정물화는 자연적으로 (음식, 꽃, 죽은 동물, 식물, 암석, 조개 등) 또는 인위적 (술잔, 책, 꽃병 등) 인 일반적으로 평범한 사물을 주로 묘사 한 무생물을 묘사 한 예술 작품입니다. 보석, 동전, 파이프 등).

중세와 고대 그리스 – 로마 예술의 기원과 함께, 정물화는 16 세기 후반 서양화에서 뚜렷한 장르와 전문화 된 전문화로 부상했으며, 그 이후로도 중요한 의미를 지니고 있습니다. 정물화 형태는 조경이나 초상화와 같은 다른 유형의 주제의 그림보다는 컴포지션 내의 요소 배열에서 아티스트에게 더 많은 자유를 부여합니다. 특정 장르의 정물화는 16 세기와 17 세기의 네덜란드 그림으로 시작되었으며, 영어 정물화는 네덜란드 단어 인 스틸렌 (Stilleven)에서 유래합니다. 1700 년 이전의 초기 정물화에는 종종 묘사 된 대상과 관련된 종교적 및 우화 주의적 상징주의가 포함되었습니다. 일부 현대 정물 작품은 2 차원 장벽을 깨고 3 차원 혼합 매체를 사용하고 발견 된 대상, 사진, 컴퓨터 그래픽, 비디오 및 사운드를 사용합니다.

이 용어는 죽은 동물, 특히 게임의 그림을 포함합니다. 살아있는 동물은 실제로는 죽은 모델에서 색칠되었지만 동물 예술로 간주됩니다. 아직도 정물 범주는 동물학과 특히 예술가들 사이에 상당한 중복이있는 식물 그림과 공통점을 공유합니다. 일반적으로 정물화는 완전히 묘사 된 배경을 포함하며, 묘사적인 관심보다는 미적 감각을 기본으로합니다.

정물화는 장르 계층의 가장 낮은 층을 차지했지만 구매자들에게 매우 인기가있었습니다. 독립적 인 정물화뿐만 아니라 스틸 라이프 페인팅은 흔히 상징적 인 현저한 정물 요소를 가진 다른 종류의 그림과 “삶의 조각을 재현하기 위해 정물화 된 수많은 요소에 표면 상으로 의존하는 이미지를 포함합니다 ”. 관객을 현장이 실제임을 속이려는 trompe-l’œil 페인팅은 정물의 특수한 유형으로 보통 무생물이며 상대적으로 평평한 물건을 보여줍니다.

선조와 발전
정물화는 종종 고대 이집트 무덤의 내부를 장식합니다. 사후 세계에서 음식물과 그 밖의 물건이 실제로 쓰이며 사망자가 사용할 수 있다고 믿었습니다. 고대 그리스 화병의 그림은 또한 일상의 물건과 동물을 묘사하는 데 훌륭한 기술을 보여줍니다. Peiraikos는 Pliny the Elder에 의해 폼페이의 모자이크 버전 및 지방 벽화에서 생존하는 것과 같은 “낮은”주제의 패널 화가로 언급됩니다. “이발소 상점, 코브라 포장 마차, 당나귀, 먹는 물건 및 이와 유사한 주제”.

더 단순한 의도로 의도적으로 장식되어 있지만 사실적인 시각으로 장식 된 Pompeii, Herculaneum 및 Villa Boscoreale에서 발굴 된 로마 벽화 및 바닥 모자이크에는 과일의 유리 그릇을 모티브로 한 비슷한 정물이 포함되어 있습니다. 풍부한 로마인의 집에서 발견되는 “상징”이라고 불리는 장식 모자이크는 상류 계급이 즐기는 음식의 범위를 보여 주었고, 또한 환대의 신호로, 그리고 계절과 삶의 기념으로 기능했습니다.
중세와 초기 르네상스
Giotto와 그의 학생들로부터 시작하여 1300 년경, 일상 생활의 회화는 일상의 물건을 묘사 한 종교적 벽화에 가상의 틈새 형태로 소생되었습니다. 중세와 르네상스를 통해 서양 예술의 정물화는 주로 기독교 종교 과목의 보조물로 남아 있었으며 종교적 우화 적 의미를 소집했다. 특히 북유럽 예술가들의 작품에서 매우 사실적인 사실주의와 상징주의에 매혹되어 회화의 전반적인 메시지에 큰 관심을 갖게되었습니다. 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)와 같은 화가들은 종종 정물화 프로그램의 일부로 정물화 요소를 사용했습니다.

중세 후기 중반의 정지 된 삶의 요소들, 주로 꽃들뿐 아니라 동물들과 때로는 무생물들도 조명 된 원고의 경계에서 점점 더 사실적으로 묘사되었고, 더 큰 이미지의 화가들이 사용했던 모델과 기술적 진보가 발전했다. 초기 Netherlandish 그림 특히 원고와 그 그림 패널에 대한 축소 모형을 만드는 예술가 사이에 상당한 중복이있었습니다. 위트레흐트에서 1440 년경 제작 된 클레 베스의 시간은이 추세의 뛰어난 예 중 하나이며, 동전이나 낚시 망을 포함한 특별한 범위의 물체를 특징으로하는 경계선은 그 곳에서 텍스트 나 주 이미지를 보완하도록 선택되었습니다. 특별한 점. 나중에 세기의 플랑드르 워크숍은 국경 요소의 자연주의를 더 멀리 가져 갔다. Gothic millefleur 태피스트리는 식물과 동물의 정확한 묘사에 대한 일반적 관심 증가의 또 다른 예입니다. The Lady와 Unicorn의 세트는 파리에서 1500 년경에 디자인 된 후 가장 많이 알려진 사례입니다.

나중에 르네상스

16 세기
1600 년 이후의 대부분의 정물화는 상대적으로 작은 그림 이었지만, 앤트워프를 중심으로하는 전통은 장르의 발전에있어 결정적인 단계였으며, 정물화 된 재료의 큰 스프레드를 포함하는 큰 그림이었던 “기념비적 인 정물” 인물들과 종종 동물들과 함께. 이것은 Pieter Aertsen이 개발 한 것으로 성령 패밀리와 함께하는 고기 뭉치 (1551, 현재 웁살라)는 아직도 놀란 그림이있는 유형을 소개했습니다. 또 다른 예로 Aertsen의 조카 인 Joachim Beuckelaer (1568)의 ​​”The Butcher Shop”이 있는데, 전경을 지배하는 날고기를 사실적으로 묘사 한 반면 배경 장면은 술취와 도살의 위험성을 전합니다. Pieter Aertsen과 그의 조카 인 Joachim Beuckelaer가 개발 한 매우 큰 부엌이나 시장 장면의 유형은 일반적으로 주방 용품과 정성을 다한 플랑드르 (Flemish) 주방 마녀가있는 음식을 풍부하게 묘사합니다. 멀리서 작은 종교 장면을 만들거나, 사계절과 같은 테마를 추가하여 주제를 높일 수 있습니다. 이러한 종류의 대규모 정물화는 남아메리카가 분리 된 이후 플랑드르 회화에서 계속 발전했지만, 네덜란드 회화에서는 드물다.이 전통의 다른 작품들은 장르의 그림을 “명랑한 회사”유형으로 예상한다.

점차적으로 종교적인 내용은 이러한 유형의 그림에서 크기와 배치가 줄어들었지만 도덕적 교훈은 하위 문맥으로 계속되었지만 축소되었습니다. 이 스타일의 비교적 적은 이탈리아 작품 중 하나 인 Annabale Carracci의 1583 년 같은 주제에 대한 치료 인 Butcher ‘s Shop은이 기간의 다른 “주방 및 시장”정물화와 마찬가지로 도덕적 메시지를 제거하기 시작합니다. Vincenzo Campi는 아마 1570 년대에 이탈리아에 앤트워프 작풍을 소개했습니다. 그 전통은 다음 세기에 계속되었고, 루벤스 (Louis)의 몇몇 작품들과 함께, 프란스 스 니더스 (Frans Snyders)와 그의 학생들 인 얀 피트 (Jan Fyt)와 같은 전문 석사들에게 정물과 동물 요소를 주로 계약했다. 16 세기 후반에는 자율적 인 정물이 진화했습니다.

17 세기
안드레아 사치 (Andrea Sacchi)와 같은 17 세기 초기의 저명한 학자들은 장르와 정물화는 회화가 위대한 것으로 여겨지는 “gravitas”를 가지지 못한다고 생각했다. 역사가이자 건축가이자 프랑스 고전주의 이론가 인 André Félibien의 1667 년 영향력있는 공식은 18 세기의 장르 계급 이론의 고전적 진술이되었습니다.

과일과 과일, 과일, 과일, 채소, 과일, 채소, 과일, Celui qui peint des animaux vivants est 더하기 estable que ceux qui ne repréentent que des desoses mortes & sans mouvement; & 드 페르 라 테르 (Teru sur la Terre)를 더한 페르 라 테레 (Pierre Ouvrage de Dieu sur Terre)와 비교해 보아라.

네덜란드와 플랑드르 회화
정물화는 16 세기의 마지막 분기에 저지대에서 별개의 범주로 발전했습니다. Romance 언어 (그리스어, 폴란드어, 러시아어 및 터키어뿐만 아니라)는 죽은 성격을 의미하는 용어를 사용하는 경향이있는 반면, 영어 용어 정물화는 네덜란드 단어 stilleven에서 파생됩니다. 15 세기 초 네덜란드 황제의 회화는 패널 페인팅과 조명 된 필사본 모두에서 환상적인 기술을 발전 시켰는데, 국경에서는 종종 꽃, 곤충 등의 정교한 전시가 특징이며, 클리브 스 오브 캐서린의 시간 (Hours of Catherine of Hour)과 같은 작품에서 다양한 개체가 등장합니다. 조명 된 원고가 인쇄 된 책으로 옮겨 졌을 때 같은 기술이 나중에 과학적 식물 그림에 배치되었습니다. 저지대는 식물학과 예술에서의 그것의 묘사에서 유럽을 이끌었다. 플랑드르 출신의 조리스 호프 나겔 (Joris Hoefnagel, 1542-1601)은 황제 루돌프 2 세 (Rudolf II) 황제를 위해 꽃과 수생 생물의 수채화와 구 아슈 (gouache) 그림을 만들었으며 한스 콜라 에르 (Hans Collaert)의 Florilegium , 1600 년 Plantin 발행.

기름에있는 약 1600 개의 꽃 그림은 열풍의 무언가가되었다; Karel van Mander는 자신이 직접 작품을 그렸고, Cornelis van Haarlem과 같은 다른 북부 매너주의 예술가들도 이렇게 기록했다. 살아남은 꽃 피는 알려진 바 없지만, 많은 전문가, Jan Brueghel the Elder와 Ambrosius Bosschaert (둘 다 남부 네덜란드에서 활동 중)가 살아남습니다.

남부 유럽
스페인 미술에서, bodegón은 단순한 석판 위에 배치 된 승무원, 게임 및 음료와 같은 식품 저장실 품목을 묘사 한 정물화이며 하나 이상의 인물이있는 그림이지만 중요한 정물 요소, 일반적으로 부엌이나 주점에서 설정합니다. 바로크 시대부터 이러한 그림은 17 세기의 2/4 분기에 스페인에서 인기가되었습니다. 스틸 라이프 페인팅의 전통은 남부 유럽에서 그랬던 것보다 현대의 저조도, 오늘날 벨기에와 네덜란드 (플랑드르와 네덜란드 예술가)에서 훨씬 더 인기가 있었던 것으로 보입니다. 북부 아직도 lifes에는 많은 subgenres가 있었다; 조반 조각은 trompe-l’œil, 꽃 꽃다발 및 vanitas에 의해 증강되었다.

스페인에서는 이런 종류의 후원자가 훨씬 적었지만 일종의 음식과 식기류가 테이블 위에 놓여있는 일종의 조반이 인기를 얻었습니다. 스페인에서의 정물화 (bodegones)라고도 불리는 정물화는 금욕 스러웠습니다. 네덜란드의 정물화와는 달랐으며, 종종 화려하고 고급스러운 직물 또는 유리로 둘러싸인 풍성한 연회가 포함되었습니다. 스페인 그림 속의 게임은 흔히 피부가 벗겨지기를 기다리는 평범한 동물입니다. 과일과 채소는 날지 않습니다. 배경은 황량하거나 보통의 나무 기하학적 블록으로, 종종 초현실주의 공기를 만듭니다. 심지어 네덜란드와 스페인 정물이 종종 도덕적 인 목적을 가지고 있기는하지만, 일부 스페인 고원의 황량함과 유사한 긴장은 네덜란드 정물화의 관능적 쾌락, 충만 함 및 사치를 거부하는 것처럼 보입니다.

18 세기
18 세기는 계속해서 17 세기 수식을 계속 정제했으며 생산량은 감소했습니다. Rococo 작풍에서는 꽃 장식은 도자기, 벽지, 직물 및 조각 한 목제 가구에 훨씬 더 일반적이게되었다, 그래서 구매자는 대조를위한 숫자가있는 그들의 그림을 좋아했다. 한 가지 변화는 현재 영어가 수입 할 내용을 유지하는 동안 가장 주목할만한 예술가의 큰 비율을 형성 프랑스어 화가들 사이에 새로운 열정이었다. 장 – 밥 티스트 샤르뎅 (Jean-Baptiste Chardin)은 작고 단순한 음식과 물건의 집합체를 네덜란드의 황금 시대의 대저택에 세워진 가장 미묘한 스타일로 그렸고 19 세기 작곡에 큰 영향을 주었다. 죽은 게임 주제는 계속해서 인기가 있었으며, 특히 사냥 롯지의 경우 인기가 높았습니다. 대부분의 전문가들은 살아있는 동물 과목을 그렸다. Jean-Baptiste Oudry는 모피와 깃털의 질감을 단순한 배경, 흔히 석회 세척 한 라디에이터 벽의 흰색으로 활용하여 뛰어난 장점을 보여주었습니다.

18 세기 경 많은 경우 정물화의 종교적 및 우화적 의미가 떨어지고 주방 테이블 그림은 다양한 색과 형태의 계산 된 묘사로 발전하여 일상 음식을 보여주었습니다. 프랑스의 귀족들은 예술가들을 고용하여 그들의 전임자들의 도덕적 인 바니타스 메시지 없이도 식탁을 우아하게하는 풍부하고 사치스러운 정물 피사체의 그림을 실행합니다. Rococo의 인공물에 대한 사랑은 프랑스에서 trompe-l’œil (프랑스어 : “trick the eye”) 그림에 대한 감사의 마음을 불러 일으켰다. Jean-Baptiste Chardin의 스틸 라이프 페인팅은 네덜란드 스타일의 리얼리즘부터 부드러운 하모니까지 다양한 기법을 사용합니다.

19 세기
유럽의 아카데미, 특히 학술 예술에서 중심적인 역할을 한 Academie française의 등장과 더불어, 아직도 인생은 호의에서 떨어졌습니다. 아카데미는 회화의 예술적 가치가 주로 그 주제에 기초한다고 주장한 “장르의 계급”(또는 “주제의 계층 구조”)의 교리를 가르쳤다. 학문적 체계에서 가장 높은 형태의 회화는 역사적, 성서적 또는 신화 적 의미의 이미지들로 구성되었으며, 정물 피사체들은 예술적 인식의 가장 낮은 계층으로 이관되었다. 정물을 사용하여 자연을 영화 롭게하는 대신 존 스테이 블 (John Constable)과 카밀 코로 (Camille Corot)와 같은 일부 예술가는 그 목적을 달성 할 수있는 풍경을 선택했습니다.

신고전주의가 1830 년대에 들어서면서 쇠퇴하기 시작하자, 장르와 인물화가 현실주의와 낭만주의 예술 혁명의 초점이되었습니다. 그 시대의 위대한 예술가 중 상당수는 작품의 정물을 포함했습니다. 프란 시스코 고야 (Francisco Goya), 구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet), 유진 드라크 루아 (Eugène Delacroix)의 정물화는 강한 정서적 흐름을 전달하며 정확성에 덜 관심을 가지며 기분에 더 관심이 있습니다. 에두아르 마네의 정물화 작품은 샤르뎅 (Chardin)의 정물화 작품들에 그려져 있지만 강렬한 색조가 있으며 인상주의로 향하고 있습니다. 앙리 판틴 – 라투르 (Henri Fantin-Latour)는 전통적인 기법을 사용하여 그의 절묘한 꽃 그림으로 유명했으며, 거의 독점적으로 수집가에게 정물을 그리는 삶을 살았습니다.

20 세기
20 세기의 처음 40 년은 뛰어난 예술적 발효와 혁명의 기간을 형성했습니다. 아방가르드 운동은 급속히 발전하여 비현실적 인 전체 추상으로 진화했다. 정물화뿐만 아니라 다른 표현 예술은 잭슨 폴록 (Jackson Pollock)의 물방울 그림과 같은 전체 추상화가 인식 가능한 모든 내용을 제거한 중반 세기까지 계속 진화하고 조정되었습니다.

세기는 예술에 잡힌 몇 가지 추세로 시작되었습니다. 1901 년 Paul Gauguin은 11 년 전에 죽은 친구 인 Van Gogh에게 경의를 표하는 Sunflowers로 Still Life를 그렸습니다. Pierre Bonnard와 Édouard Vuillard를 포함한 Les Nabis로 알려진 그룹은 Gauguin의 고조파 이론을 채택하고 일본 목판화에서 영감을받은 요소를 정물화에 추가했습니다. 프랑스 작가 Odilon Redon은이 기간 동안 주목할만한 정물, 특히 꽃을 그렸습니다.

21 세기
20 세기와 21 세기 동안 아직도 정물화의 개념은 전통적인 2 차원 예술 형식의 그림을 넘어서 비디오 아트와 조각, 공연 및 설치와 같은 3 차원 예술 형식으로 확장되었습니다. 일부 혼합 미디어 스틸 라이프 작품은 발견 된 대상, 사진, 비디오 및 사운드를 사용하고 천장에서 바닥으로 흘러 나와 갤러리의 전체 공간을 채 웁니다. 비디오를 통해 정물화 아티스트는 뷰어를 작업에 통합했습니다. 컴퓨터 아트와 디지털 아트의 컴퓨터 시대 이후, 정물의 개념에는 디지털 기술도 포함되었습니다. 컴퓨터로 생성 된 그래픽은 정물 예술가들이 사용할 수있는 기법을 잠재적으로 증가 시켰습니다. 3D 컴퓨터 그래픽과 3D 사진 리얼리즘 효과가있는 2D 컴퓨터 그래픽을 사용하여 합성 정물 이미지를 생성합니다. 예를 들어 그래픽 아트 소프트웨어에는 투명 벡터 레이어의 2D 벡터 그래픽 또는 2D 래스터 그래픽에 적용 할 수있는 필터가 포함되어 있습니다. 비주얼 아티스트는 3D 효과를 복사하거나 시각화하여 필터를 사용하지 않고 사실적 효과를 수동으로 렌더링합니다.