20 세기의 처음 40 년은 뛰어난 예술적 발효와 혁명의 기간을 형성했습니다. 아방가르드 운동은 급속히 발전하여 비현실적 인 전체 추상으로 진화했다. 정물화뿐만 아니라 다른 표현 예술은 잭슨 폴록 (Jackson Pollock)의 물방울 그림과 같은 전체 추상화가 인식 가능한 모든 내용을 제거한 중반 세기까지 계속 진화하고 조정되었습니다.

세기는 예술에 잡힌 몇 가지 추세로 시작되었습니다. 1901 년 Paul Gauguin은 11 년 전에 죽은 친구 인 Van Gogh에게 경의를 표하는 Sunflowers로 Still Life를 그렸습니다. Pierre Bonnard와 Édouard Vuillard를 포함한 Les Nabis로 알려진 그룹은 Gauguin의 고조파 이론을 채택하고 일본 목판화에서 영감을받은 요소를 정물화에 추가했습니다. 프랑스 작가 Odilon Redon은이 기간 동안 주목할만한 정물, 특히 꽃을 그렸습니다.

앙리 마티스 (Henri Matisse)는 스틸 라이프 오브젝트의 렌더링을 밝은 색상으로 채워진 대담하고 평평한 윤곽선보다 더 크게 축소했습니다. 그는 또한 관점을 단순화하고 다중 색상 배경을 도입했습니다. 아직도 가지 (Eggplants)가있는 정물화 (Still Life with Eggplants)와 같은 그의 정물화의 일부에서, 그의 테이블은 나머지 공간을 가득 채우는 다른 화려한 패턴 중에 거의 사라졌습니다. 모리스 드 블라민크 (Maurice de Vlaminck)와 안드레 드라 인 (André Derain)과 같은 포비 즘 (Fauvism)의 다른 지수는 정물에서 순수한 색과 추상을 탐구했다.

폴 세잔 (Paul Cézanne)은 기하학적 공간 조직에서의 혁명적 인 탐험을위한 정물을 발견했습니다. 세잔 (Cézanne)의 경우 정물화는 그림을 모방 또는 모방 한 기능에서 추상적으로 예술을 향한 중요한 단계 인 색, 형태 및 선의 요소를 독립적으로 보여주는 주요 수단이었습니다. 또한 Cézanne의 실험은 20 세기 초의 Cubist 정물의 발전을 직접적으로 이끌어내는 것으로 볼 수 있습니다.

Cézanne의 평면과 축의 변화에 ​​맞추어 Cubist는 Fauves의 컬러 팔레트를 정복하고 물체를 순수한 기하학적 형태와 평면으로 분해하는 데 주력했습니다. 1910 년에서 1920 년 사이 파블로 피카소, 조르주 브라크, 후안 그라스와 같은 큐 비스트 예술가들은 종종 악기를 포함하여 많은 정물화 작품을 그렸으며 거의 ​​처음으로 정물을 예술적 혁신의 최전선에 가져 왔습니다. 정물화는 피카소의 타원형 “Still Can Life With Chairing”(1912)과 같은 최초의 합성 입체파 콜라주 작품의 주제이기도했다. 이 작품에서 정물 개체는 겹쳐서 식별 가능한 2 차원 형식을 간신히 유지하고 개별 표면 질감을 잃어 버리고 전통 정물과 거의 반대되는 배경 달성 목표에 병합됩니다. Fernand Léger의 정물화는 더 많은 기계적 효과를 내기 위해 풍부한 백색 공간과 뚜렷하고 뚜렷하게 겹쳐진 기하학적 모양의 사용을 소개했습니다.

큐비스트 인 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)과 다다 (Dada) 운동의 다른 멤버들에 의한 공간의 평탄화를 거부하는 것은 근본적으로 다른 방향으로 진행되어 3 차원 “기성품”정물 조각을 만들었습니다. 아직도 상징적 인 의미를 정물로 복원하는 과정에서 미래파와 초현실주의 자들은 꿈의 풍경에 눈에 띄는 정물을 배치했습니다. 조안 미로 (Joan Miró)의 정물화에서는 물체가 무겁게 보이고 가볍게 제안 된 2 차원 공간에 떠 있고 심지어 산도 단순한 선으로 그려집니다. 이시기의 이탈리아에서는 조르지오 모란 디 (Giorgio Morandi)가 일상의 병과 부엌 도구를 묘사하는 다양한 방법을 모색하면서 정물화 된 화가였습니다. 그의 세부적이지만 모호한 그래픽으로 잘 알려진 네덜란드 예술가 인 MC Escher는 전통 네덜란드 식탁 정물 인 Still Life and Street (1937)을 만들었습니다. 영국에서는 엘리엇 호지 킨 (Eliot Hodgkin)이 그의 정교한 정물화에 온도를 사용하고있었습니다.

20 세기 미국의 예술가들은 유럽의 모더니즘에 대해 알게되었을 때, 미국의 사실주의와 입체파에 의한 추상화가 결합 된 정물 피사체를 해석하기 시작했습니다. 이 기간의 미국 정물화 작품의 대표작은 조지아 오키프 (Georgia O’Keeffe), 스튜어트 데이비스 (Stuart Davis), 마스덴 하틀리 (Marsden Hartley)의 그림과 에드워드 웨스턴 (Edward Weston)의 사진입니다. O’Keeffe의 초록색 근접 촬영 꽃 그림은 전례없는 방식으로 꽃잎과 나뭇잎의 물리적 구조와 감정적 인 하위 텍스트를 보여줍니다.

멕시코에서는 1930 년대부터 프리다 칼로 (Frida Kahlo)와 다른 예술가들이 초현실주의의 브랜드를 만들었으며 정물화와 문화적 모티브를 정물화에 담았습니다.

1930 년대부터 추상 표현주의는 1950 년대까지 예술 세계를 지배하는 전체 추상화가 될 때까지 형식과 색상의 원시 묘사로 정물을 심각하게 감소 시켰습니다. 그러나 1960 년대와 1970 년대의 팝 아트는 그 추세를 뒤집어 새로운 형태의 정물을 창조했습니다. 앤디 워홀 (Andy Warhol)의 “캠벨 수프 캔 (Campbell ‘s Soup Cans)”과 같은 많은 팝아트는 정물에 기반을두고 있지만 사실 그 주체는 물리적 정물 물체 자체보다는 표현 된 상업 제품의 상품화 된 이미지입니다. Roy Lichtenstein의 Still Life with Goldfish Bowl (1972)은 마티스의 순수한 색과 워홀의 팝 아이콘을 결합한 것입니다. 웨인 티보 (Wayne Thiebaud)의 점심 테이블 (Lunch Table, 1964)은 한 가족의 점심 식사가 아니라 표준화 된 미국 음식의 집합체를 묘사합니다.

Jasper Johns를 포함한 Neo-dada 운동은 Johns ‘Painted Bronze (1960)와 Fool ‘s House (1962)에서와 같이 자신의 브랜드 정물 작품을 만들기 위해 Duchamp의 일상 생활 용품에 대한 3 차원 표현으로 돌아 왔습니다. 추상 주의자로 시작된 아비 그도 아리 카 (Arigha)는 그의 다른 작품으로 Piet Mondrian의 교훈을 그의 정물화에 통합 시켰습니다. 오래된 마스터 전통에 다시 연결하면서, 그는 모더니스트 형식주의를 달성했으며, 한 세션에서 그리고 자연광 속에서 일했으며,이를 통해 주제가 종종 놀라운 관점에서 나타났다.
20 세기 정물화의 발전에 중요한 기여를 한 세르게이 Ocipov, 빅터 Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, 세르게이 Zakharov, Taisia ​​Afonina, 마야 Kopitseva, 그리고 다른 사람 사이에 러시아 예술가에 의해 만들어졌습니다.

대조적으로, 1970 년대의 포토 리얼리즘의 부상은 객체, 이미지 및 상업 제품의 융합에 관한 Pop의 메시지 중 일부를 유지하면서 착시 주의적 표현을 다시 강조했습니다. 이 점에서 전형적인 것은 Don Eddy와 Ralph Goings의 그림들입니다.

20 세기의 그림들

앙리 마티스 (1869-1954), 식기와 과일 (1901), 에르미타 쥬 박물관, 상트 페테르부르크, 러시아	Odilon Redon (1840-1916),꽃 (1903)	조르주 브라케 (1882-1963),바이올린과 촛대 (1910), 샌프란시스코 현대 미술관	Juan Gris (1887-1927), Nature morte(1913), Museo Thyssen Bornemisza
Marsden Hartley (1877-1943),Handsome Drinks (1916 년경), Brooklyn Museum	Fernand Léger (1881-1955),Beer Mug가있는 정물 (1921), Tate	파블로 피카소 (Pablo Picasso), 콤보 에이터 과일, 바이올린 등 (1912)

아직도 정물 (복수형 : 정물)은 자연적으로 (음식, 꽃, 죽은 동물, 식물, 암석, 조개 등) 또는 사람이 만든 (마시는 것) 일반적으로 평범한 물건 인 대부분 무생물을 묘사하는 예술 작품입니다 안경, 책, 꽃병, 보석, 동전, 파이프 등).

중세와 고대 그리스 – 로마 예술의 기원과 함께, 정물화는 16 세기 후반 서양화에서 뚜렷한 장르와 전문화 된 전문화로 부상했으며, 그 이후로도 중요한 의미를 지니고 있습니다. 정물화 형태는 조경이나 초상화와 같은 다른 유형의 주제의 그림보다는 컴포지션 내의 요소 배열에서 아티스트에게 더 많은 자유를 부여합니다. 특정 장르의 정물화는 16 세기와 17 세기의 네덜란드 그림으로 시작되었으며, 영어 정물화는 네덜란드 단어 인 스틸렌 (Stilleven)에서 유래합니다. 1700 년 이전의 초기 정물화에는 종종 묘사 된 대상과 관련된 종교적 및 우화 주의적 상징주의가 포함되었습니다. 일부 현대 정물 작품은 2 차원 장벽을 깨고 3 차원 혼합 매체를 사용하고 발견 된 대상, 사진, 컴퓨터 그래픽, 비디오 및 사운드를 사용합니다.
이 용어는 죽은 동물, 특히 게임의 그림을 포함합니다. 살아있는 동물은 실제로는 죽은 모델에서 색칠되었지만 동물 예술로 간주됩니다. 아직도 정물 범주는 동물학과 특히 예술가들 사이에 상당한 중복이있는 식물 그림과 공통점을 공유합니다. 일반적으로 정물화는 완전히 묘사 된 배경을 포함하며, 묘사적인 관심보다는 미적 감각을 기본으로합니다.

정물화는 장르 계층의 가장 낮은 층을 차지했지만 구매자들에게 매우 인기가있었습니다. 독립적 인 정물화뿐만 아니라 스틸 라이프 페인팅은 흔히 상징적 인 현저한 정물 요소를 가진 다른 종류의 그림과 “삶의 조각을 재현하기 위해 정물화 된 수많은 요소에 표면 상으로 의존하는 이미지를 포함합니다 ”.관객을 현장이 실제임을 속이려는 trompe-l’œil 페인팅은 정물의 특수한 유형으로 보통 무생물이며 상대적으로 평평한 물건을 보여줍니다.