자화상은 그 화가가 그림, 그림, 사진 또는 조각 한 예술가를 나타냅니다. 초기부터 자화상이 만들어졌지만 15 세기 중반의 초기 르네상스 때까지 예술가들이 주요 주제로 또는 자신의 작품에서 중요한 인물로 묘사되는 경우가 많습니다. 더 좋고 값이 싼 거울과 패널 초상화의 출현으로 많은 화가, 조각가 및 판화 제작자가 자화상을 시도했습니다. 1433 년 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)의 터 반 (Turban)에있는 한 남자의 초상화는 초기에 알려진 패널 자화상 일 수 있습니다. 그는 아내와 별개의 초상화를 그렸다. 그는 이미 알프스 남쪽보다 부유 한 네델란드 인들 사이에서 더 흔한 인물화 작업을 시작한 사회 단체에 속해 있었다. 장르는 오래되었지만 개개인에 대한 부의 부와 관심이 증가한 르네상스시기까지는 사실상 인기가있었습니다.

유형

자화상은 아티스트의 초상화 일 수도 있고 그룹 초상화를 포함하여 더 큰 작품에 포함 된 초상화 일 수도 있습니다. 많은 화가들은 자신을 포함한 특정 개인의 묘사를 종교적 또는 다른 유형의 구성 그림에 포함시킨 것으로 알려져 있습니다. 그러한 그림은 실제 인물을 그 자체로 묘사하는 것은 공개적으로 의도 된 것이 아니었지만 사실은 예술가와 후원자에게 알려졌을 것이므로 화자의 기술에 대한 대중적 테스트와 함께 논점을 만들어 냈습니다.
중세와 르네상스의 자화상에서 가장 오래 살아남은 예에서, 역사적 또는 신화 적 장면 (성서 또는 고전 문학 작품)은 실제 예술가를 모델로 사용하여 묘사되었는데, 종종 예술가를 포함하여 작품에 초상화, 자기 초상화와 역사 / 신화 그림. 이 작품에서 예술가는 대개 군중 또는 그룹의 얼굴로 나타나며 대개는 작품의 가장자리 또는 모서리를 향하고 주요 참여자 뒤에 있습니다. Rubens의 Four Philosophers (1611-12)는 좋은 예입니다. 이것은 Jan de Bray의 작업으로 17 세기에 최고조에 달했다. 많은 예술적 매체가 사용되었습니다. 그림과는 별도로 그림과 지문이 특히 중요합니다.

유명한 Arnolfini Portrait (1434)에서 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)는 아마도 두 개의 인물 중 하나 인 거울에서 볼 수 있습니다. 놀랍게도 현대적인 자만입니다. Van Eyck 그림은 Diego Velázquez가 마드리드의 궁전에서 그가 일했던 Van Eyck이 라스베 Menyas (1656)를 창안 한 화가로서 전체를 묘사하도록 자극했을 것입니다. 이것은 화가로서 (이전에는 공식적인 왕의 초상에서 볼 수 없었던) 화가의 주요 대상이었던 왕의 가족 그룹과 가까운 곳에 서서, 현대적인 번영을 누렸다.

어린 시절의 초기 자화상 중 하나일지도 모르는 알브레히트 뒤러 (Albrecht Dürer)는 148 세의 13 세 소년처럼 자연주의적인 스타일로 자신을 묘사합니다. 그는 나중에 여러 해 동안 성서 장면의 배경에 상인으로 나타납니다. 그리스도로서.

레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci)는 1512 년경에 60 세의 나이에 자신의 그림을 그린 것 같습니다. 확실하지는 않지만 Da Vinci의 모습처럼 그림이 직선적으로 재현되는 경우가 있습니다.

17 세기에 렘브란트는 다양한 자기 초상화를 그렸습니다. 가족과 함께했던 가장 초기의 자화상 중 하나 인 회당의 방탕 한 아들 (C1637)에서, 유명한 그림 작가의 가족 구성원에 대한 초기 묘사 중 하나 인 렘브란트의 아내 Saskia가 그 그림에 포함되었을 것입니다. 예술가의 묘사를 포함한 가족 및 전문 그룹의 그림은 17 세기부터 점차 보편화되었습니다. 20 세기 후반부터 비디오는 자화상에서 점점 더 많은 부분을 차지하고 오디오의 차원을 추가하여 사람이 자신의 목소리로 우리와 이야기 할 수있게합니다.

여성 화가
여성 예술가는 자화상의 주목할만한 제작자입니다. 거의 모든 중요한 여성 화가들은 캐서린 반 헤 메센 (Caterina van Hemessen)에서부터 엘리자베스 비제 – 르 브룬 (Elisabeth Vigée-Lebrun), 프리다 카를로 (Frida Kahlo), 누드에서 그린 앨리스 닐 (Alice Neel), 폴라 모던 손 베커 (Paula Modersohn-Becker) 및 제니 사빌 (Jenny Saville) Vigée-Lebrun은 총 37 개의 자화상을 그렸고 그 중 많은 것은 이전의 것의 사본이었고 판매를 위해 페인트되었습니다. 20 세기까지 여성들은 보통 누드를 그리는 것을 훈련 할 수 없었기 때문에 큰 그림 작곡을 그리기가 어려워 많은 예술가들이 초상화 작품을 전문적으로 다루게되었습니다. 여성 예술가들은 역사적으로 자기 초상화 속에서 여러 가지 역할을 구체화했다. 가장 일반적으로 일하는 예술가는 회화의 행위에서 자신을 드러내거나 적어도 붓과 팔레트를 들고 있습니다. 많은 앙상블의 정교한 성격이 그녀의 기술을 세밀하게 보여주기위한 예술적 선택 이었기 때문에 종종 착용자가 입었던 옷이 보통 입은 옷인지 궁금해했습니다.

유물
고대 이집트의 회화 및 조각과 고대 그리스 화병에서 일하는 예술가의 이미지가 발생합니다. 최초의 자화상 중 하나는 기원전 1365 년에 파라오 아카 넨 (Akaraaten)의 수석 조각가 바크 (Bak)가 만들었습니다. Plutarch는 고대 그리스의 조각가 인 Phidias는 파르테논 신전의 “Amazons Battle of Amazons”에 등장하는 여러 등장 인물의 초상을 포함 시켰으며, 그 중 어느 것도 살아남지 않은 채색 된 자화상에 대한 고전적 언급이 있음을 언급합니다.

아시아
초상화와 자화상은 유럽보다 아시아 미술에서 더 오래 지속되는 역사를 가지고 있습니다. 학자 신사 전통의 많은 부분이 매우 작아서 작가의 풍경에 대한 서예시를 보여주는 큰 풍경의 예술가를 묘사합니다. 선불교와 관련된 또 다른 전통은 생생한 반 캐리커처의 자화상을 낳았으나 다른 종족은 공식 초상화의 관습에 더 가깝게 남아 있습니다.

유럽 ​​예술
조명 된 원고에는 여러 가지 명백한 자화상, 특히 세인트 던스턴 (Saint Dunstan)과 매튜 파리 (Mathew Paris)의 자화상이 있습니다. 이들 대부분은 직장에서 작가를 보여 주거나 기증자 또는 성스러운 인물에게 완성 된 책을 선물하거나 그러한 인물을 숭상하는 것입니다. Orcagna는 1359 년의 프레스코 화에서 자신이 그림으로 그려진 것으로 여겨진다. 예술가의 흔한 관행 인 Vasari는 예술 사학자들에 따르면 적어도 이러한 전통을 기록하고있다. [표창장은 필요로했다] 그러나, 비교할 다른 초상화가없는 초기 아티스트에게는 이러한 설명이 필연적으로 추측 적입니다. 가장 초기의 자화상 중 하나는 요하네스 아퀼라 (Johannes Aquila)에 의한 두 개의 프레스코 화로, 슬로베니아 북동부 마르 탕시 (1392)에있는 헝가리 서부 벨레 메르 (Velemér) (1378)에 있습니다. 이탈리아에서 Giotto di Bondone (1267-1337)은 나폴리 성의 유명한 인물들의 순환에 자신을 포함 시켰고 Masaccio (1401-1428)는 Brancacci 채플의 그림에서 사도들 중 한 명으로 묘사했으며 Benozzo Gozzoli (Magi)의 궁전 메디치 행렬 (Palazzo Medici Procession of the Magi, 1459)에 다른 초상화와 함께 자신의 이름을 모자에 적는다. 이것은 몇 년 후 Sandro Botticelli가 Magi (1475)의 숭배의 관객으로 모방 한 것인데, 누가 우리를 바라 볼 수있는 장면에서 벗어난 것입니다. 프라하 대성당에있는 Parler 가족의 14 세기 조각 세로 세로 흉상에는 자화상이 포함되어 있으며, 최초의 비 왕실 인물상의 흉상입니다. 기 베르 티 (Ghiberti)는 그의 가장 유명한 작품에 작은 머리를 포함 시켰습니다. 특히 영국에서 가장 초기에 찍은 자화상은 원고가 아닌 독일 작가 인 Gerlach Flicke (1554)가 패널에 그린 오일로 그려져있다.

최초의 다작의 자화상자인 알브레히트 뒤러 (Albrecht Dürer), 1471-1528
Albrecht Dürer는 그의 공공 이미지와 평판을 매우 잘 알고있는 예술가였습니다. 그의 주된 수입은 유럽 전역에서 판매 된 그의 유명한 모노그램을 포함하고있는 그의 오래된 마스터 지문에서 나왔습니다. 그는 아마도 그에게 자신보다 더 자주 자신을 묘사했는데, 3 개의 오일 초상화와 4 개의 altarpieces를 포함하여 적어도 12 개의 이미지를 제작하여 그 이전의 어떤 예술가보다 더 자주 나타났습니다. 가장 오래된 것은 그가 13 세가되었을 때 만들어지는 은색 점입니다. Dürer 22 세는 카네이션 (1493, 루브르 박물관)으로 자화상을 그렸고 아마도 그의 새로운 약혼자에게 보냈을 것입니다. 마드리드의 자화상 (1498, 프라도)은 뒤뤼 (Dürer)가 세련된 이태리 드레스를 멋지게 묘사 한 것으로, 그때까지 성공한 국제적인 성공을 반영합니다. 그의 마지막 자화상에서 뉘렌 베르그 (Nuremberg)시에 팔리거나 주어졌으며 공개적으로 공개되었는데, 그 당시에는 초상화가 거의 없었던 작가는 예수 그리스도 (뮌헨, 알테 피나 코텍)와 뚜렷한 유사점을 지니고있었습니다. 그는 나중에 그리스도의 자신의 “자화상”인 베로니카의 베일을 종교적으로 조각하면서 얼굴을 다시 사용했다 (B.25). 그가 라파엘에게 보낸 슈슈의 자화상은 살아남지 못했습니다. 목욕탕의 목판화와 그림이 사실상 누드 자화상을 보여줍니다.

르네상스와 바로크 시대
르네상스의 위대한 이탈리아 화가들은 공식적인 그림을 그리는 자화상을 비교적 적게 만들었지 만, 종종 더 큰 작품에 자신을 포함 시켰습니다. 그들이 남긴 대부분의 개인적인 자화상은 직접적인 묘사였습니다. 논란의 여지가 있지만 죠르 죠네 (Jiorgione)의 데이비드 (David)라는 논란이 많은 자화상이 자화상 인 경우 똑같은 정신을 지니고 있음에도 불구하고 뒤러의 쇼맨쉽은 거의 뒤 따랐다. 약 1500 년의 Pietro Perugino의 초상화가 있는데 (페루자의 Collegio del Cambio), 볼록한 거울로 그려진 젊은 Parmigianino의 초상화가 있습니다. Leonardo da Vinci (1512)의 그림과 시스틴 예배당 (1536-1541)의 최후 심판에서 세인트 바돌로매 (Bartholomew)의 피부에 얼굴을 드러낸 미켈란젤로 (Michelangelo)의 더 큰 작품의 자화상과 라파엘 (Raphael) 1510 년 아테네의 학교의 성격, 또는 그의 어깨를 든 친구와 함께 본 사람 (1518). 또한 주목할만한 것은 1560 년대에 티치아노의 두 명의 초상화가 노인 이었다는 것입니다. 파올로 베로 네제 (Paolo Veronese)는 카나에서의 결혼 생활에서 흰색으로 옷을 입은 바이올리니스트로 나타납니다.베이스 viol (1562)에서 Titian과 함께합니다. 북부 예술가들은 계속해서 더욱 개인적인 초상화를 그리며 다른 부르주아의 시댁과 매우 흡사하게 묘사했다. Johan Gregor van der Schardt는 페인트 칠한 테라코타 흉상을 제작했다 (c.1573).

티치 아니스의 신중함 (1565-70)은 티치아노스와 그의 아들 오라지오, 어린 사촌 마르코 베첼리오를 묘사 한 것으로 생각됩니다. 티치아노는 1567 년에 자화상을 찍었습니다. 명백하게 그의 첫번째. 바로크 화가 Artemisia Gentileschi의 La Pittura (그림의 우화로서의 자화상)는 회화가 자주 전달하는 Gentileschi의 목 주위에서 착용 된 극적인 가면에서 본 Painting의 고전적인 우화 표현을 구현합니다. 관람자와 떨어져있는 그녀의 작품에 대한 작가의 관심은 바로크 시대의 드라마와 예술가의 독창적 인 혁신가로의 역할 변화를 조명한다. Caravaggio는 그의 경력의 시작 부분에 박카스에 자신을 그린 다음, 그의 큰 그림 중 일부의 staffage에 나타납니다. 마지막으로 David (1605-10, Borghese Galleria)가 개최 한 골리앗의 수장은 Caravaggio의 소유입니다.

렘브란트와 북유럽의 17 세기
17 세기에는 플랑드르와 네덜란드 예술가들이 훨씬 더 자주 그렸습니다. 이 날까지 가장 성공적인 예술가들은 어떤 회원이 초상화를 그리는 것을 고려할 수있는 사회에서의 지위를 가졌습니다. 많은 사람들은 또한 중산층을위한 정상적인 관행을 따라 그들의 가족을 다시 포함합니다. Mary Beale, Anthony van Dyck, Peter Paul Rubens는 우리에게 수많은 이미지를 주었고 후자는 종종 가족을 그리기도했습니다. 이러한 관행은 여성 예술가들에게 특히 일반적이었는데, 그 이유는 가족을 포함시키는 것이 종종 자신의 직업에 대한 비판을 완화시켜 어머니로서의 “자연스러운 역할”을 산만하게 만드는 시도 였기 때문입니다.

렘브란트는 적어도 자기 집안일 때까지 가장 자주 자화상을 썼고, 종종 그의 아내, 아들, 정부를 그린다. 한 번에 90 개의 그림이 렘브란트의 자화상으로 간주되었지만 이제는 학생들이 자신의 자화상을 자신의 훈련의 일부로 복사하도록했다고 알려져 있습니다. 현대 장학금은 사인 수를 40 장 이상의 무언가로, 그리고 몇 개의 그림과 31 개의 설교로 줄였습니다. 여기에는 그룹의 가장 주목할만한 이미지가 많이 포함되어 있습니다. 많은 사람들이 준 역사적으로 화려한 복장을 입고 포즈를 취하고 자신에게 얼굴을 드러내고 있음을 보여줍니다. 그의 유화는 불확실한 청년에서부터 1630 년대의 대담하고 성공적인 초상화 화가에 이르기까지 자신의 노년기의 고생했지만 다량의 강력한 초상화에 이르는 과정을 추적합니다.

렘브란트 이후
스페인에서는 Bartolomé Estéban Murillo와 Diego Velázquez의 자화상이있었습니다. Francisco de Zurbarán은 십자가에서 그리스도의 발 앞에있는 복음 전도자 인 누가 복음에서 자신을 나타 냈습니다 (약 1635 년경). 19 세기에 Goya는 여러 번 그렸습니다. Jean-Baptiste-Siméon Chardin을 비롯한 몇몇 사람들은 실제 작업복을 매우 현실적으로 보여 주었지만, 적어도 Nicolas Poussin 이후의 프랑스 자화상은 예술가의 사회적 지위를 보여주는 경향이 있습니다. 이것은 18 세기의 모든 자화상 작가들이 필요로했던 결정 이었지만 많은 사람들이 서로 다른 그림 속에서 의상과 비공식적 인 의상을 입혔습니다. 그 후, 가장 중요한 화가는 사진이 도착한 채로 인물 사진이 쇠퇴 한 후에도 적어도 하나의 자화상을 남겼다고 말할 수 있습니다. 구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet, 아래 참조)는 아마도 19 세기의 가장 독창적 인 자화상 작가였으며 아티스트 스튜디오와 Bonjour, Monsieur Courbet은 아마도 가장 큰 자화상이었을 것입니다. 둘 다 많은 인물을 포함하고 있지만, 예술가의 영웅적 인 모습을 단단히 중심으로하고있다.

다방면의 현대 자기 초상가
가장 유명하고 가장 많이 자화상을 쓴 사람 중 한 사람은 빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh)인데, 그는 1886 년에서 1889 년까지 43 번 이상 그린 것을 그린 다.이 모든 자기 초상화에서 화가의 시선은 드물지만 우리에게. 고정 된 시선 일지라도, 그는 다른 곳을 바라 보는 것처럼 보인다. 이 그림은 강도와 ​​색상이 다양하고 일부는 붕대로 예술가를 묘사합니다. 그가 그의 귀 중 하나를 절단 한 에피소드를 대표한다.

Egon Schiele의 많은 자화상은 Eros (1911)에서와 같이 수시로 자위하거나 발기 할 때 많은 입장에서 알몸으로 대변하는 개방성의 새로운 표준 또는 아마도 노출증을 설정합니다. 스탠리 스펜서 (Stanley Spencer)는이 맥락에서 다소 따라야했습니다. 맥스 베크만 (Max Beckmann)은 자화상을 많이 쓴 화가 였고, 에드워드 뭉크 (Edvard Munch)는 그의 인생에서 셀프 – 인물 그림 (70), 지문 (20), 그림 또는 수채화 물감 (100 개 이상)을 많이 만들었으며, 삶, 특히 여성의 사적이고 내성적 인 예술적 표현으로 자화상을 강박 적으로 사용하는 것은 호르스트 얀센 (Horst Janssen)이었는데, 호르스트 얀센은 질병, 무디스 및 죽음과 관련하여 가장 광범위한 문맥을 묘사 한 수백 가지 자화상을 제작했습니다. 비엔나의 레오폴드 박물관 (Leopold Museum)에서 2004 년에 열린 “Schiele, Janssen, Selbstinszenierung, Eros, Tod”(Schiele, Janssen : 자기 극작, 에로스, 죽음)은 Egon Schiele과 Horst Janssen의 작품과 나란히 두 편의 에로티카 그리고 냉혹 한 자화상과 결합 된 죽음. 자신을 모델로 삼아 끔찍한 사고를당한 프리다 칼로 (Frida Kahlo)는 자신의 외모가 신체적으로나 정신적으로나 큰 고통을 묘사하는 또 다른 화가였습니다. 그녀의 55 세 이상 자화상은 허리부터 자신을 많이 포함하고 또한 그녀의 신체적 고통을 상징하는 악몽 같은 표상을 포함합니다.

그의 오랜 경력을 통해 파블로 피카소는 종종 자화상을 사용하여 자서전 적 예술 인물의 다양한 모습, 변장 및 화신으로 자신을 묘사했습니다. 젊은 미지의 “요 피카소”시대부터 “미로의 미노타 우르”시기, “오래된 무심코”와 “오래된 나이 들었던 예술가와 모델”시대. 종종 피카소의 자화상을 묘사하고 내면의 상태와 예술가의 복지에 대한 개인적이고 심오한 복잡한 심리적 통찰력을 드러내기도했습니다. 자신의 경력을 통해 재미 있고 개인적으로 드러내는 자화상을 그린 또 다른 예술가는 Pierre Bonnard였습니다. Bonnard는 자신의 인생에서 아내 Marthe의 초상화도 수십 점을 그렸다. Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele, Horst Janssen은 특히 자신의 경력을 통해 강렬하고 (때로는 혼란스럽게) 자신을 드러내는 자화상을 만들었습니다.

일반적으로 자화상

직장에서 화가들
중세 초상화의 많은 작품에서 예술가를 보여줍니다, 그리고 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)는 샤퍼론 모자가 일반적으로 느슨한 부분에 매달려있어 그가 페인트 칠하는 동안 편의상 아마도 터번을 쓰고있는 오도 된 인상을주었습니다. 근대 초기에 점점 직장에서 스스로를 그린 남성과 여성은 자신의 가장 좋은 옷을 입고 최고의 방을 출품 할 것인지 아니면 스튜디오에서의 연습을 현실적으로 묘사해야 하는지를 선택해야했습니다. 위의 여성 화가 갤러리를 참고하십시오.

분류
미술 비평가 Galina Vasilyeva-Shlyapina는 예술가가 직장에서 묘사되는 “전문적인”초상화와 도덕적 및 심리적 특징을 드러내는 “개인적인”초상화의 두 가지 기본 형태의 자화상을 분리합니다. 그녀는 또한보다 상세한 분류법을 제안한다 : (1) “삽입 가능한”자화상, 예를 들어, 어떤 주제와 관련된 글자 그룹에 자신의 초상화를 삽입한다. (2) 예술가가 역사적인 사람이나 종교적인 영웅으로 보이는 자신을 묘사하는 “권위 있고 상징적 인”자화상. (3) 예술가가 가족 구성원이나 다른 실제 인물로 묘사 된 “집단 초상화”; (4) 예술가가 홀로 묘사 된 “분리 된 또는 자연스러운”자화상. 그러나 이러한 클래스는 다소 엄격하다고 생각할 수 있습니다. 많은 인물들은 그 중 몇 가지를 결합하여 관리합니다.

새로운 미디어를 통해 단순히 정적 페인팅이나 사진 외에도 다양한 종류의 자화상을 만들 수있었습니다. 많은 사람들, 특히 십대들은 소셜 네트워킹 사이트를 사용하여 인터넷에서 자신의 개인 신원을 형성합니다. 또 다른 사람들은 블로그를 사용하거나 개인 웹 페이지를 만들어 자기 표현과 자화상을위한 공간을 만듭니다.

거울과 포즈
자화상은 이론상 거울의 사용을 가정합니다. 유리 거울은 15 세기 유럽에서 사용 가능하게되었습니다. 사용 된 첫 번째 거울은 볼록한 것이었고, 작가가 때때로 보존했던 변형을 도입했습니다. 1524 년 Parmigianino의 그림 거울에있는 자화상은 그 현상을 보여줍니다. 거울은 Johannes Gumpp (1646)의 Triple self-portrait, 또는 그의 아내 갈라 (Gala, 1972 ~ 73)의 뒤쪽 그림에서 보여지는 Salvador Dalí의 것 같은 놀라운 구성을 허용합니다. 이 거울을 사용하면 종종 왼손잡이로 자신을 나타내는 오른 손잡이 화가가됩니다 (반대의 경우도 마찬가지 임). 보통 두 개의 거울을 사용하지 않는 한, 그려진 얼굴은 따라서 세계의 나머지 부분이 보았던 거울 이미지입니다. 1660 년 이전의 렘브란트의 자화상 대부분은 한 손만을 보여줍니다. 그림 손은 도색되지 않은 채로 남아 있습니다. 그는 약 1652 년에 더 큰 거울을 구입 한 것으로 보이며, 그 후에 자기 초상화가 커집니다. 1658 년에 나무 프레임에있는 큰 거울이 집으로 옮겨지는 동안 부서졌다. 그럼에도 불구하고, 올해 그는 자신의 최대 초상화 인 프릭의 초상을 완성했다.

단일 시트 거울의 크기는 Bernard Perrot에 의해 1688 년 프랑스에서 기술적 진보가 이루어질 때까지 제한되었습니다. 그들은 또한 매우 부서지기 쉬운 채로 남아 있었고, 큰 것들은 작은 것들보다 훨씬 더 비싼 비례였습니다 – 그 파손들은 작은 조각들로 재구성되었습니다. 약 80cm 또는 2.5 피트는 그때까지 최대 크기 인 것으로 보인다. – Las Meninas의 궁전 거울의 크기와 비슷하다. (Arnolfini Portrait의 볼록 거울은 역사가들이 비현실적으로 큰 것으로 생각한다. Van Eyck 스케일의 많은 교활한 왜곡). 이러한 이유로 대부분의 초기 자화상에서는 화가의 반 정도만을 보여줍니다.

예술가의 자화상은 위에서 언급했듯이 중세 자화상의 가장 일반적인 형태였으며, 18 세기부터 특별히 많은 사람들이 계속해서 인기를 얻었습니다. 중세 시대와 르네상스 시대의 한 특정 유형은 성자 마리아를 그린 성 루크 (예술가의 수호 성인)로 보여진 예술가였습니다. 이 중 많은 수는 지역 예배당 인 세인트 루크 (St. Luke)에 제출되어 예배당에 배치되었습니다. 그의 스튜디오에서 예술가의 유명한 큰 전망은 화가가 앉는 가운데 거대한 “Allegory”인 오브제와 등장 인물 인 Gustave Courbet (1855)의 Artist ‘s Studio입니다.

다른 의미, 이야기하기
많은 현대 예술가들과 근대 주의자들의 자화상은 종종 서사의 강한 감각으로 특징 지어지며, 예술가의 이야기에서 비 네트 (vignets)로 엄격하게 제한되지는 않는다. 때때로 내러티브는 판타지, 롤 플레잉과 픽션과 흡사합니다. Diego Velázquez (그의 그림 Las Meninas) 외에도 Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh, Paul Gauguin 등의 자화상을 가진 다른 작가들은 Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile Gorky, 앨리스 Neel, 파블로 피카소, 루카스 Samaras, 제니 Saville, 신디 셔먼, 앤디 워홀과 길버트와 조지.

자기 홍보
자화상은 예술가에게 매우 효과적인 광고 형태 일 수 있습니다. 특히 초상화 화가에게 특히 유용합니다. Dürer는 상업적으로 초상화에 관심이 없었지만 예술가로서 자신을 광고하기 위해 자신의 비범 한 자기 초상화를 잘 활용했습니다. 그는 매우 정교했습니다. Sofonisba Anguissola는 성공적인 여성 화가의 희소가 그들을 이상한 품질로 제공했기 때문에 그러한 것으로 여겨지는 참신한 아이템뿐만 아니라 그녀의 기술을 광고하는 역할을했던 복잡한 미니어쳐를 그렸습니다. 렘브란트는 밴쿠버와 조슈아 레이놀즈처럼 그의 가장 성공적인시기에 인물화에서 주로 자신의 삶을 살았습니다. 그의 초상화 중 많은 부분은 확실히 자신의 기술을 광고하기위한 것이 었습니다. 정규 아카데미 쇼의 출현과 함께 많은 예술가들은 예술적 무대에 인상을 남길 수 있도록 기억에 남을만한 자화상을 만들려고했습니다. 최근 국립 미술관 (London, Rebels and Martyrs)에서 열렸던 전시회는 때로는 만화 목욕탕에서 축소되지 않았습니다. 21 세기의 한 예가 Arnaud Prinstet입니다. Arnaud Prinstet은 매일 자화상을 그릴 계획을 통해 훌륭한 홍보 효과를 창출 한 현대 미술 작가입니다. 다른 한편으로, 몇몇 예술가는 다른 클라이언트를 한대로 대단히 묘사했습니다.

자화상 진단하기
신경 학적 또는 신체적 질병을 앓은 일부 예술가들은 자신의 자화상을 남겼으므로 이후의 의사들은 정신적 인 과정의 분열을 분석하려고 시도했습니다. 이러한 분석의 많은 부분이 신경학 교과서에 들어 있습니다.

정신 질환을 앓은 예술가들의 자화상은 심리적, 정신적 또는 신경 장애가있는 사람들의 자각 능력을 조사 할 의사에게 독특한 가능성을 부여합니다.

러시아어 sexologist 이고르 콘은 수음에 관한 그의 기사에서 수음 습관이 예술 작품, 특히 그림에서 묘사 될 수 있다고 지적했다. 그래서 오스트리아의 예술가 Egon Schiele은 자기 초상화 중 하나에서 자신이 너무나 컸다. Kon은이 그림이 자위에 대한 즐거움을 묘사하지 않고 고독함을 느끼고 있음을 관찰합니다. Schiele의 창조물은 성욕, 특히 소아 성애 측면에서 다른 연구자들에 의해 분석됩니다.

컬렉션
피카소의 우피치 미술관 바사리 회랑 (Vasari Corridor)에서 자화상을 가장 잘 보존하고 가장 오래된 컬렉션 중 하나입니다. 원래는 17 세기 후반에 Leopoldo de ‘Medici 추기경이 수집 한 것으로 현재까지 유지 관리되고 확장되었습니다. 주요 갤러리에는 일부 그림이 있지만 일반 방문자는 볼 수 없습니다. 많은 유명 아티스트는 자화상을 컬렉션에 기부 할 수있는 초대를 거부 할 수 없었습니다. 그것은 200 개 이상의 초상화로 구성되어 있으며, 특히 Pietro da Cortona, Charles Le Brun, Jean-Baptiste-Camille Corot 및 Marc Chagall의 초상화가 있습니다. 다른 중요한 컬렉션은 런던의 국립 초상화 갤러리 (영국), 다른 곳의 여러 위성 방송국 (satellite outstations)과 워싱턴 DC의 국립 초상화 갤러리 (National Portrait Gallery)에 보관되어 있습니다.