Um desenho animado é um filme para cinema, televisão ou tela de computador, que é feito usando desenhos seqüenciais, em oposição a animações em geral, que incluem filmes feitos com argila, fantoche e outros meios. Cartoons animados ainda são criados para fins comerciais, educacionais e pessoais.

Muitas vezes, os toons recebem objetos incomuns, e as armadilhas que os personagens tendem um para o outro geralmente terminam em uma queda cômica, graças a muitas reversões da situação.

Geralmente são curtas, usando ironia, exagero, caricatura e especialmente imaginação. Os desenhos animados sempre favorecem o humor, geralmente não dão muita importância à vida dos personagens: apenas o momento da ação e a contagem dos elementos que levam ao fim da mordaça.

Quanto ao estilo gráfico e à animação: deformações muito importantes dos personagens (alongamento, olhos grandes, quatro dedos, técnica de abóbora e estiramento). Esta particularidade dos personagens é crucial nos cenários, porque torna possível viver com todos esses tipos de situações ilógicas e engraçadas.

Quanto ao cenário: o exagero das situações e emoções expressadas pelos personagens, a violência desses que nunca são dramatizados: os personagens são muitas vezes ressuscitados depois de sofrerem situações que levariam a sua morte nos tempos normais; ao contrário do estilo Disney, que às vezes se transforma em tragédia (contos de fadas, morte da mãe de Bambi).

História:
Os exemplos iniciais de tentativas de capturar o fenômeno do movimento em um desenho estável podem ser encontrados em pinturas rupestres paleolíticas, onde os animais são freqüentemente retratados com pernas múltiplas em posições sobrepostas, tentando claramente transmitir a percepção do movimento.

O phenakistoscope (1832), o zootropo (1834) e o praxinoscópio (1877), bem como o livro comum, eram primeiros dispositivos de animação para produzir movimentos a partir de desenhos seqüenciais usando meios tecnológicos, mas não se desenvolveram até o advento do filme cinematográfico .

A primeira projeção animada (seleção) foi criada na França, por Charles-Émile Reynaud, professor francês de ciências. Reynaud criou o Praxinoscope em 1877 e o Théâtre Optique em dezembro de 1888. Em 28 de outubro de 1892, projetou a primeira animação em público, Pauvre Pierrot, no Musée Grévin em Paris. Este filme também é notável como a primeira instância conhecida de perfuração de filme sendo usada. Seus filmes não foram fotografados, mas desenhados diretamente na tira transparente. Em 1900, mais de 500 mil pessoas participaram dessas exibições.

A primeira (fotografada) projeção animada foi Fascinante Fases de Caras engraçadas (1906) pelo cartunista do jornal J. Stuart Blackton, um dos co-fundadores da Vitagraph Company chegou. No filme, os desenhos de duas caras de um cartunista foram “animados” (ou voltou à vida) em um quadro-negro. Os dois rostos sorriram e piscaram os olhos, e o homem fumegante fumava no rosto da senhora; também, um palhaço de circo levou um cachorro pequeno a saltar através de um aro.

A primeira projeção animada no sentido tradicional (ou seja, em filmes cinematográficos) foi Fantasmagorie pelo diretor francês Émile Cohl em 1908. Seguiu-se mais dois filmes, Le Cauchemar du fantoche, O Perdido de Fantoche, agora perdido e Un Drame chez les fantoches [A Puppet Drama, chamado The Love Affair em Toyland para lançamento americano e Mystical Love-Making para lançamento britânico], completado em 1908.

Um dos primeiros desenhos animados bem sucedidos foi Gertie the Dinosaur (1914) de Winsor McCay. É considerado o primeiro exemplo de animação de personagem verdadeira. No começo, os desenhos animados eram negros e brancos e silenciosos. Felix the Cat e Oswald the Lucky Rabbit são exemplos notáveis.

Desde a década de 1920 até a década de 1960, os desenhos animados de teatro foram produzidos em grande número, e geralmente exibidos antes de um longa-metragem em um cinema. Disney (distribuído por Pat Powers, depois Columbia, então United Artists, então RKO, então de forma independente), Fleischer (distribuído pela Paramount), Warner Bros., MGM e UPA (distribuídos pela Columbia) foram os maiores estúdios produzindo esses 5- para 10 minutos de “shorts”. Outros estúdios incluem Walter Lantz (distribuído pela Universal), DePatie-Freleng (distribuído por United Artists), Charles Mintz Studios (mais tarde Screen Gems) (distribuído pela Columbia), Famous Studios (distribuído pela Paramount) e Terrytoons (distribuído pelo século 20 Raposa).

O primeiro desenho para usar uma trilha sonora foi em 1926 com o My Old Kentucky Home de Max Fleischer. No entanto, os Fleischers usaram um sistema de som De Forest e o som não estava completamente sincronizado com o filme. O personagem Steamboat Willie, de 1928, de Walt Disney, estrelado por Mickey Mouse, foi o primeiro a usar uma faixa de cliques durante a sessão de gravação, o que produziu melhor sincronismo. “Mickey Mousing” tornou-se um termo para qualquer ação de filme (ação animada ou ao vivo) que estava perfeitamente sincronizada com a música. A música utilizada é original na maioria das vezes, mas a cotação musical é freqüentemente empregada. Os personagens animados geralmente realizaram a ação em “loops”, ou seja, os desenhos foram repetidos uma e outra vez.

Apesar de outros produtores terem feito filmes antes usando 2 cores, a Disney produziu o primeiro desenho em 3 cores de Technicolor, Flores e Árvores, em 1932. Técnicos do estúdio Fleischer inventaram o rotoscoping, nos quais os animadores rastreiam a ação ao vivo para fazer animação Parece mais realista. No entanto, a rotoscopia fez com que a animação fique rígida e a técnica fosse usada mais tarde para estudar o movimento humano e animal, em vez de rastrear diretamente e copiar movimentos filmados.

Mais tarde, outras tecnologias de filmes foram adaptadas para uso em animação, como câmeras multi-plano com The Old Mill (1937), som estereofônico em Fantasia (1940), processos widescreen com o comprimento do recurso Lady and the Tramp (1955) e até 3D com Lumber Jack-Rabbit.

Hoje, a animação tradicional usa métodos tradicionais, mas é auxiliada por computadores em determinadas áreas. Isso dá ao animador novas ferramentas não disponíveis que não poderiam ser alcançadas usando técnicas antigas.

Processo produtivo:

Pré-produção
Idéia
Um texto de poucas linhas descrevendo os personagens, a configuração eo tempo em que ocorre um curta-metragem.

Sujeito
Conto que conta a história do curta-metragem; apresenta os caracteres e descreve a configuração.

Roteiro
Texto dividido em cenas (ou seja, as cenas do short) onde você descreve o que acontece, o que os personagens dizem, etc.

A realização de um desenho animado, bem como um filme, prevê a elaboração do storyboard como um primeiro passo, para traduzir o texto do script em desenhos. O storyboard é muito semelhante ao rascunho de um livro de quadrinhos, mas sem nuvens; os diálogos, se houver, são colocados sob a cena, juntamente com as anotações, enquanto o desenho é áspero, cheio de traços não resolvidos, e isso ocorre porque os desenhos são muitos, mas acima de tudo não precisa ser lindo em si mesmo, mas para mostrar os tiros da melhor maneira.

O storyboard é progressivamente modificado, até a versão final, com a comparação do time de artistas com o diretor; por exemplo, os pintores dos fundos devem saber onde pintar e, em vez disso, deixar espaços brancos reservados para os personagens.

Na publicidade, o storyboard é usado para enviar um local comercial ao cliente antes de filmá-lo. Ao contrário dos storyboards para roteiros de filme, estes são mais detalhados e cuidadosamente coloridos, pois já são uma apresentação para o cliente. Este compêndio feito de desenhos e anotações é então refinado com a equipe que funcionará na gravação, ou seja, atores e roteiristas.

Produção executiva
Incisão das entradas
Antes de iniciar o trabalho de animação, ele é usado para gravar uma faixa de áudio preliminar, que servirá de guia para os animadores. Esta faixa contém apenas as vozes, úteis para os animadores para ajustar com a quantidade de desenhos.

A faixa de áudio completa incluirá voiceovers, efeitos de som e música, mas somente será realizada na fase de pós-produção.

videoboque
Passo após o storyboard e a gravação das vozes; consiste em uma montagem realizada utilizando as vinhetas do storyboard e as vozes da faixa de áudio preliminar.

Animatic ou Leica Reel
Antes de aprovar o storyboard definitivamente, é realizada uma animação muito aproximada, composta principalmente de desenhos fixos, com movimentos curtos e pouco articulados e mudanças de enquadramento. Essa percepção é conhecida como Animatic e é a última verificação da validade do storyboard.

Outro nome equivalente, hoje menos utilizado, é leica bobina; Deriva do fato de que no passado havia um amplo uso de produtos Leica na cinematografia.

fundo
O fundo no desenho tradicional foi pintado em uma folha branca, onde, no caso, também inclui partes dos personagens.

Desenho, Animação e Temporização
O tempo é literalmente a medida dos tempos das várias cenas, fundamental para estabelecer a quantidade correta de desenhos para cada seqüência.

Os desenhos são feitos usando diferentes métodos: a partir dos primeiros desenhos animados em quadro a quadro, incluindo assunto e fundo; uso do rodovetro, folha de acetato transparente, que permite redesenhar apenas os personagens em movimento e deixar os fundos corrigidos; até hoje, quando os desenhos são feitos em folhas de papel leve e semi-transparente, para serem digitalizados e montados por meio do computador eletrônico. O animador desenha os quadros em sucessão para dar aos personagens o movimento uma vez que os quadros são rapidamente montados um após o outro.

Os desenhos já estão feitos de forma a misturar no fundo com sombras e subtrações.

Layout
Nos tempos antigos, para colocar os quadros individuais, as folhas de rodovetro, com os personagens desenhados acima, foram colocadas em um quadro, juntamente com o fundo, iluminadas e impressionadas no filme, uma a uma.

Mais moderno, os personagens e os fundos são digitalizados, digitalizados e combinados para formar o computador curto.

Pós-produção
Assembleia e correção
As cenas criadas dessa maneira são reunidas para compor o resultado final.

Nas produções modernas, também é possível ajustar pequenos erros ou fazer correção de cores, ou para equilibrar as cores das várias cenas, corrigindo-a digitalmente

Dublagem, efeitos sonoros e música
A dublagem, como já foi escrita, é gravada antes de desenhar o desenho animado. A duplicação é geralmente gravada em uma sala de gravação cuidadosamente insonorizada, onde os atores de voz estão presentes, por si só, com as linhas escritas e, na tela, as animações concluídas e montadas, para seguir os lábios dos personagens. Então, quando a duplicação inclui mais de uma pessoa, certifique-se de juntá-las, de se dar bem com os tempos. A duplicação é muito importante em um desenho animado, dada a ausência de atores e a presença de personagens sem sua própria voz.

Finalmente, são adicionados efeitos sonoros e música, também feitos com animações de tela.

Televisão:
A competição da televisão atraiu o público longe dos cinemas no final da década de 1950, e o desenho animado de teatro começou seu declínio. Hoje, os desenhos animados para o público americano são produzidos principalmente pela televisão.

A animação de televisão americana da década de 1950 apresentou estilos de animação bastante limitados, destacados pelo trabalho de Jay Ward no Crusader Rabbit. Chuck Jones cunhou o termo “rádio ilustrado” para se referir ao estilo de má qualidade da maioria dos desenhos animados de televisão que dependiam mais de suas trilhas sonoras do que de imagens. Outros programas da década de 1950 incluem Gerald McBoing Boing da UPA, Huckleberry Hound de Hanna-Barbera e Quick Draw McGraw e retransmissão de muitos desenhos animados teatrais clássicos de Walter Lantz, Warner Bros., MGM e Disney da Universal.

O desenho animado de Hanna-Barbera, The Flintstones, foi a primeira série de animação bem sucedida no horário nobre dos Estados Unidos, que decorreu entre 1960 e 1966 (e em repetições desde então). Enquanto muitas redes seguiram o sucesso do programa agendando outros desenhos animados no início da década de 1960, incluindo Scooby-Doo, Where Are You !, The Jetsons, Top Cat e The Alvin Show, nenhum desses programas sobreviveu mais de um ano (economize Scooby- Doo, que, apesar de não ser um desenho animado no horário nobre, conseguiu manter-se a flote por mais de quatro décadas). No entanto, as redes encontraram sucesso ao executar esses shows como desenhos animados da manhã de sábado, atingindo públicos menores com mais unidade demográfica entre as crianças. A animação de televisão para crianças floresceu na manhã de sábado, em canais a cabo como Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD e Cartoon Network, PBS Kids, e em horários de tarde sindicados.

As restrições de agendamento do processo de animação de TV, nomeadamente as questões de gerenciamento de recursos, levaram ao desenvolvimento de várias técnicas conhecidas agora como animação limitada. A animação de quadro completo (“on ones”) tornou-se rara em seu uso fora das produções teatrais nos Estados Unidos.

Os desenhos animados Primetime para audiências maduras eram virtualmente inexistentes na corrente principal dos Estados Unidos até a década de 1990, quando The Simpsons inaugurou uma nova era de animação para adultos. Agora, programas de “animação para adultos”, como Aeon Flux, Beavis e Butt-head, South Park, Family Guy, The Cleveland Show, American Dad !, Bob’s Burgers, Aqua Teen Hunger Force (atualmente conhecido como Aqua TV Show Show) e Futurama aumentaram o número de comedias animadas na televisão americana de horário nobre e noturna. Além disso, trabalhos animados de outros países (notadamente o Japão) tiveram diferentes níveis de reprodução aérea nos Estados Unidos desde a década de 1960.

Animação comercial:
A animação tem sido muito popular em comerciais de televisão, tanto por seu atrativo gráfico quanto pelo humor que ele pode fornecer. Alguns personagens animados em propagandas sobreviveram há décadas, como Snap, Crackle e Pop em propagandas de cereais de Kellogg.

Em 1957, “Louie the Fly” fez sua primeira aparição na TV australiana como antagonista dos desenhos animados de Mortein, uma marca australiana de inseticida doméstico e foi desenhada e animada por Geoffry Morgan Pike. Em um jingle criado por Bryce Courtenay, tem sido usado em comerciais de TV animados desde 1962, ele canta orgulhosamente de sua própria sujeira, alegando ter medo de ninguém, exceto “o homem com a lata de Mortein”.

O lendário diretor de animação, Tex Avery, foi o produtor dos primeiros comerciais Raid “Kills Bugs Dead” em 1966, que foram muito bem-sucedidos para a empresa. O conceito tem sido usado em muitos países desde então.