회가 소외의 과정에 의해 그로테스크의 발전기가된다는 것을 의미합니다. 사실, 프랑켄슈타인의 그로테스크 한 괴물은 ‘생물’로 묘사되는 경향이 있습니다.
그로테스크는 루이스 캐롤 (Lewis Carroll)의 이상한 나라의 앨리스 (Alice ‘s Adventures in Wonderland)와 함께 환상적인 세계에서 환상적인 괴상한 인물들을 만났을 때 새로운 모습을 나타 냈습니다. 캐롤은이 수치를 어린이 문학에 대한 무서운 것으로 보이지 않게 보이지만 여전히 완전히 이상하게 보이도록 관리합니다. 감각과 말도 안되는 관계를 논한 또 다른 만화 기괴한 작가는 에드워드 리어 (Edward Lear)였다. 이런 종류의 유머러스 한, 또는 축제 넌센스는 푸스 티 언트, 폭탄 및 풍자적 인 글쓰기의 17 세기 전통에 뿌리를두고 있습니다.
낭만주의의 문학적 맥락에서 에드가 앨런 포우 (Edgar Allan Poe)는 1840 년에 「그로테스크와 아라베스크 이야기」라는 제목으로 출판 된 일련의 이야기를 썼다. 월터 스콧 (Walter Scott)에 의한 수필의 개념들 (가상의 구성에서 초자연적으로 – “가상의 구성에서 초자연적 인 것”)
그로테스크 한 신체의 19 세기 범주는 선천성 기형이나 의학적 이상에 대한 개념으로 점차 옮겨갔습니다. 이 문맥을 바탕으로, 그로테스크는 특히 1914-18 년 제 1 차 세계 대전 이후 기형 및 장애로 더 많이 이해되기 시작합니다. 이 점에서 예술 사학자 인 리아 디 커먼 (Leah Dickerman)은 ‘퇴역 군인들의 끔찍한 산산이 부서진 시체가 집으로 돌아온 것은 평범한 것이되었다고 주장했다. 동반 된 보철 산업의 성장은 동시대 인들에게 반 기계적 인종의 경쟁을 불러 일으켰으며 다다이스트 작업에서 중요한 주제가되었다. 윌프레드 오언 (Wilfred Owen)의시는 전쟁의 그로테스크 한 공포와 잔혹한 갈등의 인간적 비용에 대한 시적이고 현실적인 감각을 보여준다. ‘봄 공격’과 ‘더 큰 사랑’과 같은 시들은 충격적인야만과 폭력과 아름다움의 이미지를 결합하여 그로테스크 한 반의 감각을 연출했다. 비슷한 방식으로, 무정부주의자이자 평화 주의자 인 베를린 평화 박물관의 설립자 인 언 스트 프리드리히 (Ernst Friedrich, 1894-1967)는 제 1 차 세계 대전의 희생자들의 그로테스크 한 사진을 순서대로 사용했던 War Against War (1924)의 저자였다. 평화 운동.
Southern Gothic은 그로테스크로 자주 식별되는 장르이며 William Faulkner는 종종 링 마스터로 인용됩니다. Flannery O’Connor는 “남부 작가들이 특히 괴물에 대한 글쓰기를 선호하는 이유를 묻는다면, 우리는 여전히 그것을 인식 할 수 있기 때문에라고 말한다”(1960 년 “남부 픽션의 그로테스크의 일부 양상” ). 오코너의 자주 인용 된 단편 소설 “선한 사람은 찾기가 어렵습니다”에서 연쇄 살인범 인 Misfit은 분명히 인간의 삶에 완전히 냉담하지만 진리를 추구하도록 이끌린 불구가 된 영혼입니다. 덜 분명한 그로테스크는 자기 자신의 놀라운 이기심을 알지 못하는 공손하고 조롱하는 할머니입니다. 오코너의 작품에서 그로테스크 한 또 다른 인용 된 예는 “성신의 성전”이라는 단편 소설이다. 미국의 소설가 인 레이몬드 케네디 (Raymond Kennedy)는 그로테스크의 문학 전통과 관련된 또 다른 저자이다.
안락사 회색, Angela 카터, Jeanette Winterson, Umberto Eco, Patrick McGrath, Natsuo Kirino, Paul Tremblay, Matt Bell, Chuck Palahniuk, Brian Evenson, Caleb J. Ross (누가 글을 쓰는가?) 국내 그로테스크 픽션), 리차드 토마스 (Richard Thomas), 그리고 비자로 장르의 소설을 쓴 저자들. 1929 년 G.L Van Roosbroeck은 PA의 Williamsport Printing and Binding Co.에서 출판 한 “GROTESQUES”(J. Matulka 삽화)라는 책을 썼습니다. 그것은 내일의 아이들을위한 6 이야기와 3 우화의 모음입니다.
그로테스크의 팝 문화 :
대중 문화에서 그로테스크를 탐구 한 다른 현대 작가들은 포스트 모더니즘의 맥락에서 존 도커 (John Docker) 다. 유명 인사를 분석하는 Cintra Wilson; 그리고 출산과 음란물에 대한 관계를 논의하는 Francis Sanzaro.
이탈리아의 극작가 루이지 피란 델로 (Luigi Pirandello)는 희극적이고 비극적 인 현실을 반영하는 자신의 자연주의 연극 스타일을 ‘그로테스크’라는 명사로 사용했다.
아르헨티나와 우루과이의 극장에서는 20 세기 초반부터 이민자들의 생활이 집회 나 주택가로 몰려 들었던 시네 테 (sainete)와 보디 빌 (vaudeville)에서 유래 된 극적인 장르 하위 그룹을 그로테스크라고 부릅니다. 마당). 그 전망은 Creole가 이탈리아, 스페인, 러시아 또는 아랍인들이 최근 철새들에 도착한 것을 보았던 고정 관념과 조롱에 반응하여 풍자했다. 그러나 사인 트의 저자 중 일부는 이민자의 자녀들이었습니다.
Sainete의 저명한 작품은 Alberto Vacarezza의 El conventillo de la Paloma입니다. Alberto Vacarezza의 주요 단계는 집안의 안뜰입니다. Armando Discépolo는 그 환경의 초점에서 극적이고 우울한 방향을 선보이며 “그로테스크 크리올로 (grotesque criollo)”를 만들었습니다. 1921 년과 1934 년 사이에 초연 된 Mustafá, Giácomo, Babilonia, Stéfano, Cremona 및 Relojero는 Roberto Cossa, Osvaldo Dragún, Carlos Gorostiza 및 Griselda Gambaro와 같은 후기 작가들에게 영향을 미치는 극작가를 대표하는 비극적 인 작품입니다.
비슷한 연극 스타일은 그로테스크 (스페인의 라몬 델 발레 인 클란 (Ramón del Valle Inclán) – 보헤미아 (Louces de Bohemia), 로스 쿠 에르 노스 드 돈 프릴 에라 (La Cuernos de Don Friolera-), 왜곡 된 거울에서 현실을 보여주기위한 시도라고 정의 된 극적 형식, 알프레드 재리, 사무엘 베켓, 미구엘 미후라, 유진 이네스코)과 나중에는 초현실적 유머 (연극과 비극적 인 장면에서)가있다.
그로테스크의 극장 :
그로테스크의 극장 (Theatre of the Grotesque)이라는 용어는 1910 년대와 1920 년대에 쓰여진 반 (反) 자연 주의적 이탈리아 극작가 학교를 가리키며, 이들은 종종 불의 극장의 선구자로 여겨진다. 세계 대전 1 시대의 일상적이고 아이러니 한 주제로 특징 지어집니다. 그로테스크의 극장은 루이지 치아 렐리 (Luigi Chiarelli)의 ‘마스크와 얼굴 (The Mask and the Face)’이라는 연극의 이름을 딴 것으로, ‘세 행위의 그로테스크’라고 묘사되었습니다.
Friedrich Dürrenmatt는 현대 그로테스크 한 코미디 연극의 주요 저자입니다.
그로테스크의 건축 :
건축에서 “그로테스크 (grotesque)”라는 단어는 새겨진 석재를 의미합니다.
Grotesques는 종종 gargoyles와 혼동되지만, gargoyles는 그로테스크가 아니라 입을 통한 물 스파우트를 포함하는 인물이라는 점에서 구별됩니다. 물 주둥이가 없으면 환상적인 생물체를 묘사 할 때이 유형의 조각품을 키메라라고도합니다. 중세 시대에 바비 인 (babewyn)이라는 용어는 gargoyles와 grotesques를 지칭하기 위해 사용되었습니다. 이 단어는 “baboon”을 의미하는 이탈리아 단어 babbuino에서 파생되었습니다.
그로테스크의 타이포그래피 :
독일어로 “Grotesque”또는 “Grotesk”라는 단어는 타이포그래피에서 산 세리프의 동의어로 자주 사용됩니다. 다른 시간에는 sans-serif 서체의 특정 스타일이나 서브 세트를 설명하기 위해 “Neo-Grotesque”, “Humanist”, “Lineal”및 “Geometric”과 함께 사용됩니다. 이 협회의 기원은 1835 년에 처음으로 “그로테스크 (grotesque)”라는 용어를 처음 소개 한 영국의 유형 창시자 인 윌리엄 토로 우드 (William Thorowgood)에 의해 추적 될 수 있으며, 1835 년에는 7 줄의 파이 차트 그로테스크가 생겼다. 다른 어원은 아마도 다른 타이포 그래퍼들의 원래의 반응에 기인 할 것입니다.
인기있는 그로테스크 서체에는 Franklin Gothic, News Gothic, Haettenschweiler 및 Lucida Sans가 있지만 (후자는 “G”가 부족함) 인기있는 Neo-Grotesque 서체에는 Arial, Helvetica 및 Verdana가 포함됩니다.