최소한의 음악은 제한되거나 최소한의 음악 자료를 사용하는 예술 음악의 한 형태입니다. 서양 미술 음악 전통에서 미국의 작곡가 인 La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich 및 Philip Glass는 최소한의 접근법을 사용하는 작곡 기법을 처음으로 개발 한 것으로 알려져 있습니다. 그것은 1960 년대의 뉴욕 다운타운 장면에서 유래했으며 처음에는 뉴욕 최면 학교라는 실험 음악의 한 형태로 간주되었습니다. 미적으로, 그것은 진행중인 작품에 대한 비 서사적, 비 기술적, 비 표상 적 개념으로 특징 지어지며, 음악의 내부 과정에 초점을 맞춤으로써 음악 듣기 활동에 대한 새로운 접근법을 대표합니다. 목표 또는 목표 달성을위한 움직임이 결여되어있다. 이 기법의 주요 특징은 자음 조화, 꾸준한 맥박 (움직이지 않는 무인 항공기는 아닐지라도), 정지 또는 점진적 변형, 종종 음악 문구 나 인물, 모티브 및 세포와 같은 더 작은 단위의 반복이다. 그것은 위상 음악 (phase music)으로 불리는 것을 유도하는 가산 과정 (additive process) 및 위상 시프 팅 (phase shifting)과 같은 특징을 포함 할 수있다. 엄격한 규칙을 따르는 프로세스 기술에 크게 의존하는 최소한의 구성은 대개 프로세스 음악이라는 용어를 사용하여 설명됩니다.

이 운동에는 원래 수십 명의 작곡가가 참여했으나 미국 음악의 최소 음반에는 공개 된 5 명 (영, 라일리, 제국, 유리 및 나중에 존 애덤스)이 등장했습니다. 유럽에서는 Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Goriki, Arvo Pärt 및 John Tavener의 음악이 미니멀리스트의 특징을 보여줍니다.

최소한의 음악이라는 용어의 출처는 분명하지 않습니다. 스티브 라이히 (Steve Reich)는 마이클 니먼 (Michael Nyman)이 두 명의 학자 조나단 버나드 (Jonathan Bernard)와 댄 워벅턴 (Dan Warburton)도 서면으로 주장했다고 ​​주장했다. 필립 글래스 (Philip Glass)는 톰 존슨 (Tom Johnson)이이 문구를 만들었다 고 믿습니다

성격 묘사
이 스타일의 음악에 대한 정확한 특성은 훌륭한 문체 다양성 때문에 포스트 미니멀리즘에 대한 경계와 마찬가지로 어렵다. 다음과 같은 다양한 문체 기능이 있습니다.

다른 것들 중에서 가장 작은 동기 (멜로딕, 리듬 또는 조화) 셀 또는 “패턴”의 병렬 배치 및 반복을 통해 발생하는 반복적 인 구조
안정된 하모니, 많은 자음을 가진 음조의 음악적 언어
부가 적 및 감정적 과정 : 동기 세포의 개별적인 음표를 추가하거나 제거함으로써 리듬 구조가 변경됩니다.
위상 변화, 오버레이, 다양한 목소리로 움직이는 세포의 강조점 이동은 건전한 카펫을 만듭니다.
스트레스 형성의 연속성 및 회피.
톤의 색상과 밀도는 거의 변경되지 않습니다.
그것은 영구적 인 뮤지컬 연속체에서 파편이 들리는 느낌을줍니다.
시간의 확장 된 개념 : 몇 초 또는 몇 분에서 몇 시간, 며칠, 몇 주까지 조각의 새로운 차원
잊기의 긍정적 기능
미술 음악과 비교할 때 Minimal Music은 다소 낮은 고조파 복잡성을 가지고 있습니다. Minimal Music은 대개 모달 색조의 맥락에서 움직이고 불협화음은 아주 적게 사용합니다. 리듬 요소 (종종 폴리 리듬)는 Minimal Music에서 강력하게 강조됩니다. 반복성이 매우 높습니다. 간단한 기본 패턴 (패턴)이 오랜 시간 동안 반복되어 약간의 가끔씩 거의 인식 할 수없는 변형이 생기면 간단한 병치로 만듭니다 유사 콘텐츠 패턴이 동시에 약간 다른 속도로 연주되는 경우 위상 이동 (페이징)의 효과가 발생합니다.

미니멀 음악은 전통적인 클래식 음악의 관객은 아니지만 팝 뮤직 (일부 상호 작용이있는) 외부의 현대 음악으로 상당한 인기를 누리고 있습니다.

약력
“minimal”이라는 단어는 아마도 1968 년 Michael Nyman에 의해 음악과 관련하여 처음 사용되었을 것입니다. Michael Nyman은 “ICA에서 Charlotte Moorman과 Nam June Paik이 발표 한 엔터테인먼트에서 성공한 최소한의 음악을 성공적으로 만들 수있는 방법을 추론했습니다.” Henning Christiansen의 Springen과 수많은 미확인 공연 예술 작품이 포함되었습니다. Nyman은 1974 년 저서 “Experimental Music : Cage and Beyond”에서 최소한의 음악에 대한 정의를 확장했습니다. 미니멀리스트로 자칭하는 작곡가 중 한 명인 톰 존슨 (Tom Johnson)은 The Village Voice의 새로운 음악 평론가로서 처음으로이 단어를 사용했다고 주장한다. 그는 “미니멀리즘”에 대해 설명합니다.

미니멀리즘의 아이디어는 많은 사람들이 깨닫는 것보다 훨씬 큽니다. 정의에 따라 한정된 재료 나 최소 재료로 작동하는 모든 음악 : 골동품 심벌즈, 자전거 바퀴, 골동품 심벌, 또는 위스키 안경. 그것은 오랫동안 하나의 기본적인 전자 럼블을 유지하는 조각들을 포함합니다. 그것은 하천과 하천의 기록에서만 만들어진 조각을 포함합니다. 그것은 무한 원형으로 움직이는 조각들을 포함합니다. 그것은 색소폰 사운드의 움직이지 않는 벽을 만드는 조각들을 포함합니다. 한 종류의 음악에서 다른 종류의 음악으로 점차 이동하는 데 오랜 시간이 걸리는 작품이 포함되어 있습니다. 여기에는 C와 D 사이의 모든 가능한 피치를 허용하는 피스가 포함됩니다. 템포를 분당 2 ~ 3 음으로 낮추는 피스가 포함됩니다.

이미 1965 년 예술사 인 Barbara Rose는 La Monte Young의 드림 뮤직, Morton Feldman의 특색있는 부드러운 동역학 및 다양한 “무한한 예술”의 사례로서 무명 작곡가들을 “존 케이지에게 빚을 졌던 것” 특히 “최소한의 음악”이라는 표현을 특별히 사용하지 않았습니다.

가장 저명한 작곡가는 John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley 및 La Monte Young입니다. 이 구성 적 접근법과 관련된 다른 사람들은 Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith 및 Michael Parsons입니다. 흑인 작곡가들 중 미니멀리스트 미학은 재즈 뮤지션 존 루이스 (John Lewis)와 다 분야 예술가 줄리 아스 이스트만 (Julius Eastman)과 같은 인물들에 의해 받아 들여졌습니다.

글래스와 제국의 초기 작곡은 다소 간결하며 주요 테마에 대한 약간의 꾸밈음이 있습니다. 이들은 작곡가가 종종 멤버였던 작은 악기 앙상블을위한 작품입니다. 유리의 경우,이 앙상블은 기관, 바람, 특히 색소폰과 보컬을 포함하는 반면, 제국의 작품은 망치와 타악기를 강조합니다. 아담스의 작품 대부분은 풀 오케스트라, 현악 4 중주곡, 솔로 피아노 등 전통적인 고전 악기를 위해 쓰여졌습니다.

라이히와 글래스의 음악은 아트 갤러리와 박물관에서 초기 스폰서를 이끌었으며 로버트 모리스 (유리의 경우), 리차드 세라 (Richard Serra), 브루스 나우 만 (Bruce Nauman), 영화 제작자 마이클 스노우 (Michael Stan) 케이스).

초기 개발
1940 년대와 1950 년대 Moondog의 음악은 흔히 비정상적인 박자 기호에서 꾸준히 발생하는 대위법을 기반으로 필립 글래스와 스티브 라이히에게 영향을주었습니다. Glass는 자신과 Reich가 Moondog의 작품을 “우리가 Juilliard에서 접한 것보다 훨씬 더 심각하게 이해하고 그것을 높이 평가했다”고 썼다.

최초의 미니멀리스트 작곡 중 하나는 1959 년에 쓰여진 Dennis Johnson의 11 월이었습니다. 약 6 시간 동안 지속되는 솔로 피아노를위한 작품으로, 그것은 시음 음조, 프레이즈 반복, 덧셈 과정과 같은 미니멀리즘과 관련이있는 많은 특징을 보여줍니다 , 및 기간. 라 몬테 영 (La Monte Young)은이 곡을 자신의 대작 ‘The Well-Tuned Piano’의 영감으로 평가합니다.

1960 년, Terry Riley는 순수하고 무심한 C 장조에서 현악 사중주를 썼다. [clarification needed] 1963 년에 Riley는 반복적 인 아이디어를 미니멀리즘에 주입 한 테이프 지연 인 Mescalin Mix와 The Gift를 사용하여 두 편의 전자 작품을 만들었다. 1964 년 Riley ‘s In C는 반복적 인 멜로디 프레이즈의 레이어 된 퍼포먼스에서 설득력있게 매력적인 텍스쳐를 만들었습니다. 작품은 악기 및 / 또는 음성의 모든 그룹에 대해 점수가 매겨집니다. 1965 년과 1966 년에 스티브 라이히 (Steve Reich)는 비가오고 테이프로 나오고 라이브 스테이지에서 피아노 페이즈 (Piano Phase)라는 작품을 제작하여 위상 이동이라는 개념을 도입했거나 두 개의 동일한 문구 나 사운드 샘플을 약간 다른 속도로 반복하여 반복 재생할 수있었습니다. 천천히 서로 위상이 어긋납니다. Philip Glass는 1968 년부터 1 + 1로 시작하여 미니멀리스트 기법의 레퍼토리에 첨가물 프로세스 (1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4와 같은 시퀀스를 기반으로 한 형식)를 포함하는 일련의 작업을 작성했습니다. 이 작품에는 두 페이지, 5 번째 음악, 반대 운동의 음악 등이 포함됩니다. 유리는 Ravi Shankar와 인도 음악에 영향을 받았으며 Ravi Shankar가 서양 표기법으로 영화 음악을 녹음 한 시점부터 영향을 받았습니다. 그는 서구 시대에 빵 조각처럼 나누어 져 있다는 것을 깨달았습니다. 인디언 및 다른 문화는 작은 단위를 가져 와서 함께 묶습니다.

스타일
리차드 E.로드 다 (Richard E. Rodda)에 따르면 “미니멀리스트 음악은 천천히 변화하는 일반 화음 (하나 이상의 건반에 대해 온음계이거나 또는 전공 또는 전공 또는 부전공 중 하나 인 3 화음)의 반복을 기반으로합니다 : 공통 음 ] 반복적 인 멜로디 패턴, 자음 하모니, 운동 리듬 및 청각 적 아름다움을 위해 고의적으로 노력하면서 장기간에 서정적 인 멜로디가 겹쳐진 꾸준한 리듬에서. 티모시 존슨 (Timothy Johnson)은 스타일로서 최소한의 음악은 분리 된 섹션없이 주로 형태로 연속되어 있다고 주장합니다. 이것의 직접적인 결과는 인터 로킹 리듬 패턴과 펄스로 구성되는 끊임없는 질감입니다. 또한 밝은 음색의 사용과 활기찬 방식으로 표시됩니다. 그것의 고조파 음계는 분명히 단순하며, 보통 온음계이며 익숙한 트라이어드와 일곱 번째 코드로 구성되며 느린 하모닉 리듬으로 제공됩니다. 그러나 Johnson은 Rodda와는 달리 최소한의 음악에서 가장 두드러진 특징은 확장 된 멜로디 라인이 전혀 없다는 점에 동의하지 않습니다. 대신 단편적인 반복적 인 리듬 패턴의 조직, 조합 및 개성을 포어 그라운드로 밀어 넣는 짧은 멜로디 부분 만 있습니다.

대중 음악에서
최소한의 음악은 대중 음악의 발전에 약간의 영향을 미쳤습니다. 실험적인 록 공연 The Velvet Underground는 John Cale과 La Monte Young의 긴밀한 협력 관계에 뿌리를 둔 최소한의 음악이 등장한 뉴욕 다운 타운 장면과 관련이 있으며, 후자는 밴드와의 Cale의 작업에 영향을줍니다. 테리 라일리 (Terry Riley)의 앨범 인 A Curved Air의 Rainbow (1969)는 환각과 꽃의 힘을 발휘하는 시대에 출시되어 크로스 오버 성공을 거두는 최초의 미니멀리스트 작품으로, 록과 재즈 관객에게 호소력이있다. 음악 이론가 대니얼 해리슨 (Daniel Harrison)은 “보모 보이 스마일 스마일”(1967)을 “protominimal rock”의 실험적 작품으로 정교하게 만들었다. “[The album]은 서구의 전통에서 거의 예술 작품으로 간주 될 수 있으며, 바위의 음악적 언어는 전통과 다른 전통적 기법을 도입 한 것과 비교 될 수있다. ” krautrock, 우주 암석 (1980 년대), 소음 암석 및 암석 후퇴와 같은 실험적인 암석 장르의 개발은 최소한의 음악의 영향을 받았다.

Sherburne (2006)은 최소한의 형식의 전자 댄스 음악과 미국 최소 음악 사이의 유사점이 쉽게 우연히 발생할 수 있다고 제안했습니다. 댄스 음악에 사용되는 음악 기술의 대부분은 전통적으로 루프 기반 작곡법에 맞게 설계되어 최소한의 아트 음악과 같은 최소한의 테크노 사운드와 같은 스타일의 특정 스타일 기능이 왜 왜곡 될 수 있습니다. 미국의 최소한의 전통에 대한 인식을 분명히 지닌 한 그룹은 The British Ambient act The Orb입니다. 그들의 1990 년 제작 “Little Fluffy Clouds”는 Steve Reich의 Electric Counterpoint (1987)의 샘플을 특징으로합니다. 스티브 라이히 (Steve Reich)가 전자 댄스 음악에 미칠 수있는 영향에 대한 추가적 인식은 DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii, Coldcut 등과 같은 예술가들의 재 해석을 특색으로 삼은 Reich Remixed Tribute 앨범의 1999 년 출시와 함께 이루어졌습니다.

연속성
놀랍게도, Arnold Schoenberg의 제자이자 Second Vienna School의 회원 인 Anton Webern 역시 미니멀리스트 운동에 영향을줍니다. 특히 La Monte Young (누가 6 중주의 Stringat Quartet (1913)과 Symphony op. (1928)은 연재와 미니멀리즘에서의 전환을 강력하게 도운 작품으로보고있다. Webern은 또한 유럽에서 동시에 발전하지만, 근본적으로 다른 음악적 개념을 가진 후기 직렬 (post-serialism)에 중요한 영향을 미치며 음악 학자들에 의해 때때로 “역설적 인”것으로 확인됩니다.

미국 전위 예술가
John Cage는 미니멀리즘의 탄생기에 큰 영향을 미쳤습니다. 미국에서 아방가르드 음악과 실험 음악의 가장 중요한 작곡가 인 그의 사상은 미니멀리스트의 작품에 직접 또는 간접적으로 영향을 미친다. 케이지 (Cage)의 일부 작품은 그의 첫 작곡이나 최소 침묵만으로 구성된 1952 년작으로 알려진 4’33 “와 같은 미니멀리즘과 관련이있는 것처럼 보일 수 있습니다. 그러나 케이지는 미니멀리즘에 매우 비판적이며, 기술은 불확정성 (또는 비 의도적), 즉 무작위성의 사용이다. 작품이나 구성 과정 자체에서는 미니멀리스트가 강력하게 거부한다.

비 서구 음악
1950 년대와 1960 년대에 서유럽과 미국은 비 서구 음악을 발견했습니다. 일반적으로 모드에 기반한이 음악은 모든 미니멀리스트 작곡가에게 영향을 미칩니다.

La Monte Young은 서부 해안에 거주하면서 1957 년 UCLA 캠퍼스에서 인도 음악을 발견했습니다. 그는 Ali Akbar Khan (sarod)과 Chatur Lal (tabla)을 특히 뛰어난 것으로 인용했습니다. 인도 음악은 Young에 결정적인 영향을 미칠 것입니다. 특히 Pandit Prân Nath와 함께 배우는 탐포 라 (tampoura)의 발견. 탐포 라 땅벌 (tampoura bumblebee)의 역할은 영을 매료시키고 오래가는 소리에 관심을 갖습니다. 영은 또한 일본 음악의 영향, 특히 thegagaku를 인식합니다. 이 영향은 미니멀리즘의 출생 증명서 인 Trio for Strings (1958)로 간주되는 희곡에서 사용됩니다.

테리 라일리 (Terry Riley)는 유럽에서 머무르는 동안 비 서구 음악, 특히 모로코 음악과 인도 음악을 La Monte Young을 통해 발견합니다. 그는 또한 Prân Nath와 함께 앨범 Music from Mills (1986)과 공동 작업을합니다.

재즈
재즈는 미니멀리스트에게 매우 중요합니다. 모두는 영향력, 특히 무료 재즈 및 Ornette Coleman 인 John Coltrane의 모달 재즈를 잘 알고 있습니다.

즉흥 연주는 La Monte Young과 마찬가지로 Terry Riley의 핵심입니다. 후자는 색소폰 연주자이며 악기 연주가로서 재즈 경험이 있으며 주로 고등학생 및 대학 시절에 연습했다. 로스 앤젤레스에서 그는 빅 밴드와 소그룹에서 연주했으며 특히 Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins와 재즈에 ​​헌신 할 계획입니다. 재즈의 영향은 그의 작품, 특히 소프라노 색소폰에서 분명히 드러나거나 즉흥적 인 형태에 대한 그의 관심을 나타낸다. 라일리는 피아니스트로 월리 로즈와 함께 래그 타임을 공부했으며, 대학에서 공부하는 동안 그리고 프랑스에서 머무르는 동안 활약합니다. Riley는 존 콜트 레인 (John Coltrane)에 깊은 인상을 받았으며 소프라노 색소폰을 배우는 다른 사람들에게 영감을주었습니다.

Steve Reich에게는 재즈 또한 큰 영향을 미칩니다. 제국은 드러머이며 고등학교와 코넬 대학교의 재즈 그룹에서 연주했습니다. 그것은 John Coltrane에 의해 극도로 영향을 받았고, 콘서트에서 자주 볼 수 있었으며, 앨범 My Favorite Things와 Africa / Brass를 특히 중요하게 인용했습니다. 제국에게는 재즈, 특히 리듬, 유연성, 재즈에 대한 선율 감각이 없어서 음악이 근본적인 영향을 미쳤다는 것은 생각할 수 없다.

그의 동료 들과는 달리 필립 글래스 (Philip Glass)는 오케트 콜먼 (Ornette Coleman)과 존 콜트 레인 (John Coltrane)의 무료 재즈에 매료되어 있음에도 불구하고 더욱 독창적 인 클래식 음악 교육으로 재즈를 그의 영향 중 하나라고 보지 않았습니다.

새로운 음악의 영향과 위치
Minimal Music은 아시아 (특히 인도와 인도네시아, 특히 Gamelan)와 아프리카 음악 (특히 폴리 리듬), 12 / 13 세기 노트르담 학교의 영향을 통합합니다. 세기 (무료) 재즈와 특정 형태의 바위 (환각적인 암석). 지금까지 서구 식 (즉, 본질적으로 유럽의) 문화, 특히 1950 년대와 1960 년대 초반의 협약, 특히 지배적 인 직렬 음악의 협약과 같은 구성의 관례를 대부분 무시합니다. 그러므로, 그것은 종종 연속성과 대조되는 것으로 이해된다. La Mont Young은 이론적으로 Arnold Schönberg와 Anton Webern을 언급하지만, 종종이 방향의 대표자들에 의해 격렬히 거부 당한다. 흔히 포스트 모던 음악으로 특징 지어진다. 미니멀 음악에서 시작하여 1970 년대에 포스트 미니멀리즘이 발전했습니다.

팝 컬처 뮤직에 대한 영향
오늘날의 많은 테크노의 프로듀서들도 최소한의 음악 전통을 가지고 있습니다.

기타리스트 딜런 칼슨 (Dylan Carlson)은 록 밴드라는 맥락에서 최소한의 음악으로 지구 아이디어를 전수함으로써 드론 둠 (Drone Doom)을 설립했습니다.

미니멀리스트 운동
미니멀리스트 운동은 1960 년대에 La Monte Young과 Terry Riley의 작품이 선구자로 간주되어 등장했습니다. 스티브 라이히 (Steve Reich)와 필립 글래스 (Philip Glass)는 아이디어를 넓히고 구성 과정을 제안하여 매우 성공적으로 진행할 것입니다.

그러나 미니멀리즘은이 작곡가들의 작품의 일부에 불과하며 일반적으로 정의 된 미니멀리즘은 1970 년대 중반에 끝나는 것으로 간주합니다. 이 날짜부터 작곡가들은 사실 더 풍부한 음악 요소, 더 많은 멜로디와 하모니, 대위법까지도 통합합니다. 이전의 작업으로 결정하지 않고도 이러한 요소를 추가하면 명확한 진화가 이루어집니다. 때때로 우리는 포스트 미니멀리즘, 특히 존 애덤스에 대해서 이야기합니다. 필립 글래스는 그에게 최소한 뮤지컬 극장에 완전히 참여했기 때문에 미니멀리즘은 1974 년에 끝났다고 명시 적으로 말했다.

1970 년대 후반에 등장한 Arvo Pärt와 같은 “미니멀리스트 신비주의”라고 불리는 인격체는 미국 반복의 직접 상속인은 아니지만 포스트 미니멀리즘 또는보다 일반적으로 포스트 모더니즘의 깃발 아래 포함됩니다.

미니멀리즘과 포스트 모더니즘
뮤지컬 포스트 모더니즘은 격리와 허식 후의 포스트 연재주의에 대한 거절의 태도, 포스트 모던의 작곡가들이 오해를 주장하며 그 혼합물이 콜라주 기법, 차용 및 인용문을 형성한다. Post-serialism이 Pierre Boulez의 말로 “과거의 깨끗한 슬레이트”를 만드는 것이었다면, 포스트 모더니즘은 그것을 기준으로 삼는다. 따라서 존 아담스는 자신의 음악이 “미니멀리즘뿐 아니라 알반 베르크, 스트라빈스키, 락앤롤, 아랍 음악, 유대인 등”에 영향을 미치지 않는다고 생각합니다. 멜로디와 음조의 형태로 되돌아 와서, 반복적 인 언어의 사용, 콜라주와 인용에의 의지, 이러한 모든 특성 미니멀리즘은 사후 – 연속성과의 단절에서 포스트 모더니즘의 가장 급진적 인 현재이다.

포스트 미니멀리즘은 또한 처음 시간의 미니멀리스트 작곡가들에 관한 것이다. Drumming (1971) 이후, Reich는 그의 작품의 계측을 추가하고보다 복잡한 작업을 위해 리듬과 하모닉 방법을 개발했습니다. 같은 방식으로, Philip Glass는 1974 년부터 “뮤지컬 극장”과 오페라 작곡을 시작했으며, 미니멀리즘, 특히이 진화를 나타내는 오아시스 어인슈타인 (1976)의 조화 사용에 대한 우려로 시작되었습니다. 미니멀리즘 미니멀리즘은 덜 급진적이고 실험적이기 때문에 두드러진다.

“신비한 미니멀리스트”
이 작곡가들은 때로는 그룹화되어 있고 미니멀리스트 운동과 관련되어 있는데, 이는이 스타일의 특정 구성 원리 (반복, 오랫동안 들리는 소리, 침묵, 단순함)를 사용하고 공개적으로 자신의 삶과 종교에서 영향을 미친 종교적 영향 때문입니다. 그들의 구성. Alan Hovhaness는 때로는 이러한 추세의 선구자로 여겨지지만 대개 Estonian Arvo Pärt, Polish Henryk Goriki 및 영국 John Tavener는 “신비한 미니멀리스트”와 관련이 있습니다. 좀 더 넓게, Giya Kancheli와 Sofia Goubaïdoulina는 때로는 미니멀리즘의이 지점에도 남아 있습니다.

Pärt와 Gorcki의 작품은 색조, 반복적 인 방식으로 자주 쓰이는 단순한 음악 자료, 중세 작곡가와 그레고리력의 평범한 사람들의 영향을받은 작곡을 특징으로합니다. 공산주의 통치하에 정치적, 정신적 억압에 크게 영향을받은 두 가지 모두 1960 년대에 신고전주의 풍으로 만들어지기 직전에 당국에 대한 검열을 시작했다. 그런 다음 Pärt는 Für Alina (1976), Fratres (1977) 및 Spiegel im Spiegel (1978)을 작곡하여 침묵과 묵상의 음악으로 변모합니다.이 미니멀리즘의 내부 운동의 창립 작업으로 특정 스타일을위한 기초를 마련 할 것입니다 그는 tintinnabulum이라고 부른다. 이 스타일은 “tintinnabulante”로 알려진 토닉 트라이어드에서 한 개의 아르페지오와 진화하는 저음역을 기반으로 한 두 개의 음색을 동시에 사용하는 것을 특징으로합니다. 그의 작품은 성스러운 음악의 거의 독점적 인 글쓰기를 향한 것으로, 대부분의 경우 합창곡이며 “노래의 광도”를 발전시킵니다. 고르 렉키 (Gorreki)는 1976 년 시리얼 뮤직과 신성한 미니멀리즘 사이의 전환을 가져 왔으며 특히 서유럽과 미국 및 국제 명성에 수년 후 매우 중요한 영향을 줄 그의 세 번째 교향곡을 작곡 한 바 있습니다.

음악 설명
미니멀리스트 음악으로 분류 된 일련의 작품은 스타일의 통일성이나 완전히 동일한 음악적 특성을 갖는 것과는 거리가 있습니다. 분류가 항상 감소하지만, 미니멀리스트 음악의 미학은 다음 세 가지 특성에 기반한다고 일반적으로 인정됩니다.

“자음”조화로의 복귀 (음조조차도 일부 작품에서는 모달);
작은 점진적 변화가 있거나없는 문장, 인물 또는 음악 세포의 반복;
규칙적인 심장 박동.
그러나 이것은 매우 다른 프로필과 다양한 음악 기술을 사용하는 작품을 포함합니다. 마찬가지로 소위 미니멀리스트 작곡가의 작품은 모두 미니멀리스트로 간주 될 수 없으며, 특히 Steve Reich와 Philip Glass의 최신작이나 초기 (종종 뮤지컬이 아닌) 라 몬테 영의 작품으로 간주 될 수 있습니다.

이론과 직관 사이
미니멀리즘의 개척자 인 몬테 영 (Monte Young)과 테리 라일리 (Terry Riley)는 다양한 작곡 기법을 실험합니다. 몬테 영 (Monte Young)은 특히 일련의 작품과 Webern에서 영감을 얻은 작품, John Cage와 가까운 개념의 작품, 인도 음악과 재즈에서 영감을받은 즉흥 연주 그룹, 자연 범위에 대한 공식 연구를 기반으로 한 작품을 다양하게 제작합니다. Terry Riley는 훨씬 경험적이며, 테이프로 실험하고, 즉흥 연주를 많이 사용합니다.

음악적 특성

율
미니멀리스트들 사이의 주요 관심사는 페이스입니다. 대부분의 작곡은 규칙적인 맥동을 가지고 있으며 기본적인 리듬 단위의 얽힘으로 구성됩니다. 이러한 리듬에 대한 고려 사항은 특히 스티브 라이히 (Steve Reich)에 표시되어 있으며 위상 이동 기술을 통해 실현됩니다. 드럼 연주 (Drumming, 1971)는 제국주의가 단계적으로 표현한 리듬에 매료되어 절정을 이룬다. 필립 글래스 (Philip Glass)에서 리듬에 관한 작업은 특히 1 + 1 (1968)에서 자신의 부가 적 구성 과정을 사용하여 그의 첫 미니멀리스트 작품에서 나온 것이다.

리듬은 하모니와 멜로디가 재 통합되기 전에 미니멀리스트가 체계적으로 분석 한 첫 번째 요소입니다.

조화
극히 느린 진화와 낮은 음의 음표는 음색의 환상을 주지만, 거의 모든 움직임을 억제하지만, 최초의 미니멀리스트 작품은 음조, Young ‘s Trio for Strings (1958), Riley ‘s String Quartet (1960)입니다. 일반적으로 음조로의 복귀 작업으로 간주되는 C조차도 엄격하게 음조가 아니지만 갑옷의 징후가없는 기운이없는 구성인데, 구성이 크게 온음계 임에도 불구하고 말입니다.

어쿠스틱 악기를 선호하여 점차적으로 자기 테이프를 버리면 조화가 좋아집니다. 피아노 단계의 Steve Reich에서 음색 또는 모달 프로파일이 작업 초기에 설정되었지만 모호한 채로 남아 있습니다. 그 결과로 발생하는 프로세스 기 음성 성 페이징은 선험적으로 선택되지 않고 오히려 경험에 의해 요구됩니다.

레지스트리 및 역학
Young and Riley에서베이스는 인도 음악에서 영감을 얻은 무인 항공기 역할을합니다. 스티브 라이히 (Steve Reich)에서는 저음이 없으며 일반적으로 중간 음원에 속합니다 (피아노 페이즈는 Mi 4 이하의 등급, C 4 미만의 위상 패턴). 제국주의 자의 낮은 모호성의 부족은 정확하게 파악하지 못하고 유지하려고 노력합니다. 비슷하게, 미니멀리스트는 광범위한 게임 플레이를 전혀 사용하지 않습니다. 이것은 다른 현대 음악 스타일에 매우 있습니다.

그늘은 일반적으로 거의 변화가 없습니다. 사운드 레벨은 종종 매우 높습니다. 예를 들어 라 몬테 영 (La Monte Young)과 유리 (Rock)의 영향을 감지하는 유리 (Glass)

실행
합리적인 가격의 음악 듣기, 반복적 인 음악 재생이 잘못되었습니다. 라이히의 디 페이징 프로세스는 도구 주의자들에게 많은 집중을 요구합니다. 마찬가지로 Glass는 몇 명의 지휘자가 준비되지 않은 리허설을 듣고 자신의 점수가 너무 낮게 깨달았습니다. 51. 작곡가의 부재로 인해 정보가 부족하거나 명확하지 않을 때 창의성을 요구하는 통역사를 해독하기가 항상 쉬운 것은 아닙니다.

시각 예술과 관련된 링크

댄스
사실상 그 시대의 음악적 창조물과 항상 밀접하게 연결된 춤은 특히 반복의 개념과 사용에 대한 미니멀리스트 음악의 영향을 피하지 못합니다. 어떤면에서 춤에 대한 미니멀리스트 음악의 영향의 근원은 현대 무용이 시작된 1950 년대 초기의 미국 안무가 인 Merce Cunningham과의 John Cage의 협력으로 거슬러 올라갑니다. Cunningham은 1968 년 Merce Cunningham이라는 제목의 멜로디로 자신의 혁신적인 안무로 음악을 작곡 한 Morton Feldman을 만났습니다. 또한 Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown 및 작곡가 Terry Riley와 La Monte Young을 포함한 그룹이 결성되었습니다 1960 년부터 1962 년까지 뉴욕의 Judson Church 등의 공연을 위해 Anna Halprin을 중심으로 활동했다. 그러나 Trisha Brown은 현대 무용의이시기 동안 안무의 반복과 연속적인 축적 원리를 더 깊이 탐구합니다. 무용수이기도 한 메레디스 몽크 (Meredith Monk)는 나중에이 그룹에 합류하여보다 세련된 운동과 영적 트랜스를 지향하는 공연에서 그녀의 음악 연구와 안무 제작을 결합 할 수 있습니다.

조형 예술
미니멀리스트 작곡가들은 예술가, 특히 현재의 미니멀리스트와 개념 예술과 긴밀한 관계를 유지해 왔습니다. Steve Reich와 Philip Glass는 Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow 또는 Nancy Graves와 매우 친한 관계였습니다. 라이히 (Reich)는 Whitney Museumin 1969에서 자신의 플라스틱 친구와 함께 미니멀리즘에 관한 주요 전시회의 카탈로그에 포함될 Gradual Process (1968)로서의 음악을 글쓰기에 쓴다. 또한, Serra, Nauman, Snow가 집행자로 참여하는 Reich ‘s Pendulum Music과 같은 작품은 음악보다 성능에 더 중점을두고 있습니다. 스티브 라이히 (Steve Reich)는 예술가와 작품의 공통점을 인식하고 작품의 “기하학적이고 은유 적”인 외형을 특징으로하지만 직접적인 상호 영향은 없다. 그는 “우리는 같은 수프에서 수영하고 있었다”고 말한다. 1977 년 일부 예술가들은 유리 해변에 아인슈타인을 설치 한 결과 채무를 구제하기 위해 작품을 판매했습니다. 마지막으로 유리는 1969 년 Richard Serra의 전임 개인 비서였습니다. Glass는 음악가로서의 그의 작품과 그의 친구들 예술가의 작품을 직접 연결하지 않습니다.

인정과 인기
미니멀리즘은 실험적인 흐름으로 태어 났으며 고전 음악의 전통적인 세계를 벗어나 발전했다. 첫 번째 콘서트는 주로 미술관이나 박물관에서 제공되며 작곡가가 직접 조직해야합니다. 특히 리셉션이 좋은 유럽을 포함하여 미니멀리스트 음악을 널리 보급 할 수있는 레코딩입니다. 더욱이 유럽의 필립 글래스 (Philip Glass)에게 프랑스 국가의 명성과 함께 현대 음악을 좋아하는 사람들을위한 청취가 끝난 디스코 그래피 성공작 인 데비드 리치 (German Steve Reich)와 함께 독일 레이블 판 현대 음악.

비평과 분석
극단적으로 강한 비평가들은 전위 주의자 또는 철학자들과 가까운 작곡가 또는 음악 학자를 중심으로 미니멀리즘을 향해 스스로를 표현했다. 미국의 작곡가 엘리엇 카터 (Elliott Carter)는 미니멀리즘에 대한 강한 반대와 더 일반적으로 음악에서의 반복의 반복을 반복적으로 표명했다. 특히 광고, 원치 않는 광고, 침입 광고 및 반복 된 광고 nauseum을 예로들 수 있습니다. 파시스트 자격은 심지어 광고에서 실행 된 세뇌 방법이나 반복적 인 히트라의 연설과 비교하여 명시 적으로 사용되었습니다.

미니멀리즘에 대한 비판은 때때로 포스트 모더니즘의 비판과 혼동된다. 아방가르드 작곡가 인 Brian Ferneyhough는 비극적 인 포스트 모더니즘, 특히 존 애덤스를 거부하며, 그는 음악 문화의 비 포함과 관련된 윤리의 부재를 비난했다.