2011 년 6 월 4 일부터 11 월 27 일까지 Giardini와 Arsenale에서 공개 된 54 회 국제 미술 전시회. 이번 비엔날레 에디션은 지 아르디 니와 아르 세 날레의 중앙관에서 열리는 국제 미술 전시회를 비롯해 도시 전역에서 89 개의 국가 참여와 37 개의 부대 행사를 다룹니다.
“ILLUMInations”라는 전시 주제는 빛과 깨달음의 중요성을 강조하며 문자 그대로 세계화 된 세계에서 이러한 노력의 중요성을 강조합니다. la Biennale di Venezia는 항상 국제적인 정신으로 부양되어 왔으며, 예술가 자신이다면적이고 안목있는 문화적 관광객이되는 시대에는 더욱더 그러합니다.
빛과 깨달음을 주제로 전시하는 동시에 ‘국가’와 관련된 아이디어를 탐구한다. 그것은 극적인 조명으로 구별되는 베네치아의 고대 마스터 Tintoretto (1518-1594)의 여러 작품을 통합합니다. 또한 이번 호의 큐레이터 콘셉트의 일환으로 4 명의 작가에게 다른 작가의 작품을 수용 할 수있는 조각 구조 인 ‘파라 파빌리온’을 만들도록 요청 받았다.
일루미네이션
ILLUMInations는 예술과의 만남과 지각 도구를 날카롭게하는 능력에 의해 촉진되는 직관적 인 통찰력과 사고의 조명을 강조합니다. 깨달은 이성의 이상화와 유럽 서구 학자들의 구체적인 관행을 존중하고 심지어 옹호하는 전시회. ILLUMInations는 조명 경험의 “빛”, 상호 의사 소통, 지적 이해와 함께 제공되는 깨달음에 중점을 둡니다. 깨달음의 시대는 또한 ILLUMInations에서 반향을 일으키며 그 유산의 지속적인 활력을 증언합니다.
정체성과 유산에 대한 질문은 오랫동안 현대 미술에 중요했으며 이러한 문제에 대한 예술적 탐구의 강도는 가까운 장래에 줄어들지 않을 것입니다. 역사적으로 암흑기부터 르네상스까지 예술과 문화에서 “ILLUMInations”의 과정을 발견 할 수 있습니다.
제목은 또한 Arthur Rimbaud의 격렬한 시적 “Illuminations”와 초현실주의 경험에 대한 Walter Benjamin의 “Profane Illuminations”에서 중세 조명 필사본의 유서 깊은 예술과 12 세기 페르시아의 조명 철학에 이르기까지 다양한 연관성을 제안합니다. 예술은 새로운 형태의 “커뮤니티”를 실험하고 미래를위한 모델이되는 차이와 친화성에 대한 연구를위한 시드 베드입니다.
현대 미술은 일시적인 동맹과 일시적인 동맹과 대상이 청동으로 주조 되더라도 집단적 경향과 분열 된 정체성이 특징입니다. 1960 년대 이후로 예술을 추진해온 광대 한 추진력은 안쪽으로 바뀌 었습니다. 예술은 더 이상 반 예술의 파토스를 배양하지 않습니다. 인식은 이제 내부에서 의미 론적 관습을 조명하기 위해 문화와 예술의 기초에 초점을 맞추고 있습니다. 한편으로는 인공물이 과정을 강조하는 반면, 다른 한편으로는 조각, 회화, 사진 및 영화와 같은 “고전적인”장르의 부활은 코드를 해부하고 휴면 잠재력을 활성화하는 데 대한 관심에서 비롯되었습니다. . 이러한 우려는 오늘날 매우 관련성이 높은 또 다른 측면과 함께 진행됩니다.예술은 시청자를 강하게 참여시키고 헌신합니다.
제 54 회 국제 미술 전시회에 출품 된 많은 작품은 특히 ILLUMInations의 주제를 직접적으로 언급 한 행사를 위해 제작되었습니다. 베네치아 화가와 건축가의 작품에서 지역적 맥락과의 예술적, 역사적, 정서적 관계를 확립하는 데 중요한 역할을합니다. 고전 미술 화가의 작품은 현대 미술 전시회에서 거의 전시되지 않습니다. “ILLUMInations”라는 주제를 통해 현대에 영감을 준 몇 가지 요소가 있음을 쉽게 알 수 있습니다.
이 그림은 거의 열이 나고 황홀한 조명과 르네상스의 잘 정의 된 고전적 질서를 뒤집는 구성에 대한 거의 무모한 접근 방식으로 오늘날 특별한 매력을 발휘합니다. 자기 성찰은 현대 미술의 결정적인 요소이지만 모더니즘의 역사가 다루는 영역을 벗어나는 경우는 거의 없다.
16 세기 베네치아 화가의 작품을 라 비엔날레 디 베네치아에 통합 한 것은 예상치 못한 자극적 인 신호를 전달하고 과거와 현대 미술 모두에 관한 미술 무역의 관습에 빛을 비 춥니 다. 이 병치에 대한 관심의 비유는 본질적으로 형식적인 것이 아니라 에너지의 시각적 매개체로서 예술 작품의 중요성을 강화합니다.
예술은 외부 세계에 대한 명쾌한 태도를 배양하는 고도의 자기 반 성적 지형입니다. 의사 소통 적 측면은 삶의 활기에 가까운 것을 선언하고 추구하는 예술에서 입증 된 것처럼 ILLUMInazioni의 기본 아이디어에 매우 중요합니다. 이것은 현실감이 가상 세계와 시뮬레이션 세계에 의해 심오한 도전을받는 시대에 그 어느 때보 다 중요합니다.
국립 관 하이라이트
호주 파빌리온 : 황금 실
Hany Armanious의 “The Golden Thread”, 고대 형식과 문화의 호출, 한 재료를 다른 재료로 거의 연금술 적으로 변형시킨 그의 포용, 예술 작품을 만들고 전시하는 과정을 조각 자체에 통합하는 것에 대한 그의 관심은 그의 평범한 곳에서 신비한 것을 찾고 싶어합니다. 우리의 일상 생활에 사용되는 물건들, 꽃병, 찻 주전자, 바구니, 다리미, 블라인드, 또는 심지어 골판지 버거 킹 왕관은 디자인 된 것만큼이나 아름다움에 대한 잠재력만큼이나 많은 시각적 즐거움을 전달할 수 있다고 주장함으로써 미학의 영역으로 여겨지는 그의 작품은 눈에 보이는 것보다이 세상에 더 많은 것이 있다는 것을 인정하는 것입니다.
이 프로젝트는 파노라마이며 장소에 관계없이 아이디어와 이미지를 포용합니다. Armanious의 작업은 통찰력이 있고 통렬하며 종종 유머러스합니다. 캐스팅 과정을 기반으로 한 Armanious의 조각품은 고대 역사에서 일상에 이르기까지 다양한 사물을 이중으로 표현합니다. 그의 세심한 발견 된 물체의 캐스트 (보통 과거의 삶의 마모와 찢김을 특징으로하는 중복되거나 버려진 아이템)는 의도적으로 비 귀중한 재료, 가장 일반적으로 폴리 우레탄 수지로 만들어졌습니다. 이 전시회는 주조의 전통적인 의도를 재정 의하여 한 물체의 동일한 복제물을 여러 개 만들고 대신 프로세스를 사용하여 독특한 물체를 만듭니다. 원래의 물체와 곰팡이는 모두 종종 파괴되고 꼼꼼하게 던져진 무생물은 일종의 인공물이됩니다.일시적으로 대상 자체에서 대상을 만들고 진화하는 과정으로 초점을 전환합니다.
캐나다 파빌리온 : Steven Shearer : Exhume to Consume
개인전 “Exhume to Consume”은 미술사, 대중 문화, 토착 건축과 같은 다양한 영향을받은 스티븐 시어러의 그림, 드로잉, 조각 등의 새로운 작품과 이전에 보지 못한 작품을 선보입니다. 상징주의, 표현주의 및 포비 즘과 관련된 것들을 포함하여 인물화의 역사에 특정한 스타일과 주제를 채택하고 정교하게 만드는 Shearer는 미술사와 사회의 잊혀지거나 버려진 측면 사이의 형식적이고 주제적인 유사점을 그립니다.
스티븐 시어러는 역사뿐만 아니라 자신의 과거에서도 사물, 이미지 및 아이디어를 발굴하여 현대적 맥락에 삽입하여 의미를 다시 주입합니다. 그의 작업은 팬진, 온라인 게시판 및 개인 웹 사이트의 이미지 신사와 같은 소스에서 추출한 수천 개의 이미지를 지속적으로 편집 한 데서 비롯됩니다. 이러한 단편적인 소스는 그의 작업에서 결합되고 재활용됨에 따라 생성 적으로 기능합니다. 그의 예술은 이러한 이미지 내에서 심령적이고 감성적 인 잠재력을 이끌어 내고 그의 주관적인 경험을 반영하도록 변형합니다.
중국 파빌리온 : 퍼 베이션
전시회 “Pervasion”은 Cai zhisong, Liang yuanwei, Pan gongkai, Yang maoyuan 및 Yuan gong이 만든 작품을 선보입니다. Peng feng은 차, 연꽃, 술, 향, 약초 등 국가의 문화적 전통과 관련된 향기를 풍기는 5 개의 단일 예술가 설치 작품을 선보입니다. 까이의 작품은 차를 연상시킵니다. 위안, 향 냄새; 양, 약초; 팬스, 연꽃 냄새; 그리고 liang은 중국의 전통적인 백색 정신의 매운 향기 인 ‘baijiu’입니다. cai zhisong의 ‘구름 차’는 흰색으로 칠해진 ‘장치’는 강철과 집의 바람 종소리와 차로 만들어집니다. 바람에 흔들리면 구름은 차향과 바람 자체를 내뿜는다. 향은 용 경차에서 나왔고승려들이 차를 마시 며 청순하고 상쾌한 분위기를 유지합니다. 설치는 깨어있는 느낌과 깨달음을 유도하도록 설계되었습니다.
적절하게 관련되어 있지만 주변 안개는 우연히 위안 징의 ‘빈 향’이라는 또 다른 작품의 일부입니다. 20 세트의 초음파 분무기를 사용하는이 설비의 고압 물 미스트 시스템은 잔디 위에 놓인 사각형의 흰 자갈에서 2 시간마다 분무 된 향 안개로 파빌리온을 채 웁니다. 양 마오 위안의 ‘모든 것이 보인다’는 물 탱크 바닥에서 방문객들은 수천 개의 약병을 발견한다. 이 냄비의 내부에는 중국의 전통 처방전이 새겨 져 있지만 외부에는 흔적이 없습니다. 한의학 이론에 따르면 경혈, 경락, 담보 등 모든 것이 눈에 띄지 만 현대 과학에는 전혀 존재하지 않습니다.
키프로스 파빌리온 : 시간 분류
“시간 분류학”은 Doering의 ‘감정적’개체 그림과 Christofides의 ‘과학적’지형도 사이의 시너지 효과를 제안합니다. 시간과 공간의 뮤지 그래피를 통해 특별한 역 동성을 창출하는 것을 목표로하고 있으며, 한편으로는 사회적, 정치적, 문화적 관계뿐만 아니라 지역 및 글로벌 수준의 트렌드와 긴장을 탐구하는 것을 목표로하고, 다른 한편으로는 그것을 목표로합니다. 새롭고 귀중한 지식을 전달하는 중세의 ‘조명 필사본’방식으로 작동하려고 시도합니다.
키프로스는 Marianna Christofides와 Elizabeth Hoak-Doering이라는 두 명의 예술가가 대표합니다. 키프로스의 경험과 역사적 현실을 출발점으로 삼아 두 예술가는 더 넓은 문화 역사의 데이터를 추적하고 매핑하여 특정 방식으로 역사 성, 정체성 및 기억 문제에 접근합니다. 두 예술가의 작품은 사이프러스 경험과 사회 정치 분야에서 출발하지만 훨씬 더 광범위한 글로벌 시스템의 일부로 실질적인 담론을 표현하기 위해 확장되고 변형됩니다. 다문화주의, 횡단, 이주, 이주 및 혼성화 문제는 연구의 공통 기반입니다. 사이프러스 파빌리온 내에서의 만남은 세계화 된 환경의 명백한 동질성을 둘러싼 기존 입장과 모순을 강조하고 협상하기 위해 노력합니다.동시에 그것은 영적 · 지적 범법에 대한 인간의 깊은 욕구, 즉 시공간적 존재 체계의 재정의와 인간 경험의 재편성으로 이끄는 깊은 인간적 욕구를 다룬다.
이집트 관 : 우주에서 달리는 30 일
Basiony의 멀티미디어 “30 Days of Running in the Space”는 아랍의 봄 동안 카이로의 실제 장면을 녹음했습니다. 특별히 설치된 방에서 제자리에서 달리면서 예술가의 신체 활동에 대한 디지털 시각화. 그의 활력 징후는 그래프와 선으로 벽에 번쩍였다. 이 작품은 2011 년 비엔날레에서 재현되었으며, Basiony가 1 월 25 일부터 27 일까지 타 흐리 르 광장을 촬영 한 시위가 벌어지고있는 시위를 다룬 다큐멘터리 영상과 함께 재현되었습니다.
에스토니아 파빌리온 : 작은 공간을 차지하는 여성
“작은 공간을 차지하는 여성”은 아파트와 같은 가정적인 환경에서 개념적으로 연결된 6 개의 방 설치로 구성됩니다. 그녀의 사진, 비디오 및 장소 별 공간 설치에서 작가는 여성 성 및 사회적 공간에서 현대 사회의 다양한 여성 표현 및 ‘여성적인’직업에 이르기까지 다양한 주제를 탐구합니다. 공간에 대한 초점과 함께 시간에 대한 강조, 시간의 순환, 의식 반복의 특정 요소와 ‘아무데도 가지 못함’도 있습니다.
사진 시리즈는 직장에서 다양한 연령과 사회적 지위를 가진 여성을 포착합니다. 이 시리즈는 여성이 남성보다 일상 업무에 더 적은 공간이 필요하다는 몇 년 전 에스토니아 언론에 실린 성 평등에 대한 여론 칼럼에서 영감을 받았습니다. 전시회를 통해 진행되는 질문 중 하나는 모든 당사자 간의 말하지 않은 합의의 결과로 그러한 아이디어가 상대적으로 방해받지 않고 계속되도록 허용하는 메커니즘에 대한 것입니다. 사적 영역과 신체에 초점을 맞춘 작업과 함께 음식을 통해 여성의 일과 사회 생활의 순환 모델을 탐구하는 비디오 비 사회적 시간도 있습니다.
프랑스 파빌리온 : 기회
Christian Boltanski의 “Chance”라는 제목의 멋진 설치 작품은 그에게 소중한 주제를 다룹니다. 운, 불운과 기회, 우리를 매료시키고 자신의 법칙을 강요하는 힘. 끊임없이 움직이는 요소가 끝없는 삶의 복권을 불러 일으키는 열광적 인 환경. Christian Boltanski의이 작품 앙상블은 시청자가 수동적으로 스토리를 기록하는 데 만족하지 않고 진정한 게임에 참여하는 철학적 이야기로도 제시됩니다. 그는 운명에 의해 선택 될 수 있으며 운이 웃으면 전시회의 작품 중 하나를 획득 할 수 있습니다.
“기회”는 운명에 대한 광범위한 조사를 열어줍니다. 삶의 전개와 출생과 죽음의 리듬은 우주와 개인의 새로운 형태, 무엇이 서로를 구별하는지에 대한 질문을 제기합니다. 암울함과는 거리가 먼 이곳의 분위기는 환영합니다. 산업 및 기계 시스템의 잔인 함이 건물의 신고전주의 조화를 방해하지만 여기에서 필터링 된 빛은 신생아의 얼굴을 비 춥니 다. 주기적으로 그들 중 하나가 선택되고, 외모면에서 그를 다른 사람과 구별하지 못한다면 그는 아직 권력과 명성이 역사에 흔적을 남길 수 있습니다.
독일 파빌리온 : Christoph Schlingensief
최우수 국가 참여를위한 황금 사자상
독일 관의 메인 홀에서는 Schlingensief가 2008 년 Ruhrtriennale을 위해 구상 한 Fluxus oratorio A Church of Fear vs. Alien Within의 무대가 발표되었습니다. A Church of Fear vs. The Alien Within에서 Schlingensief는 자신의 개인적인 경험을 사용하여 삶, 고통, 죽음의 보편적이고 실존적인 주제와 공개적으로 경쟁합니다. 많은 영화 및 비디오 프로젝션과 수많은 조각, 공간 및 그림 요소로 구성된 연극의 무대는 시청자에게 그의 다른 무대 세트보다 더 포괄적 인 전체 설치를 제공합니다. 파빌리온의 두 측면 날개 중 하나에는 Schlingensief의 커리어 중 각기 다른 순간에 선택된 6 편의 영화 프로그램이 대형 스크린에서 상영되는 영화관이 있습니다. 모든 영화는 원본 필름 스톡에서 디지털화됩니다.부분적으로 복원되었습니다. 이 극장은 비엔날레 개장 시간 동안 언제든 이용할 수 있으며, 처음으로 자막이 나오는 일부 영화를 포함하여 슐 링겐 시프의 영화 중 상당 부분을 해외 관객에게 볼 수있는 기회를 제공합니다.
파빌리온의 왼쪽 윙은 아프리카의 오페라 마을 인 Schlingensief의 Operndorf Afrika에 헌정되었습니다. 부르 키나 파소의 수도 인 와가 두구 근처에 위치한 이곳에는 영화와 음악 교실이있는 학교, 카페, 병원, 페스티벌 홀이있는 중앙 극장 건물이 있습니다. 오페라 마을은 Aino Laberenz의지도하에 건축가 Francis Kéré와 함께 계획되었습니다. 아프리카 프로젝트의 이미 실현 된 부분에 대한 사진 및 문서와 함께, Schlingensief가 부르 키나 파소의 배우들과 공동 작업 한 마지막 연극인 Via Intolleranza II에서 선택한 장면과 함께 파빌리온의이 부분에는 대규모 파노라마 프로젝션이 있습니다. 오페라 마을 건설 현장 주변의 자연 경관 영상아프리카 영화 감독 Schlingensief가 독일 관에서 사용을 의뢰 한 촬영.
그리스 파빌리온 : 개혁을 넘어서
Diohandi의 “Beyond Reform”이라는 제목의 사이트 별 설치물로 공간과 시간을 탐색합니다. 파빌리온의 내부와 외부를 기존 공간으로 수정하여 주어진 시점에 서 있습니다. 비잔틴 스타일의 파사드는 원래 구조를 덮는 새로운 외피 표면의 작은 균열을 통해 볼 수 있었으며 물, 빛 및 소리는 파빌리온 내부의 주요 요소였습니다. 내부로의 접근은 수면 사이의 파빌리온 길이를 달리는 상승하는 복도에서 이루어졌으며, 깎아 지른듯한 빛까지 이어져 있습니다. 그리스 파빌리온의 건축과 역사에 대한 광범위한 연구에 따라 Diohandi의 새로운 공간은 주변 환경이 인테리어와 조화를 이루며 건축 직물, 빛, 소리 및 물이 공존 할 수있는 새로운 방식을 제시합니다.
Diohandi는 “ILLUMInations”라는 주제를 가장 깊고 기본적인 의미로 이해합니다. 외부와 내부 모두 매우 구체적이고 구체적이며 엄격하게 이성적인 공간에서 시작하여 전체 공간이 리모델링되지만 이러한 개입이 실제로 기존 구조에 영향을 미치지는 않습니다. 작품에 빼놓을 수없는 소리와 빛도 특징입니다. 그리스 파빌리온의 설치는 Diohandi의 구체적인 작업과 함께 유럽과 세계의 현재 정치 상태를 반영합니다. 동시에 그것은 분명히 경제적 불황과 IMF 후견에 대한 현대 그리스의 경험에 대한 논평이다 : 빛의 장소는 어둠 속으로 던져지고 쇠퇴하고, 영적, 사회 정치적 재건에 대한 희망에 거의 어리석은 것처럼 보인다. ; 다시 말해,마치 궁극의 카타르시스처럼 마음의 명료 함을 가져다주는 빛의 비전에.
인도 파빌리온 : 모두 동의 : 폭발 할 것입니다
베니스 비엔날레의 첫 번째 인도 관은 “모두가 동의합니다 : 폭발 할 것입니다”라는 제목으로, 판화 제작자이자 조각가 인 Zarina Hashmi, 화가이자 비디오 아티스트 인 Gigi Scaria, 혼합 매체 아티스트 인 Praneet Soi, 그리고 욕망 기계 집단. 이 파빌리온은 초 문화 실천, 이주 및 교차 수분의 비유를 통해 아이디어에 접근합니다. 실제로이 파빌리온은 현대 인도 미술 장면과 관련된 특정 핵심 제안을 테스트하는 실험실 역할을하기위한 것입니다. 이를 통해 우리는 인도를 영토에 기반을 둔 개념적 실체로 볼 수있을뿐만 아니라 상상의 세계 공간에서도 광범위하게 확장 할 수 있습니다.
Hoskote의 작가 선정 목표는 예술 시장과 병행하여 진행되는 개념적으로 엄격하고 미학적으로 풍부한 예술적 관행을 대표하는 것입니다. 더욱이 이것들은 갤러리 시스템과 경매장 서킷에 의해 아직 평가되지 않았습니다. 인도의 표현은 또한 현대 예술 제작의 교차 문화적 특성을 강조하는 예술적 위치에 초점을 맞추고 있습니다. 오늘날 만들어지고있는 가장 중요한 예술 중 일부는 다양한 위치, 다양한 이미지 제작 경제 및 다양한 문화 역사를 활용합니다.
이라크 파빌리온 : 부상당한 물
“Wounded Water”는 다양한 예술 미디어 (회화, 공연, 비디오, 사진, 조각 / 설치)를 포함하여 2 대에 걸쳐 전문적으로 선별 된 6 명의 이라크 예술가로 구성된 흥미 진진한 선택입니다. 지금은 이라크에게 특별한시기입니다. 제 54 회 베네치아 비엔날레의 공식 국가 파빌리온을 만드는 프로젝트는 2004 년부터 진행되고있는 다중 참여 작업입니다. 30 년 이상의 전쟁과 분쟁 끝에 역사적으로 대대적 인 리뉴얼시기를 맞이하고 있습니다. 이라크 파빌리온에는 국제적으로 알려진 6 명의 현대 이라크 예술가들이 각자의 실험적 예술 연구에서 상징적 인 역할을하며, 자국 안팎에서 살았던 결과가 있습니다.
그들은 두 세대를 대표합니다. 1950 년대 초에 태어난 한 세대는 이라크에서 정치적 불안정과 그 시대의 문화적 풍요 로움을 모두 경험했습니다. 알리 아사 프, 아자 드 나나 켈리, 왈 리드 시티는 1970 년대에 그들의 배경이 된 정치적 사회주의가 창설되는시기에 성인이되었습니다. Adel Abidin, Ahmed Alsoudani 및 Halim Al Karim을 포함하는 2 세대는이란-이라크 전쟁 (1980-1988), 쿠웨이트 침공, 압도적 인 UN 경제 제재 및 그에 따른 예술적 고립의 드라마에서 자랐습니다. 이 세대의 예술가들은 2003 년 침략 이전에 나라를 떠났고, 그들의 작품의 예술적 미덕과 결합 된 순전 한 재산으로 유럽과 미국으로 피난처를 찾았습니다.따라서 여섯 명의 예술가 모두는 세계적 상황과 이라크 경험을 통합하는 현대 예술적 실천으로 의심 할 여지없이 단련 된 정체성을 가지고 있으며 범위가 완전히 국제적인 정교하고 실험적인 접근 방식을 나타냅니다.
이스라엘 파빌리온 : 한 사람의 바닥은 다른 사람의 감정
시갈 릿 란다 우 (Sigalit Landau)의 “한 사람의 바닥은 다른 사람의 느낌”으로 은유와 소재를 하나의 이미지, 시적, 정치적으로 결합하는 암시적인 제목은 상상력을위한 충분한 공간을 가진 개념을 생성합니다. 물, 땅, 소금이라는 세 가지 필수 요소로 작업하는 Landau의 프로젝트는 이스라엘 파빌리온 자체와 관련이 있습니다. 이 프로젝트는 지역에 따라 다르며, 상호 의존 문제,이 지역에 살고있는 커뮤니티와 사회, 토지와 문화를 공유하는 서로 인접 해있는 물을 축하합니다.
이탈리아 파빌리온 : 문화 유산 및 활동부
이탈리아 통일 150 주년을 맞아 확장 된 이탈리아 관의 전통 공연장으로, 이탈리아 통일 150 주년을 맞아 확장 된 이태리 파빌리온의 첫 10 년 동안 의미있는 예술가를 지정하라는 요청을받은 국제적 명성을 가진 200 명의 주요 인물이 선정되었습니다. 2001 년부터 2011 년까지의 천년. 200 가지의 다양한 예술 이해 방식의 결과로 200 명의 예술가가 전시되었습니다. 비평가의 선택에 국한되지 않고 갤러리의 경향을 따르지 않고 예술, 문학, 철학 사이의 특별한 결합을 제공하는 만화경 표현. 무기고는 또한 베니스의 Salemi에서 가져온 마피아 박물관을 공개하여 “예술은 우리의 것이 아니다”라는 노출 모티브를 제공했습니다.
전시회 이탈리아 : 150 / 비엔날레 : 116. 다양성, 일관성 및 예술적 품질을 위해 특별히 중요한 컬렉션을 전시하기위한 것입니다. 전시회에는 Augusto Sezanne, Ettore Tito, Marcello Dudovich, Carlo Scarpa, Albe Steiner, Milton Glaser, Ettore Sottsass, Gianluigi Toccafondo 및 베니스에 기반을 둔 Studio Tapiro의 작품이 포함되었습니다. 이 전시회는 자금 강화를위한 광범위한 프로젝트 내에서 La Biennale, 특히 ASAC (Historical Archives of Contemporary Arts)의 내부 자원으로 실현되었습니다. 이번 전시는 360 개의 일반 포스터로 대표되는 3,500 점의 포스터 컬렉션과 2 차 포스터, 포스터, 공지 사항 등의 전체 포스터 컬렉션의 최근 재 작업 및 인벤토리 작업 덕분에 가능했습니다.
일본 파빌리온 : Tabaimo : 텔레 코 수프
다중 채널 애니메이션을 미러 패널에 투영하여 만든 Tabaimo의 “teleco-soup”설치 권한이있는이 몰입 형 멀티미디어 환경은 섬 국가로서의 국가 정체성을 탐구합니다. “텔레 코 수프”는 “반전 된”수프, 또는 물과 하늘, 액체와 용기, 자아와 세계 사이의 관계의 반전이라는 개념을 내포합니다. 작가가 만든이 문구는 일본의 섬 국가로서의 국가 정체성 또는 최근 몇 년 동안 일본인 간의 비 호환성을 설명하는 데 사용 된 “갈라파고스 증후군”으로 알려진 일본의 지적 전통을 기반으로합니다. 기술 및 국제 시장이지만 이제는 세계화 시대에 일본 사회의 여러 측면에 적용 가능합니다.전시의 구조는 중국 철학자 좡자 (Zhuangzi)의 속담 “우물 속의 개구리는 바다를 상상할 수 없다”와 “하지만 하늘의 높이를 알고있다”는 일본 판의 부록을 더 참조한다. ”
다 채널 애니메이션 프로젝션과 미러 패널을 사용하여 Tabaimo는 일본 관 내부를 우물로, 파빌리온 아래에있는 열린 공간을 필로티에 올려 놓은 공간을 하늘로 바꿉니다. 이미지의 연속은 우물 (또는 현대 일본)의 상상할 수없는 폭의 인식으로 이어지며, 설치물의 반 중력 방향을 통해 아래의 구멍을 통해 보이는 하늘의 영원한 세계에서 무한한 깊이 / 높이에 연결됩니다. 파빌리온 센터 바닥. 이런 식으로 파빌리온의 경계를 넘어서 설치는 상하, 내외부, 넓고 좁은 관점 사이의 관계를 불안정하게 만들고 방문객을 질문하는 신체적 경험에 몰입시킵니다.우물에 사는 개구리의 세계가 정말 그렇게 작습니까? 그리고 개인과 공동체 사이의 접촉 지점을 어떻게 협상 할 수 있습니까? 우리 자신의 갈라파고스 증후군을 어떻게 협상합니까?
리투아니아의 파빌리온 : 흰색 커튼 뒤에
흰색 커튼 뒤에는 Darius Mikšys의 작품이 있으며, 현대 국가에서 큐레이팅 한 상징적 전시를한데 모아 전시하고이를 실제 전시 및 국가 기록 보관소로 바꾸려고 시도합니다. 자체 구성 및 자체 구성 공공 거울 역할을하는 Behind the White Curtain은 지난 20 년 동안 리투아니아 공화국 문화부로부터 국가 보조금을받은 예술가들의 작품 모음을 구성합니다 (1992–2010). .
리투아니아 국가는 리투아니아 예술가들의 실천을 촉진하기 위해 상금과 보조금을 할당하여 상징적 인 전시회를 위해 예술가를 선발합니다. 그것은 문화적 제품의 대상 프로그램으로 볼 수 있습니다. 이런 식으로 국가는 전시장에 벽이없고 수십 년 동안 전시가 열리는 큐레이터의 역할을합니다. 그런 전시회를 볼 수 있습니까? 어떻게 방문합니까? 하얀 커튼 뒤에는 커튼 양쪽에서 일어나는 설치와 공연이 있습니다. 한면은 전체 컬렉션을 보관하는 공간으로, 두 번째면은 회전하는 박람회로 작동합니다. 각 방문자의 특정 관심사에 따라 형성됩니다.
룩셈부르크 파빌리온 : Le Cercle Fermé
Martine Feipel & Jean Bechameil의 “Le Cercle Fermé”는 공간 개념이 중심이라는 것을 깨닫습니다. 관찰자에게는 새로운 유형의 공간을 찾아야하는 분명한 필요성이라는 단일 아이디어가 제시됩니다. 작품은 미술사 나 사회와 마찬가지로 철학에 이르기까지 다양한 수준에서 이해할 수있다. 이 프로젝트에서 공간 관리는 위기에 처해 있습니다. 자크 데리다의 철학을 계기로 한 곳의 한계를 넘어 새로운 곳을 찾으려고 노력한 사례입니다. 이것은 주로 전통의 결과 인 한계의 의미와 공간의 의미에 대한 생각으로 귀결된다.
중요한 것은 한계를 넘어서 법을 어기거나 범하는 것이 아니라 이전 공간의 중심에 공간을 ‘열어’는 것입니다. 이 개구부는 점유 할 새로운 공간을 만들어내는 것이 아니라 그 한계의 옛 의미 속에 숨겨진 일종의 주머니입니다. 그것은 미끄러짐의 원리에 따른 공간의 개방에 관한 것입니다. 이 내부의 미끄러짐과 공간의 재현은 항상 기관의 파괴를 의미합니다. 상황은 여전히 열려 있지만 생태적 위기와 문명의 위기에 대응할 수있는 행동 개념이 부족합니다. 오늘날, 공간 문제에 대한 반성을 문명의 작품으로, 문명의 리모델링으로 고려하는 것이 그 어느 때보 다 시급하다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 일상을 바꾸는 것은 우리 세상을 완전히 리모델링합니다.
몬테네그로 파빌리온 : 냉장고 공장과 맑은 물
“냉장고 공장과 맑은 물”이라는 제목의 전시회는 Marina Abramović, llija Soskic 및 Natalija Vujosevic과 함께 전시 된 공동 공연 예술가입니다. Obod는 몬테네그로의 옛 왕국의 수도 인 Cetinje에 위치한 140,000m2의 오래된 냉장고 공장으로, 티토의 공산주의 정권 동안 지어진 곳입니다. Obod는 이전의 모든 유고 슬라비아를위한 냉장고를 생산하기 위해 설립되었으며 오늘날까지도 수세기에 걸친 오래된 도서관, 궁전, 수도원 및 산 옆에 매우 가깝게 위치한 공산주의, 산업화 및 모더니즘의 이상을 완벽하게 보존 한 예입니다. 몬테네그로는 매우 매력적인 지리적 위치입니다. 공간은 공연, 무용, 예술 등 다양한 형태의 예술을 생산, 발표, 배포 및 개발하는 실험실로 전환되었습니다.연극, 오페라, 영화, 건축, 과학 및 신기술을 육성합니다.
Marina의 작품은 독창적 인 내러티브와 몬테네그로 뿌리에 대한 짧은 전기를 특징으로하는 비디오로 구성되어 있으며 몬테네그로 (유럽)와 뉴욕 허드슨에 두 개의 공연 센터를 동시에 설립하려는 야심 찬 프로젝트를 설명합니다. Marina Abramović의 작품은 Karlyn de Jongh와 Sarah Gold가 큐레이팅 한 “Personal Structures”에서도 볼 수 있으며, Canal Grande의 Rialto Bridge와 가까운 멋진 Palazzo Bembo에서 개최됩니다. 이 그룹 쇼는 5 개 대륙에서 온 28 명의 예술가들의 흥미로운 조합을 모았습니다. 확립 된 아티스트 든 덜 알려진 아티스트 든 모두 시간, 공간 및 존재의 개념에 대한 헌신이라는 공통 관심사로 통합됩니다.
뉴질랜드 파빌리온 : 채프먼의 호머를 처음으로 살펴보기
Michael Parekowhai의 “처음에 Chapman ‘s Homer를 조사 할 때”는 19 세기 영국 낭만주의 시인 John Keats의 같은 제목시에 경의를 표하며 구세계와 신세계 간의 발견, 탐험 및 문화적 상호 작용에 대한 개념을 언급합니다. . 작가는 채프먼의 호머의 작품을 퍼포먼스 아트와 결합하는 방식으로 이해하고, 작품의 진정한 의미는 사물이 할 수없는 공간을 채우는 음악을 통해 나오며, 마이클 파 레코와 이는 관객에게 드라마와 놀라움을 선사한다.
노르웨이 파빌리온 : 사물의 상태
오늘날 Nansen Passport의 원칙과 국가의 이미지가 실제로 국제주의에 의해 정의 될 수 있다는 가능성을 반영하여 Office for Contemporary Art Norway (OCA)는 일련의 ‘The State of Things’를 조직하고 있습니다. 제 54 회 베니스 비엔날레 노르웨이 대표의 일부인 공개 강연. 국제적으로 존경받는 지식인들의 공개 강연은 다양성, 유럽, 환경, 평화 만들기, 인권, 자본, 지속 가능성, 이주, 망명, 미학 및 전쟁과 같은 주제를 반영합니다. 각 논문은 발표자의 활동 및 연구 분야와 오늘날의 지적 및 정치적 우선 순위를 고려한 내용을 바탕으로 오늘날의 ‘사물 상태’를 다루고 있습니다.
러시아 파빌리온 : 빈 구역
“Empty Zones”는 CA의 행동을 예술의 삶으로 소급 적으로 보는 시도입니다. 규모의 역설에 초점을 맞춘 전시는 예술을 오브제 (그림, 조각, 설치)가 아닌 자신의 생산으로 보여줍니다. 빈 공간은 독특한 예술 작품으로서의 삶의 개념입니다. 그리고이 예술의 삶은 러시아 관 공간을 위해 만들어진 은유를 사용하여 입증되었습니다.
관람객을 평소의 수동적 상태에서 벗어나 예술적 이벤트를 만드는 데 적극적인 역할을하는 러시아 최초의 예입니다.”CA의 ‘액션’을 구성하는 미적 시공간적 이벤트가 모두 개발되었습니다. 거대한 시골 공간 (들판, 숲, 강 등)과 행동을 소개하고, 그에 수반하고, 행동의 사건에 대해 논평하는 텍스트에서. 현대적인 미학 언어를 개발하는 과정에서 그것을 요구했을 때 CA는 125 개의 액션을 수행하고 Trips out of Town 책의 10 권 (11PthP 작업이 진행 중)을 편집했습니다.
사우디 아라비아 파빌리온 : 블랙 아치
Mona Khazindar와 Robin Start의 “The Black Arch”는 두 아티스트의 만남의 장소에 관한 것입니다. 세계에 대한 두 가지 비전의; 어둠에서 빛으로, 그리고 두 도시, 메카와 베니스. 이 작품은 예술가들의 블랙에 대한 집단적 기억, 기념비적 인 색의 부재, 그리고 그들의 과거를 언급하는 블랙의 물리적 표현을 투영하는 무대 다. 이 이야기는 고모와 할머니가 전한 영감을주는 이야기에 힘 입어 1970 년대 자매가 자란 메카에 정박합니다.
설치의 첫 번째 부분 인 블랙의 물리적 존재에 대한 경험은 사우디 여성의 검은 실루엣에서 영감을 얻은 아티스트에게 인상적입니다. 카운터 포인트로 설치의 두 번째 부분은 현재를 반영하는 거울 이미지입니다. 이것이 작품의 미적 매개 변수입니다. Black Arch는 또한 전환에 관한 여정에 관한 것입니다. 마르코 폴로와 동료 13 세기 여행자 Ibn Battuta에서 영감을 받아 여행을 통해 문화를 연결하는 방법을 보여줍니다. 예술가들은 두 대도시의 유사점과 영감을주는 힘에 초점을 맞 춥니 다. 두 명의 여성, 두 자매, 두 명의 예술가의 이중 비전은 의식과 전통의 세계에서 펼쳐지지만 인간 행동의 일상적인 현실을 단순하게 직면합니다.
슬로베니아 파빌리온 : 뜨거운 감정을위한 히터
Mirko Bratuša의 조각 설치 Heaters for Hot Feelings는 각각 높이가 약 2m 인 8 개의 촉각, 인위적 및 생체 형상 조각으로 구성됩니다. 숨겨진 전기 부품은 구운 점토 조각을 가열하고, 가습하고, 냉각시킵니다. 첫 번째 조각품의 냉각으로 생성 된 열은 다른 조각품을 가열하는 데 사용되었습니다. 연결 네트워크는 상호 의존성을 나타내는 인공 신체 시스템으로 설정됩니다. 이러한 방식으로 구성된 예술 시스템의 은유는 모든 것이 상호 관계에서 일어나는 현대 사회에 보편적으로 적용 할 수 있습니다. 행성의 한쪽에 부를 축적하면 다른쪽에 빈곤이 생기고 자연을 착취하면 자연 재해가 발생하고 사회적 불안이 정치적으로 바뀝니다. 시스템.
Mirko Bratuša의 조각품은 다양한 감정 상태로 포착됩니다. 그들은 환상적인 표현력을 가지고 있으며 조각적인 화려 함과 세련된 유머로 디자인되었습니다. 서구 가톨릭 전통의 기이 한 현상을 암시하면서, 그들은 평범한 이국적 현상을 우리에게 드러냅니다. 따라서 더 높은 수준의 공감을 달성하기 위해 그들은 명확하게 표현되고 더 이상 대량 판매되지 않는 소성 점토 재료로 만들어집니다. 촉감이 좋고 따뜻하며 차갑습니다. 그들은 우리의 일상 생활의 정신병 적 측면을 보여주고, 우리의 두려움을 반영하며, 우리가 더 이상 정치와 사회 권력 관계에 영향을 미칠 수없고 더 이상 멈출 수없는 현대 문화에서 길을 잃었다는 우리의 감각을 말합니다. 자연 파괴 과정. 따라서 Bratuša는 우리가 기본 인식으로 돌아 가야한다고 제안합니다.잃어버린 감성의 영역에.
터키 파빌리온 : 플랜 B
Ayşe Erkmen의 “Plan B”는 베니스가 물과 맺는 불가피하고 복잡한 관계를 그립니다. Erkmen의 프로젝트는 Arsenale 내부의 방을 기계가 조각품처럼 작동하는 복잡한 정수 장치로 바꾸어 청중을 여과 과정 내부로 둘러 싸게하여 결국 깨끗한 식수를 운하로 다시 공급합니다. 여과 장치의 각 구성 요소가 분리되어 방 전체에 기계를 배포 한 다음 확장 된 파이프로 요소를 다시 연결합니다. Erkmen은 정제 된 물이 운하로 되돌아가는 변환 과정에주의를 끌기 위해 우아한 산업 형식을 안무합니다. 이는 운하와 바다의 압도적 인 규모에 대한 쓸데 없지만 용기있는 제스처입니다.
공식적으로 Erkmen의 관행은 산업 형태와 신체 사이의 미니멀리즘의 관계에 대해 자주 언급합니다. 여기에서 설치는 변형의 메커니즘 내에 구현 된 시청자에게 본능적 인 경험을 생성합니다. “플랜 B”는 신체를 통해 순환하는 혈액, 경계를 통과하는 자본, 권위의 메커니즘, 천연 자원의 공급 등 우리가 일상의 일부인 시스템과 프로세스를 추상적으로 전달하며 변화의 잠재력에 대한 시적인 언급을 제공합니다. 동시에 작업은 우리를 둘러싼 복잡한 시스템과 구조 내에서 지속 불가능한 단기 솔루션과 변화에 대한 행복감에 대한 미묘한 유머러스 한 비판입니다.
영국 관 : I, 사기꾼
영국 관의 몰입 형 설치물 인 Mike Nelson의 “I, imposter”. 새로운 적응은 17 세기 길가 여관의 역사를 재창조하여 시간과 공간의 층을 혼합합니다. 아시아, 북아프리카 및 남동부 유럽을 가로 지르는 상업 무역로를 지원하기 위해 설계된이 공간은 전성기에는 궁극의 장소였습니다. 따라서 최신 공간 재 해석은 17 세기 건축을 플라스틱 가구 및 오래된 텔레비전과 같은 최근의 유물과 통합함으로써 시간을 무너 뜨립니다. 이스탄불에서 베니스로 설치물을 대체하는 것도 지리에 대한 인식을 왜곡하지만 이전 무역 허브였던 두 도시의 공유 된 역사를 통합합니다.
아메리카 합중국 파빌리온 : 글로리아
미국 파빌리온을 재정비 한 “Gloria”라는 이름을 붙였습니다. 외부 공기에는 먼지가 많고 모든 판지와 파편이 전쟁 지역처럼 주변에 놓여 있습니다. 60 톤의 영국 전차가 거꾸로 뒤집힌 Track and Field라고 불리는 그들은 전차의 오른쪽 트랙 위에 운동 용 트레드밀을 고정했습니다. 미국 체조 선수들의 공연과 함께 파빌리온 내부에서 열렸습니다. Freedom의 상징적 인 조각상의 복제품이 Algorithm 옆에 서있었습니다. 파이프는 작동하는 ATM과 함께 연결되어 있으며 오르간은 거래 중에 만 음악을 재생합니다.
미국을 대표하는 Allora와 Guillermo Calzadilla. 가장 예술적인 사람들은 종종 예술계의 올림픽이라고 불리는 이벤트를 이해합니다. 선수들처럼 그들은 철저하게 준비하고 결국 금메달을 놓고 경쟁합니다. Gloria는 올림픽의 영광, 예술의 영광, 전쟁의 영광 에서처럼. 그러나 전복 된 전차는 미국의 희미한 영광의 상징으로 쉽게 해석 될 수 있습니다. 방문자는 군국주의의 관계를 볼 수 있고 전쟁에 대해 생각할 수 있습니다. 조각품은 중력, 무게, 조립, 성능, 소리와도 관련이 있습니다. 따라서 하나의 유용하고 실용적이며 기능적인 단일 끝을 초과하는 이러한 모든 종류의 다중 레지스터를 가지고 있습니다.