모더니즘은 문화적 추세와 변화와 더불어 19 세기 후반과 20 세기 초반 서구 사회에서 광범위하고 광범위한 변화로부터 비롯된 철학적 운동이다. 근대주의는 근대 산업 사회의 발전과 도시의 급속한 성장으로 이어져 공포와 제 1 차 세계 대전에 대한 반응을 일으켰다. 모더니즘은 또한 계몽주의 사고의 확실성을 거부했고 많은 모더니스트들은 종교적 신념을 거부했다.
발명에 적용되는 용어와 사회 근대의 강력한 힘에 가깝지만 근본적인 관계를 추구하는 예술 전략의 효과적인 추구 근대성에 대한 근대 주의자들의 반응은 승리 축하에서 고뇌 된 비난에 이르기까지 다양하며 영향의 직접적 묘사와 모드가 다르다 근대화와 순전히 예술적 전제와 연습의 극단적 인 혁신에 이르기까지 – 개별적으로 또는 종종 그룹으로, 비평가, 역사가 및 이론가들에 의해 연구되는 예술가들이 추구하는 전략은 독특한 형태로 그리고 다양한 형태로 역사적 궤도 그들은 회화, 디자인 및 건축에서의 현대 운동에서 가장 강했고, 문학과 음악에서 매우 중요했지만, 공예에 있어서는 매우 약했다. 상업 문화와 대중 문화의 측면에서 반향을 일으켰다. 자연에서 이러한 전략은 유럽 및 19 세기 중반부터 20 세기 초부터 미국에서 식민지가되었고, 경계에서 시각 문화의 중심으로, 반응 적 급진주의에서 제도화 된 정상 상태로 이동했습니다.
모더니즘은 일반적으로 전통적인 형태의 예술, 건축, 문학, 종교적 신앙, 철학, 사회 조직, 일상 생활의 활동, 심지어 과학까지 느낀 사람들의 활동과 창작을 포함한다. 신흥 완전히 산업화 된 세계의 새로운 경제적, 사회적, 정치적 환경에서 구식이되었습니다. 시인 에즈라 파운드 (Ezra Pound)는 1934 년에 “그것을 새롭게하라”는 명령을 받았다. 과거의 오래된 문화로 보았던 것에 대한 운동의 접근의 시금석이었습니다. 이 정신에서 의식의 소설 소설, atonal (또는 pantonal) 및 12 음색 음악, 분리주의 그림 및 추상 예술과 같은 혁신은 모두 19 세기에 선구자를 가지고있었습니다.
모더니즘의 주목할만한 특징은 그림과시, 건축 등을 만드는 데 사용되는 과정과 재료에주의를 기울이는 기술의 사용과 함께 형식으로 실험을하는 문학적 및 사회적 전통에 관한 자의식과 아이러니 다. 모더니즘은 리얼리즘의 이데올로기를 명시 적으로 거부하고 재현, 편성, 재작 성, 반복, 개정 및 패러디의 취업을 통해 과거의 작품을 사용합니다.
일부 평론가들은 모더니즘을 사고 방식으로 정의합니다. 예술과 분야의 모든 진기함을 뛰어 넘는, 자기 의식이나 자기 참조와 같은 철학적으로 정의 된 하나 이상의 특성입니다. 특히 서구에서는 실용적인 실험, 과학 지식 또는 기술의 도움을 받아 환경을 조성하고 개선하며 재구성하는 인간의 힘을 긍정하는 사상적으로 진보하는 추세로 보는 사람들이 더 많이 있습니다. 이러한 관점에서 볼 때, 모더니즘은 상업에서 철학까지 존재의 모든 측면에 대한 재검토를 장려했으며, 진보를 억누르고 동일한 목표를 달성하기위한 새로운 방법으로 바꾸는 것을 목표로 삼았다. 다른 이들은 미적 내성으로서 모더니즘에 중점을 둡니다. 이것은 제 1 차 세계 대전에서의 기술 사용에 대한 구체적인 반응과 프리드리히 니체 (1844-1900)에서 사무엘 베켓 (1906-1989)에 이르기까지 다양한 사상가와 예술가들의 작품에 대한 반 기술적이고 허무주의적인 측면을 고려하게한다 ).
일부 학자들은 21 세기로 나아가는 모더니즘을 보지만 다른 사람들은 포스트 모던주의로 대체 된 후기 모더니즘이나 하이 모더니즘으로 진화하는 것을 보았다.
초기 역사
시작 : 19 세기
한 비평가에 따르면, 모더니즘은 산업 혁명과 부르주아 가치의 효과에 대한 낭만주의의 반란에서 발전했다. “모더니즘의 근본 동기는 19 세기 부르주아 사회 질서에 대한 비판이었고 세계는 현대인들을 보았다. 낭만주의 횃불. ” 19 세기의 가장 위대한 풍경 화가 중 한 명인 JMW Turner (1775-1851)는 “빛, 색 및 분위기 연구의 개척자”인 낭만주의 운동의 일원 이었지만 그는 “프랑스 인상파 “그러므로 모더니즘은 재현의 전통적 표현을 무너 뜨 렸지만, 그들과는 달리 그의 작품은 역사, 신화, 문학적 또는 다른 서사적인 주제를 항상 표현해야한다고 믿었다.”
산업 빅토리아 시대 영국의 지배적 인 경향은 영감없는 기술적 기술에 대한 반대 때문에 라파엘 이전 형제단을 구성하는 영국 시인들과 화가들에 의해 약 1850 년경에 반대되었다. 급속히 팽창하는 산업 도시 영국에서 도시 노동 계급의 삶을 개선하는 데 도움이되는 예술의 역할에 대해 강한 인상을 갖고있는 미술 평론가 John Ruskin (1819-1900) : 816 미술 비평가 인 Clement Greenberg는 Pre- Raphaelite Brotherhood는 원시 모더니스트로서 다음과 같이 말합니다 : “원시 모더니스트들은 모든 사람들 중에서 라파엘 이전의 사람들이었습니다. (심지어 그들 앞에서는 원시 프로토 모더니스트 인 독일 나사렛 사람들이었습니다.) Raphael Pre Pre는 실제로 Manet (1832 -83), 모더니스트 회화가 가장 확실하게 시작되는이 회화는 당시의 회화에 대한 불만을 토대로 그 사실주의가 진실이 아니었다 고 주장하면서 행동했다. 합리주의는 또한 철학자 인 쇠렌 키 에르 케 가드 (1813 ~ 55)와 후에 프리드리히 니체 (1844 ~ 1900)의 반대 론자들도 있었는데, 둘 다 실존주의에 상당한 영향을 미쳤다.
그러나 산업 혁명은 계속되었다. 영향력있는 혁신으로는 증기 동력 산업화, 특히 1830 년대 브리튼에서 시작된 철도 개발 및 이와 관련된 물리학, 공학 및 건축의 후속 발전이 포함되었습니다. 19 세기 주요 엔지니어링 업적은 The Crystal Palace였습니다.이 궁전은 1851 년 런던에서 열린 Great Exhibition을 위해 지어진 거대한 주철 및 판유리 전시 홀이었습니다. 유리와 철은 Paddington Station (1854)과 King ‘s Cross station (1852)과 같은 런던의 주요 철도 터미널 건설과 유사한 기념비적 인 스타일로 사용되었습니다. 이러한 기술 발전으로 인해 브루클린 다리 (1883)와 에펠 탑 (1889)과 같은 후기 구조물이 건설되었습니다. 후자는 인간이 만든 물건이 얼마나 큰지에 대한 이전의 한계를 모두 깨뜨렸다. 이러한 공학적 경이는 19 세기 도시 환경과 사람들의 일상 생활를 근본적으로 변화 시켰습니다. 시간 자체에 대한 인간의 경험은 1837 년의 전기 전신 개발과 1845 년부터 영국 철도 회사의 표준 시간 채택으로 향후 50 년 동안 변경되었습니다.
그러나 1870 년대부터 계속되는 기술적 진보에도 불구하고 역사와 문명이 근본적으로 점진적이었고, 진보가 항상 좋았다는 생각은 공격의 증가에있었습니다. 아티스트와 사회의 가치가 단순히 다르지 않다는 주장이 제기되었지만, 사회는 진보와 반대 였고, 현재의 형태로 나아갈 수 없었다. 철학자 Schopenhauer (1788-1860) (Will and Representation, 1819)는 이전의 낙관론에 의문을 제기했으며, 그의 생각은 Nietzsche를 포함한 후기의 사상가에게 중요한 영향을 미쳤다. 이시기의 가장 중요한 사상가 중 두 명은 생물 학자 Charles Darwin (1809-82), 자연 선택에 의한 종의 기원에 관한 저자 (1859), 정치 학자 Karl Marx (1818-83), Das Kapital (1867). 자연 선택에 의한 다윈의 진화론은 종교적 확실성과 인간의 독창성에 대한 생각을 약화시켰다. 특히, 인간이 “하등 동물”과 같은 충동에 이끌린다는 개념은 고상한 영성에 대한 생각과 조화시키기가 어렵다는 것이 입증되었습니다. 칼 마르크스 (Karl Marx)는 자본주의 체제 내에 근본적인 모순이 있고 노동자들은 자유롭지 만 아무것도 아니라고 주장했다.
프랑스 모더니즘의 시작
역사 학자들과 여러 학문 분야의 작가들은 모더니즘의 출발점으로 다양한 날짜를 제안했습니다. 예를 들어, 역사 학자 인 윌리엄 에버 델 (William Everdell)은 1870 년대에 모더니즘이 수학자 Richard Dedekind (1831-1916)의 Dedekind (1831-1916)와 Ludwig Boltmann (1844-1906)의 통계학적인 이분법에 은유 적 열역학. 에버 델 (Everdell)은 그림의 모더니즘이 1885-86 년에 스 라트의 디피리즘 (Divism)과 함께 시작되었다고 생각한다. 라틴 그 Jatte의 섬에서 일요 오후를 그리는 데 사용 된 점들. 한편 시각 예술 평론가 인 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)는 Immanuel Kant (1724-1804)는 “최초의 근대 주의자”라고 불렀지 만 “모더니즘은 지난 세기 중반에 나타났습니다. 프랑스에서는 문학의 보델레르 (Baudelaire)와 페인팅의 마네 (Manet), 그리고 아마도 플로 베르트 (Flaubert)와 더불어 산문 소설에서도 (모던이 음악과 건축에 등장한 지 얼마되지 않아서 그리 오래되지 않았습니다.) 시인 Baudelaire의 Les Fleurs du mal (악의 꽃)과 Flaubert의 소설 Madame Bovary는 모두 1857 년에 출판되었습니다.
예술과 서신에서 두 가지 중요한 접근법이 프랑스에서 별도로 개발되었습니다. 첫 번째 작품은 인상파였습니다. 초기에는 그림이 아닌 스튜디오에서 촬영되었지만 실외 (야외 촬영)에 집중되었습니다. 인상주의 그림은 인간이 대상을 보지 않고 대신 빛 자체를 보았다는 것을 보여주었습니다. 학교는 선도적 인 실무자들 사이에서 내부 분열에도 불구하고 지지자들을 모으고 점점 더 영향력을 행사하게되었습니다. 처음에는 정부가 후원 한 파리 살롱 (Paris Salon)이라는 가장 중요한 상업 전시회에서 거부당한 인상파 주의자들은 1870 년대와 1880 년대에 상업 공연장에서 매년 단체전을 조직하여 공식 살롱과 일치하도록했습니다. 1863 년의 중요한 사건은 나폴레옹 3 세 황제가 파리 살롱에서 거절 한 모든 그림을 전시하기 위해 만든 살롱 데 레 퓨세 (Salon des Refusés)였다. 대부분은 표준 스타일이지만 열등한 예술가들 이었지만 마네의 작품은 엄청난 관심을 끌었으며 상업적인 문을 열었습니다. 두 번째 프랑스 학교는 Symbolism이었는데 문학사는 Charles Baudelaire (1821 ~ 67)로 시작하여 후기의 시인 Arthur Rimbaud (1854-91) Une Saison en Enfer (1873 년 지옥의 계절), Paul Verlaine 1844-96), Stéphane Mallarmé (1842-98), Paul Valéry (1871-1945) 등이있다. 상징 주의자들은 “직접적인 묘사와 명백한 유추에 대한 제안과 환기의 우선 순위를 강조했다”며 특히 “언어의 음악적 특성”에 관심이 있었다. 영화의 즉각적인 선구자를 포함하여 많은 현대 예술을 탄생시킨 캬바레는 1881 년에 몽마르뜨에서 검은 고양이가 열리고, 아이러니 한 독백의 시작과 함께 프랑스에서 시작되었다고 할 수있다. Incoherent Arts Society 창립.
모더니즘 초기에는 지그문트 프로이트 (Sigmund Freud, 1856-1939)의 이론이 영향력을 발휘했습니다. 프로이드의 첫 번째 주요 연구는 히스테리에 관한 연구 (Josef Breuer와 함께, 1895)였습니다. 프로이트의 생각의 핵심은 “정신적 삶에서 무의식적 인 마음의 우선 성”에 대한 생각이다. 그래서 모든 주관적인 현실은 바깥 세상이 감지되는 기본적인 운동과 본능의 놀이에 기반을 두었다. 프로이트의 주관적 국가에 대한 묘사는 원시적 인 충동으로 가득 찬 의식이없는 마음과 사회적 가치에서 파생 된 자기 부과 된 제한을 상쇄하는 것을 포함합니다.
프리드리히 니체 (Friedrich Nietzsche, 1844-1900)는 근대주의의 또 다른 주요 선구자였으며 심리적 드라이브, 특히 “힘을 실어 나갈 의지”(Wille zur Macht)가 핵심적으로 중요하다는 철학을 갖고있다. “니체는 흔히 ‘삶의 의지를’ 힘 ‘, 즉 성장과 내구성에 대한 본능을 가지고있다. ” 반면에, Henri Bergson (1859-1941)은 과학적, 시계 적 시간과 직접적이고 주관적인 인간 경험의 차이를 강조했다 .131 시간과 의식에 관한 그의 연구는 “20 세기 소설가들에게 커다란 영향을 미쳤다. 특히 도로시 리차드슨, 제임스 조이스, 버지니아 울프 (1882-1941)와 같은 의식 기법의 흐름을 사용했던 모더니스트들. 베르그송의 철학에서 중요한 것은 “모든 것의 창조적 진화를 가져 오는 생명력”인 élan vital의 아이디어였습니다. 132 그의 철학은 지성의 중요성을 거부하지 않고 직관에 대한 높은 가치를 부여했습니다.
모더니즘의 중요한 문학 전조 작가는 범죄와 처벌 (1866)과 형제 Karamazov (1880) 소설을 쓴 Fyodor Dostoyevsky (1821-81); Walt Whitman (1819-92), 그는 시집 Leaves of Grass (1855-91)를 출판했다. (1849-1912), 특히 다마스쿠스 (1898-1901), 드림 플레이 (1902), 유령 연가 (1907)의 3 부작을 포함하여 그의 후반 연극을 포함한다. 헨리 제임스 (The Henry James)는 일찍이 (1881)에서 중요한 선구자로 제안 받았다.
낭만주의에서 파생 된 이상과의 충돌과 지식이 아직 알려지지 않은 것을 설명하는 방법을 찾기위한 시도는 20 세기의 첫 10 년 동안의 첫 번째 물결이되었다. 예술의 기존 경향의 확장은 예술가가 부르주아 문화와 아이디어의 통역자이자 대표자라는 암묵적인 계약을 일반 대중과 맺었다. 이 “모더니스트”의 랜드 마크는 1908 년 Arnold Schoenberg의 Second String Quartet의 무단 결말, 1903 년 Wassily Kandinsky의 표현주의 회화, 1911 년 뮌헨 최초의 추상화와 Blue Rider 그룹 창립 등을 포함합니다. 1900 년에서 1910 년 사이에 Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque 및 다른 사람들의 스튜디오에서 fauvism의 상승과 입체파의 발명에 대한 연구가 이루어졌다.
폭발, 20 세기 초반에서 1930 년
모더니즘의 중요한 측면은 그것이 재창조, 편입, 재 작성, 반복, 개정 및 새로운 형태의 패러디와 같은 기술의 채택을 통해 전통과 어떻게 관련되는지에 있습니다.
현대 미술이 혁명적 일 수 있고 과거의 전통과 어떻게 관련되어 있는지에 대한 예는 작곡가 인 Arnold Schoenberg의 음악입니다. 한편 Schoenberg는 적어도 1 세기 반 동안 음악을 만들었던 음악 작품을 구성하는 계층 적 체계 인 전통적인 음조 조화를 거부했습니다. 그는 열두 줄을 사용하여 소리를 체계적으로 구성하는 완전히 새로운 방법을 발견했다고 생각했습니다. 그러나 이것이 완전히 새롭지 만 Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss 및 Max Reger와 같은 초기 작곡가의 기원을 추적 할 수 있습니다. 또한, Schoenberg는 또한 그의 경력을 통해 음조 음악을 썼다는 것을 알아야한다.
미술계에서는 20 세기 초반 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 같은 젊은 화가들이 회화를 구성하는 수단으로 전통적 관점을 거부하면서 충격적이었습니다. 인상주의자인 모네는 이미 혁신적이었습니다. 그의 관점 사용. 1907 년 피카소가 Les Demoiselles d’ Avignon의 그림을 그리면서 Oskar Kokoschka는 Mörder, Hoffnung der Frauen (Murderer, Women of Hope), 최초의 표현주의 희곡 (1909 년 스캔들로 제작 됨)을 썼으며 Arnold Schoenberg는 String Quartet F 샤프 마이너 (1908)의 2 번. 톤 센터가없는 첫 번째 작품.
표현주의는 현대주의 시대의 다른 주요 ‘이즘’과 미래주의, 보텍스주의, 입체주의, 초현실주의, 다다이 겹쳐서 표현되기 때문에 부분적으로 표현주의로 정의하기가 어렵다. 리처드 머피 (Richard Murphy)는 “모든 것을 포함하는 정의에 대한 추구는 소설가 프란츠 카프카, 시인 고트 프리트 벤, 소설가 알프레드 덩 블린과 같은 가장 도전적인 표현주의 자”가 동시에 가장 격렬한 반 표현주의 자 였음에도 문제가있다. 그러나 43 세기가 산업화와 도시 성장의 비인간 화 효과에 반응하여 독일을 중심으로 20 세기 초반에 발전한 운동이었으며 “표현주의를 강조하는 중심적 수단 중 하나 아방가르드 운동으로 인식하고 있으며 전통과 문화 기관 간의 거리가 전체적으로 볼 때 현실주의와 지배적 인 관습과의 관계를 통해 나타난다. “43 더 명시 적으로 : 표현 주의자들이 이데올로기를 거부했다. 현실주의의.
게오르그 카이저 (Georg Kaiser)와 에른스트 톨러 (Ernst Toller)가 가장 유명한 극작가였던 20 세기 초의 독일 극장에서 집중된 표현주의 운동이있었습니다. 다른 주목할만한 표현주의 극작가로는 라인 하르트 쇼지 (Reinhard Sorge), 월터 하 센클 버버 (Harter Hasenclever), 한스 헨니 야한 (Hans Henny Jahnn), 아르노트 브론 넨 (Arnolt Bronnen)이있다. 그들은 극작가 실험의 선구자로서 스웨덴 극작가 August Strindberg와 독일 배우 Frankat Wedekind를 돌아 보았다. Oskar Kokoschka의 살인자, Hope of Women은 1909 년 7 월 4 일 비엔나에서 열린 연극을위한 최초의 완전 표현주의 작품이었다. 신화 적 유형, 합창 효과, 의사 소통 적 대화 및 강렬한 강도에 대한 문자의 극단적 인 단순화는 후기 표현주의 희곡의 특징이됩니다. 최초의 전신 표현주의 연극은 Walter Hasenclever의 The Son, 1914 년에 출판되었고 1916 년에 처음으로 공연되었습니다.
미래주의는 또 다른 모더니스트 운동이다. 1909 년 파리의 Le Figaro 신문은 F. T. Marinetti의 첫 번째 선언문을 발표했습니다. 얼마 지나지 않아 화가 그룹 (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo 및 Gino Severini)이 미래 주의자 선언문에 공동 서명했습니다. 마르크스와 엥겔스의 유명한 “공산당 선언”(1848)을 모델로 삼아 그러한 선언들은 도발적이고 추종자들을 모으기위한 아이디어를 제시했다. 그러나 기하학적 또는 순수하게 추상적 인 회화에 찬성하는 주장은이시기에 주로 순환이 거의없는 “작은 잡지”에 국한되어있었습니다. 근대 주의적 원시주의와 비관론은 논란의 여지가있어 20 세기 초반의 주류는 여전히 진보에 대한 믿음과 자유 주의적 낙관론에 기울어졌다.
Paul Cézanne (1839-1906)과 Edvard Munch (1863-1944)뿐만 아니라 인상파 작가들을 예로 든 추상적 예술가들은 자연 세계의 묘사가 아닌 색과 형태가 본질적인 특성을 형성했다는 가정하에 시작되었다. 예술의. 르네상스에서부터 19 세기 중반까지 서양의 예술은 시각의 논리와 눈에 보이는 현실의 환상을 재현하려는 시도에 기초를 두었다. 유럽인이 아닌 다른 문화의 예술은 접근 가능 해졌고 예술가에게 시각적 경험을 묘사하는 대안적인 방법을 보여주었습니다. 19 세기 말에 많은 예술가들은 기술, 과학 및 철학에서 발생하는 근본적인 변화를 포괄하는 새로운 종류의 예술을 창작 할 필요성을 느꼈습니다. 개별 예술가들이 이론적 논증을 이끌어 낸 근원은 다양했으며 당시 서구 문화의 모든 영역에서 사회적 지적 발달을 반영했다. 바실리 칸딘스키 (Wassily Kandinsky), 피에트로 몬드리안 (Piet Mondrian), 카 지미르 말레 비치 (Kazimir Malevich)는 모두 예술을 순수한 색깔의 배열로 재정의하는 것을 믿었습니다. 시각 예술의 표현 적 기능의 상당 부분을 쓸모 없게 만든 사진 사용은 모더니즘의 이러한 측면에 강하게 영향을 미쳤다.
프랭크 로이드 라이트 (Frank Lloyd Wright)와 르 코르뷔지에 (Le Corbusier) 같은 현대 건축가와 디자이너는 신기술로 인해 예전 스타일의 건물이 쓸모 없게되었다고 믿었습니다. 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)는 건물은 자동차와 유사하게 “사는 기계”로서 기능해야한다고 생각했다. 자동차가 말을 교체 한 것처럼 모더니스트 디자인은 고대 그리스에서 상속받은 구식과 건축물을 거부해야한다. 또는 중년에서. 이 기계 미학에 이어 모더니스트 디자이너들은 일반적으로 디자인에 장식 모티프를 거부하고 사용 된 재료와 순수한 기하학적 형태를 강조하는 경향이 있습니다. 초고층 빌딩은 전형적인 모더니스트 건물이며, 미국 미주리 주 세인트루이스에있는 1890 ~ 91 년에 지어진 10 층 규모의 사무실 건물 인 Wainwright Building은 세계 최초의 고층 건물 중 하나입니다. Ludwig Mies van der Rohe의 뉴욕 시거홀 (1956-1958)은 종종이 현대주의 고층 건축물의 절정으로 여겨집니다. 이전의 독단주의가 장식, 역사적 인용 및 공간 드라마를보다 재미있게 사용하는 방법을 제공했지만 모더니스트 디자인의 많은 측면은 여전히 현대 건축의 주류에 머물러 있습니다.
의식의 흐름은 중요한 근대 문학 혁신이었으며, Arthur Schnitzler (1862-1931)는 단편 소설 “Leutnant Gustl”( “None but the Brave”) (1900-1931)에서 처음으로 그것을 사용했다는 것이 제안되었습니다. ). 도로시 리차드슨 (Dorothy Richardson)은 초기 순례 (1915 ~ 67) 순례에서 그것을 사용하는 최초의 영어 작가였습니다. 이 서사 기술의 사용과 관련이있는 다른 현대주의 소설가는 율리시즈 (1922)의 제임스 조이스와 라 코시 엔 자 디 제노 (1923)의 이타로 스베보를 포함한다.
그러나 1914-18 년 대공정과 1917 년 러시아 혁명이 임박하자 세계는 크게 변화되어 과거의 신념과 제도에 의문을 제기하게되었습니다. 이전의 현상 유지 실패는 수백만 명이 지구의 조각으로 싸우다가 죽어가는 것을 보았던 세대에게는 자명 한 것처럼 보였습니다. 1914 년 이전에는 비용이 너무 비쌌으므로 아무도 그러한 전쟁에 맞설 것이 없다고 주장되어 왔습니다. 19 세기의 일상 생활에서 큰 변화를 가져온 기계 시대의 탄생은 이제 전쟁의 본질을 급격하게 변화 시켰습니다. 최근 경험의 충격적인 본질은 기본 가정을 변경했으며 트렌드 전쟁의 환상적인 자연에 직면했을 때 예술에서의 현실적인 삶의 묘사가 부적절한 것 같았습니다. 인류가 꾸준히 도덕적 인 진전을 이루었다는 시각은 무의미한 도축에 직면하여 말도 안되는 것처럼 보였습니다. Erich Maria Remarque의 소설 (1929)과 같은 작품에서 묘사되었습니다. 따라서 전쟁 이전에 소수의 맛이었던 현실에 대한 모더니즘의 시각은 1920 년대에 더욱 일반적으로 받아 들여졌다.
문학과 시각 예술에서 일부 모더니스트들은 예술 작품을보다 선명하게하기 위해, 또는 관객이 자신의 선입견에 의문을 제기하는 데 어려움을 겪도록하기 위해 주로 기대를 무시하려고했습니다. 모더니즘의 이러한 측면은 종종 19 세기 후반에 유럽과 북아메리카에서 개발 된 소비자 문화에 대한 반응으로 보였다. 대부분의 제조업 자들은 선호도와 편견에 호소하여 시장성이있는 제품을 만들려고 노력하지만, 높은 모더니스트들은 재래식 사고를 훼손하기 위해 소비 주의적 태도를 거부했다. 예술 평론가 인 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)는 그의 논문 인 아방가르드 (Avant-Garde)와 키치 (Kitsch)에서 모더니즘 이론을 설명했다. Greenberg는 소비자 문화의 제품을 “키치 (kitsch)”제품으로 분류했습니다. 왜냐하면 그들의 디자인은 어려운 기능을 제거한 상태에서 최대한의 호소력을 발휘하기 위해서 였기 때문입니다. 그리니버 (Greenberg)에게 모더니즘은 상업적 대중 음악, 할리우드 및 광고와 같은 현대 소비자 문화의 사례를 개발하는 것에 반발했다. 그린버그는 이것을 자본주의의 혁명적 거부와 관련시켰다.
1920 년대 초반 초현실주의는 대중에 의해 모더니즘의 가장 극단적 형태, 즉 “모더니즘의 전위”로 여겨지게되었다. “초현실주의 자”라는 단어는 기ume 아폴리네르 (Guillaume Apollinaire)에 의해 만들어졌으며 1903 년에 쓰여지고 1917 년에 처음으로 연주 된 그의 연극 레 마 멜레 데 티르 시아 (La Mémelles de Tirésias)의 서문에 처음 등장했습니다. 주요 초현실주의 자로는 Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró 및 Marcel Duchamp가 있습니다.
1930 년에 이르러 모더니즘 자체가 바뀌 었음에도 불구하고 모더니즘은 정치적, 예술적 설립을 포함하여 설립 장소를 차지하게되었다.
모더니즘은 계속됩니다 : 1930-1945
모더니즘은 1930 년대에도 계속해서 발전했다. 1930 년과 1932 년 사이의 작곡가 인 아놀드 oen 베르크 (Arnold Schoenberg)는 1937 년 제르 니카 (Guerica)에서 파블로 피카소 (Pablo Picasso)가 파시즘에 대한 비난을하면서 19 세기 제임스 조이스 (James Joyce) Finnegans Wake와의 현대 소설. 또한 1930 년까지 모더니즘은 주류 문화에 영향을 미치기 시작했다. 예를 들어 The New Yorker 잡지는 도로시 파커, 로버트 벤 클리, EB 화이트, SJ 페렐만, 제임스 서버 (James Thurber)와 같은 젊은 작가와 유머 작가들에 의해 모더니즘의 영향을 받아 출판 활동을 시작했다. 다른 사람들 사이에. Perelman은 미국에서 초현실주의 유머의 첫 번째 사례로 여겨지는 The New Yorker에서 1930 년대와 1940 년대 잡지에서 간행 한 유머러스 한 단편 소설로 높이 평가받습니다. 예술에 대한 현대적 아이디어는 광고와 로고에 더 자주 등장하기 시작했으며, 1916 년 초기 에드워드 존스턴 (Edward Johnston)이 디자인 한 유명한 런던 언더 그라운드 로고가 그 예다.
이시기의 가장 눈에 띄는 변화 중 하나는 서유럽과 북아메리카의 일반인들의 일상 생활에 새로운 기술을 채택한 것입니다. 전기, 전화, 라디오, 자동차 – 그리고 그들과 함께 일하고 수리하고 그들과 함께 살 필요 – 사회적 변화. 1880 년대에 단지 몇 사람 만이 알고 있었던 혼란스런 순간이 흔히 발생했습니다. 예를 들어, 1890 년 주식 중개인을 위해 예약 된 통신 속도는 적어도 중산층 북미에서는 가족 생활의 일부가되었습니다. 도시화와 사회 관례 변화와 관련하여 소규모 가족이 생겨 부모와 자녀 사이의 관계가 바뀌 었습니다.
1920 년대와 1930 년대에는 마르셀 프루스트 (Marcel Proust), 버지니아 울프 (Virginia Woolf), 로버트 마질 (Robert Musil), 도로시 리처드슨 (Dorothy Richardson) 등의 소설을 포함하여 현저한 모더니즘 문학 작품이 계속 만들어졌습니다. 미국 근대주의 극작가 유진 오닐 (Eugene O’Neill)의 경력은 1914 년에 시작되었지만 그의 주요 작품은 1920 년대, 1930 년대 및 1940 년대 초반에 나타났습니다. 1920 년대와 1930 년대에 쓰였던 다른 두 개의 중요한 모더니스트 극작가는 Bertolt Brecht와 Federico García Lorca였다. DH Lawrence의 Chatterley Lady Lover는 1928 년에 사적으로 출간되었으며 현대 소설사의 또 다른 중요한 랜드 마크는 William Faulkner의 The Sound and Fury가 1929 년에 출판 된 것입니다. 1930 년대 Faulkner의 주요 작품 외에도, 사무엘 베켓 (Samuel Beckett)은 1938 년 소설 ‘머피 (Murphy)’를 발표했다. 1939 년 James Joyce의 Finnegans Wake가 나타났습니다. 이것은 주로 영어로 작성된 것으로, 영어 어휘 항목과 신조어 다국어로 말장난과 말의 조합으로 구성되어 있으며 수면과 꿈의 경험을 재현하려는 시도입니다. 시 T. S. Eliot, E. E. Cummings, Wallace Stevens는 1920 년대부터 1950 년대까지 글을 쓰고있었습니다. 영국의 모더니스트 시가 종종 Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD, Louis Zukofsky 등의 주요 지수와 함께 미국의 현상으로 여겨지지만 David Jones, Hugh MacDiarmid, 바질 멧새와 WH Auden. 유럽의 근대주의 시인은 페데리코 가르시아 로르 카, 안나 아크 하타 바, 콘스탄티누스 카바 피, 폴 발레리를 포함합니다.
회화에서는 1920 년대와 1930 년대와 대공황 때 초현실주의, 후기 입체파, 바우 하우스, 데 스틱, 다다, 독일 표현주의, 그리고 추상화뿐만 아니라 앙리 마티스와 피에르 보나르 같은 근대주의적이고 훌륭한 색칠가에 의해 모더니즘이 정의됩니다 Piet Mondrian과 Wassily Kandinsky와 같은 예술가의 작품을 선보였다. 독일에서 막스 베크 만 (Max Beckmann), 오토 딕스 (Otto Dix), 조지 그로츠 (George Dros), 조지 그로스 (George Grosz) 등은 그림을 정치화하여 제 2 차 세계 대전의 도래를 예고했으며, 미국에서는 근대주의가 미국의 풍경화와 사회 현실주의 및 지역주의 운동 사회적 세계가 미술계를 지배했다. Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh 등과 같은 예술가들이 눈에 띄게되었습니다. 모더니즘은 라틴 아메리카에서 우루과이의 호아킨 토레스 가르시아와 멕시코의 루 피노 타마 요가 정의했으며 디에고 리베라, 데이비드시 키 로스, 호세 클레멘테 오로스코, 페드로 넬 고메즈, 산티아고 마르티네스 델가도와의 벽화 운동과 프리다 카 올의 상징주의 화가 시작되었다. 더 자유로운 색의 사용과 정치적 메시지에 중점을 둔이 지역 예술의 르네상스.
디에고 리베라 (Diego Rivera)는 아마도 록펠러 센터 (Rockefeller Center)의 RCA 빌딩 로비에서 그의 1933 년 벽화 (Man at the Crossroads)에서 대중들에 의해 가장 잘 알려져있을 것입니다. 그의 수호 넬슨 록펠러 (Nelson Rockefeller)가 벽화가 블라디미르 레닌 (Vladimir Lenin)과 다른 공산주의 이미지의 초상화를 포함한다는 사실을 발견했을 때, 그는 리베라 (Richarda)를 해고했다. 그리고 끝내지 않은 일은 결국 록펠러 스태프에 의해 파괴되었다. Frida Kahlo (리베라의 아내)의 작품은 흔히 그들의 뚜렷한 고통의 묘사를 특징으로합니다. 카를로 (Kahlo)는 멕시코의 고유 한 문화에 깊은 영향을 받았는데, 이는 회화의 밝은 색과 극적인 상징성에서 명백합니다. 기독교와 유대인의 주제가 종종 그녀의 작품에서도 묘사됩니다. 그녀는 종종 피 묻은 폭력적인 고전 종교 멕시코 전통의 요소들을 결합했습니다. 프리다 칼로 (Frida Kahlo)의 상징주의 저작은 초현실주의와 문학의 마술 리얼리즘 운동에 강하게 관련되어있다.
정치 활동가는 데이비드시 케이 로스 (David Siqueiros)의 삶의 중요한 부분이었으며 자주 그의 예술적 경력을 버리도록 영감을주었습니다. 그의 예술은 멕시코 혁명에 깊이 뿌리를두고 있습니다. 1920 년대에서 1950 년대까지의 기간은 멕시코 르네상스로 알려져 있으며 시키 로스는 멕시코와 보편적 인 예술을 창안하려는 시도에서 활발히 활동했습니다. 잭슨 폴록 (Jacklock Pollock)은 워크숍에 참석하여 퍼레이드를위한 부유물 제작을 도왔습니다.
1930 년대 급진적 좌익 정치는 파블로 피카소 (Pablo Picasso)를 포함하여 초현실주의와 관련된 많은 예술가들을 특징으로했습니다. 1937 년 4 월 26 일, 스페인 남북 전쟁 중, 게르니카 (Gernika)의 바스크 도시는 나치 독일의 루프트 윙 (Luftwaffe)에 의해 폭격을 당했다. The Germans were attacking to support the efforts of Francisco Franco to overthrow the Basque government and the Spanish Republican government. Pablo Picasso painted his mural-sized Guernica to commemorate the horrors of the bombing.
During the Great Depression of the 1930s and through the years of World War II, American art was characterized by Social Realism and American Scene Painting, in the work of Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, and several others. Nighthawks (1942) is a painting by Edward Hopper that portrays people sitting in a downtown diner late at night. It is not only Hopper’s most famous painting, but one of the most recognizable in American art. The scene was inspired by a diner in Greenwich Village. Hopper began painting it immediately after the attack on Pearl Harbor. After this event there was a large feeling of gloominess over the country, a feeling that is portrayed in the painting. The urban street is empty outside the diner, and inside none of the three patrons is apparently looking or talking to the others but instead is lost in their own thoughts. This portrayal of modern urban life as empty or lonely is a common theme throughout Hopper’s work.
American Gothic is a painting by Grant Wood from 1930. Portraying a pitchfork-holding farmer and a younger woman in front of a house of Carpenter Gothic style, it is one of the most familiar images in 20th-century American art. Art critics had favorable opinions about the painting; like Gertrude Stein and Christopher Morley, they assumed the painting was meant to be a satire of rural small-town life. It was thus seen as part of the trend towards increasingly critical depictions of rural America, along the lines of Sherwood Anderson’s 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis’s 1920 Main Street, and Carl Van Vechten’s The Tattooed Countess in literature. However, with the onset of the Great Depression, the painting came to be seen as a depiction of steadfast American pioneer spirit.
The situation for artists in Europe during the 1930s deteriorated rapidly as the Nazis’ power in Germany and across Eastern Europe increased. Degenerate art was a term adopted by the Nazi regime in Germany for virtually all modern art. Such art was banned on the grounds that it was un-German or Jewish Bolshevist in nature, and those identified as degenerate artists were subjected to sanctions. These included being dismissed from teaching positions, being forbidden to exhibit or to sell their art, and in some cases being forbidden to produce art entirely. Degenerate Art was also the title of an exhibition, mounted by the Nazis in Munich in 1937. The climate became so hostile for artists and art associated with modernism and abstraction that many left for the Americas. German artist Max Beckmann and scores of others fled Europe for New York. In New York City a new generation of young and exciting Modernist painters led by Arshile Gorky, Willem de Kooning, and others were just beginning to come of age.
Arshile Gorky’s portrait of someone who might be Willem de Kooning is an example of the evolution of abstract expressionism from the context of figure painting, cubism and surrealism. Along with his friends de Kooning and John D. Graham, Gorky created biomorphically shaped and abstracted figurative compositions that by the 1940s evolved into totally abstract paintings. Gorky’s work seems to be a careful analysis of memory, emotion and shape, using line and color to express feeling and nature.