Num sentido moderno, a comédia refere-se a qualquer discurso ou trabalho geralmente destinado a ser humorístico ou divertido, induzindo risadas, especialmente em teatro, televisão, cinema, comédia stand-up ou qualquer outro meio de entretenimento. As origens do termo são encontradas na Grécia Antiga. Na democracia ateniense, a opinião pública dos eleitores foi influenciada pela sátira política realizada pelos poetas cômicos nos cinemas. O gênero teatral da comédia grega pode ser descrito como uma performance dramática que coloca dois grupos ou sociedades um contra o outro em um agon ou conflito divertido. Northrop Frye descreveu esses dois lados opostos como uma “Sociedade da Juventude” e uma “Sociedade do Velho”. Uma visão revisada caracteriza a agonia essencial da comédia como uma luta entre uma juventude relativamente impotente e as convenções sociais que colocam obstáculos às suas esperanças. Nesta luta, a juventude é entendida como sendo limitada por sua falta de autoridade social, e é deixada com pouca escolha a não ser recorrer a artimanhas que geram uma ironia muito dramática que provoca o riso.
Sátira e sátira política usam a comédia para retratar pessoas ou instituições sociais como ridículas ou corruptas, alienando assim seu público do objeto de seu humor. A paródia subverte gêneros e formas populares, criticando essas formas sem necessariamente condená-las.
Outras formas de comédia incluem comédia maluca, que deriva seu humor em grande parte de situações ou personagens bizarras, surpreendentes (e improváveis), e comédia negra, que é caracterizada por uma forma de humor que inclui aspectos mais sombrios do comportamento humano ou da natureza humana. Da mesma forma, humor escatológico, humor sexual e humor racial criam comédia violando convenções sociais ou tabus de maneira cômica. Uma comédia de costumes tipicamente toma como tema uma parte específica da sociedade (geralmente a sociedade de classe alta) e usa o humor para parodiar ou satirizar o comportamento e os maneirismos de seus membros. Comédia romântica é um gênero popular que retrata o romance florescente em termos humorísticos e se concentra nas fraquezas daqueles que estão se apaixonando.
História
Começos da comédia na antiguidade greco-romana
A comédia e a tragédia, cuja representação remonta ao século VI aC AD e 5º século aC. AD, tem uma origem religiosa, relacionada ao culto de Dionísio.
“Como esta adoração trouxe sacrifícios fúnebres ou solenidades felizes para celebrar o luto do inverno ou o brilhante despertar da primavera. Pode-se ver, por sua vez, a cerimônia sagrada transformar-se no drama das lágrimas ou da tragédia da alegria. No reavivamento, feliz procissões de vilões bêbados e disfarçados em panelas e sátiros levaram seu carnaval religioso através da aldeia, e usaram a licença do festival, para interromper seus hinos de apóstrofos satíricos dirigidos à multidão.Muio a pouco esses interlúdios de lazzis assumem uma forma mais dramática. forma, os palhaços fazem a sátira mais pungente, jogando os personagens que eles atacaram: este entretenimento se transforma em cenas de caricatura. Este foi o berço da Comédia “.
Essas apresentações acontecem em festas organizadas pelo Estado. Duas vezes por ano, eles reúnem cidadãos em torno de uma competição entre três autores selecionados previamente. Durante os três dias de cerimônias, estas representam várias peças cada. Assim, o público atende cerca de quinze apresentações, da manhã ao anoitecer. Essa maneira de ver o teatro é bem diferente da que temos hoje, com exceção de certos festivais.
A localização dessas representações é um edifício a céu aberto, capaz de acomodar um grande público, ocupando as arquibancadas. Na frente dele está a cena, acima da qual uma sacada pode ver os deuses aparecerem. Há também um fosso de orquestra, um espaço circular em que há um altar dedicado a Dionísio e reservado para o coro (portanto localizado tanto “com” os atores, e separado deles).
O coro é composto por um certo número de coralistas, que se encarregam da parte lírica do espetáculo (a música). Ele foi acompanhado no início de um ator (o protagonista), então nós adicionamos dois outros: o deuteragonista e o tritagonista. Com a evolução do teatro, a parte lírica diminuiu, em favor do diálogo.
Na época, todos os papéis são ocupados por homens, usando máscaras: o rosto do ator não expressa uma psicologia com nuances e as nuances da emoção passam pelo tom e pelos gestos. Os atores usam túnicas coloridas, a cor para ajudar o público a distinguir os diferentes papéis. As peças gregas são compostas por um certo número de “momentos” definidos: um prólogo, depois a entrada do coro (“parodos”), depois episódios cortados por cantos do coral, finalmente a saída do coro (“exodos”). .
Começos da literatura na comédia
Por fábulas de Esopo denota um conjunto de fábulas em prosa atribuída a Esopo, escritor grego que viveu no final do século 7 e início do século 6 aC. DE ANÚNCIOS. Ele era da Trácia, perto do Mar Negro.
As fábulas de Esopo eram em prosa e concisas, La Fontaine colocou alguns em verso como Phèdre, Avianus e Charles Perrault, para citar apenas os mais famosos fabulistas.
Comédia ateniense na era de Péricles
No século 5 aC. Durante o século de Péricles, em plena democracia ateniense, o poeta Cratinos criou a velha comédia como uma instituição de oposição política. Assim, com a velha comédia, o teatro é transformado em tribuna.
Se não preservamos nada de Cratinos, Phrynichos, o Comic, Eupolis, Pherecrates, Platão, o cômico, Crates, Phormis e tantos outros, por outro lado, temos onze pedaços de Aristófanes que podem nos dar uma idéia suficiente deste fantástico drama. cheio de imaginação e poesia.
Essas peças abrangem uma variedade tão grande de objetos e se misturam tão fortemente com os eventos da época que, talvez até melhor do que a história de Tucídides, nos tornam conscientes da situação de Atenas naquela época. ”
Mas, à medida que o século de Péricles chega ao fim, a liberdade ateniense e a velha comédia tendem a desaparecer. Excluída da política, condenada a abster-se de personalidades, ela procura na vida privada um assunto novo, e atribui à sátira geral das paixões, as travessias e os humores dos humanos. No entanto, essa metamorfose não é feita em um dia. Entre a velha comédia e a nova comédia houve um período indeciso de transição, o de Antiphane, Eubulos, Alexis, que foi chamado de Comédia Média, onde, como a cena siciliana, nos divertimos para disfarçar os episódios da mitologia. na comédia popular da Itália (que será encontrada mais tarde na Commedia dell’arte)
Nova comédia sob a monarquia macedónia
A nova comédia (também referida como Nea) começa na segunda metade do século XV aC. DE ANÚNCIOS. Foi apenas até a monarquia macedônica que um grande poeta, Menandro, finalmente tirou desses esboços a verdadeira comédia de costumes e caráter, como ainda o concebemos hoje.
Difhile e Philemon foram, com Menander, os principais autores da Comédie Nouvelle.
A comédia dórica
Esse outro tipo de comédia grega se desenvolveu em várias cidades dóricas, como Megara, Esparta … A comédia dórica foi representada por três poetas, Epicharme, Phormis e Dinoloque. Não era democrático, como a comédia ateniense: protegida por dois reis, Gelon e Hieron, permaneceu alheia àquele espírito de sátira política que distingue a velha comédia de Atenas. Mantinha, com um caráter de gravidade filosófica, o respeito dos poderosos; e discussões filosóficas foram muito importantes.
A comédia romana
Como em Atenas, o teatro romano tem uma dimensão religiosa: as representações estão relacionadas ao culto de Baco. Como em Atenas também, a dimensão política está presente, já que o teatro é jogado durante os Jogos, ou durante importantes cerimônias que unem o povo. Cantando, dançando, música ainda acompanha o texto – o teatro é um “show total”.
Os acessórios são mais numerosos do que no teatro grego: a cortina do palco aparece, os figurinos são por vezes suntuosos, o maquinário cresce. As máscaras estão sempre presentes.
No palco, nenhuma “decoração” no sentido moderno: algumas portas, significando uma casa ou um palácio, e às vezes uma máquina para revelar um deus recitando uma tirada – daí a expressão “deus ex machina”.
No Império Romano, a farsa, o Atellane, protagonizada por atores mascarados, que gozavam do favor popular e estavam na origem da Commedia dell’arte (que torna as máscaras muito semelhantes às atuais máscaras da Commedia dell’arte), existia antes que a Nova Comédia ateniense fosse traduzida para seu uso. E, além disso, a comédia dedicada à pintura das maneiras romanas (comoedia togata, tocada em toga) nunca alcançou o sucesso do atellane.
Comédia grega (New Athenian Comedy) foi trazida por Livius Andronicus (280 aC – 204). A população esclarecida não queria nada além de peças gregas. A nova comédia é exportada para Roma, onde será adaptada para o século III como a comedia palliata (na qual os atores vestem a vestimenta grega, o pálio) e extensivamente adotada por Plauto e Terence. De fato, todas as peças que guardamos de Plaute e Terence (incluindo Molière às vezes inspiradas) são apenas traduções de comédias gregas.
Desde a ditadura de Sylla (que começou em dezembro de 82 aC), Atellane foi substituído por Mime. As comédias de Plauto não cessaram de ser tocadas em todo o Império até a invasão dos alemães.
Assim, a comédia como um gênero teatral desenvolvido na Europa na antiguidade greco – romana, onde compartilhou com a tragédia os teatros construídos no Império Romano.
A comédia romana, literatura
Da Grécia, a fábula passa para Roma. Horace propõe uma adaptação notável do Rat Town e do Rat Field (Sátiras, II) que alguns críticos consideram superior à versão de Jean de La Fontaine. Ele será seguido por Fedro que, como Esopo, nasceu na Trácia e era um escravo antes de ser libertado por Augusto. Devemos a ele seis livros de fábulas, o primeiro dos quais se abre com O Lobo e o Cordeiro. Com esta coleção inteiramente escrita em verso, Phèdre realmente tornará a fábula um gênero poético por si só. Ele não se contenta em adaptar Esopo em latim, mas também é original: das 126 fábulas de sua coleção, menos da metade são diretamente emprestadas da Esopo. Mesmo que essas fábulas não lhe atraiam a glória durante sua vida, Phèdre irá imitar.
O poeta Babrius, um romano helenizado contemporâneo de Fedro, reescreve as fábulas esopicas em grego e as coloca em verso. Ele é conhecido por duas coleções, totalizando 123 fábulas.
A moda da fábula cresce no mundo greco-romano. Há várias referências a fábulas no autor grego Lucien de Samosate (120-180), especialmente o dos macacos dançarinos, que joga com a oposição entre o inato e o adquirido, tema comum a muitas fábulas, inclusive em La Fontaine e Florian. 6. No século XVII, o poeta romano Avianus permitiu 42 principalmente adaptações de Phaedra, mas muitos que não são atestados em outro lugar são bem construídos. Seu contemporâneo, o grego Aphthonios deixou uma coleção de 40 fábulas em prosa.
Através do setor latino, as fábulas de Esopo passarão na Idade Média e inspirarão incontáveis sucessores.
A comédia na Idade Média na Europa
Após o colapso da cultura antiga, a Idade Média, que ignora a palavra “comédia”, reinventa muitas formas de teatro cômico. O teatro é tocado na rua (teatro de rua), na forma de mistérios, fábulas, piadas, soties ou até mímica. Alguns desses gêneros são mais ou menos inspirados pela sobrevivência de gêneros antigos, como o atellan.
De fato, a tradição dos malabaristas e o gosto do entretenimento paródico entre os clérigos são expressos na Idade Média em uma ampla variedade de peças de caráter satírico e didático:
diabos, que estão incluídos nos mistérios religiosos
as piadas, que são peças curtas que caracterizam os tipos populares da vida cotidiana (o camponês, a mulher, o padre, o nobre etc.) e uma situação simples no contexto da moral tradicional
os soties (que aparecem nos séculos 15 e 16), focados no “tolo” (uma espécie de palhaço antes do tempo) e que usam todas as liberdades da sátira.
A partir do século XII, a burguesia (habitantes da cidade), tem sua própria literatura, verdadeira sátira social antes da carta. É essencialmente travesso, pitoresco, mas na maioria das vezes realista. Ainda somos essencialmente fábulas (Estula, O Galgo e a Serpente, As Três Cegas Compiègne), o Reynard a Raposa e, mais tarde, farsas (A Farsa do Mestre Pathelin, do século XV).
No século 13, o teatro toca no verde ou na cidade da vila. Os espectadores são “burgueses” (habitantes do bairro), enquanto os tribunais dos senhores preferem os shows de torneios, balés, etc.
No século 14 e 15, os shows se tornam exigíveis. Como resultado, o teatro é cada vez mais tocado em espaços fechados e não na praça principal. Poucos conjuntos são usados na Idade Média: às vezes ficamos satisfeitos com sinais indicando o local. Mas as máquinas estão se desenvolvendo para criar “efeitos especiais”.
Sempre na Idade Média, o papel de Bouffon é fazer as pessoas rirem: divertem-se, usam insolência e às vezes são conselheiros; os mais conhecidos são os tolos dos reis e dos senhores. Além disso, o século XV, François I er, criou uma escola maluca.
Comédia na França sob o humanismo
No século 15, Rabelais escreveu Gargantua se tornando o primeiro autor a usar o burlesco em suas obras. Suas obras principais, como Pantagruel (1532) e Gargantua (1534), ambas as crônicas, contos com seus personagens de gigantes, a paródia herói-cómico, o épico e o romance de cavalaria, mas que prefiguram também o realista, satírico e filosófico. romance, são considerados como uma das primeiras formas de romance moderno.
Nos anos 1456-1460 8 lançou uma das raras peças de comédia da época A Farsa do Mestre Pathelin. Sempre no século 15 aparece a Moralidade, apresentando figuras alegóricas representando os vícios e virtudes dos homens e as falhas da sociedade.
No século 16, os estudiosos criam a comédia humanística, para se opor à tradição medieval de recheio e retornar às raízes da comédia latina. Comédias humanistas são as primeiras “comédias regulares” na história do teatro francês. Este nome significa comédias compostas em imitação da comédia romana e que respeitam as regras formais, em oposição a piadas, sotties, moralidades e outros jogos teatrais da época designada pelo mesmo termo de “comédia”, que incluiu no vocabulário atual todos os felizes terminando performances (e que todos serão proibidos sob este nome por decreto do Parlamento de Paris de 1588 a 1594).
Além disso, da mistura de Stuffing with Morality nasceu Sottie, que, sob o reinado de Luís XII em particular, recorda a antiga comédia ateniense, pelo menos por malícia e ousadia de dizer tudo.
A comédia sombria no declínio na França a partir de meados do século XVI
Em meados do século XVI, o mistério (isto é, o gênero teatral de maior prestígio) é proibido. De fato, a Igreja agora acredita que a fé deve ser o trabalho dos instruídos, não dos atores (o teatro está na lista negra da Igreja que o acusa de mentir sobre a realidade). Assim, apesar de alguma resistência, o teatro afunda em declínio. Será necessário aguardar uma redefinição desta arte para que seja necessária novamente a consistência.
Comédia na Europa sob o renascimento
Durante o Renascimento, escritores de toda a Europa queriam retornar às fontes do teatro e à comédia latina apropriada. O termo “comédia” é uma comédia inspirada na comédia latina e que respeita suas regras formais, ao mesmo tempo em que se opõe a várias formas de comédias medievais.
No século 15 (na Itália), os primeiros modelos apareceram na comédia “regular”, seguida do século 16 pelo Aretino, Maquiavel (Mandrake) e Trissino. Muito em breve, destaca-se a comédia italiana, com Giordano Bruno (o candelabro) e Ruzzante, que disca nas cenas populares do dialeto paduan e encontra seu estilo na improvisação da commedia dell’arte.
Comédia italiana
A comédia italiana, do século XVI, vê surgir a commedia dell’arte que suplanta a comédia regular; sua influência será considerável na evolução das técnicas teatrais.
Comédia shakespeariana e elizabetana
Na Inglaterra, no final do século XVI, a comédia elisabetana, alimentada por observações, é dominada por Shakespeare, mas também é bem-sucedida em Ben Jonson, Francis Beaumont e John Fletcher, Thomas Middleton e Thomas Dekker.
A comédia elisabetana tinha um significado muito diferente da comédia moderna. Uma comédia de Shakespeare é aquela que tem um final feliz, geralmente envolvendo casamentos entre personagens não casados, e um tom e estilo que é mais leve do que outras partes de Shakespeare.
A comédia espanhola
A Idade de Ouro Espanhola (Siglo de Oro em espanhol) é o período de influência cultural da Espanha na Europa do século XVI ao XVII. É um período de grande vitalidade literária e artística na Espanha e nos países de língua espanhola da América Latina.
A comédia espanhola do final do século XVI (principalmente comedia), implementa todos os tipos de intriga com Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Moreto y Cabaña, Fernando de Rojas, e abre com Pedro de Alarcón, a “comédia”. de caráter “, que irá inspirar diretamente Pierre Corneille (com o mentiroso em 1652).
Comédia na Espanha procura cativar a imaginação pelo interesse romântico da trama, ao invés da verdade do coração humano. O personagem desaparece e é absorvido na paixão dominante. A imaginação prevalece e também a paixão.
O teatro está desconfortável com a plausibilidade do romance e a verdade do personagem. Um jovem amor cavaleiro e o jovem doña de quem ele é apaixonado são encenados; eles são separados por todo tipo de obstáculos, pais inflexíveis, um guardião ciumento, rivais ferozes, a distância das fileiras; Através dos incidentes de uma complicada intriga, seguimos com interesse curioso as artimanhas e esforços pelos quais os dois amantes se esforçam para se juntar.
Considerado por muitos como a maior obra escrita em espanhol, Dom Quixote é um dos primeiros romances publicados na Europa. Este romance, como o mundo em que vive seu autor, Miguel de Cervantes, está na fronteira entre a Idade Média e os tempos modernos. O segundo volume é publicado em 1615, um ano antes da morte do autor. Dom Quixote é tanto um romance medieval – um romance de cavalaria – e um romance da então nascente. O livro é uma paródia das maneiras medievais e o ideal cavalheiresco e uma crítica das estruturas sociais de uma rígida sociedade espanhola vivida como um absurdo. Dom Quixote é um marco importante na história literária, e as interpretações que damos são múltiplas, puras, sátiras sociais, análises políticas.
Contemporâneo Cervantes, o dramaturgo Lope de Vegais famoso por seus dramas, especialmente aqueles baseados na história do país. Nas centenas de peças que escreveu, Lope de Vega adotou, como Cervantes, uma abordagem cômica, transformando, por exemplo, uma peça moral convencional em um trabalho humorístico e cínico. Seu principal objetivo é distrair seu público. A mistura que ele faz de elementos morais, comédia, drama e gênio popular faz dele um primo de Shakespeare, a quem ele é freqüentemente comparado, e do qual ele é contemporâneo. Como crítico da sociedade, Lope de Vega ataca, assim como Cervantes, muitas das antigas instituições do país, incluindo a aristocracia, o cavalheirismo, a rigidez dos costumes … Esses dois escritores constituem uma alternativa artística ao ascetismo de Francisco Zurbarán. século, as peças “capa e espada” de Lope de Vega misturando aventuras, intrigas românticas e comédias influenciam seu herdeiro literário, Pedro Calderón de la Barca.
Comédia na Inglaterra no século XVII
Carlos II apreciou as comédias da Restauração.
A comédia da Restauração refere-se ao tipo de comédias escritas e executadas desde a Restauração Inglesa (1660) até o início do século XVIII. Após a proibição de apresentações teatrais públicas impostas por 18 anos pelo regime puritano de Cromwell, a reabertura dos cinemas em 1660 marca o renascimento do teatro inglês. Se o começo desse período é perfeitamente definido pela ascensão ao trono de Carlos II, sua data final é bastante vaga. No entanto, excede em muito a morte de Carlos II em 1685, que marca o sentido estrito do fim da Restauração, e invade os reinados de Jacques II para Guilherme III e até de Ana Ire.
Renovação da Comédia na França no século XVII
Implementação do teatro clássico no início do século XVII
Na França, no início do século 17 aparece várias novidades. De fato, a profissão de comediante, mesmo que seja desprezada pela Igreja e parte da opinião, fascina cada vez mais. E as mulheres podem finalmente subir ao palco.
Em 1629 aparece Melite de Pierre Corneille, ele chamou na primeira edição da “peça cômica” e não comédia, nova forma de “comédia romântica” baseada no coração do coração partido e uma nova concepção de diálogo teatral que ele próprio descreverá trinta anos depois a “conversa de pessoas honestas”, longe das formas cômicas conhecidas como farsa e comédia italiana.
Em 1630, o teatro é reconhecido como uma arte oficial por Richelieu. E a regra de três unidades é recomendada em 1630 na Carta ao drama de John Capelão, conselheiro do Cardeal Richelieu. Regentando grande parte da linguagem teatral da época, eles são característicos do que mais tarde foi chamado de teatro clássico. Eles são introduzidos em 1634 na obra-prima de Jean de Mairet, Sophonisbe.
Por volta de 1640 a 1656, a comédia de capa e espada está em voga na França. Ele será substituído por tragic-comédia galante.
O Abade de Aubignac desempenha um papel importante, porque em A Prática do Teatro 14 em 1657 ele analisa o antigo teatro e o teatro contemporâneo e desenha princípios que constituem as bases do teatro clássico com o domínio das três unidades: o domínio do teatro. decoro, que obriga a representar no palco apenas aquilo que não vai chocar o público.
Neste século dominado pelo classicismo, a distinção entre gêneros teatrais é clara: tragédia e comédia têm suas próprias características, que um autor deve respeitar (há, no entanto, algumas formas “misturadas”: O Cid, Pierre Corneille, é, portanto, uma tragicomédia). Quanto à tragédia, a comédia clássica francesa deve obedecer à regra de três unidades.
A comédia, Louis XIV
No século XVII, na corte do rei Luís XIV, que atua como patrono, Molière inventou com a comédia-ballet de Jean-Baptiste Lully em 1661, e ele freqüentemente usa o burlesco no teatro de 1662 em The School for Wives.
Mesmo que o clero seja em sua maioria hostil ao teatro e considere que os atores devem ser excomungados, Corneille e Molière conseguem se impor. Corneille voltou-se para a escrita da tragédia, enquanto Molière (apesar de sua preferência pela tragédia) passou a escrever comédia; a menos que seja Corneille quem tenha escrito tudo no lugar de Molière (veja a paternidade das obras de Molière).
A França, superada pela Itália e pela Espanha em seu renascimento literário, começa por tomá-los como modelos. É isso que Molière faz a princípio, antes de se diferenciar (“Molière se apropria muito das cenas do italiano e do espanhol, a tela e os personagens de suas primeiras comédias, ele começa copiando modelos estrangeiros, antes de se tornar original”).
Depois de ter sido inspirada pela farsa e pela Commedia dell’arte (que será encontrada no médico voador), Molière reinventa a Comédie de Caractère, na Escola de Mulheres em 1662 (encontramos a Comédia de caráter em George Dandin ou o confuso Mari, O Misanthrope, o Misericordioso …), e reinventa a Comédia dos costumes em Doctor, apesar de si mesmo, em 1666. Assim, Molière fez do teatro de comédia uma arte em si e não mais como um sub -Gênero comparado com a tragédia.
A comédia romântica
As fábulas de La Fontaine continuam uma tradição medieval francesa, histórias em quadrinhos e costumes sociais de sátira, cujos atores são personificações de animais, como a Roman Renart, onde encontramos a anedota do “Corvo e Raposa” com a moral definida no adágio, ou como Marie de França onde encontramos a primeira versão do “Lobo e o Cordeiro”.
La Fontaine também fez um trabalho de tradução e adaptação de textos antigos, como as Fábulas de Esopo (por exemplo “A Cigarra e a Formiga”), Phèdre, Abstémius, mas também textos de Horácio, de Livy (“os membros e os estômago “), apócrifos letras de Hipócrates (” Demócrito e os Abderitians “), e muitos outros, eles constituem uma soma da cultura clássica latina e grega, e até mesmo aberto na segunda coleção na tradição indiana.
Influência em toda a Europa ao século XVIII
As comédias de costumes e de caráter, impostas por Molière, serviram de modelo em toda a Europa, até mesmo para autores ingleses, que abandonaram a truculência e a bufonaria do teatro elisabetano para as comédias de William Congreve e também influenciaram todo o teatro. Quadrinhos europeus durante parte do século XVIII (Moratín, na Espanha; Carlo Goldoni, na Itália).
Comédia na França no século 18
No século XVIII, na França aparece teatro Copyright, como o de Marivaux e Beaumarchais. No Iluminismo, as “unidades”, reconhecidas como essenciais para o século XVII, como permitiram (segundo Boileau, entre outros) dar maior verossimilhança às partes aparecem gradualmente como algemas cujos autores procuram desfazer. Além disso, os filósofos do Iluminismo se opõem fortemente ao clero e sua atitude autoritária em relação ao teatro. Os “espíritos livres” acreditam que o teatro não é apenas um entretenimento inocente, mas também um meio educacional: Voltaire e Diderot apóiam a idéia de que a representação de vícios e virtudes pode “iluminar” os homens. Este século do Iluminismo vê a sátira (Alain René Lesage na França, Sheridan na Inglaterra) e a análise dos sentimentos (Marivaux).
Em Marivaux, os personagens não são mais tipos de quadrinhos ou heróis trágicos, mas indivíduos que lutam com perguntas sobre sua identidade. Assim, em várias comédias (por exemplo, Double Inconstancy), os personagens escondem sua identidade ao prometido, levando o traje de seu valet (ou seu próximo). Todo mundo quer conhecer sua promessa de forma mascarada – mas ele mesmo também descobriu neste jogo de máscaras. A linguagem de Marivaux transcreve os momentos de sedução entre os heróis e as interrogações dos personagens sobre seus próprios sentimentos: é a “marivaudage”.
Esta Era da Iluminação, que joga voluntariamente com emoção e emoção, cria, com Nivelle de La Chaussée, a comédia “chorosa”, ou comédia sentimental e romântica com Gotthold Ephraim Lessing, enquanto Denis Diderot saúda a comédia “Serious”, encarnada por Michel Jean Sedaine, uma contrapartida do drama burguês.
Beaumarchais, com O Barbeiro de Sevilha ou O Casamento de Figaro, dá ao personagem do criado uma importância crucial. O manobrista já era um personagem importante antes (em Molière por exemplo, com Scapin, Sganarelle, etc.), mas ele está em Beaumarchais carregando reivindicações de justiça e igualdade social. Beaumarchais é, portanto, um precursor da Revolução Francesa e a liberdade de opinião assim resumida em sua peça Le Mariage de Figaro: “Sem a liberdade de culpar, não há elogios lisonjeiros.” Ele terá um tributo no filme Beaumarchais, o insolente (com o Fabrice Luchini).
O teatro da feira (combinando comédia e farsa improvisadas), herdado do teatro italiano e da Commedia dell’arte, transforma-se numa ópera cómica (que também herda Comédie-ballet).
Comédia na França no século XIX
No século XIX, as regras do século XVII (unidades, propriedade) são permanentemente abandonadas. Os autores do romantismo querem outro teatro. Eles querem um tipo de peça capaz de encenar história e poder, em um estilo que não está mais sujeito a propriedade. Victor Hugo fala das unidades como uma “gaiola” e declara provocativamente: “Eu desloquei este grande bobo alexandrino”.
Alfred de Musset, outro autor romântico, distingue-se por desistir com rapidez suficiente para ter suas peças representadas. Após o fracasso da Noite Veneziana, ele escreveu dramas e comédias, em prosa, misturando jovens apaixonados e velhos personagens grotescos e autoritários, em vários sets, difíceis de encenar. O teatro, com Musset, é feito para ser lido (e imaginado) mais do que para ser visto.
No início do século XIX, a mímica, a pantomima e a marionete (fantoche) da cena da feira são reconstruídas e adquiriram sua forma atual. Sob o Segundo Império, o teatro da feira faz uma transformação final em vaudeville no teatro do bulevar (no qual haverá uma homenagem no filme Os Filhos do Paraíso). Confrontada com estes repertórios não literários do teatro cómico, a Comédie-Française, ainda muito jovem, consegue impor o respeito pelos padrões da dramaturgia, o que faz dela simbolicamente uma importante instituição, garante das tradições.
A comédia russa Belle Epoque
O teatro russo Belle Epoque (do final do século XIX ao início do século XX) recorre às cenas cómicas em “sério”. Assim, nas peças de Chekhov, a pintura de uma sociedade decadente, com sua galeria de personagens lamentáveis, oscila constantemente entre o grotesco e o trágico.
Comédia do século 20
Após o choque da Primeira Guerra Mundial e a ascensão do fascismo na primeira metade do século XX, aparece mais tragédia (Cocteau, Jean Anouilh, Jean Giraudoux) que a comédia e a tragédia aparecem como de mitos antigos.
Gêneros de diversificação no teatro
No século XX, o teatro toma emprestado vários canais – que os autores de hoje ainda escavam e diversificam.
Algumas partes continuam na veia da comédia dos costumes, já presente no século XVII, e que viu um renovado sucesso no final do século XIX, com Georges Feydeau e Eugène Labiche (autores do vaudeville).
Ao mesmo tempo, um teatro de “subversão” aparece: Alfred Jarry, com o rei Ubu, apresenta uma peça feita para chocar (a primeira linha é um retumbante “Merdre!”). Em uma certa proximidade com o movimento Dada ou surrealismo, este teatro rejeita qualquer psicologia de personagens para preferir uma representação grosseira, quase abstrata do homem.
Em plena Segunda Guerra Mundial, aparece o teatro do absurdo (Eugène Ionesco, Samuel Beckett): pela antiga reescrita, o objetivo é demolir os mitos tirando os mesmos heróis, os mesmos temas e degradá-los, podendo passar do registro trágico no registro de quadrinhos. Eles questionam em suas obras o caráter teatral, o tipo de peças (Ionescothus afirma que “o cômico é o outro lado do trágico”), e a própria linguagem. Gritos e respostas aparentemente sem sentido seguem um ao outro para dar uma imagem engraçada e assustadora da humanidade.A cena livre acontece em um clima de desastre, mas como as histórias em quadrinhos se misturam para superar o absurdo. Os que costumam ter reações exageradas.
O teatro do bulevar, após o Boulevard du Crime foi destruído em 1862, se torna o teatro da rua após a Segunda Guerra. Mundial
Literatura Comédia
Marcel Proust, em Em Busca do Tempo Perdido, que é um romance em quadrinhos em si, e usa formas diferentes de comédia:
Comic personagem e gestos: M eu Verdurin incorpora uma caricatura de falsa amizade, uma paródia da cultura e distinção, e Madame de Cambremer …
Comic de situação: o avô do Narrador pretende ser seu direito quando vai curar em Balbec … sem sucesso … O Sr. Legrandin usa várias estratégias para desviar a conversa do avô.
Comic de palavras: Zeugma: Madame Verdurin falando ao mesmo nome do novo Cristo …
Novas formas de
comédia No século XX, comédia diversificada em música, em filme, em televisão e em novas formas teatrais.