Apropriação na arte é o uso de objetos ou imagens pré-existentes com pouca ou nenhuma transformação aplicada a eles. O uso da apropriação tem desempenhado um papel significativo na história das artes (literária, visual, musical e artes cênicas). Nas artes visuais, apropriar-se de meios para adotar apropriadamente, emprestar, reciclar ou amostrar aspectos (ou toda a forma) da cultura visual feita pelo homem. Notáveis ​​a este respeito são os readymades de Marcel Duchamp.

Inerente à nossa compreensão da apropriação está o conceito de que o novo trabalho recontextualiza tudo o que ele empresta para criar o novo trabalho. Na maioria dos casos, a “coisa” original permanece acessível como o original, sem alteração.

Definição
Apropriação foi definida como “a aquisição, em uma obra de arte, de um objeto real ou mesmo de uma obra de arte existente”. A Tate Gallery rastreia a prática de volta ao cubismo e ao dadaísmo, mas continua até o surrealismo dos anos 1940 e a arte pop dos anos 50. Voltou à proeminência na década de 1980 com os artistas do Neo-Geo.

Características
Trabalhos de apropriação A arte geralmente trata das características abstratas das obras de arte e do próprio mercado de arte. Por meio do ato de apropriação, problematizam categorias fundamentais do mundo da arte, como autoria, originalidade, criatividade, propriedade intelectual, assinatura, valor de mercado, espaço museológico (o chamado cubo branco), história, gênero, sujeito, identidade e diferença. Ela se concentra em paradoxos e autocontradições e os torna visíveis e esteticamente tangíveis.

As estratégias individuais de artistas individuais diferem muito, de modo que um programa geral uniforme não é fácil de identificar. Muitos artistas designados para Arte de Apropriação negam ser parte de um “movimento”. “Apropriação Arte” é, portanto, apenas um rótulo que tem sido usado na crítica de arte desde o início dos anos 1980 e é bastante controverso.

As técnicas utilizadas são múltiplas. A apropriação torna-se u. uma. operado com pintura, fotografia, arte cinematográfica, escultura, colagem, decollage, ambiente, happenings, fluxus e performance.

Exemplos
No início dos anos 1970, Elaine Sturtevant copiou obras de Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns e Frank Stella, entre outros, com serigrafia ou cor, ou seja, nas técnicas originais. É relatado que alguns dos artistas que ela copiou lhe deram conselhos sobre tecnologia. Diz-se que Andy Warhol lhe deu as suas peneiras originais. O próprio Sturtevant diz que ela quer escapar da compulsão à originalidade que pesa sobre todos os artistas, explorando essa categoria com os meios da arte.

Richard Pettibone frequentemente copia Warhol e o vê na seguinte proporção: “Sou um artesão cuidadoso, ele é um desleixado”. As imitações de Pettibone foram leiloadas ouvidas da Sotheby’s.

Mike Bidlo fez uma performance depois de uma anedota biográfica, em que ele urinou como Jackson Pollock disfarçado em uma lareira aberta. Para suas exposições, ele teve obras de arte de Andy Warhol ou Constantin Brâncuşi em série. Atualmente, ele produz milhares de desenhos e modelos da Ready-made Fountain, de Marcel Duchamp. O Ready-made de Duchamp é considerado uma das mais importantes obras de arte dos tempos modernos. Portanto, o projeto de Bidlo pode ser entendido tanto como um tributo a Duchamp quanto como um processamento simbólico do conflito geracional.

Louise Lawler fotografou obras de arte nas salas de colecionadores de arte e em museus in situ, ou seja, com seus respectivos ambientes. Mostra em que contexto a arte é recebida e como é encenada em espaços.

Uma série de fotografias de Cindy Sherman são os Retratos da História, nos quais ela é fantasiada e encenada de acordo com Art Old Master. Ela entra temporariamente nos papéis históricos de mulheres e homens. Sherman muitas vezes usa trajes deliberadamente desleixados e maquiagem grosseira, para que a encenação permaneça reconhecível na imagem. Os Retratos da História podem ser entendidos como um comentário sobre a história da arte, em que as mulheres serviam principalmente apenas como modelos, que são objetos para a visão de pintores masculinos; Ao mesmo tempo, eles também levantam questões sobre a construção histórica da identidade, feminilidade e masculinidade (ver Gênero, Auto-Retrato).

Sherrie Levine tornou-se famosa por sua apropriação das fotografias de Walker Evans, que ela fotografou de livros ilustrados e exibiu sob seu nome sob o título After Walker Evans. Em 2001, Michael Mandiberg aplicou essa ação ao artista: ele fotografou as cópias de Sherrie Levine e apresentou suas fotos com o título After Sherrie Levine. Mandiberg não foi o único representante da “segunda geração” de apropriacionistas a apropriar-se da primeira geração: Yasumasa Morimura encenou a si mesmo depois de fotografias de Cindy Shermanon que ela mesma interpretou em vários disfarces e papéis (stills de filmes). Como Sherman muitas vezes adquire papéis masculinos como mulher em suas fotos, mas Morimura aparece como um travesti, a confusão da identidade de gênero é ainda maior.

Filosofia
Filosoficamente, as estratégias conceituais de apropriação abordam a desconstrução, a teoria da mídia e a intertextualidade. Técnicas artísticas como citação, alusão, paródia, paródia e pastiche, que são geralmente consideradas características da arte pós-moderna, podem ser encontradas em trabalhos de Arte de Apropriação. Como muitas estratégias de arte de apropriação são orientadas para o próprio sistema de arte, também se pode falar de meta-arte ou do sistema auto-reflexivo do sistema de arte (ver Teoria do Sistema). É um dos movimentos artísticos que exploram ativamente as condições e limites da arte e podem forçar o sistema de arte a se redefinir.

Certo
Um trabalho de Arte de Apropriação também pode ser protegido em termos de direitos autorais, mesmo que se assemelhe a um trabalho já existente de outro artista em todos os detalhes. A conquista criativa protegida consiste, então, no desenvolvimento do conceito e na estratégia independente do copiador. Fraude ou fraude não são intencionadas pelos artistas. Assim como a amostragem ou a versão coverEm música, no entanto, arte de apropriação se move em áreas onde o copyright está no trabalho. No entanto, uma vez que se pode argumentar que o processo de cópia, neste caso, é um processo artístico original, raramente existem conflitos de natureza legal. Além disso, o valor do modelo nas artes visuais, ao contrário dos produtos de mídia, geralmente se liga à sua existência material, que não é afetada por uma apropriação.

De acordo com a lei austríaca, as criações de arte de apropriação são geralmente classificadas como usos subseqüentes gratuitos de acordo com o § 5 (2) da Lei Austríaca de Direitos Autorais, ou pelo menos uma justificativa da liberdade de arte e expressão é possível.

História
No início do século XX, Pablo Picasso e Georges Braque apropriaram-se de objetos de um contexto não artístico em seu trabalho. Em 1912, Picasso colou um pedaço de tecido de óleo na tela. Composições subseqüentes, como Guitar, Newspaper, Glass e Bottle (1913), nas quais Picasso usou recortes de jornal para criar formulários, foram categorizadas como cubismo sintético. Os dois artistas incorporaram aspectos do “mundo real” em suas telas, abrindo discussões sobre significação e representação artística.

Marcel Duchamp é creditado com a introdução do conceito do ready-made, no qual “objetos utilitários produzidos industrialmente … alcançam o status de arte meramente através do processo de seleção e apresentação”. Duchamp explorou essa noção já em 1913, quando montou uma banqueta com uma roda de bicicleta e novamente em 1915, quando comprou uma pá de neve e escreveu com humor “antes do braço quebrado, Marcel Duchamp”. Em 1917, Duchamp formalmente apresentou uma readymade na exposição Society of Independent Artists sob o pseudônimo R. Mutt. Intitulado Fountain, consistia em um mictório de porcelana que estava apoiado sobre um pedestal e assinado “R. Mutt 1917”. O trabalho representou um desafio direto às percepções tradicionais de arte, propriedade, originalidade e plágio, e foi posteriormente rejeitado pelo comitê de exposição. Duchamp defendeu publicamente Fountain, alegando “se o Sr. Mutt com suas próprias mãos fez a fonte ou não tem nenhuma importância. ELE ESCOLHEU. Ele pegou um artigo ordinário da vida, colocou-o de modo que seu significado útil desapareceu sob o novo título e ponto.” de vista – e criou um novo pensamento para esse objeto “.

O movimento dadaísta (incluindo Duchamp como associado) continuou com a apropriação de objetos cotidianos. Os trabalhos dadá apresentavam irracionalidade deliberada e a rejeição dos padrões predominantes de arte. Kurt Schwitters, que produziu arte ao mesmo tempo que os dadaístas, mostra um senso similar do bizarro em seus trabalhos “merz”. Ele os construiu a partir de objetos encontrados e assumiu a forma de grandes construções que gerações posteriores chamariam de instalações.

Os surrealistas, vindos depois do movimento Dada, também incorporaram o uso de “objetos encontrados”, como o Objeto (Almoço na Pele) de Méret Oppenheim (1936). Esses objetos adquiriram um novo significado quando combinados com outros objetos improváveis ​​e perturbadores.

Em 1938, Joseph Cornell produziu o que pode ser considerado o primeiro trabalho de apropriação cinematográfica em seu filme Rose Hobart, cortado e reconstruído aleatoriamente.

Na década de 1950, Robert Rauschenberg usou o que chamou de “combina”, literalmente combinando objetos prontos como pneus ou camas, pintura, telas de seda, colagem e fotografia. Da mesma forma, Jasper Johns, trabalhando ao mesmo tempo que Rauschenberg, incorporou objetos encontrados em seu trabalho.

O movimento de arte Fluxus também utilizou apropriação: seus membros misturavam diferentes disciplinas artísticas, incluindo arte visual, música e literatura. Ao longo das décadas de 1960 e 1970, realizaram eventos de “ação” e produziram obras escultóricas com materiais não convencionais.

Junto com artistas como Claes Oldenburg e Andy Warhol se apropriaram imagens da arte comercial e cultura popular, bem como as técnicas dessas indústrias. Muitas vezes chamados de “artistas pop”, viam a cultura popular de massa como a principal cultura vernacular, compartilhada por todos, independentemente da educação. Esses artistas estavam totalmente engajados com as coisas efêmeras produzidas por essa cultura produzida em massa, abraçando a capacidade de gastar e se distanciando da evidência da mão de um artista.

Em 1958, Bruce Conner produziu o influente filme A, no qual ele recombinou clipes de filmes existentes. Em 1958, Raphael Montanez Ortiz produziu Cowboy and Indian Film, uma obra cinematográfica de apropriação seminal.

No final dos anos 1970, Dara Birnbaum estava trabalhando com apropriação para produzir obras de arte feministas. Em 1978-79, ela produziu uma das primeiras apropriações de vídeos. Tecnologia / Transformação: Wonder Woman utilizou videoclipes da série de televisão Wonder Woman.

A arte da apropriação do termo foi no uso comum nos anos 80 com artistas como Sherrie Levine, que endereçou o ato de se apropriar como um tema na arte. Levine cita trabalhos inteiros em seu próprio trabalho, por exemplo, fotografando fotografias de Walker Evans. Idéias desafiadoras de originalidade, chamando a atenção para as relações entre poder, gênero e criatividade, consumismo e valor de mercadoria, as fontes sociais e usos da arte, Levine joga com o tema de “quase o mesmo”. Elaine Sturtevant (também conhecida simplesmente como Sturtevant), por outro lado, pintou e exibiu réplicas perfeitas de obras famosas. Ela replicou as Flores de Andy Warhol em 1965 na Galeria Bianchini, em Nova York. Ela treinou para reproduzir a técnica do artista – na medida em que, quando Warhol foi repetidamente questionado sobre sua técnica, uma vez ele respondeu “Eu não sei. Pergunte a Elaine”.

Durante os anos 70 e 80, Richard Prince fotografou anúncios como cigarros Marlboro ou fotos de jornalismo fotográfico. Seu trabalho leva campanhas publicitárias de anúncios de cigarro anônimas e onipresentes, eleva o status e focaliza nosso olhar nas imagens.

Artistas de apropriação comentam sobre todos os aspectos da cultura e da sociedade. Joseph Kosuth se apropriou das imagens para se envolver com a filosofia e a teoria epistemológica. Outros artistas que trabalharam com a apropriação durante esse período incluíram Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson e Malcolm Morley.

Na década de 1990, os artistas continuaram a produzir arte de apropriação, usando-a como um meio para abordar teorias e questões sociais, em vez de se concentrar nas próprias obras. Damian Loeb usou cinema e cinema para comentar temas de simulacro e realidade. Outros artistas de alto perfil que trabalhavam nessa época incluíam Christian Marclay, Deborah Kass, Damien Hirst [duvidoso – discutir] e Genco Gulan.

Na era digital
Desde a década de 1990, a exploração de precursores históricos é tão multifacetada quanto o conceito de apropriação não é claro. Uma quantidade de dotações até então incomparável permeia não apenas o campo das artes visuais, mas de todas as áreas culturais. A nova geração de apropriadores se considera “arqueológica da atualidade”. Alguns falam em “pós-produção”, que é baseada em trabalhos pré-existentes, para reeditar “o roteiro da cultura”. A anexação de obras feitas por terceiros ou de produtos culturais disponíveis segue em grande parte o conceito de uso. Os chamados “prosumers” – aqueles que consomem e produzem ao mesmo tempo – navegam pelo onipresente arquivo do mundo digital (mais raramente pelo analógico), a fim de experimentar as imagens, palavras e sons sempre acessíveis por meio de “copy”. -paste ‘ou’ arrastar-soltar ‘para’ bootleg ‘,’ mashup ‘ou’ remix ‘, assim como se gosta. As apropriações tornaram-se hoje um fenômeno cotidiano.

O novo “remix de geração” – que levou os palcos não apenas das artes visuais, mas também da música, literatura, dança e cinema – provoca, é claro, debates altamente controversos. Os estudiosos da mídia, Lawrence Lessig, cunharam no início dos anos 2000 o termo da cultura do remix. De um lado estão os celebrantes que prevêem uma nova era de formas inovadoras, úteis e divertidas de arte do século 21 digitalizado e globalizado. Os novos apropriacionistas não apenas perceberão o dito de Joseph Beuys de que todos são artistas, mas também de “construir sociedades livres”. Liberando a arte, enfim, de conceitos tradicionais como aura, originalidade e genialidade, eles levarão a novos termos de compreensão e definição de arte. Observadores mais críticos vêem isso como o ponto de partida de um enorme problema. Se a criação é baseada em nada mais do que processos despreocupados de encontrar, copiar, recombinar e manipular mídia, conceitos, formulários, nomes, etc. pré-existentes de qualquer fonte, a compreensão da arte mudará à vista deles para uma forma banalizada atividade exigente e regressiva. Em vista da limitação da arte a referências a conceitos e formas preexistentes, eles prevêem produtos infinitamente recompilados e reaproveitados. Os céticos chamam isso de cultura de reciclagem com um vício ao passado

Alguns dizem que apenas pessoas preguiçosas que nada têm a dizer se deixam inspirar pelo passado dessa maneira. Outros temem que essa nova tendência de apropriação seja causada apenas pelo desejo de se embelezar com uma genealogia atraente. O termo apropriacionismo reflete a superprodução de reproduções, refazimentos, reconstituições, recriações, revisões, reconstruções, etc., copiando, imitando, repetindo, citando, plagiando, simulando e adaptando nomes, conceitos e formas pré-existentes. O apropriacionismo é discutido – em comparação com formas de apropriação e conceitos do século XX que oferecem novas representações do conhecimento estabelecido – como uma espécie de “corrida paralisante”, referindo-se à aceleração de operações aleatórias e incontroláveis ​​em sociedades ocidentais fluidas e altamente mobilizadas. governado cada vez mais por formas abstratas de controle. O acesso ilimitado ao arquivo digital de criações e tecnologias digitais facilmente viáveis, bem como a prioridade de novas idéias e processos criativos sobre uma obra-prima perfeita leva a uma agitação hiperativa ao redor do passado ao invés de lançar novas expedições a territórios inexplorados visibilidade aos fantasmas esquecidos e fantasmas ignorados de nossos mitos e ideologias comuns.

Cinema de apropriação
Na arte cinematográfica, o termo Appropriation Cinema é usado às vezes (filme de filmagem mais comumente encontrado). Estes são trabalhos cinematográficos que assumem e manipulam filmagens existentes. O diretor americano Gus Van Sant virou z. Por exemplo, com Psycho (1998), um remake da obra-prima de Alfred Hitchcock, Psycho (1960), que recria consistentemente cena após cena do original. O equipamento e a encenação foram ligeiramente modificados apenas em algumas cenas. O filme enfrentou muitos ataques; A platéia do cinema não a entendeu como uma conquista independente e, portanto, como supérflua. Como o remake dos filmes é um gênero comum na indústria cinematográfica, a situação é diferente aqui na arte – também se pode entender o filme de van Sant como uma paródia de remakes ou como pastiche.

Também encarregado de psycho foi o videoartista britânico Douglas Gordon, que esticou o filme em uma projeção de vídeo de 24 horas em sua instalação 24 Hour Psycho. Gordon entende seu trabalho como um jogo entre a aura artística da obra-prima e as intervenções individuais e manipulações que qualquer proprietário de um gravador de vídeo pode fazer em um filme, quando ele quer mergulhar meditativamente ou analiticamente em sequências de imagens individuais.

Teatro de Apropriação
Em 2010, o grupo de teatro fundou o Instituto Shanzhai. Com base na tradição chinesa Shanzhai de arte de cópia e apropriação, o grupo copia e reencena detalhadamente produções teatrais históricas e existentes, com apenas os atores e atores sendo reclassificados. Em 2016, a reencenação de “A Gaivota”, de Chekhov, dirigida por Jürgen Gosch, de 2008, está planejada no Schauspiel Leipzig.

Artistas usando apropriação
A seguir estão artistas notáveis ​​conhecidos pelo uso de objetos ou imagens pré-existentes com pouca ou nenhuma transformação aplicada a eles:

ACIMA
Ai Kijima
Aleksandra Mir
Andy Warhol
Banksy
Barbara Kruger
Benjamin Edwards
Bern Porter
Bill Jones
Brian Dettmer
Burhan Dogancay
Christian Marclay
Cindy Sherman
Claes Oldenburg
Cornelia Sollfrank
Cory Arcangel
Craig Baldwin
Damian Loeb
Damien Hirst
David Salle
Deborah Kass
Dominique Mulhem
Douglas Gordon
Elaine Sturtevant
Eric Doeringer
Fatimah Tuggar
Felipe Jesus Consalvos
Genco Gulan
Ideia geral
George Pusenkoff
Georges Braque
Gerhard Richter
Ghada Amer
Glenn Brown
Gordon Bennett
Graham Rawle
Graig Kreindler
Greg Colson
Hans Haacke
Hans-Peter Feldman
J. Tobias Anderson
Jake e Dinos Chapman
James Cauty
Jasper Johns
Jeff Koons
Joan Miró
Jodi
John Baldessari
John McHale
John Stezaker
Joseph Cornell
Joseph Kosuth
Joy Garnett
Karen Kilimnik
Kelley Walker
Kenneth Goldsmith
Kurt Schwitters
Lennie Lee
Leon Golub
Louise Lawler
Luc Tuymans
Luke Sullivan
Malcolm Morley
Marcel Duchamp
Marcus Harvey
Mark Divo
Marlene Dumas
Martin Arnold
Matthieu Laurette
Max Ernst
Meret Oppenheim
Michael Landy
Mike Bidlo
Mike Kelley
Miltos Manetas
Nancy Spero
Negativland
Nikki S. Lee
Norma Magnusson
PJ Crook
Pablo Picasso
Pessoas como nós
Peter Saville
Philip Taaffe
Pierre Bismuth
Pierre Huyghe
Caso Reginald
Richard Prince
Rick Prelinger
Rob Scholte
Robert Longo
Robert Rauschenberg
Shepard Fairey
Sherrie Levine
Elaine Sturtevant
Sistema D-128
Ted Noten
Thomas Ruff
Tom Phillips
Vermibus
Vik Muniz
Vikky Alexander
Vivienne Westwood
Yasumasa Morimura

Arte de apropriação e direitos autorais
A arte de apropriação resultou em questões contenciosas de direitos autorais sobre sua validade sob a lei de direitos autorais. Os EUA têm sido particularmente litigiosos a esse respeito. Surgiram vários exemplos de jurisprudência que investigam a divisão entre obras transformadoras e obras derivadas.

Andy Warhol enfrentou uma série de ações judiciais de fotógrafos cujos trabalhos ele apropriara e fazia silk-screen. Patricia Caulfield, um desses fotógrafos, tirou uma foto de flores para uma demonstração de fotografia para uma revista de fotografia. Sem sua permissão, Warhol cobriu as paredes da galeria de Nova York de Leo Castelli com suas reproduções da fotografia de Caulfield em 1964. Depois de ver um pôster das reproduções não autorizadas de Warhol em uma livraria, Caulfield processou Warhol por violar seus direitos como proprietária dos direitos autorais. e Warhol fez uma liquidação em dinheiro fora dos tribunais.

Por outro lado, as famosas Campbell’s Soup Cans de Warhol são geralmente consideradas como não infringindo a marca registrada da fabricante de sopas, apesar de claramente apropriadas, porque “é improvável que o público veja a pintura como patrocinada pela empresa ou representando um produto concorrente. Pinturas e latas de sopa não são em si produtos concorrentes “, de acordo com o especialista em marcas registradas Jerome Gilson.

Jeff Koons também confrontou questões de direitos autorais devido ao seu trabalho de apropriação (veja Rogers v. Koons). O fotógrafo Art Rogers entrou com uma ação contra Koons por violação de direitos autorais em 1989. O trabalho de Koons, String of Puppies, reproduziu esculturalmente a foto em preto-e-branco de Rogers que apareceu em um cartão de aeroporto que Koons havia comprado. Embora ele alegasse uso justo e paródia em sua defesa, Koons perdeu o caso, em parte devido ao tremendo sucesso que teve como artista e à maneira como foi retratado na mídia. O argumento da paródia também fracassou, pois o tribunal de apelações estabeleceu uma distinção entre criar uma paródia da sociedade moderna em geral e uma paródia dirigida a uma obra específica, encontrando paródia de uma obra específica, especialmente de uma muito obscura, fraca demais para justificar a uso justo do original.

Em outubro de 2006, Koons defendeu com sucesso um trabalho diferente alegando “uso justo”. Para uma comissão de sete pinturas para o Deutsche Guggenheim Berlin, Koons tirou parte de uma fotografia tirada por Andrea Blanch, intitulada Silk Sandals, da Gucci, e publicada na edição de agosto de 2000 da revista Allure para ilustrar um artigo sobre maquiagem metálica. Koons tirou a foto das pernas e sandálias de diamantes daquela foto (omitindo outros detalhes de fundo) e a usou em sua pintura Niagara, que também inclui três outros pares de pernas de mulheres balançando surrealmente sobre uma paisagem de tortas e bolos.

Em sua decisão, o juiz Louis L. Stanton, do Tribunal Distrital dos EUA, descobriu que Niagara era de fato um “uso transformador” da fotografia de Blanch. “O uso da pintura não” suplanta “ou duplica o objetivo do original”, escreveu o juiz, “mas usa-a como matéria-prima de maneira inovadora para criar novas informações, novas estéticas e novos insights. Tal uso, seja bem-sucedido ou não. não artisticamente, é transformadora “.

O detalhe da fotografia de Blanch usado por Koons é apenas marginalmente protegido por direitos autorais. Blanch não tem direitos sobre as sandálias Gucci, “talvez o elemento mais marcante da fotografia”, escreveu o juiz. E sem as sandálias, apenas uma representação das pernas de uma mulher permanece – e isso era visto como “não suficientemente original para merecer muita proteção de direitos autorais”.

Em 2000, a escultura de Hymn, de Damien Hirst (que Charles Saatchi havia comprado por 1 milhão de libras esterlinas), foi exibida em Ant Noises na Galeria Saatchi. Hirst foi processado por violação de direitos autorais sobre esta escultura. O assunto era um ‘Jovem Cientista Anatomy Set’ pertencente ao seu filho Connor, 10.000 dos quais são vendidos por ano pelo fabricante de brinquedos Hull (Emms). Hirst criou uma ampliação de 20 pés e seis toneladas da figura do Science Set, mudando radicalmente a percepção do objeto. Hirst pagou uma quantia não revelada a duas instituições de caridade, a Children Nationwide e a Toy Trust, em um acordo extrajudicial. A doação de caridade foi menor do que a esperada por Emms. Hirst vendeu mais três cópias de sua escultura por quantias semelhantes à primeira.

Apropriar-se de um objeto familiar para fazer uma obra de arte pode impedir que o artista reivindique a propriedade dos direitos autorais. Jeff Koons ameaçou processar uma galeria sob direitos autorais, alegando que a galeria infringiu seus direitos de propriedade, vendendo suportes para livros na forma de cachorros-balão. Koons abandonou essa alegação depois que a galeria apresentou uma queixa de declaração declarando: “Como virtualmente qualquer palhaço pode atestar, ninguém é dono da idéia de fazer um cachorro balão, e a forma criada pela torção de um balão em uma forma de cachorro é parte do domínio público “.

Em 2008, o fotojornalista Patrick Cariou processou os livros Richard Prince, Gagosian Gallery e Rizzoli por violação de direitos autorais. Prince se apropriou de 40 fotos de Rastafari de Cariou de um livro, criando uma série de pinturas conhecidas como Zona do Canal. Prince alterou várias vezes as fotos, objetos de pintura, mãos enormes, mulheres nuas e torsos masculinos sobre as fotografias, vendendo posteriormente mais de US $ 10 milhões em obras. Em março de 2011, um juiz decidiu em favor de Cariou, mas Prince e Gargosian apelaram em vários pontos. Três juízes do Tribunal de Apelações dos EUA confirmaram o direito de apelação. O advogado de Prince argumentou que “Appropriation art é uma forma de arte moderna e pós-moderna bem reconhecida que tem desafiado a forma como as pessoas pensam sobre arte, desafiando a forma como as pessoas pensam sobre objetos, imagens, sons, cultura”. em grande parte anulou a decisão original, decidindo que muitas das pinturas tinham transformado suficientemente as imagens originais e, portanto, eram um uso permitido. Veja Cariou versus Prince.

Em novembro de 2010, Chuck Close ameaçou com uma ação legal contra o artista Scott Blake por criar um filtro do Photoshop que construiu imagens a partir de pinturas dissecadas de Chuck Close. A história foi relatada pela primeira vez pela revista de artes online Hyperallergic, foi reimpressa na primeira página do Salon.com e se espalhou rapidamente pela web. Kembrew McLeod, autor de vários livros sobre amostragem e apropriação, disse na Wired que a arte de Scott Blake deveria estar sob a doutrina do uso justo.

Em setembro de 2014, o Tribunal de Apelações do Sétimo Circuito dos EUA questionou a interpretação do Segundo Circuito da doutrina do uso justo no caso Cariou. De particular interesse, o Sétimo Circuito observou que o “uso transformador” não é um dos quatro fatores enumerados de uso justo, mas é simplesmente parte do primeiro fator de uso justo que busca o “propósito e caráter” do uso. A crítica do Sétimo Circuito dá credibilidade ao argumento de que há uma divisão entre os tribunais dos EUA quanto ao papel que a “transformação” deve desempenhar em qualquer investigação de uso justo.

Em 2013, Andrew Gilden e Timothy Greene publicaram um artigo de revisão jurídica na Revisão de Direito da Universidade de Chicago dissecando as semelhanças factuais e diferenças legais entre o caso Cariou e o caso Salinger vs. Colting, articulando preocupações de que os juízes possam estar criando um uso justo ” privilégio em grande parte reservado para os ricos e famosos “.