A estética, entendida em seu sentido tradicional (kantiano) como o estudo filosófico das percepções, emoções, beleza e arte, abrange um campo de pesquisa tão antigo quanto a própria filosofia, mas a disciplina é moderna, pois os gregos não distinguiam nada como estética em filosofia. É, portanto, retrospectivamente, que podemos falar de uma estética antiga como uma ciência do belo ou da ciência do sensível. A história da estética se desenvolve paralelamente à história do racionalismo. Deve datar a “invenção” da estética do que a metade do século XVIII e se considerarmos a filosofia do século (Hegel).

Antiguidade
Na Grécia antiga, a questão da beleza é uma questão central, mas não está necessariamente relacionada à questão da arte. É tanto uma questão que toca a moralidade e a política em Platão. O período de estética da estética se estende principalmente aos séculos IV e IV aC. BC, no tempo da democracia das cidades gregas, embora as noções e designações estéticas se afirmassem em épocas mais antigas:

Homero (final do século VIII) fala em particular de “beleza”, “harmonia” etc., mas sem teoria dos conjuntos. Por obra artística ele entendia a produção de trabalho manual, através do qual uma divindade agia. Heráclito de Éfeso explica o belo como a qualidade material do verdadeiro. A arte seria então a manifestação de um acordo oposto por uma imitação da natureza. Demócrito vê a natureza da beleza na ordem sensível de simetria e harmonia de partes, em direção a um todo. Nas representações cosmológicas e estéticas dos pitagóricos, os princípios numéricos e proporcionais desempenham um grande papel para Harmonia e Beleza.

Platão
Para Sócrates, a beleza e o bem estão misturados. A arte representativa consiste principalmente em representar uma pessoa bonita de corpo e espírito. Platão não concebe o belo como algo apenas sensível, mas como uma idéia: a beleza tem um caráter não natural, é algo inteligível, que é dirigido ao pensamento. Pertence a uma esfera superior à dos sentidos e do intelecto. As coisas são apenas reflexos de idéias, e a arte apenas copia essas reflexões. E ele avalia particularmente negativamente a arte, como uma cópia infiel, desde imperfeitamente feita pelo homem. No entanto, ele diferencia duas técnicas de imitação: “cópia” (eikastikè), como pintura ou poesia, e “ilusão” (phantastikè), como obras arquitetônicas monumentais. Se Platão é favorável ao belo, ele permanece hostil à arte e particularmente à poesia e à pintura. Seu trabalho, no entanto, permanece como a primeira codificação ideológica e política da arte.

Aristóteles
Aristóteles não tratou nem beleza nem arte em geral. Sua Poética é um fragmento da arte dramática e compreende apenas as regras da tragédia. Seu ponto de vista é mais experimental do que teórico. Ele infere regras de obras-primas do teatro grego. No entanto, ele desenvolve uma teoria geral da imitação que pode ser aplicada a diferentes artes: “O épico, a poesia trágica, a comédia, a poesia ditirâmbica, o jogo da flauta, o jogo da cítara são, em geral, imitações” (cap. 1) Para Aristóteles, as artes são diferenciadas pelos objetos que imitam e pelos meios artísticos usados ​​para alcançar essa imitação. A arte imita a natureza ou completa coisas que a natureza é incapaz de alcançar. O pensamento de Aristóteles torna-se assim uma base para posteriores “teorias da arte” (no sentido moderno), através de sua dialética do conhecimento e sua avaliação do papel da natureza e da aparência na beleza artística. Ele coloca em prática os conceitos de imitação (mimese introduzida por Platão), emoção, o espectador (katharsis), as figuras de estilo ou o papel da obra de arte. Essas teorias serão levadas à estética clássica por Boileau (século XVII) e também na estética marxista.

Neoplatonismo
Na antiguidade tardia, a teoria do belo é particularmente sistematizada em torno dos conceitos neoplatônicos de Plotino (204-270). Nas Enéadas, esta assume e vai além das distinções de Platão. A essência do Beau está no inteligível e mais precisamente na ideia. Então a beleza é identificada com “Unidade”, da qual todos os seres dependem. O belo é assim da natureza espiritual (ligado à alma) e sua contemplação é um guia para se aproximar do inteligível. Da mesma forma, a beleza está na forma do trabalho, e não no assunto. Assim, para Plotino, a verdadeira arte não copia simplesmente a natureza, mas procura ascender. Plotino e fundou a estética das obras simbolistas e irrealistas, exemplos dos quais são os ícones bizantinos ou as pinturas e esculturas do românico. A estética romana retoma os conceitos da Grécia, como reflexões sobre a relação entre natureza e beleza, por exemplo, na arte poética de Horácio, ou as teorias de Sêneca sobre o belo.

Meia idade
A estética da Idade Média toma os princípios do neoplatonismo relacionando-os ao modelo teológico do cristianismo. Considera-se então que na criação artística uma dignidade criativa, comparável à criação divina, é destilada. A arte é um meio de transcendência para o inteligível. Para o simbolismo de Plotin, acrescenta-se o alegorismo, que não é mais considerado como uma simples figura de linguagem (retórica), mas como um meio privilegiado de correspondência com as idéias. Devido ao seu caráter altamente simbólico, a estética medieval é difícil de se adaptar à divisão moderna entre abstração e figuração. De fato, o mesmo símbolo pode ser indiferentemente representado usando uma figura geométrica ou humana. Por exemplo, existem representações da Trindade, bem como três círculos, três círculos, triângulo ou três pessoas humanas face idêntica. No período românico, a arte sacra é objeto de uma oposição entre partidários de uma estética de despojamento de acordo com os ideais contemplativos (São Bernardo e os Cistercienses, os Cartuxos) e proponentes de uma estética mais ornamental. de que Cluny é o fruto e de que Suger parece o emulador. Suger não é apenas o “criador da arte gótica”, ele desenvolveu uma estética da luz em estreita relação com a liturgia. A igreja é considerada uma prefiguração da Jerusalém celestial, a cidade prometida aos eleitos. Nenhum dos elementos arquitetônicos, litúrgicos, decorativos ou iconográficos são gratuitos. Tudo está lá para manifestar e celebrar a glória divina, cuja luz é o melhor símbolo.

Na música, Hildegard von Bingen concebe a música como uma reminiscência do paraíso. Aqui também a estética é inseparável da metafísica e da espiritualidade. A música é de essência trinitária, suas leis derivam da Palavra assim como suas propriedades matemáticas: intervalos, modos, ritmos, etc. Geralmente, as especulações pitagóricas sobre os números desempenham um papel importante não apenas para medir os ritmos musicais, mas também e especialmente para definir as proporções arquitetônicas. Filósofos: Pseudo-Dionísio, o Areopagita, Agostinho de Hipona, Boécio, Tomás de Aquino.

Teoria bizantina da imagem
No questionamento e questionamento do status das imagens religiosas (os ícones), pagãos (ídolos) e comerciais (moedas, jarros) conduzidos pelo cristianismo durante as imagens de brigas ou crises iconoclastas dos séculos VII e VIII, além da questão de Beau, o status do ícone, a distinção entre a imagem e a pintura, a verdade de uma imagem (o que é um verdadeiro ou falso), a relação do Logos (verbo, palavra) com a imagem, a noção de impressão , a relação da imagem com a presença, finalmente sinais e hieróglifos. Desenvolvida pelos filósofos e teólogos neoplatônicos e aristotélicos gregos em particular: Jean Damascene e Pseudo-Denys, o Areopagita, a teoria da imagem bizantina constrói a imagem como uma linguagem de signos e códigos.

Renascimento
A estética do Renascimento é consistente com a interpretação da era que relega a Idade Média do lado dos tempos sombrios e se transforma em antiguidade greco-romana. Historiadores e humanistas elogiam o movimento artístico que desde Giotto conseguiu levar a arte à semelhança da natureza. Alberti credita Brunelleschi, Donatello e Ghiberti com o renascimento das artes visuais e Vasaridivides em três períodos o progresso que leva da imitação dos antigos à imitação da natureza. Se a antiguidade nunca foi totalmente esquecida, os humanistas tentam encontrar sua autenticidade: as traduções latinas são abandonadas em favor dos textos originais gregos, as primeiras escavações arqueológicas são organizadas, os primeiros museus aparecem.

A redescoberta de Platão por Gémiste Pléthon e Marsile Ficin não é sem conseqüência na concepção de artes e arquitetura. No Compêndio no Timeu, Ficino elabora o padrão do pitagorismo estético e do platonismo: a participação dos sensíveis no reinado das formas puras é feita através de figuras e proporções geométricas. A realidade física de ser essência matemática, o objetivo da estética é definir as leis matemáticas da beleza (especulação sobre o número de ouro, volumes de Pitágoras, triângulo de harmonia musical, etc.). Alberti será o principal contratado para este programa. Na reedificatoria, ele é inspirado por Timée para estabelecer os princípios da construção. No De pictura, ele aborda as noções de perspectiva legítima que fazem da pintura uma extensão da realidade e da beleza pictórica na composição certa pelo traçado de contornos (linha constituinte) que condiciona a ordem da cor e da cor. a luz (chiaroscuro). Se em seus cadernos, Leonardo da Vincialso concebe a pintura como a imitação da natureza, essa mimesis envolve uma análise conceitual complexa dos dez atributos da visão, seguida por uma síntese pictórica e plástica de elementos tão diversos quanto o estudo das proporções e atitudes humanas. movimento e descanso, forma e posição, matéria e cores, perspectiva linear ou atmosférica, a distribuição de sombra e luz cujas leis da ótica e da matemática são os instrumentos privilegiados de estudo. Em seu tratado arquitetônico inspirado em Vitruvius, Serlio defende os ideais de regularidade e simetria que prefiguram a estética clássica.

No entanto, aplicando as teorias e a perspectiva de Alberti ou a matemática de Manetti e Pacioli para criar um espaço ilusionista racionalmente construído, os artistas da Renascença estão conscientes de inovar e desenvolver técnicas artísticas que não existiam. em tempos antigos.

O papel da imagem é desafiado por teólogos reformadores que lêem uma contradição entre o prazer estético e a ordem divina, o católico Jerome Savonarola em Florença que organiza a destruição de espelhos e pinturas pela pira das vaidades, protestante Lutero que proibiu as imagens no templos e João Calvino, que acrescentou a cromoclastia, a proibição das cores. Em resposta, o papel da imagem como literatura e discurso é afirmado pelo Concílio de Trento e pela Igreja Católica.

Séculos XVII a XVIII
A estética clássica inspirada no Simpósio de Platão e encontrando uma de suas expressões mais realizadas na Arte Poética de Boileau, concebeu não apenas a estética, a bela e a negativa, a feia. A bela foi concebida em termos de harmonia, simetria, ordem e medida. A estética empirista acrescentará um segundo valor estético positivo, o sublime. O sublime é um valor caracterizado por desarmonia, dissonância, desproporção, desordem, dissimetria. Onde o belo produz o sentimento de serenidade na alma, o sublime produz sentimentos como o terror e a paixão violenta (sem entrar no horror). O sublime encontrará sua aplicação artística mais absoluta no romantismo, que exaltará a paixão e o excesso na alma humana (gênio artístico, amor apaixonado, eu solitário ou mesmo a revolução política). Para a estética clássica, a beleza era um conceito. Pode-se falar sobre isso como “arte intelectual” ou “intelectualismo estético”. Por exemplo, nos tempos antigos, a música estava entre as quatro ciências do quadrivium. Foi uma ciência de harmonia e medida, como Santo Agostinho descreve em seu tratado sobre música. Para Descartes, as questões que preocupam o cartesianismo são estranhas à beleza e à arte; nesta escola, algumas mentes se contentam em reproduzir as tradições da antiguidade, especialmente as idéias de Platão e Santo Agostinho (por exemplo, os tratados Beau Crouzaz ou Padre André).

Pelo contrário, a estética empirista concebe o belo e o sublime como sentimentos interiores. Estas são representações que a alma faz durante a experiência estética. O belo refere-se a um sentimento de prazer e calma, enquanto o sublime se refere a um sentimento de prazer misturado com a dor ou uma alternância contraditória de sentimentos. O gosto não é mais uma noção intelectual, mas diz respeito à impressão e sentimento sensíveis, definidos pelos empiristas como as ideias mais verdadeiras e vivas da mente. O livro A pesquisa filosófica sobre a origem de nossas idéias do sublime e do belo (1757) do filósofo irlandês Burke (1729-1797) pode ser considerada como o manifesto empirista da filosofia estética. Podemos acrescentar os Ensaios estéticos de Hume e os escritos de Shaftsesbury e Hutcheson. Na França, Diderot e os enciclopedistas adotam idéias semelhantes. Charles Batteux comenta sobre Aristóteles e reduz todas as artes ao princípio da imitação da bela natureza. O padre Jean-Baptiste Dubos e Voltaire contribuem para a caracterização da estética como crítica literária. Na Alemanha, os discípulos de Wolff e Leibniz descobriram a nova ciência da estética. Baumgarten é seguido por Mendelssohn, Sulzer e Eberhard.

Séculos XVIII – XIX

Kant
Diz-se que Kant deu à autonomia estética como domínio próprio na arte, mas, na realidade, a autonomia diz respeito apenas ao “sujeito estético” e está relacionada ao conhecimento e à moralidade. A estética transcendental na Crítica da Razão Pura (1781) refere-se à ciência da intuição, conceitos a priori do espaço e do tempo a partir da perspectiva do conhecimento. A estética é a ciência do “sensível” em oposição à lógica, que é a ciência do “inteligível”. Kant observa que apenas os alemães usam o termo estética no sentido crítico do gosto que ele não lhe importava. Crítica da faculdade de julgar (1790), Kant analisa a questão do juízo de gosto em relação ao belo e ao sublime, mas também a questão da teleologia na natureza. Ele distingue a faculdade de julgar como uma faculdade independente do entendimento ou da razão e integra a estética no sentido da teoria do gosto, da beleza e da arte no campo da filosofia transcendental.

Questionando a natureza do sentimento estético, Kant observa que, para a percepção do prazer, cada pessoa reconhece que esse sentimento tem valor apenas para sua própria pessoa, e que não é possível contestar o prazer sentido pelo outro: “quando eu digo que o vinho das Canárias seja agradável, aceito de bom grado ser repreendido e lembrei que devo dizer apenas que é agradável para mim, por isso passa a pensar que “todos têm o seu gosto particular”. no entanto, seria diferente, pois se julgar uma coisa tão bonita “atribuo aos outros a mesma satisfação” e “não julgo só por mim, mas por todos, e falo de beleza como se fosse uma qualidade de coisas (…) “. Ele demonstra que a beleza não é agradável. O julgamento do belo não é feito de acordo com um gosto pessoal:” Não se pode dizer aqui que todos têm o seu gosto particular “.

Hegel
No sistema filosófico de Hegel, a estética é definida como uma filosofia da arte, e o propósito da arte é expressar a verdade. O belo é a Idéia de uma forma sensível, é o Absoluto dado à intuição. A arte é uma objetivação da consciência pela qual ela se manifesta. É, portanto, um momento importante em sua história. A reflexão sobre a arte está ligada ao fim da arte, no sentido de que esse fim é uma transcendência do elemento sensorial em direção ao pensamento puro e livre. Essa ultrapassagem é feita em religião e filosofia. Para Hegel, a pior das produções do homem sempre será superior à mais bela das paisagens, porque a obra de arte é o meio privilegiado pelo qual o espírito humano é realizado.

Para Hegel, a história da arte é dividida em três, de acordo com a forma e o conteúdo da arte:

arte simbólica, oriental, sublime, em que a forma excede o conteúdo;
clássica, grega, bela arte, que é o equilíbrio entre forma e conteúdo;
romântico, arte cristã, verdadeira, onde o conteúdo é retirado do formulário.
Hegel também desenvolve um sistema de belas artes, que é dividido em cinco artes principais, seguindo o espaço (arquitetura, escultura, pintura) e tempo (música, poesia).

Na França (século XIX)
O termo estético, ausente da Encyclopédie de Diderot, encontra sua primeira ocorrência em francês em 1743. Mas não se instalou na França até por volta de 1850, quando os grandes textos de Kant, Hegel e Schelling foram traduzidos ou traduzidos para o francês. transposto por Jules Barni e Charles Magloire Bénard. Em 1845, Benard observa que a estética é ardentemente cultivada na Alemanha, mas não é conhecida na França. O atraso é devido a questões nacionais. A ciência da estética é percebida como alemã e encontra reconhecimento filosófico apenas tardiamente. Muitos livros são publicados, é claro, ao longo do século XIX, que pertencem à estética como a ciência da beleza. A estética também é ensinada pelos discípulos de Victor Cousin, como Théodore Simon Jouffroy ou Charles Lévêque (1861), numa perspectiva platônica e espiritualista. Mas a primeira cadeira universitária dedicada ao ensino de estética foi criada na Sorbonne para Victor Basch em 1921 apenas.

A estética também está se desenvolvendo fora da instituição filosófica no campo da crítica de arte. Em 1856, Charles Baudelaire intitulado Bric-à-Brac Esthetic seu estudo dedicado aos Salões de 1845 e 1846. Ele deu-lhe o título final de Curiosidades Estéticas em 1868. Em seu artigo sobre a Exposição Universal de 1855, ele critica os “professores”. estética “, os” doutrinários do belo “trancados em seu sistema e que não sabem apreender as correspondências. Ele teoriza o advento da modernidade em seu artigo capital, O Pintor da Vida Moderna (1863).

Na Alemanha (século XIX)
No século 19 formaliza Kunstwissenschaft 30 ou “ciência da arte” em torno de uma abordagem histórica da arte, chamado historicismo (em torno dos princípios da individualidade e do desenvolvimento), particularmente através do trabalho do historiador Jacob Burckhardt. A ambição é a de uma ciência do estudo, longe da crítica filosófica e literária idealista. A “ciência da arte” não se distingue claramente da história da arte. O Winckelmann (1717-1768), que determinou a arte através de uma abordagem histórica, e comparou a história da arte à história da civilização. As lições estéticas de Hegel justificaram a importância do primeiro histórico e a sistematização do conhecimento.

Arthur Schopenhauer (1788-1860) foi diretamente influenciado por Kant, mas ele retornou aos pensamentos de Platão e Plotino. Para Schopenhauer, a arte é um conhecimento direto das Idéias (além da razão), que se referem a um aspecto final: a vontade. Também apresenta o arquétipo do gênio, capaz de superar a subjetividade humana e acessar o conhecimento final (e revelá-lo aos homens). Ele estabelece uma classificação das artes, que se refere ao platonismo (ou pensamento medieval). Ele tem uma profunda influência sobre os dramas e escritos teóricos de Richard Wagner. Friedrich Nietzsche (1844-1900) se opõe ao pessimismo de Schopenhauer, com uma atitude estética, a dionisíaca, a qual ele se opõe ao apolíneo. Invertendo a hierarquia platônica, o sensível torna-se uma realidade fundamental: “a arte tem mais valor que a verdade”. Criticando o princípio dos valores objetivos como fruto da decadência, Nietzsche coloca o artista como criador de seus próprios valores singulares, oferecidos a outros homens, para estimular sua “vontade de poder”, isto é, sua força vital. e aproveite. “A arte é o grande estimulante”. Segundo Nietzsche, a função da arte não é criar obras de arte, mas “embelezar a vida”. “A coisa essencial na arte é celebração, bênção, a deificação da existência”.

Estética Contemporânea (séculos XX e XXI)
Aparecendo no século XX, são os principais movimentos estéticos contemporâneos. Eles se encaixam particularmente no contexto de preocupações sobre a linguagem (questão central da filosofia do século XX) em conexão com o surgimento de novas ciências (linguística, neurociência).

Fenomenologia
Heidegger define a estética como “a ciência do comportamento sensível e emocional do homem e o que a determina.” Foi depois de 1933, nas palestras sobre “A origem da obra de arte”, seus estudos da poesia de Hölderlin e da pintura de Van Gogh, que Heidegger abordou a questão do art. Move toda a questão ontológica (“O que é isso?”) Sobre as artes. Em sua abordagem fenomenológica, ele designa a obra de arte como uma implementação de um desvelamento (alètheia) do Ser. Do ser. Opondo-se à corrente objetivista (que estabelece a verdade por uma relação com a idéia da realidade), Heidegger define a arte como o meio privilegiado de uma “implementação da verdade” pela mente:

Esta abordagem é desenvolvida mais tarde por filósofos como Jean-Paul Sartre, Maurice Merleau-Ponty, Mikel Dufrenne e Jean-François Lyotard.

Escola de Frankfurt
Os filósofos da Escola de Frankfurt são fortemente marcados por um pensamento materialista, inspirado pelo marxismo e pelo estudo das crises do século XX. Sua estética é baseada em uma análise crítica das ciências sociais e um estudo da cultura de massa. Para Theodor W. Adorno (1903-1969), especialmente em sua Théorie esthétique (1970), a arte continua sendo uma área de liberdade, contestação e criatividade em um mundo tecnocrático. A arte tem um papel crítico em relação à sociedade e permanece um lugar de utopia, desde que rejeite seu próprio passado (conservadorismo, dogmatismo, serialismo). Adorno também se oporá às facilidades da cultura de massa (indústria cultural), condenando a passagem do jazz.

“Pós-modernismo” francês
Entre as décadas de 1960 e 1980, vários filósofos franceses impulsionaram novas abordagens à estética. Suas diferentes teorias têm uma forte influência nos Estados Unidos sobre críticas literárias e artísticas, onde são referidas como “Teoria Francesa”. Esses autores, por vezes ligados a uma filosofia pós-moderna ou pós-estruturalista, perseguem uma crítica do sujeito, da representação e da continuidade histórica, sob a influência de Freud, Nietzsche e Heidegger.

Estética Analítica
Aparecida na década de 1950, a estética analítica é a corrente de pensamento dominante no mundo anglo-saxão. Resultante do empirismo e do pragmatismo, esta estética baseia – se numa busca de instrumentos lógico – filosóficos e análises da linguagem, na extensão da filosofia analítica. Esta estética é constituída por um conjunto de teorias homogêneas, essencialmente relacionadas à análise das questões e definições de arte. Estas teorias afirmam-se independentes da estética “tradicional”, tanto pela restrição de seus objetos (são excluídos: a questão do belo, a história da estética) que pela especificidade analítica de seus métodos de pesquisa (referindo-se à lógica e não especulativo). A abordagem metafísica segue essa tendência, especialmente na “verdade das formas”.

Novas ciências da arte
Os objetos da estética são também abordados por algumas novas disciplinas das ciências humanas e sociais, enriquecendo a busca de novas abordagens teóricas e metodológicas.

Sociologia Estética
Na continuação da história cultural do século XIX, a história social da arte estuda as forças coletivas que trabalham na arte. Em oposição ao idealismo filosófico, essa sociologia é inicialmente influenciada pelo pensamento marxista (materialismo histórico); destaca principalmente o contexto socioeconômico 40 e procura vincular a evolução artística às lutas e classes sociais. Opondo-se ao determinismo marxista, diferentes abordagens ao estudo dos contextos sociais da arte, mais atentos ao interno “mundo da arte”: um estudo da inscrição contextual de obras no meio cultural, notadamente através da história cultural e da antropologia da arte (Lévi -Strauss, Boas); um estudo sociológico do habitus da arte (Bourdieu); uma sociologia da ação e interações contextuais (Becker).

Estas novas abordagens da arte são confrontadas, por exemplo, pela ideia comum de uma obra, nascida de uma inspiração “livre” do artista, ou de uma lógica estética intrínseca à arte e independente do meio social. Do mesmo modo, a social mecanismos de recepção de trabalhos (distinção, códigos …) revelam-se. No entanto, essas ciências sociais evitam o estudo das próprias obras, conferindo talvez um reducionismo “social” à arte; É a razão para novas abordagens, não só abordando o meio ambiente, mas a prática, ver o trabalho em si.

Psicologia da arte
A psicologia da arte visa o estudo dos estados de consciência e fenômenos inconscientes em ação na criação artística ou na recepção do trabalho. A análise da criação artística retoma a ideia de um primado do próprio artista na interpretação da arte; idéia desenvolvida desde a Renascença e Romantismo, e já incluída nas abordagens biográficas de alguns historiadores de arte do século XIX (ver Kunstwissenschaft). A partir de 1905, com a elaboração da teoria dos impulsos por Freud, a arte se torna um objeto da psicanálise. Essa abordagem não visa avaliar o valor do trabalho, mas sim explicar os processos psíquicos intrínsecos ao seu desenvolvimento.

Semiologia da Arte
Seguindo as teorias de Ferdinand de Saussure e do estruturalismo, uma semiologia da arte está lentamente tomando forma. Essa “ciência dos signos” estuda não os motivos ou os significados das obras, mas os mecanismos de significação (como o trabalho significa); o trabalho é considerado aqui como um espaço de signos e símbolos cuja articulação deve ser decifrada. A linguagem das obras (por exemplo, a linguagem pictórica) não é considerada como um sistema idêntico às línguas: de fato, essa “linguagem” não é composta de unidades desprovidas de significado (como fonemas lingüísticos), ou por sinais de pura convenção. Esta linguagem existe principalmente através de relações analógicas. Se alguns códigos específicos da linguagem da arte podem ser determinados (papel da forma, orientação, escala …), a implicação de elementos estritamente materiais (relacionados com o objeto: pigmentos, luz …) No entanto, ele não é completamente reduzir a arte aos sistemas de linguagem.

Estética não-ocidental

Chinês estético
A arte chinesa tem uma longa história de mudança de estilos e designs. Nos tempos antigos, os filósofos já discutiam a estética. Confúcio (551-478 aC) enfatizou o papel das artes e das letras (especialmente música e poesia) no desenvolvimento das virtudes e no fortalecimento do li (etiqueta, ritos), a fim de se aproximar da essência humana. Opondo-se a esses argumentos, Mo Zi argumentou, no entanto, que a música e as artes plásticas eram caras e ineficientes, beneficiando as pessoas mais ricas, mas não comuns.

Nos escritos do século IV aC, os artistas debatem os próprios objetivos da arte. Por exemplo, três obras de Gu Kaizhi sobre teorias da pintura são conhecidas. Vários trabalhos posteriores, escritos por artistas literários, também lidam com a criação artística. A influência entre religião e filosofia, por um lado, e arte, por outro lado, era comum, mas não onipresente; Assim, em todos os períodos da história chinesa, é possível encontrar artes que ignoram amplamente a filosofia e a religião.

Por volta de 300 aC, Lao Tzu formula concepções materialistas e estéticas relacionadas ao taoísmo e às leis da natureza. Essas concepções estão claramente em contradição com os interesses da minoria dominante.

O representante mais importante da transição para a estética medieval chinesa é o filósofo Wang Chong, no século i. Adota uma substância puramente material, qi, como princípio de evolução natural e como característica fundamental da percepção humana. Assim, ele considera o mundo material como a fonte de toda beleza e fealdade; a verdade artística é sobre a conformidade com os fatos.

Cao Pi (187-226) seguiu estas considerações anteriores, no entanto, não inclui apenas os critérios de beleza, mas também as formas artísticas. Xie He (479-502) concretiza essas idéias nos Seis Princípios da Pintura: a expressão da essência das manifestações da vida; a arte da pintura a pincel; o uso de cores de acordo com a natureza do sujeito; a composição; a concordância da forma com a coisa real; a imitação dos melhores exemplos do passado.

No século 11, o escritor Su Shi chamou a atenção para o papel da inspiração e do talento.

Apesar da multiplicidade de reflexões, a evolução da estética chinesa no período que se seguiu foi fortemente dificultada pelo fraco desenvolvimento das forças produtivas e pela rigidez das relações sociais, nas formas feudais ou posteriores.

Estética japonesa
A estética japonesa é a abordagem de conceitos estéticos próximos à beleza ou ao bom gosto da cultura japonesa tradicional e moderna. Embora esta abordagem seja considerada na sociedade ocidental essencialmente como um estudo filosófico, ela é considerada no Japão como uma parte inseparável da vida cotidiana e espiritual. Por seus aspectos religiosos, a estética japonesa é fortemente influenciada pelo budismo. É particularmente desenvolvido no budismo zen e no chanoyu. O chanoyu tem muitos aspectos: construção, jardim e uso de tecidos vegetais, quimono, cerâmica, artesanato em bambu, caligrafia, fundição, culinária … A estética também é avaliada através de ideais tradicionais como wabi-sabi, mono sem consciência, iki ou moderno como o kawaii.

Estética árabe-islâmica
A estética árabe-islâmica, ou estética islâmica, não se relaciona exclusivamente à religião, mas a todo o pensamento da cultura e contexto islâmicos, e às práticas religiosas e seculares. Por falta de textos, não é possível conhecer as teorias estéticas do período pré-islâmico. Os filósofos islâmicos não escreveram obras estritamente relacionadas à estética, mas em suas discussões sobre Deus abordam diferentes debates cujos temas (artes, beleza, imaginação …) são estudados hoje nessa disciplina.

As idéias de beleza são inspiradas a partir do século IX, pelas doutrinas neoplatônicas, incluindo as de Plotino, com texto em árabe lançado sob o nome de Teologia de Aristóteles, que influenciou os filósofos Al-Kindi (801-873) Al-Farabi (872- 950) e Avicena (980-1037). Esses filósofos incluem a distinção entre beleza sensível e beleza inteligível, e as ligações com percepção, amor e prazer. Em A Cidade Justa, Al-Farabi introduz a ideia de beleza inteligível nas discussões sobre os nomes de Deus.Ele invoca uma beleza e perfeição de Deus, para justificar uma relação de transcendência entre perfeição, beleza e prazer. As obras são humanas, portanto, intrinsecamente imperfeitas (comparadas com as de Deus); Ao longo dos séculos, uma sociedade islâmica se debate sobre uma importância da representação figurativa na arte. Em seu texto sobre o Amor, Avicena ainda são distinções entre beleza e prazer e formas de prazer ou atração, emitindo elementos psicológicos e espirituais. Avicena afirma, por exemplo, que o desejo de beleza pode ser uma coisa do género, desde que o seu modo de exibição esteja em condições de manter-se subordinado, e que o inteligível mantenha uma faculdade de influenciar o sensível.

Uma parte importante das aplicações filosóficas sobre as artes, especialmente a retórica e a poesia árabe e persa. Inspirada pelos comentários gregos de Aristóteles, essa abordagem é menos estética do que lingüística e lógica. Os filósofos questionam a linguagem da língua, suas linguagens linguísticas, seus usos (religiosos, políticos), suas habilidades cognitivas (persuadir, imaginar). A existência da retórica e da poesia também é essencial para os filósofos, em suas explicações sobre como os planos de ação entre religião e filosofia (Al-Farabi, Averroes 1126-1198).

A música é objeto de várias interpretações de acordo com as escolas: se os ulemas a consideram com certa desconfiança, os sufis concedem-lhe um importante papel espiritual. Al-Ghazali (1058-1111) dedica muitas páginas sobre os efeitos da audição de música, poesia e oração na alma, e filósofos como Avicena desenvolvem teorias matemáticas sobre sons, relacionadas com a música das esferas.