A pintura chinesa é uma das mais antigas tradições artísticas contínuas do mundo. A pintura no estilo tradicional é conhecida hoje em chinês como guóhuà (chinês: 國畫), que significa “pintura nacional” ou “pintura nativa”, em oposição aos estilos de arte ocidentais que se tornaram populares na China no século XX. A pintura tradicional envolve essencialmente as mesmas técnicas da caligrafia e é feita com um pincel embebido em tinta preta ou pigmentos coloridos; óleos não são usados. Tal como acontece com a caligrafia, os materiais mais populares em que são feitas as pinturas são o papel e a seda. O trabalho finalizado pode ser montado em pergaminhos, como pergaminhos ou pergaminhos. A pintura tradicional também pode ser feita em folhas de álbuns, paredes, laca, telas dobráveis ​​e outras mídias.

As duas principais técnicas da pintura chinesa são:

Gongbi (工筆), que significa “meticuloso”, usa pinceladas altamente detalhadas que delimitam os detalhes com muita precisão. Muitas vezes, é altamente colorido e geralmente retrata temas figurativos ou narrativos. Muitas vezes é praticado por artistas que trabalham para a corte real ou em oficinas independentes.

Tinta e pintura de lavagem, em chinês shui-mo (水墨, “água e tinta”) também vagamente denominado aquarela ou pincel de pintura, e também conhecido como “literati pintura”, como foi uma das “Quatro Artes” do chinês Scholar – aula oficial Em teoria, essa era uma arte praticada por cavalheiros, uma distinção que começa a ser feita em escritos sobre arte da dinastia Song, embora, na verdade, as carreiras dos principais expoentes possam se beneficiar consideravelmente. Esse estilo também é conhecido como “xieyi” (寫意) ou estilo freehand.

A pintura de paisagem foi considerada como a mais alta forma de pintura chinesa, e geralmente ainda é. A época do período das Cinco Dinastias até o período Song do Norte (907-1127) é conhecida como a “Grande Idade da Paisagem Chinesa”. No norte, artistas como Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan e Guo Xi pintaram quadros de montanhas imponentes, usando linhas pretas fortes, tinta a jato e pinceladas pontiagudas para sugerir pedra áspera. No sul, Dong Yuan, Juran e outros artistas pintaram as colinas e rios de sua terra natal em cenas pacíficas feitas com pinceladas mais suaves e esfregadas. Esses dois tipos de cenas e técnicas tornaram-se os estilos clássicos da pintura de paisagem chinesa.

Especificidades e estudo
A pintura e a caligrafia chinesas distinguem-se das artes de outras culturas pela ênfase no movimento e pela mudança com a vida dinâmica. A prática é tradicionalmente aprendida pela primeira vez, em que o mestre mostra o “caminho certo” para desenhar itens. O aprendiz deve copiar esses itens estrita e continuamente até que os movimentos se tornem instintivos. Nos tempos contemporâneos, o debate surgiu sobre os limites dessa tradição copista dentro das cenas de arte moderna, onde a inovação é a regra. Mudar estilos de vida, ferramentas e cores também estão influenciando novas ondas de mestres.

Períodos adiantados
As primeiras pinturas não eram representacionais, mas ornamentais; eles consistiam em padrões ou desenhos, em vez de imagens. A cerâmica primitiva era pintada com espirais, ziguezagues, pontos ou animais. Foi somente durante o período dos Reinos Combatentes (475-221 aC) que os artistas começaram a representar o mundo ao seu redor. Nos tempos imperiais (começando com a dinastia Jin Oriental), a pintura e a caligrafia na China estavam entre as artes mais apreciadas na corte e eram praticadas por amadores – aristocratas e autoridades acadêmicas – que tinham o tempo de lazer necessário para aperfeiçoar a arte. técnica e sensibilidade necessárias para uma grande pincelada. Caligrafia e pintura foram pensadas para ser as mais puras formas de arte. Os implementos eram o pincel feito de pêlos de animais e tintas pretas feitas de fuligem de pinheiro e cola animal. Nos tempos antigos, a escrita e a pintura eram feitas em seda. No entanto, após a invenção do papel no século 1 dC, a seda foi gradualmente substituída pelo material novo e mais barato. Escritos originais de calígrafos famosos foram muito valorizados em toda a história da China e são montados em rolos e pendurados nas paredes da mesma forma que as pinturas são.

Os artistas das dinastias Han (206 aC-220 dC) às dinastias Tang (618-906) pintaram principalmente a figura humana. Muito do que sabemos sobre o início da pintura de figuras chinesas vem de locais de sepultamento, onde as pinturas eram preservadas em faixas de seda, objetos envernizados e paredes de túmulos. Muitas pinturas antigas do túmulo foram feitas para proteger os mortos ou ajudar suas almas a chegar ao paraíso. Outros ilustraram os ensinamentos do filósofo chinês Confúcio ou mostraram cenas da vida cotidiana.

Durante o período das Seis Dinastias (220-589), as pessoas começaram a apreciar a pintura por sua própria beleza e a escrever sobre arte. A partir deste momento, começamos a aprender sobre artistas individuais, como Gu Kaizhi. Mesmo quando esses artistas ilustraram temas morais confucionistas – como o comportamento adequado de uma esposa para o marido ou de filhos para os pais – eles tentaram tornar as figuras graciosas.

Seis princípios
Os “Seis princípios da pintura chinesa” foram estabelecidos por Xie He, escritor, historiador de arte e crítico da China do século 5, em “Seis pontos a considerar ao julgar uma pintura” (繪畫 六法), tirados do prefácio de seu livro ” O registro da classificação de pintores antigos “(古畫 品 錄). Tenha em mente que isso foi escrito por volta de 550 EC e se refere a práticas “antigas” e “antigas”. Os seis elementos que definem uma pintura são:

“Ressonância do Espírito”, ou vitalidade, que se refere ao fluxo de energia que engloba tema, trabalho e artista. Xie Ele disse que sem a Ressonância do Espírito, não havia necessidade de procurar mais.

“Método Ósseo”, ou a maneira de usar o pincel, refere-se não apenas à textura e pincelada, mas ao elo estreito entre a caligrafia e a personalidade. Em seu tempo, a arte da caligrafia era inseparável da pintura.

“Correspondência ao Objeto”, ou a descrição da forma, que incluiria forma e linha.

“Adequação ao tipo”, ou a aplicação de cores, incluindo camadas, valor e tom.

“Divisão e Planejamento”, ou colocação e disposição, correspondentes à composição, espaço e profundidade.

“Transmissão por cópia”, ou a cópia de modelos, não só da vida, mas também das obras da antiguidade.

Dinastias Sui e Tang (581–907)
Durante a dinastia Tang, a pintura de figuras floresceu na corte real. Artistas como Zhou Fang descreviam o esplendor da vida da corte em pinturas de imperadores, damas do palácio e cavalos imperiais. Figura pintura atingiu o auge do realismo elegante na arte da corte do sul do Tang (937-975).

A maioria dos artistas Tang delineou figuras com linhas pretas finas e usou cores brilhantes e detalhes elaborados. No entanto, um artista Tang, o mestre Wu Daozi, usava apenas tinta preta e pintava pinceladas livremente para criar pinturas a tinta que eram tão empolgantes que multidões se reuniam para vê-lo trabalhar. Desde então, as pinturas a tinta não eram mais consideradas esboços preliminares ou contornos para serem preenchidos com cores. Em vez disso, eles foram valorizados como obras de arte acabadas.

Começando na Dinastia Tang, muitas pinturas eram paisagens, muitas vezes pinturas de shanshui (mountain, “água da montanha”). Nessas paisagens, monocromáticas e escassas (um estilo que é chamado coletivamente de shuimohua), o objetivo não era reproduzir exatamente a aparência da natureza (realismo), mas captar uma emoção ou atmosfera, como se capturasse o “ritmo” da natureza.

Dinastias de Liao, Song, Jin e Yuan (907–1368)
A pintura durante a dinastia Song (960-1279) alcançou um maior desenvolvimento da pintura de paisagem; distâncias imensuráveis ​​eram transmitidas através do uso de contornos borrados, contornos de montanha desaparecendo na neblina e tratamento impressionista de fenômenos naturais. A pintura de estilo shan shui – “shan”, que significa montanha, e “shui”, que significa rio – tornou-se proeminente na arte da paisagem chinesa. A ênfase dada à paisagem foi fundamentada na filosofia chinesa; O taoísmo enfatizava que os seres humanos eram apenas pequenas partículas no vasto e maior cosmo, enquanto os escritores neo-confucionistas frequentemente buscavam a descoberta de padrões e princípios que acreditavam causar todos os fenômenos sociais e naturais. A pintura de retratos e objetos vistos de perto como pássaros em galhos eram tidos em alta estima, mas a pintura de paisagem era primordial. No início da dinastia Song, surgiu um estilo distinto de paisagem. Os artistas dominaram a fórmula de cenas intrincadas e realistas colocadas em primeiro plano, enquanto o fundo retinha qualidades de vasto e infinito espaço. Picos distantes das montanhas surgem de nuvens altas e neblina, enquanto os rios fluem de longe para o primeiro plano.

Houve uma diferença significativa nas tendências de pintura entre o período Song do Norte (960-1127) e o período Song do Sul (1127-1279). As pinturas dos funcionários da dinastia Song do Norte foram influenciadas por seus ideais políticos de trazer ordem ao mundo e atacar as maiores questões que afetam toda a sociedade; suas pinturas freqüentemente representavam paisagens enormes e arrebatadoras. Por outro lado, os funcionários do Southern Song estavam mais interessados ​​em reformar a sociedade de baixo para cima e em escala muito menor, um método que eles acreditavam ter uma chance melhor de sucesso eventual; suas pinturas frequentemente focavam em cenas menores, visualmente mais próximas e mais íntimas, enquanto o fundo era frequentemente descrito como desprovido de detalhes como um reino sem preocupação com o artista ou espectador. Essa mudança de atitude de uma era para a outra resultou em grande parte da crescente influência da filosofia neoconfucionista. Os adeptos do neoconfucionismo concentraram-se em reformar a sociedade de baixo para cima, não de cima para baixo, o que pode ser visto em seus esforços para promover pequenas academias privadas durante a Southern Song em vez das grandes academias controladas pelo Estado vistas na era Song do Norte.

Desde as dinastias do sul e do norte (420-589), a pintura tornou-se uma arte de alta sofisticação associada à classe gentry como um dos seus principais passatempos artísticos, sendo os outros caligrafia e poesia. Durante a Dinastia Song, havia ávidos colecionadores de arte que se reuniam em grupos para discutir suas próprias pinturas, bem como avaliar as de seus colegas e amigos. O poeta e estadista Su Shi (1037–1101) e seu cúmplice Mi Fu (1051–1107) freqüentemente participavam desses assuntos, pegando emprestado peças de arte para estudar e copiar, ou se realmente admirassem uma peça, então uma troca era frequentemente proposta. Eles criaram um novo tipo de arte baseado nas três perfeições em que usaram suas habilidades em caligrafia (a arte da escrita bonita) para fazer pinturas a tinta. Desde então, muitos pintores se esforçaram para expressar livremente seus sentimentos e capturar o espírito interior de seu sujeito, em vez de descrever sua aparência exterior. As pequenas pinturas redondas populares na Canção do Sul eram freqüentemente reunidas em álbuns, pois os poetas escreviam poemas ao longo do lado para combinar com o tema e o clima da pintura.

Embora fossem ávidos colecionadores de arte, alguns estudiosos de Song não apreciavam prontamente obras de arte encomendadas por pintores encontrados em lojas ou mercados comuns, e alguns acadêmicos chegaram a criticar artistas de renomadas escolas e academias. Anthony J. Barbieri-Low, professor de História Antiga da China, da Universidade da Califórnia, em Santa Bárbara, aponta que a apreciação da arte feita pelos acadêmicos por Song Song não se estendeu àqueles que ganharam a vida simplesmente como artistas profissionais:

Durante a Canção do Norte (960-1126 dC), surgiu uma nova classe de artistas eruditos que não possuía as habilidades de tromboléu dos pintores da academia, nem mesmo a proficiência de pintores comuns do mercado. A pintura dos letrados era mais simples e, às vezes, pouco escolarizada; no entanto, eles criticavam esses outros dois grupos como meros profissionais, pois dependiam de comissões pagas para seu sustento e não pintavam apenas por prazer ou autoexpressão. Os estudiosos-artistas consideravam que os pintores que se concentravam em representações realistas, que empregavam uma palheta colorida ou, pior do que tudo, que aceitavam pagamento monetário por seu trabalho não eram melhores que açougueiros ou consertadores no mercado. Eles não deviam ser considerados artistas reais.

No entanto, durante o período Song, havia muitos pintores da corte aclamados e eles eram altamente estimados pelos imperadores e pela família real. Um dos maiores pintores paisagistas, patrocinado pela Corte Song, foi Zhang Zeduan (1085-1145), que pintou o original Along the River Durante o pergaminho do Festival de Qingming, uma das mais conhecidas obras-primas da arte visual chinesa. O Imperador Gaozong de Song (1127-1162) uma vez encomendou um projeto de arte de numerosas pinturas para os Dezoito Cânticos de uma Flauta Nômade, baseado na mulher poeta Cai Wenji (177-250 dC) da antiga dinastia Han. Yi Yuanji alcançou um alto grau de realismo pintando animais, em particular macacos e gibões. Durante o período Song do Sul (1127–1279), pintores da corte como Ma Yuan e Xia Gui usaram pinceladas negras fortes para desenhar árvores, pedras e lavagens pálidas para sugerir espaços enevoados.

Durante a dinastia mongol Yuan (1271-1368), os pintores juntaram-se às artes da pintura, da poesia e da caligrafia, inscrevendo poemas em suas pinturas. Essas três artes trabalharam juntas para expressar os sentimentos do artista mais completamente do que uma arte poderia fazer sozinha. O imperador Yuan Tugh Temur (r. 1328, 1329–1332) gostava de pintura chinesa e tornou-se um pintor credível.

China imperial tardia (1368 a 1895)
Começando no século 13, a tradição de pintar assuntos simples – um ramo com frutas, algumas flores ou um ou dois cavalos – se desenvolveu. A pintura narrativa, com uma gama de cores mais ampla e uma composição muito mais ocupada do que as pinturas de Song, foi imensamente popular durante o período Ming (1368–1644).

Os primeiros livros ilustrados com xilogravuras coloridas apareceram por volta dessa época; À medida que as técnicas de impressão a cores foram aperfeiçoadas, manuais ilustrados sobre a arte da pintura começaram a ser publicados. Jieziyuan Huazhuan (Manual do Mustard Seed Garden), um trabalho de cinco volumes publicado pela primeira vez em 1679, tem sido usado como um manual técnico para artistas e estudantes desde então.

Alguns pintores da dinastia Ming (1368–1644) continuaram as tradições dos estudiosos-pintores Yuan. Este grupo de pintores, conhecido como Wu School, foi liderado pelo artista Shen Zhou. Outro grupo de pintores, conhecido como Escola Zhe, reviveu e transformou os estilos da corte Song.

Durante a dinastia Qing (1644–1911), os pintores conhecidos como Individualistas rebelaram-se contra muitas das regras tradicionais da pintura e encontraram formas de se expressar mais diretamente através da pincelada livre. Nos séculos XVIII e XIX, grandes cidades comerciais, como Yangzhou e Xangai, tornaram-se centros de arte, onde os ricos comerciantes-patronos encorajavam os artistas a produzir novas obras ousadas.

Nos finais do século XIX e XX, os pintores chineses foram cada vez mais expostos à arte ocidental. Alguns artistas que estudaram na Europa rejeitaram a pintura chinesa; outros tentaram combinar o melhor das duas tradições. Entre os pintores modernos mais queridos estava Qi Baishi, que começou a vida como camponês pobre e se tornou um grande mestre. Suas obras mais conhecidas retratam flores e pequenos animais.

Pintura moderna
Começando com o New Culture Movement, artistas chineses começaram a adotar usando técnicas ocidentais. Artistas chineses proeminentes que estudaram a pintura ocidental incluem Li Tiefu, Yan Wenliang, Xu Beihong, Lin Fengmian, Fang Ganmin e Liu Haisu.

Nos primeiros anos da República Popular da China, os artistas foram encorajados a empregar o realismo socialista. Algum realismo socialista da União Soviética foi importado sem modificação, e os pintores foram designados como sujeitos e esperavam produzir pinturas em massa. Esse regime foi consideravelmente relaxado em 1953 e, após a Campanha das Cem Flores, de 1956 a 1957, a pintura tradicional chinesa experimentou uma revitalização significativa. Juntamente com estes desenvolvimentos nos círculos profissionais de arte, houve uma proliferação de arte camponesa retratando a vida cotidiana nas áreas rurais em murais e em exposições de pintura ao ar livre.

Desde 1978
Após a Revolução Cultural, as escolas de arte e organizações profissionais foram reintegradas. As trocas foram organizadas com grupos de artistas estrangeiros e artistas chineses começaram a experimentar novos assuntos e técnicas. Um caso particular de estilo à mão livre (xieyi hua) pode ser observado no trabalho da criança prodígio Wang Yani (nascida em 1975) que começou a pintar aos 3 anos e desde então contribuiu consideravelmente para o exercício do estilo na arte contemporânea.

Após a reforma econômica chinesa, mais e mais artistas corajosamente conduziram inovações na pintura chinesa. As inovações incluem: desenvolvimento de novas habilidades de escovação, como direção vertical de respingos de água e tinta, com o artista representativo Tiancheng Xie, criação de um novo estilo pela integração de técnicas de pintura tradicionais chinesas e ocidentais, como a Heaven Style Painting, com o artista representativo Shaoqiang Chen. estilos que expressam o tema contemporâneo e a cena típica da natureza de certas regiões, como o Lijiang Painting Style, com o artista representativo Gesheng Huang. Um conjunto de pinturas de 2008 de Cai Jin, mais conhecido por seu uso de cores psicodélicas, mostrou influências de fontes ocidentais e tradicionais chinesas, embora as pinturas fossem abstrações orgânicas.

Reproduções de alta qualidade
As reproduções de alta qualidade são feitas por técnicas especiais de impressão, em Rongbaozhai, em Pequim, e em Duoyunxuan, em Xangai.