56 번째 베니스 비엔날레의 러시아 관은 이리나 나 코바의 녹색 관을 선보입니다. 1970 년대 중반 이래로 Nakhova (b. 1955)는 로고 중심 모델에 시각적 강도와 중요한 우위를 불어 넣어 Moscow 개념주의의 발전에 크게 기여했습니다. 1980 년대 초 모스크바 아파트의 방 중 하나를 사용하여 Nakhova는“방”이라는 일련의 환경에 착수했습니다. 러시아 아방가르드와 현대 미술의 세계적인 전문가 인 마르가리타 투피 친 (Margarita Tupitsyn)은 러시아 파빌리온 큐레이터와 함께 러시아 아방가르드의 패러다임을 다시 발견하고 탐험하고 재정의하는 야심 찬 환경을 실현했습니다. 공간 관계 및 시청자 상호 작용에 대한 Nakhova의 개념.

러시아 파빌리온은 1914 년 Aleksei Shchusev가 디자인 한 건물의 원래 모습을 불러 일으키기 위해 선택된 색으로 녹색으로 칠해져 있습니다.이 파빌리온을 통해 Shchusev는 다양한 예술적 관행을 수용하고 향상시키는 데 적합한 건물을 만들었습니다. Nakhova의 프로젝트는 자신의 최신 기술을 사용하여 Shchusev 구조의 기능을 의도적으로 통합합니다.

Tupitsyn에 따르면 Green Pavilion은 1993 년 45 번째 베니스 비엔날레에서 열린 Kabakov의 Red Pavilion과의 대화에 참여한 것으로 보여야합니다. Kabakov는 Red Pavilion을 통해 러시아 근대 및 포스트 모더니즘 예술가 모두에게 색상 담론의 중요성을 시연했습니다. 그는 색채 접근 방식을 형식주의 중 하나에서 “사회적 형식주의”로 바꿨다. 카바 코프는 건물 부지에 레드 파빌리온을 세웠으며 파빌리온 자체를 비워 두었습니다. 파빌리온은 뱅가드 예술가의 비 제도적 지위와 소비에트 문화 산업의 비 참여를 구현 한 강력한 은유입니다. 카바 코프의 레드 파빌리온은 모스크바 뱅가드의 밀폐 단계가 끝났지 만 Nakhova의 그린 파빌리온은 소비에트 시대의 세계적 중요성을 높이기 위해이 예술가들이 현지 맥락에서 떠나는 것에 관한 논쟁을 재개합니다.

Green Pavilion 내에서 Nakhova는 모든 방에 다른 색조를 칠함으로써 색상의 의미있는 메커니즘을 강조합니다. Shchusev의 러시아 파빌리온을 5 개의 개별 공간으로 나누는 Nakhova는 1980 년대 룸 시리즈를 다시 방문하여 시청자가 예술 실험에 적극적으로 참여하게했습니다. 파빌리온 1 층의 1 층에서 Nakhova는 머리 모양의 조종사 미래 이미지에 자신을 투영합니다. 관객이 자신의 인식을 통제하려고하는 제안과 결합 된 오버 헤드 헤드의 비 침투성 (헬멧, 마스크 및 고글을 통해 달성 됨)은 사회에서 예술가의 입장의 이중성을 드러냅니다. 한편으로, 그는 권위 있고, 다른 한편으로는 탈출하려는 목표와 동시에 통제하고자하는 외부 세계에 너무 의존적입니다.

설치의 두 번째 방에서 Nakhova는 모더니즘 역사상 가장 수수께끼의 캔버스 인 Kazimir Malevich의 Black Square를 공식적으로 다루거나 상징적으로 언급하지 않는 시청자의 상상력에 전적으로 의존하는 작품을 다루고 있습니다. Nakhova의 설치 위치에 따라 사각형이 불투명하게 표시되어 태양의 일식 효과를 만들거나 코스모스에 결합 된 것처럼 위의 채광창을 통해 관찰되는 것처럼 투명합니다.

세 번째 공간에서 Nakhova의 회화 적 선물은 액자의 경계를 넘어 확장되어 러시아 예술의 역사에서 가장 중요한 두 가지 색상으로 이루어진 추상적 인 구성으로 혁명적 인 빨강과 페레스트로이카 녹색으로 전체 공간을 채 웁니다. 러시아 역사의이 두 시대의 특징은 색깔과 형태의 사용을 통해 독점적으로 전달되어 시청자에게 추상 미술의 사회적 열망을 상기시킵니다.

Nakhova는 파빌리온의 1 층을 위해 Lenin Mausoleum과 같은 Shchusev의 상징적 인 기념물에서 가져온 건축 모듈의 디지털 재생 그리드로 구성된 비디오 설치를 만들었습니다. 이 모듈은 개인 및 공공 보관 사진으로 채워져 있습니다. Nakhova는 웜과 같은 절제 이미지를 삽입하고 역사적 주장의 취약성과 불안정성을 함께 분류하는 요소의 합류에 의해이 사실적 설계를 불안정화합니다.

전기
Irina Isayevna Nakhova (러시아어 : Ирина Исаевна Нахова; 1955 년 모스크바에서 출생)는 러시아 예술가입니다. 그녀의 아버지, Isai Nakhov는 철학자입니다. 14 살 때 그녀의 어머니는 그녀를 Victor Pivovarov의 아틀리에로 데려 갔다. 피보 바로 프는 인생에서 중요한 역할을했으며 나중에는 멘토가되었습니다. 2015 년 Nakhova는 베니스 비엔날레에서 파빌리온으로 러시아를 대표하는 최초의 여성 예술가가되었습니다. 그녀는 뉴욕시에서 Nailya Alexander Gallery로 대표됩니다. Nakhova는 현재 모스크바와 뉴저지에서 거주하고 있습니다. 그녀는 미술, 사진, 소리, 센서 및 풍선 재료와 같은 다른 매체와 함께 일합니다. 그녀는 Kandinsky 2013 Award의 수상자입니다.

Nakhova는 1978 년 Moscow Polygraphic Institute의 그래픽 디자인 부서를 졸업했습니다. 그녀는 1986 년부터 1989 년까지 소련의 예술가 연합 (Union of Artists of Union)의 일원이었으며, 친구 및 동료 Ilya Kabakov, George Kisevalter, Vladimir Sorokin, Dmitrii Prigov, Andrei Monastyrsky는 모스크바 개념주의 창립 멤버 중 하나로 간주됩니다. Nakhova는 현재 러시아 아파트에있는 러시아 예술의 최초의 “전체 설치”인 Rooms (1983-1987)의 젊은 예술가로 국제적인 명성을 얻었습니다.

1988 년 Nakhova는 모스크바에서 Sotheby의 첫 경매에 포함 된 가장 어린 예술가 중 한 명입니다. “아방가르드와 소비에트 예술”이라는 제목의 “획기적인”경매는 3 억 달러 이상을 실현했으며 러시아 미술을 서유럽과 미국 시장에 개척하는 데 큰 진전을 이루었습니다. Nakhova의 작품은 1990 년대 초 뉴욕에서 Nakhova의 첫 번째 전시회 인 뉴욕에서 3 번의 개인전을 가졌던 미국의 작가 인 Phyllis Kind의 관심을 끌었다.

1994 년부터 1997 년까지 그녀는 미국 디트로이트에있는 대학의 교수였습니다. 2011 년 Nakhova는 모스크바 현대 미술관 (Moscow Museum of Modern Art)에서 제 4 회 모스크바 비엔날레 현대 미술 특별 게스트로 출연했습니다. Nakhova의 작품에 대한 대규모 회고의 일환으로, 그녀의 정식 시설 2 호실 (1983-1987)은 오늘날 그녀가 사는 모스크바 아파트에 위치한 억압적인 소비에트 정권의 좌절의 결과였습니다.

2013 년 Nakhova는 그녀의 작품 Untitled로 러시아 현대 미술에서 가장 높은 영예 중 하나 인 올해의 프로젝트 부문에서 Kandinsky Prize를 수상했습니다. Nakhova는 Untitled를 “저는 할머니, 처형 된 할아버지, 엄마, 아빠, 과거 자아와 같은 가족의 역사를 통해 이해할 수있는 역사를 생각해 보았습니다. 이것이 우리 나라에서 다 스릴 수없는 불가사의 한 상황을 이해하려는 시도입니다.” 지난 세기, 개인 이미지를 통해 수백만 명의 사람들이 어떻게 역사에서 지워지고 행복하게 잊혀 졌는지, 사람들이 어떻게 눈을 멀게하고 영혼이 파괴되어 기억과 역사없이 살 수 있는가? ”

컬렉션
Nakhova의 작품은 프랑스, ​​독일, 영국, 이탈리아, 스페인, 스웨덴, 스위스 및 미국 전역의 공개 및 개인 컬렉션에 있습니다. 러시아에서 그녀의 작품은 모스크바 현대 미술관, 국립 현대 예술 센터 및 모스크바의 트레 트 야코프 주립 미술관에서 찾을 수 있습니다.

Nakhova의 작품은 1950 년대 후반부터 1980 년대 페레스트로이카의 출현까지 미국 경제학자 Norton Dodge에 의해 축적 된 러시아 이외의 소비에트 시대 예술 컬렉션 중 하나 인 노턴 및 낸시 닷지 소비에트 부적합 미술 컬렉션의 일부입니다. 닷지는 냉전이 진행되는 동안 소련에서 미국으로 거의 10,000 편의 예술 작품을 밀수입했으며, 종종 개인의 위험이 커졌으며, John McPhee의 The Ransom of Russian Art (1994)에 자세히 설명되어 있습니다. 이 컬렉션은 1990 년대 중반 Rutgers University에 기증되었으며, 이곳은 University의 Jane Voorhees Zimmerli Art Museum에서 상설 전시되고 있습니다.

전시회
2015 년 Nakhova는 베니스 비엔날레에서 파빌리온으로 러시아를 대표하도록 선정되었습니다. 그녀는 솔로 파빌리온에서 러시아를 대표 한 최초의 여성 예술가였습니다. 스텔라 아트 재단 (Stella Art Foundation) 회장 스텔라 케사 에바 (Stella Kesaeva)는 “1914 년 알렉세이 슈 추세 프 (Aleksei Shchusev)가 설계 한 파빌리온 구조 자체와의 대화를 바탕으로 건축과 마찬가지로 설치 예술과도 관련이 있습니다” . “[Vadim] Zakharov의 프로젝트와 마찬가지로, 파빌리온의 건축 특징은 Nakhova 설치의 중요한 구성 요소로 구성됩니다. 이번에는 Schusev 건물의 1 층과 2 층 사이에 개구부가 다시 만들어졌으며 외부는 녹색으로 칠해졌습니다. 결과 : 러시아 관은 카지미르 말레비치 (Kazimir Malevich)의 검은 광장 (1915)의 공간적 은유를 감추면서 낭만적 인 전망대를 선보이고 있으며,이 파빌리온의 또 다른 설치는 그녀의 프로젝트 “방”으로 5 개의 다른 공간으로 구성되었다. 예술, 건축, 시청자의 관점에서

Irina Nakhova의 세 부분으로 구성된 설치 베니스 비엔날레 (2015)에서 러시아를 대표 한 그린 파빌리온 (Green Pavilion)은 생각을 불러 일으키지 만 역사와 미래와의 관계에 대한 분리 된 모습입니다.

설치 예술가이자 학문적으로 훈련 된 화가 인 Nakhova는 회화, 조각 및 새로운 미디어를 대화식 설치 및 환경에 결합하여 시청자가 개념적 사고 방식의 공동 제작자로 참여하게합니다. 예술은 공간으로 존재하지 않는 강력하고 눈길을 끄는 차이 경험, 물리적, 지적입니다.

우리는 역사의 일부로 존재합니다. 우리는 우리가 통제 할 수없는 힘에 의해 부풀려 질 수 있으며, 우리의 관찰 가능한 기여는 사라질 수 있습니다. 역사는 그 자체이며 미래는 불확실하고 예감 적이지만 우리는 그랬고 우리는 전체 이야기의 일부입니다.

Nakhova의 녹색-적색 실과 같은“추상적 인 구성은 Navantova의 초기 캔버스 Primary Colors 2 (2003)에서 나온 것으로, 전위적인 러시아의 색채 이론으로 말레비치 (Maryevich)가 ‘새로운 색의 현실주의’라고 부르는 것을 포용합니다. 후자는 캔버스의 경계를 넘어서 리터럴 공간에서 작동합니다. 이런 의미에서 Nakhova의 녹색-빨간색 방은 사회 전체의 흔적과 왜곡을 찾을 수있는 색상과 색상 텍스트의 포스트 모던 (자 메이 니아) 하이브리드입니다.

하이라이트

미묘하게 변화하는 특징을 가진 헬멧을 쓴 사람의 거대한 머리 인 설치의 첫 번째 부분은 시각적으로 훌륭하지만 설치와 전체가 어떻게 관련되어 있는지는 분명하지 않습니다.

첫 번째 방으로 들어가면 모든 크기가 다르며 조종사가 당신을 맞이합니다. 조종사는 시간을 통해 네비게이터입니다. 그래서 당신이 여기있을 때 어두워요. 하늘은 닫혀 있지만 비행기 조종석에 있습니다. 조종사에게 가까이 다가 가면 그의 눈이 뜨고, 그는 당신을보고, 하늘도 봅니다. 하늘이 [스카이 라이트를 통해] 열리고 있음을 알 수 있습니다. 그러면 실제로 무슨 일이 일어나고 있는지 알 수 있지만 언어 의사 소통이 없기 때문에 꿈과 같습니다.

설치의 두 번째 부분은 두 개의 방을 차지합니다. 더 낮은 방에서는 구소련의 이미지와 비디오가 벽에 투사됩니다. 사진에 표시된 일부 사람들에게 파란색 ‘X’와 빨간색 원이 나타나기 시작합니다. 그런 다음 사진과 비디오가 희미 해지고 새 이미지로 바뀝니다. 사진 속의 사람들이 쫓겨나고 그들의 이미지가 희미 해짐에 따라, 그들은 역사에서 ‘사라지고’있는 것처럼 보입니다. 이는 수년 동안 전체주의 정권의 희생자들이 겪는 운명입니다.

‘사라지는’사람들의 관행에 대한 시각적 인 표현은 조금 분명하지만, 설치 작업을하는 것은 시청자가 작업에 참여하는 방식입니다. 사진이 사라지는 방 위에는 빈 회색 방이 있습니다. 이 전망 실에서 방문객들은 바닥에 투명한 플라스틱 창문을 내려다보고 사람들이 희미한 사진과 비디오를 관찰하는 것을 볼 수 있습니다.

빛은 천장의 채광창을 통해 바닥의 플라스틱 패널을 통해 아래 방으로 쏟아집니다. 그 방에있는 사람들이 찾아 보면 위의 방에있는 사람들이 관찰하고있는 것을 보게 될 것입니다.

때때로 채광창이 닫히고 이미지 공간이 어두워집니다. 채광창이 열리고 빛이 다시 들어 오면 아래 사람들 중 일부는 계속 움직여 사라질 것입니다. 비슷하게 때때로 관측 실이 어두워지고 빛이 돌아 오면 일부 관찰자들도 사라질 것입니다.

압제적인 권위주의 체제 하에서 무고한 방관자들은 주변의 혼란에 대한 침묵의 증인으로 관찰자로 끝날 수 있습니다. 이것은 끔찍한 딜레마를 만듭니다. 침묵하면서도 아무 것도하지 않음으로써,이 침묵하는 증인들은 가해당한 공포에 연루되어 있습니까? 그러나 조용한 증인이 발언하거나 행동을 취하면 다음 희생자가되지 않습니까? 이러한 잔인한 환경에서 누구나 ‘교차’를하고 사라질 수 있습니다.

위의 비디오에서 Irina Nakhova가 Green Pavilion에서이 두 번째 영역을 설명 할 때 아티스트는 사진에서 벗어나는 사람들을 언급하지 않고 대신 방이 어두워 질 때의 효과에 중점을 둡니다.

그것은 당신이 정말로 자신에게 와서 급성 인식으로 당신의 주위에 무슨 일이 일어나고 있는지 볼 수있는 곳입니다. 어두워지면 하늘과 과거 만있을뿐입니다. 그것은 우리 앞에 있기 때문에 진정합니다. 그것은 우리를 뒤쫓아 갈 것이며 우리는 역사의 한 부분입니다. 그래서 두려움은없고 기쁨도 없습니다. 그러나 그것은 우리를 인계하고 우리를 거치는 본성입니다.

설치의 세 번째 부분은 추상 녹색과 빨간색 패턴으로 칠해진 빈 방입니다. 이를 설명하면서 예술가는 다음과 같이 말합니다.

러시아 관
러시아 파빌리온에는 베니스 비엔날레 예술 축제 기간 동안 러시아의 국가 대표가 있습니다. 러시아 파빌리온은 1913 년에서 1914 년 사이에 설계되고 건축되었습니다. 건축가 Alexey Shchusev는 17 세기와 18 세기 러시아 건축 양식을 사용했습니다.

Stella Art Foundation은 2003 년 11 월 모스크바에서 Stella Kesaeva의 주도로 설립 된 비영리 단체입니다. 이 재단은 현대 미술 지원에 전념하며 모스크바 개념 예술 분야의 장학금 장려에 특별히 중점을 둡니다. 그것은 20 세기 초와 21 세기 초의 천 개가 넘는 작품을 소장하고 있습니다. Stella Art Foundation은 러시아와 해외에서 러시아와 외국 예술가들의 약 100 개의 프로젝트를 수행했습니다.

베니스 비엔날레 2015
2015 년 아트 비엔날레 (Art Biennale)는 2011 년 Bice Curiger (조명)에서 기획 한 전시회와 Massimiliano Gioni 백과 사전 (2013)으로 시작된 일종의 3 부작을 마무리합니다. La Biennale은 All the World ‘s Futures를 통해 현대 예술에 대한 미학적 판단, 아방가르드 예술과 “비 예술”예술이 끝난 후의 “중요한”문제에 대한 유용한 판단에 대한 연구를 계속하고 있습니다.

오쿠이 엔 위저 (Okwui Enwezor)가 기획 한 전시회를 통해 라 비엔날레 (La Biennale)는 외세와 현상을 촉발함에있어 예술과 인간, 사회, 정치 현실의 발전 사이의 관계를 관찰하기 위해 돌아왔다. 세계는 감성, 예술가들의 활력과 표현력, 그들의 욕구, 영혼의 움직임 (내부 노래)을 요구한다.

La Biennale di Venezia는 1895 년에 설립되었습니다. Paolo Baratta는 2008 년부터 1998 년부터 2001 년까지 사장으로 재직했습니다. La Biennale은 새로운 현대 미술 트렌드의 연구 및 홍보의 선두에 서서 전시회, 축제 및 연구를 조직합니다. 모든 특정 분야 : Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930), Theatre (1934). 그 활동은 최근 완전히 개조 된 ASAC (History Archives of Contemporary Arts)에 기록되어 있습니다.

지역 사회와의 관계는 교육 활동과 가이드 방문을 통해 강화되었으며, 베네토 지역과 그 밖의 지역에서 점점 더 많은 학교가 참여하고 있습니다. 이를 통해 새로운 세대 (2014 년 교사 3,000 명, 학생 30,000 명)에 창의성을 전파합니다. 이러한 활동은 베니스 상공 회의소에서 지원되었습니다. 전시회에 특별 투어 및 숙박을하는 대학 및 연구소와의 협력도 확립되었습니다. 2012 년부터 2014 년까지 3 년 동안 227 개 대학 (79 개 이탈리아 및 148 개 국제 대학)이 비엔날레 세션 프로젝트에 참여했습니다.

모든 분야에서 저명한 교사들과 직접 접촉하여 젊은 세대의 예술가들에게 더 많은 연구 및 제작 기회가 주어졌습니다. 이것은 현재 비엔날레 컬리지 국제 프로젝트를 통해보다 체계적이고 지속적으로 진행되고 있으며, 현재 댄스, 극장, 음악 및 시네마 섹션에서 운영되고 있습니다.