1912 년 프랑스의 시인 기ume 아폴리네 (Guillaume Apollinaire)가 쓴 용어 인 오르 피즘 (Orphic Cubism)은 순수한 추상화와 밝은 색에 초점을 맞춘 큐비즘의 파생물이었는데, 파우 아비 왁 (Paul Signac), 찰스 헨리 (Charles Henry)와 염료 화학자 유진 v렐 . 입체파에서 추상 미술로의 전환에서 핵심으로 인식되는이 움직임은 큐비즘의 단색 단계에서 색의 사용을 다시 시작한 František Kupka, Robert Delaunay 및 Sonia Delaunay에 의해 개척되었습니다. 오르피즘이라는 용어의 의미는 처음 등장했을 때 어느 정도까지 애매했다.
역사
오르비스스트들은 입체파에 뿌리를두고 있지만 순수한 서정적 추상화를 향해 나아갔습니다. 그림을 순수한 색감으로 결합시키는 것으로 보았습니다. 감각의 표현과 중요성에 더 많은 관심을 기울이는이 운동은 눈에 띄는 주제로 시작되었지만 점점 추상적 인 구조에 빠르게 흡수되었습니다. 오르피즘은 인식 가능한 주제를 없애고 형태와 색상에 의지하여 의미를 전달하는 것을 목표로 삼았습니다. 운동은 또한 동시대주의의 이상을 표현하는 것을 목표로 삼았다 : 존재의 상호 관련된 상태의 무한의 존재.
Paul Signac과 Charles Henry의 Neo-Impressionist color theory로 표현 된 스펙트럼 빛의 분해는 Orphism의 형성에 중요한 역할을했다. Robert Delaunay, Albert Gleizes, Gino Severini는 모두 Henry를 개인적으로 알고있었습니다. 1886 년 마지막 인상파 전시회에서 수학자, 발명가, 미용사, 기호학자인 펠릭스 페네옹 (Félix Fénéon)과 구스타브 칸 (Gustave Kahn)의 친밀한 친구 인 찰스 헨리 (Seattle, Signac, Pissarro)와 만났다. 헨리는 감정적 인 연관 이론을 예술적 감각의 세계 : 신 인상파에 크게 영향을 줄 수있는 무언가. 헨리와 쥐라트는 예술가의 기본 요소 인 단어의 선과 같은 색깔의 입자가 자율적으로 취급 될 수 있으며, 각각은 예술가를 선택한 경우 서로 독립적 인 추상적 가치를 지니고 있음을 인정했습니다. “Seurat은 잘 알고 있습니다.”1889 년에 페네 톤 (Fénéton)은 “그 지형의 역할과 무관 한 선은 물론 평가 가능한 추상적 가치를 지니고있다”고 덧붙였다. 물론 색채 입자와 관측자의 감정과의 관계. Neo-Impressionsim의 기본 이론은 Robert Delaunay와 같은 사람들이 향후 제작할 작품에 지속적인 영향을 미칩니다. 사실 네오 인상파 신자들은 색채 영역에서의 회화에 객관적인 과학적 기초를 세우는 데 성공했다. 큐 비스트는 형태와 역학 영역에서 그렇게 할 수 있었고, 오르 피스트들은 색으로도 그렇게 할 것입니다.
상징 주의자들은 오르페우스의 그리스 신화와 관련하여 오르페우스라는 단어를 사용했다. 그들은 오르페우스가 이상적인 예술가라고 인식했다. 아폴리네르는 1907 년에 Bestiaire ou cortège d’ Orphé (1911 년 파리)라는 오르페우스가 시인이자 예술가로 상징화 된 4 면체 모음집을 썼다. Apollinaire와 그 앞에 선행 한 Symbolists 모두에게, Orpheus는 예술적 노력에 영감을 줄 수있는 신비주의와 관련이있었습니다. 아폴리네르 (Apollinaire)가 그의시에서 언급 한 빛의 목소리는 내적 경험에 대한 은유였다. 그의시에서 완전히 관철되지는 않았지만, 빛의 음성은 착색되어 회화가 될 수있는 선으로 식별됩니다. 따라서 오르막 은유는 감각적 인 경험을 형성하기 위해 결합 된 혁신적인 창조 과정에서 새로운 구조와 색의 하모니를 창조 할 수있는 예술가의 힘을 표현했습니다.
아폴리네르
오르피즘이라는 용어는 1912 년 Salon de la Section d’ Or에서 시인이자 예술 평론가 Guillaume Apollinaire가 만들어 낸 것으로 František Kupka의 작품을 가리킨다. 악당 전시회에서의 강의에서 Apollinaire는 Kupka의 추상 작품 중 세 작품을 순수 회화의 완벽한 예로서 음악처럼 반 비유적인 것으로 제시했습니다.
Les Peintres Cubistes에서, Méditations Esthétiques (1913) Apollinaire는 “예술가가 시각적 인 현실에서 벗어나지 만 완전히 혼자서 창조하는 요소로 새로운 총체를 그리는 예술”이라고 Orphism을 기술했다. […] Orphic painter ‘s works는 전달해야한다. 아폴리네르에 따르면, 오르피즘은 음악이 문학과 완전히 다른 것처럼 완전히 새로운 예술 형태로 나아 갔으며, 오르 픽 화가들은 그들의 제목에서 음악과 유추를 인용했다. 예를 들어 Kupka의 Amorpha : 두 색의 푸가 (1912)와 Francis Picabia의 추상 작곡 인 Dance at the Source (1912)와 Wassily Kandinsky의 Über das Geistige in Kunst (1912) 등이있다. 색상과 음악의 관계에 몰두 한 Delaunay는 색상의 순도와 독립성을 강조했으며 Kandinsky의 초청으로 Blaue Reiter. 페르 낭 레거 (Fernand Léger)와 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)은 아폴리네 (Apollinaire)의 저작에 오르피스트 (Orphists)로 포함되었다.
Apollinaire는 1912 년 겨울 Delaunays에 머물면서 친한 친구가되었고 많은 아이디어를 상세히 설명했습니다. Apollinaire는 Orphism의 개념을 홍보하기 위해 자신의 작업에 대해 논의하는 몇 가지 텍스트를 썼습니다. 1913 년 3 월에 Orphism은 Salon des Indépendants에서 공개되었습니다. Apollinaire는 L’ Intransigeant (1913 년 3 월 25 일)에 실린 Salon에 대한 리뷰에서 ‘완전히 다른 성격의 화가들을 결합 시켰으며, 그럼에도 불구하고 모두 우주와 우주에 대해 더 내면화되고 대중적이며 시적인 시각을 얻었습니다 생명’. 그리고 Montjoie (1913 년 3 월 29 일)에서 Apollinaire는 입체파를 찬성하여 입체파를 폐지한다고 주장했다. ‘입체파가 죽으면 오랫동안 입체파를 살아 간다. 오르페우스 왕국이 가까이에 있습니다! ‘
Der Sturm의 Herwarth Walden이 주관 한 1913 년 Herbst 살롱 (Robert Ernst Deutscher Herbstsalon, 베를린 Erst Deutscher Herbstsalon)은 로버트와 소니아 델 로니, 장 메츠 징거 (Jen Metzinger)의 L’ Oiseau bleu (1913 년 파리 현대 미술관) , Albert Gleizes ‘Les Joueurs de football (1912-13, 국립 미술 갤러리), Picabia의 그림, Léger, 미래파의 여러 그림들. 이 전시회는 Apollinaire와 R. Delaunay의 관계 (Umberto Boccioni와의 ‘동시성’이라는 모호성에 대한 논쟁에서 몇 가지 발언)에 이어 전환점을 기록했습니다. 이것은 Apollinaire가 예술에 대한 그의 비판적 분석에서 오르피즘이라는 용어를 사용한 마지막 시간이었을 것입니다. 그가 주목 한 것은 점점 Picabia와 Alexander Archipenko 였지만, 무엇보다 미래 주의자들에 대한 것이었다.
델라 네 이즈
Sonia Terk Delaunay와 Robert Delaunay (남편과 아내의 두 사람)는 Orphic 운동의 주요 주역이되었고, Robert Delaunay는 Abstract Art와 같은 다양한 스타일의 그림을 공부했습니다. 그들의 초기 작품에서, 그들의 스타일은 Fauvist 색상에 중점을 두었고 다양한 추상화 정도가있었습니다. 특히 Sonia의 Finnish Girl (1907)과 Robert ‘s Paysage au disque (1906)에서 분명합니다. 전 그림은 밝은 색상과 형태 간의 부드러운 전환에 크게 의존하며, 후자는 쟝 메츠 징거 (Jean Metzinger)의 영향으로 그려진 색상과 모자이크 같은 붓질에 의존합니다. 또한 신 인상파 (고도의 분단 주의자와 포브 (Fauve) 구성 요소를 가짐).
그들의 작품은 ‘동시적인’대조적 인 색과 비 표현으로 향하는 경향에 의해 점차적으로 식별 가능하게되었다. 로버트의 에펠 탑 시리즈에서는 한 번에 여러 관점에서 본 것처럼 주제가 묘사됩니다. 친한 친구 Metzinger가 개발 한 ‘모바일 관점’이라는 개념을 사용했습니다. 곧 큐브스트로서 음소거 된 음색을 사용하는 대신 대담하고 밝은 색을 다른 색조와 나란히 배치합니다 (Neo-Impressionist 컬러 이론에서 파생 된 개념). 그는 종종 빨간색과 분홍색으로 타워를 묘사했으며 더 시원한 색상을 사용했습니다. 로버트가 칠해진 탑이 많을수록 더 추상적이고 단편적이고 다채로운 색으로 변했습니다.
1913 년 Delaunays는 Salon des Indépendants와 Herbst Salon에서 작품을 선보였으며, 후자는 Picabia, Metzinger, Gleizes, Léger 및 Futurist의 화가가 주최 한 최초의 Orphist Salon입니다. 오르 피즘과 관련된 다른 사람들과 달리, Delaunays는 평생 동안이 스타일로 돌아갈 것입니다.
유진 셰브룰
그의 아내 외에 Robert의 가장 큰 영향 중 하나는 화학자 Eugène Chevreul이었습니다. 가장 유명한 마가린을 발견 한 Chevreul은 염료 화학과 동시에 색 대비의 미학을 탐구했습니다. 그는 자신의 색 이론에 대해 세 가지 주요 아이디어를 가지고 있습니다. “보색이 병치되어있을 때 각각은 고립되어 보일 때보 다 더 강렬 해 보입니다.”그리고 “두 색 사이의 어두운 빛의 값에인지 가능한 차이가 있다면 어두운 동시에 더 시야에있는 모든 색들이 서로 특정한 방식으로 서로를 상호 수정하는 것 “을 의미합니다. Chevreul은 많은 예술가들이 본능적으로 표현한 것을 과학적으로 이해했기 때문에 많은 예술가에게 영향을주었습니다.
1913 년 이후
Apollinaire가 Delaunays에서 분리되고 Orphism이 새로운 예술 형식으로 그 참신함을 잃은 후에도, Delaunays는 개인적인 공유 스타일로 그림을 계속했습니다. 그들은 항상 그들의 작품을 오르 픽이라고 부르지 않았지만, 미학과 이론은 동일했습니다. 로버트는 그림을 계속 이어 나갔고, 소니아는 오르피즘의 영역 내에서 패션, 인테리어 및 섬유 디자인을 포함한 다른 미디어를 탐구했다.
유산
운동으로서의 오르피즘은 근본적으로 제 1 차 세계 대전이 끝나기 전에 근본적으로 끝나기 시작했습니다.이 용어의 사용에도 불구하고, 오르피즘으로 분류 된 작품은 매우 다르므로 하나의 범주에 넣기위한 시도를 무시합니다. 예술가는 간헐적으로 Léger, Picabia, Duchamp 및 Picasso와 같은 Apollinaire의 Orphists라고 불리며, Orphic으로 분류되기가 거의 불가능한 새로운 카테고리를 독자적으로 만들었습니다. 오르피즘이라는 용어는 색, 빛, 그리고 비 표상 적 작곡의 표현에 의해 부과 된 의미로 제한된다면 František Kupka, Robert Delaunay와 Sonia Delaunay의 그림을 가장 분명하게 받아 들였다. 로버트 델 로니 (Robert Delaunay)조차도이 설명이 오펜스 (Orphic)와 같은 임시 분류가 성공적으로 입증되었지만 그의 의도를 왜곡했다고 생각했습니다. Delaunay의 학생들 중 두 명인 Patrick Henry Bruce와 Arthur Burdett Frost는 1912 년 경 비슷한 예술 형식을 만들기 위해 노력했다. Synchromists Morgan Russell과 Stanton Macdonald-Wright는 Orphism of Orphism으로부터 자신을 멀리하기 위해 자신의 선언문을 썼다. 로버트 Delaunay, 그러나 때때로 그들의 예술은 불가피하게 보았다 Orphic. 근본적으로 Apollinaire가 만든 추상 미술의 문체 하위 범주 인 오르피즘은 범위 내에 포함 된 예술가가 끊임없이 스스로 분리하려고 시도하는 도비적인 용어였습니다.