Visita guiada ao Museu do Louvre, Paris, França

O Louvre é o museu mais visitado do mundo e um marco histórico em Paris, França. O Museu do Louvre é um museu de arte e arqueologia parisiense localizado no antigo palácio real do Louvre. Inaugurado em 1793, é um dos maiores e mais ricos museus do mundo, mas também o mais movimentado, com quase 9 milhões de visitantes por ano. É o lar de algumas das obras de arte mais conhecidas, incluindo a Mona Lisa e a Vênus de Milo.

O Palácio do Louvre abriga o maior museu do mundo. O Musée du Louvre contém mais de 380.000 objetos e exibe 35.000 obras de arte em oito departamentos curatoriais com mais de 60.600 metros quadrados dedicados à coleção permanente. O Louvre exibe esculturas, objetos de arte, pinturas, desenhos e achados arqueológicos. O Museu do Louvre apresenta coleções muito variadas, com grande parte dedicada à arte e civilizações da Antiguidade: Mesopotâmia, Egito, Grécia e Roma. A Europa medieval e a França napoleônica também estão amplamente representadas.

O museu está instalado no Palácio do Louvre, originalmente construído no final do século XII ao século XIII sob Filipe II. Remanescentes da fortaleza medieval do Louvre são visíveis no porão do museu. A fortaleza do século XII foi ampliada e remodelada várias vezes ao longo dos séculos. Antes de abrir como museu, o rei Carlos V e Filipe II escolheram este palácio como residência, decorando-o com suas coleções de arte cada vez maiores.

Devido à expansão urbana, a fortaleza acabou por perder a sua função defensiva e, em 1546, Francisco I converteu-a na residência principal dos reis franceses. O edifício foi ampliado várias vezes para formar o atual Palácio do Louvre. Apresentando a coleção de arte do monarca francês e fruto da pilhagem realizada durante o Império de Napoleão, o Museu do Louvre foi inaugurado em 1793. Desde sua inauguração, o museu era gratuito para o público durante alguns dias da semana e foi considerado revolucionário por sua Tempo.

O Louvre tem uma longa história de conservação artística e histórica, desde o Antigo Regime até os dias atuais. Após a partida de Luís XIV para o Palácio de Versalhes no final do século XVII, ali se guarda parte das coleções reais de pinturas e esculturas antigas. Depois de ter albergado durante um século várias academias, incluindo a de pintura e escultura, bem como vários artistas alojados pelo rei, o antigo palácio real foi verdadeiramente transformado durante a Revolução num “Museu Central das Artes da República”. Foi inaugurado em 1793, exibindo cerca de 660 obras, principalmente de coleções reais ou confiscadas a nobres emigrantes ou de igrejas. Posteriormente, as coleções continuarão a ser enriquecidas por espólios de guerra, aquisições, patrocínios, legados, doações,

Em 1981, como parte de um vasto projeto que duraria até 1997 (Le Grand Louvre), o arquiteto sino-americano Ieoh Ming Pei foi contratado para projetar uma nova área de recepção e melhorar o acesso ao museu. Construída com as mesmas proporções da pirâmide de Quéops, toda de aço e vidro, é a principal porta de entrada do Louvre e oficial. A pirâmide foi inaugurada oficialmente em 30 de maio de 1989 para coincidir com o bicentenário da Revolução Francesa.

O Louvre é tão vasto que se poderia facilmente passar vários dias explorando suas exposições. Os visitantes precisarão de pelo menos meio dia para ter uma ideia geral do Louvre e ver as pinturas, esculturas e outros tipos de arte mais importantes. O museu do Louvre oferece aos hóspedes um guia de áudio com informações sobre cada uma das peças da galeria.

Departamentos
O Museu do Louvre inclui várias coleções riquíssimas de obras de arte de várias civilizações, culturas e épocas. A enorme coleção é organizada por temas em vários departamentos: um departamento de antiguidades orientais, departamento de antiguidades egípcias, departamento de antiguidades gregas e departamentos romanos e etruscos. O museu também inclui uma parte sobre a história do palácio real, incluindo o Louvre durante a Idade Média, arte islâmica, pinturas, esculturas e artes gráficas. Entre as peças mais famosas estão A Mona Lisa, A Vênus de Milo, O Escriba Agachado, A Vitória de Samotrácia e O Código de Hamurabi.

Departamento de Antiguidades Orientais

O Departamento de Antiguidades Orientais do Museu do Louvre, em Paris, data de 1881 e apresenta uma visão geral do início da civilização do Oriente Próximo e dos “primeiros assentamentos”, antes da chegada do Islã. O Departamento de Antiguidades Orientais preserva objetos de uma região localizada entre a atual Índia e o Mar Mediterrâneo (Turquia, Síria, Iraque, Líbano, Israel, Jordânia, Arábia Saudita, Irã, Afeganistão…).

É uma das três coleções mais importantes do mundo (juntamente com as do Museu Britânico e do Museu Pergamon) com mais de 150.000 objetos. O departamento apresenta 6.500 obras em cerca de trinta salas, incluindo obras-primas universais como o Código de Hamurabi ou o impressionante Lamassus do palácio de Khorsabad.

Oferece um panorama quase completo das antigas civilizações do Oriente Próximo e Médio. O desenvolvimento da coleção corresponde a trabalhos arqueológicos como a expedição de Paul-Émile Botta em 1843 a Khorsabad e a descoberta do palácio de Sargão II. Esses achados formaram a base do museu assírio, o precursor do departamento de hoje.

O museu contém exposições da Suméria e da cidade de Akkad, com monumentos como a Estela dos Abutres do Príncipe de Lagash de 2450 aC e a estela erguida por Naram-Sin, Rei de Akkad, para celebrar uma vitória sobre os bárbaros nas Montanhas Zagros . O Código de Hamurabi de 2,25 metros (7,38 pés), descoberto em 1901, exibe as Leis Babilônicas com destaque, para que nenhum homem possa alegar sua ignorância. O mural do século 18 aC da Investidura de Zimrilim e a estátua do século 25 aC de Ebih-Il encontrada na antiga cidade-estado de Mari também estão em exibição no museu.

A parte persa do Louvre contém obras do período arcaico, como a cabeça funerária e os arqueiros persas de Dario I. Esta seção também contém objetos raros de Persépolis que também foram emprestados ao Museu Britânico para sua exposição Antiga Pérsia em 2005.

O Museu Assírio do Louvre, inaugurado em 1847 e depois anexado ao Departamento de Antiguidades, é o primeiro museu do mundo dedicado a antiguidades orientais. O Departamento de Antiguidades Orientais é oficialmente criado por decreto de 20 de agosto de 1881, após as escavações de Tello e o considerável progresso na redescoberta da antiguidade oriental para a qual a seção do museu assírio contribuiu ativamente. Ao longo do século XIX e durante a primeira metade do século XX, as coleções desenvolveram-se graças às explorações e escavações realizadas por diplomatas e arqueólogos franceses no Próximo e Médio Oriente, em particular nos sítios de Khorsabad, Tello, Susa, Mari , Ugarit ou mesmo Byblos.

Destaques da coleção
Com mais de 150.000 objetos, o Departamento de Antiguidades Orientais do Museu do Louvre apresenta uma das coleções mais importantes do mundo, o que permite oferecer um dos panoramas mais completos da história antiga do Oriente Próximo e Médio. A apresentação atual do Departamento de Antiguidades Orientais articula-se em torno de três grandes áreas de coleções, distribuídas por grupos geográficos e culturais: Mesopotâmia; Irã antigo (Elam, Pérsia…) e Ásia Central; Pays du Levant.

Essas obras cobrem cerca de 8.000 anos de história em um imenso território que vai da Ásia Central à Espanha e do Mar Negro ao Oceano Índico. Desde o Neolítico, muitas culturas e civilizações sucederam-se nesta região, onde vemos em particular o aparecimento de uma administração política, militar e religiosa, ou o nascimento do Estado segundo uma fórmula comum. É também o berço da escrita, que surgiu por volta de -3300 em Uruk, na Mesopotâmia.

Pátio de Khorsabad
O pátio de Khorsabad apresenta os restos de uma gigantesca cidade construída em apenas dez anos, no final do século VIII aC. Naquela época, o norte do atual Iraque pertencia ao poderoso Império Assírio. O rei Sargão II decide construir uma nova capital em Khorsabad, perto de Mosul. Mas com a morte de seu fundador, a cidade perdeu seu status de capital. Não foi até o século 19 que os arqueólogos franceses redescobriram os restos do local. Assim nasceu o primeiro museu assírio do mundo no Louvre.

No século 8 aC, o rei Sargão II reinou sobre o Império Assírio. Para -713, ele toma uma decisão forte que deve estabelecer sua autoridade: fundar uma nova capital. Ele escolheu um vasto local no sopé do Monte, no norte do atual Iraque. Esta será Dûr-Sharrukin, a “fortaleza de Sargão”. O rei empreendeu a construção desta nova cidade que deve ser proporcional à sua onipotência. Suas dimensões excedem as maiores cidades do mundo antigo. Só o seu palácio tem 200 quartos e pátios.

Mas com a morte de Sargão II em -705, seu filho e sucessor, o rei Senaqueribe, abandonou o trabalho da cidade ainda inacabada para transferir a capital para Nínive. Sargão II foi morto em uma batalha feroz. O local gradualmente esquecido só foi encontrado em 1843, durante as escavações pioneiras realizadas por Paul-Émile Botta, vice-cônsul da França em Mossul. Este é o início da arqueologia mesopotâmica e mais amplamente oriental. Com esta descoberta reaparecem os vestígios de uma civilização esquecida.

Sob o teto de vidro do pátio, a luz brinca com as grandes placas esculpidas. Originalmente, muitos desses relevos também estavam em um pátio, mas ao ar livre. Muitos adornavam a grande corte de honra que dava acesso à sala do trono no gigantesco palácio de Sargão II. Essas lajes de alabastro cobriam a base das paredes de tijolos de barro e eram acentuadas com cores ricas, incluindo azul e vermelho. Ainda podemos ver alguns vestígios dela, especialmente na tiara (coroa real) usada por Sargão II. Os baixos-relevos representam várias cenas (caça ao arco, procissões de dignitários) que evocam a vida na corte de Sargão II e glorificam o rei. Vários painéis parecem mostrar o transporte de madeira de cedro do Líbano para a construção da nova capital.

Essa decoração suntuosa também tinha uma função mágica. Este é particularmente o caso dos espíritos protetores esculpidos nas paredes: eles deveriam vigiar a cidade e seu palácio. Eles são, portanto, representados em locais que exigem proteção especial, como portas. É por isso que as passagens são emolduradas por touros alados monumentais. Cada um foi esculpido em um único bloco gigantesco de alabastro e pesa aproximadamente 28 toneladas. Essas criaturas fantásticas, chamadas aladlammû ou lamassu, têm corpo e orelhas de touro, asas de águia e rosto humano usando uma tiara alta, semelhante às representações de Sargão II. Essa natureza híbrida, bem como os chifres duplos ou triplos, são marcas de sua divindade no mundo mesopotâmico. Combinando os poderes desses diferentes seres, seu poder protege a cidade e seu palácio de maneira benéfica.

Galeria de Angoulême
Na fileira de cinco salas com decoração neoclássica estão expostas as coleções de antiguidades orientais e, em particular, obras do Levante e do Irã antigo. Mas essas salas tinham outras funções antes de serem transformadas em salas de museus. Entre os 100.000 objetos da coleção de Antiguidades Orientais, a galeria Angoulême apresenta obras do Levante, ou seja, da atual Síria, Líbano, Israel, Jordânia e Chipre. Algumas dessas obras datam de 7000 aC. Eles estão entre os mais antigos das coleções do museu.

Descobertos principalmente durante as campanhas arqueológicas francesas, eles testemunham o refinamento artístico desta zona de intercâmbio entre o Mediterrâneo e a Ásia, onde múltiplas influências se cruzam. Esta encruzilhada entre o Egito, Mesopotâmia, Anatólia e o mundo Egeu viu o desenvolvimento de cidades prósperas como Biblos e Ugarit. Estátuas, estelas e textos mitológicos evocam o mundo religioso desses reinos cuja memória a Bíblia nos transmitiu. As caixas de marfim, taças de ouro e joias revelam sua riqueza e abundância artística.

Departamento de Artes Islâmicas

O departamento de artes islâmicas do Louvre, formado em agosto de 2003, reúne coleções que abrangem todo o mundo islâmico (área geográfica entre Espanha e Índia) desde a Hégira até o século XIX. A coleção de arte islâmica, a mais nova do museu, abrange “treze séculos e três continentes”. Essas exposições, de cerâmica, vidro, metal, madeira, marfim, carpete, têxteis e miniaturas, incluem mais de 5.000 obras e 1.000 cacos.

Originalmente parte do departamento de artes decorativas, o acervo foi separado em 2003. Entre as obras estão a Pyxide d’al-Mughira, uma caixa de marfim do século X da Andaluzia; o Batistério de Saint-Louis, uma bacia de latão gravada do período mameluco do século XIII ou XIV; e o Sudário de Saint-Josse, do século X, do Irã. A coleção contém três páginas do Shahnameh, um livro épico de poemas de Ferdowsi em persa, e uma metalurgia síria chamada Vaso Barberini.

Este departamento reúne várias joias da arte islâmica: a pyxis de al-Mughira, uma caixa de marfim espanhola datada de 968, o prato de pavão, importante cerâmica otomana e, especialmente, o batistério de São Luís, uma das peças mais famosas. e a mais enigmática de toda a arte islâmica, criada por Muhammad ibn al-Zayn no início do século XIV. Também é notável pelo importante material das escavações de Susa (atual Irã), nas quais o museu participou.

Desde 22 de setembro de 2012, as artes do Islã são exibidas no Louvre na Cour Visconti. Este espaço permite a exposição de 3.000 obras, das coleções do Louvre, mas também do museu de artes decorativas. O Cour Visconti é coberto por um véu aéreo composto por vidros de 1.600 triângulos, sobrepostos com duas camadas de alumínio de diferentes espessuras. É a maior coleção de objetos islâmicos do mundo com a do Metropolitan de Nova York.

Em setembro de 2019, um novo e aprimorado departamento de arte islâmica foi inaugurado pela princesa Lamia bint Majed Al Saud. O novo departamento exibe 3.000 peças coletadas da Espanha à Índia através da península Arábica que datam dos séculos VII a XIX.

Destaques da coleção
A coleção é composta por 16.500 obras (incluindo 3.500 depositadas pelo Musée des Arts Décoratifs), o que a torna uma das maiores do mundo com a do Metropolitan Museum de Nova York (12.000 ou 13.000 obras), e as do British Museum, o Museu V&A e o Museu Islâmico de Berlim.

As artes do Islã estão presentes nas coleções francesas há séculos. Em 2002, o presidente Jacques Chirac pede a criação de um departamento independente de artes islâmicas no Museu do Louvre. Este departamento foi criado pelo decreto de 1º de agosto de 2003. Em 2003 foi lançado um concurso para a criação dos espaços necessários. Os vencedores do concurso foram anunciados em 23 de setembro de 2005: Mario Bellini e Rudy Ricciotti, associados a Renaud Piérard . O envelope arquitetônico foi concluído em 2011.

As novas salas foram inauguradas em 18 de setembro de 2012. No total, 3.000 obras estão expostas em 3 salas que abrangem 3.000 m² de área expositiva (4.000 m² para o MET). Das janelas de algumas salas do palácio, avista-se, no coração de um dos pátios interiores, uma espantosa malha ondulante de metal dourado. Desde 2012, é aqui, numa arquitetura de vidro e luz, que se pode vir admirar a coleção de Artes Islâmicas do Louvre.

Esta estrutura de vidro e metal é obra dos arquitetos Rudy Ricciotti e Mario Bellini e do cenógrafo Renaud Piérard. Ele se encaixa no Cour Visconti, anteriormente aberto ao céu. Mas esta é apenas a parte visível: as coleções estão distribuídas em dois níveis, com dois ambientes de iluminação diferentes. O nível superior se abre como uma caixa de vidro colocada no pátio, sob um surpreendente telhado de metal corrugado. Duna de areia ou mashrabiya, todos podem dar asas à sua imaginação. Aqui, as obras são banhadas por luz natural, mas protegidas dos raios solares pela estrutura metálica.

No nível inferior, ao contrário, é o reinado da misteriosa descoberta de tesouros em uma atmosfera subjugada digna de uma caverna de Ali Baba. As obras brilham com seus materiais preciosos e suas mil cores. Eles nos transportam em várias viagens ao Oriente, entre Córdoba, Cairo, Damasco, Bagdá, Aleppo, Mossul, Istambul, Isfahan e Agra na Índia.

Descubra a variedade e o luxo desses objetos que pertenceram a califas, sultões ou príncipes. O Museu do Louvre descobre a inventividade e a excelência dos artistas através das cerâmicas brilhantes, às vezes com reflexos dourados ou em azul chinês, as bacias e vasos de metal incrustados de ouro e prata, os marfins delicadamente esculpidos. O Museu do Louvre também mergulha no fascinante mundo das paisagens, jardins, cenas da vida em palácios, através das obras-primas da pintura em miniatura, sedas ou tapetes. As soberbas lâmpadas de vidro esmaltado levam-nos às mesquitas do Cairo e aos azulejos coloridos da cerâmica de Iznik, aos monumentos de Istambul ou Ispahan.

Departamento de Antiguidades Egípcias

O Departamento de Antiguidades Egípcias do Louvre é um departamento do Louvre que é responsável por artefatos das civilizações do Nilo que datam de 4.000 aC até o século IV. A coleção, composta por mais de 50.000 peças, está entre as maiores do mundo, visões gerais da vida egípcia abrangendo o Egito Antigo, o Império Médio, o Novo Reino, a arte copta e os períodos romano, ptolomaico e bizantino. O Departamento de Antiguidades Egípcias do Museu do Louvre mantém uma das principais coleções egiptológicas do mundo fora do território egípcio, junto com o Museu Egípcio de Turim e o Museu Britânico e, no Egito, o Museu Egípcio do Cairo.

As origens do departamento estão na coleção real, mas foi aumentada pela viagem expedicionária de Napoleão em 1798 com Dominique Vivant, o futuro diretor do Louvre. Depois que Jean-François Champollion traduziu a Pedra de Roseta, Carlos X decretou a criação de um departamento de antiguidades egípcias. Champollion aconselhou a compra de três coleções, formadas por Edmé-Antoine Durand, Henry Salt e Bernardino Drovet; essas adições adicionaram 7.000 obras. O crescimento continuou por meio de aquisições de Auguste Mariette, fundador do Museu Egípcio no Cairo. Mariette, após as escavações em Memphis, enviou de volta caixotes de achados arqueológicos, incluindo The Seated Scribe.

Guardada pela Grande Esfinge (c. 2000 aC), a coleção está alojada em cerca de 30 quartos. Os acervos incluem arte, rolos de papiro, múmias, ferramentas, roupas, joias, jogos, instrumentos musicais e armas. Peças do período antigo incluem a Faca Gebel el-Arak de 3400 aC, O Escriba Sentado e a Cabeça do Rei Djedefre. A arte do Império Médio, “conhecida por seus trabalhos em ouro e estátuas”, passou do realismo à idealização; isto é exemplificado pela estátua de xisto de Amenemhatankh e o Portador de Oferendas de madeira. As seções do Novo Reino e do Egito Copta são profundas, mas a estátua da deusa Nephthys e a representação em calcário da deusa Hathor demonstram o sentimento e a riqueza do Novo Reino.

A coleção abrange todas as eras da antiga civilização egípcia, desde a época de Nagada até o Egito romano e copta. Atualmente, as Antiguidades Egípcias estão espalhadas por três andares da ala Sully do museu, em cerca de trinta salas no total: no mezanino, encontramos o Egito Romano e o Egito Copta; no térreo e no primeiro andar, Egito faraônico.

As coleções egípcias se estendem por 2 andares. Na primeira, uma apresentação do cotidiano dos egípcios através de salas temáticas, na segunda, uma apresentação cronológica do antigo Egito desde o período pré-dinástico até o período ptolomaico. As salas do Museu Carlos X acolhem notavelmente o final da apresentação cronológica das Antiguidades Egípcias do Louvre: o Novo Império, o Terceiro Período Intermediário, o Período Tardio e o Período Ptolomaico.

Destaques da coleção
Atualmente, as Antiguidades Egípcias estão distribuídas em três andares: no mezanino, Egito Romano e Egito Copta; no térreo e no primeiro andar, Egito faraônico. Entre as exposições mais famosas estão a faca Gebel el-Arak e a paleta de caça do período Nagada. A peça principal que ilustra a arte do período Thinite é a estela do Rei Serpente.

A arte do Império Antigo inclui obras-primas como as três estátuas de Sepa e sua esposa Nesa datadas da Terceira Dinastia, o famoso Escriba Agachado, provavelmente datado da Quarta Dinastia, bem como a estatueta de calcário pintada representando Raherka e sua esposa Merseânkh . A capela da mastaba de Akhethotep, desmontada de seu local original em Saqqara e remontada em uma das salas do térreo, é um exemplo de arquitetura funerária que data da V Dinastia.

O Império Médio estende-se por volta de -2033 a -1786, correspondendo à XI dinastia (-2106 a -1963), que viu o país reunificado por volta de -2033 por Montouhotep II e à XII dinastia (-1963 a -1786) , idade de ouro do Império Médio. Este período é representado principalmente no Louvre por obras que datam da XII dinastia. Para o Império Médio, destaca-se a grande estátua de madeira representando o Chanceler Nakhti bem como o seu sarcófago, um belíssimo portador de oferendas em madeira estucada e pintada, uma grande verga de porta em pedra calcária esculpida em relevo na cavidade e proveniente do templo de Montou em Médamoud, a esfinge de Amenemhat II (obras todas da XII dinastia).

Para o Novo Império, destacamos o busto de Akhenaton datado da XVIII dinastia, bem como a estatueta policromada que o representa com sua esposa Nefertiti, obras que ilustram as particularidades da arte de Amarna; existem também várias grandes obras das 19ª e 20ª dinastias (que são as dos Ramessides) com particular destaque para o relevo pintado representando Hathor dando as boas-vindas a Seti I e vindo do túmulo do faraó no Vale dos Reis, o anel de cavalos e a bacia do sarcófago de Ramsés III.

Da Época Tardia e do período ptolomaico, o museu exibe em particular o pendente com o nome de Osorkon II, obra-prima da ourivesaria antiga, a estatueta de Taharqa e o deus Hémen (bronze, grauvaque e ouro), a estatueta de bronze com incrustações representando o adorador divino de Amon Karomama, uma estátua de bronze de Hórus, o famoso zodíaco de Dendera, bem como vários retratos do Fayoum do romano.

Cripta da esfinge
Uma estranha criatura, metade humana metade animal, parece guardar a entrada das coleções egípcias. Do fundo de sua cripta, corpo de leão e rosto de rei, a grande esfinge de Tanis recebe o visitante com sua figura enigmática. Anuncia uma vasta jornada de mais de 6.000 obras cobrindo quase 5.000 anos de história egípcia.

No térreo da ala Sully, dezenove salas compõem o roteiro temático. No primeiro andar da ala Sully, onze salas compõem o itinerário cronológico, com uma divisão entre o espaço para exposição de grandes obras e galerias de estudo mais densas.

As primeiras salas evocam os principais aspectos da civilização egípcia, como a importância do Nilo e sua inundação anual que permite a agricultura. A capela da mastaba de Akhethotep permite ver a monumentalidade da arquitetura egípcia. Uma sala é dedicada aos hieróglifos e então descobrimos o cotidiano dos egípcios, seus ofícios, seus móveis, seus ornamentos e suas roupas. O salão do templo, então a coleção de sarcófagos, lembra o lugar central da religião e dos ritos funerários na civilização egípcia.

No primeiro andar, oferece-se uma abordagem histórica e artística desta civilização. Desta vez, trata-se de descobrir a evolução cronológica da arte egípcia ao longo de quase 5.000 anos. O visitante cruza notavelmente o famoso olhar do Escriba Agachado ou pode admirar as estátuas de reis e rainhas como Sesostris III, Ahmes Nefertari, Hatshepsout, Amenophis III, Nefertiti e Akhenaton ou Ramsés II.

O Egito é conhecido por nós hoje, em grande parte graças aos seus túmulos, sua decoração e seus móveis. Sob o Império Antigo (2700-2200 aC), a comitiva do rei foi autorizada a construir sepulturas ricas chamadas mastaba. Esses edifícios maciços incluem uma câmara funerária no fundo de um poço onde a múmia do falecido é colocada em seu sarcófago. Acima deste poço, na superestrutura, encontra-se uma capela na qual se realizava o culto funerário.

Comprada do governo egípcio em 1903, a capela mastaba de um certo Akhetep foi reconstruída pedra por pedra no museu. No interior, encontramos os baixos-relevos pintados e legendados com inscrições hieroglíficas. Uma verdadeira mina de informações sobre a vida cotidiana dos antigos egípcios, a vida camponesa no vale do Nilo, o trabalho de campo de acordo com as estações do ano. Entre as exposições mais famosas estão a faca Gebel el-Arak e a paleta de caça do período Nagada. A peça principal que ilustra a arte da era Thinita é a Estela do Rei Serpente.

Departamento de antiguidades gregas, etruscas e romanas

O departamento está distribuído em três andares: no mezanino pré-clássico da Grécia; no piso térreo, a Grécia clássica e helenística, bem como antiguidades romanas; no primeiro andar, que pode ser acessado pela escadaria Daru onde fica a Vitória Alada de Samotrácia, as coleções etruscas (salas 660, 662, 663), a cerâmica grega exposta na Galeria Campana, as estatuetas de terracota, os bronzes e objetos de valor .

A coleção da Grécia Antiga
Após uma grande reforma, o Museu do Louvre abre ao público novas salas dedicadas à arte grega clássica e helenística (-450/-430). Como resultado desse trabalho, a Vênus de Milo, uma das obras mais conhecidas do museu, fica no térreo do canto sudoeste da Cour Carrée (ala Sully).

Entre as obras mais famosas expostas no departamento estão, para a Grécia, a Dama d’Auxerre, o cavaleiro Rampin, os dinossauros da Górgona Pintora, as métopas do templo de Zeus em Olímpia, a Vênus de Milo, a Vitória de Samotrácia , numerosas cópias romanas após originais gregos perdidos, como o Apolo sauroctoniano de Praxíteles, a Vênus de Arles, o Ares Borghese, a caçadora Diana conhecida como Diana de Versalhes ou o Gladiador Borghese. Na cerâmica encontramos em particular importantes vasos assinados pelos pintores Exekias e Euphronios.

Para a arte etrusca, as peças principais são a fíbula de ouro e os dosséis de Chiusi, o sarcófago dos Esposos de Cerveteri e os pinakes pintados chamados “placas Campana”. Para a arte romana, encontramos a base do grupo estatuário de Domício Ahenobarbo, o Apolo de Piombino, o Vaso Borghese, a estátua funerária de Marcelo em Hermes, o retrato de Agripa do tipo Gabies, numerosos retratos de imperadores, em particular de Augusto, Trajano, Adriano e Septímio Severo, o sarcófago de Tessalônica, bem como o tesouro de Boscoreale.

A coleção de arte grega pertence ao departamento de Antiguidades Gregas, Etruscas e Romanas, que está distribuído em três andares: no mezanino da Grécia pré-clássica; no piso térreo, a Grécia clássica e helenística, bem como antiguidades romanas; no primeiro andar, que pode ser acessado pela escadaria Daru onde fica a Vitória Alada de Samotrácia, as coleções etruscas (salas 660, 662, 663), a cerâmica grega exposta na Galeria Campana, as estatuetas de terracota, os bronzes e objetos de valor .

O departamento grego, etrusco e romano exibe peças da bacia do Mediterrâneo que datam do Neolítico ao século VI. A coleção abrange desde o período das Cíclades até o declínio do Império Romano. Este departamento é um dos mais antigos do museu; começou com arte régia apropriada, algumas das quais adquiridas por Francisco I. Inicialmente, a coleção concentrava-se em esculturas de mármore, como a Vênus de Milo’. Obras como o Apollo Belvedere chegaram durante as Guerras Napoleônicas, mas essas peças foram devolvidas após a queda de Napoleão I em 1815. No século 19, o Louvre adquiriu obras como vasos da coleção Durand, bronzes como o Vaso Borghese da Bibliothèque nationale .

O arcaico é demonstrado por joias e peças como a pedra calcária Senhora de Auxerre, de 640 aC; e a cilíndrica Hera de Samos, c. 570-560 aC. Após o século 4 aC, o foco na forma humana aumentou, exemplificado pelo Gladiador Borghese. O Louvre possui obras-primas da era helenística, incluindo A Vitória Alada de Samotrácia (190 aC) e a Vênus de Milo, símbolo da arte clássica. A longa Galerie Campana exibe uma notável coleção de mais de mil cerâmicas gregas. Nas galerias paralelas ao Sena, grande parte da escultura romana do museu é exibida. O retrato romano é representativo desse gênero; exemplos incluem os retratos de Agripa e Annius Verus; entre os bronzes está o grego Apolo de Piombino.

A coleção de antiguidades da Grécia
O início da arte da Grécia pré-clássica é representado essencialmente no departamento por estatuetas de terracota do período neolítico (6500-3200 aC) produzidas na Tessália. O arquipélago das Cíclades, notadamente em Kéros, Naxos (variedade conhecida como “de Spedos”), é representado por estatuetas e vasos de mármore do início da Idade do Bronze (3200-2000 aC).

Algumas peças testemunham a civilização minóica ((2000 – 1400 aC) incluindo um fragmento de afresco (cabeça feminina de perfil, Festos) que lembra as decorações palacianas da época em Knossos. A civilização micênica (2000 -1050 aC) está essencialmente representada aqui por material funerário, incluindo uma carruagem de terracota (grande) testemunhando o uso de carruagens de combate por guerreiros micênicos.

O Período Geométrico da Grécia, que vai de aproximadamente 900 a 700 aC, é aqui representado por cerâmicas com padrões geométricos que podem incluir figuras humanas ou representações estilizadas de animais. Depois virão os períodos orientalizante e arcaico.

Coleção Grécia Clássica e Helenística
Esta seção reúne a Vênus de Milo, a Vitória Alada de Samotrácia e numerosas cópias romanas após originais gregos perdidos, como o Apolo sauroctoniano de Praxíteles, a Vênus de Arles, o Ares Borghese, a caçadora de Diana conhecida como Diana de Versalhes ou o Borghese Gladiador.

O governo francês, organizou a expedição Morea em 1828. Inspirado na expedição científica da campanha egípcia de 1798, decidiu-se acrescentar ao envio das tropas um grupo de estudiosos. O Senado grego, reunido em Argos em 1829, doou à França elementos de seis metopes do Templo de Zeus em Olímpia.

Coleção de cerâmica grega
Com mais de 13.000 obras, é a coleção mais rica do mundo. Na cerâmica, em particular importantes vasos assinados pelos pintores Exekias e Euphronios.

A Galeria de Antiguidades
Em vez dos antigos aposentos reais, a Galerie des Antiques do Louvre recebe os visitantes em busca de obras-primas da escultura grega, talvez a mais famosa delas seja a Vênus de Milo. Junto com a Mona Lisa e a Vitória de Samotrácia, ela é uma das três grandes damas do Museu do Louvre. Seu nome vem da ilha grega de Milo, onde foi descoberto em 1820. Adquirido quase imediatamente pelo Marquês de Rivière, então embaixador francês na Grécia, foi oferecido ao rei Luís XVIII. O soberano, por sua vez, ofereceu ao Louvre em março de 1821.

Como é o caso de certas estátuas antigas, a Vênus de Milo é composta por vários blocos de mármore de Paros. Seu corpo foi esculpido em duas partes: a conexão entre o busto e as pernas é pouco visível nos quadris, pois está escondida no drapeado. Os braços também foram esculpidos e depois ligados ao busto, como evidencia o orifício de fixação ao nível do ombro esquerdo. Outras esculturas da sala mostram o sistema de conexão dos blocos esculpidos separadamente e depois montados.

No momento de trazê-lo para o Louvre, foi planejado que os braços perdidos fossem restaurados. Mas a ideia acaba por ser abandonada para não distorcer a obra. Essa ausência de armas dificulta a identificação da estátua: os deuses gregos são frequentemente reconhecíveis por objetos ou elementos naturais, chamados atributos, que seguram em suas mãos. No momento de sua descoberta, portanto, hesite na identidade da deusa.

Acredita-se que a Vênus de Milo represente Afrodite, a deusa grega do amor, cuja contraparte romana era Vênus. A escultura às vezes é chamada de Afrodite de Milos, devido à imprecisão de nomear a escultura grega em homenagem a uma divindade romana (Vênus). Alguns estudiosos teorizam que a estátua realmente representa a deusa do mar Anfitrite, que era venerada na ilha em que a estátua foi encontrada.

Quando a Vênus de Milo entrou no Louvre em 1821, foi o início de uma série de inúmeras mudanças. Muito logicamente, foi colocado pela primeira vez na galeria de Antiguidades, na sala que ocupa hoje. Pode-se vir admirar a Vênus de Milo em uma grande sala onde ela está quase sozinha, no final de uma longa fila. A rica decoração em mármore vermelho data da época de Napoleão I, no início do século XIX.

Escadas Daru
No topo da escadaria Daru ergue-se a Vitória de Samotrácia, uma das estátuas mais famosas mantidas no Museu do Louvre. Este cenário espetacular foi cuidadosamente pensado para destacar esta obra-prima da arte grega helenística. Escultura antiga e arquitetura moderna fazem desta escadaria um dos lugares emblemáticos do museu.

Ela parece estar flutuando no ar! A Vitória de Samotrácia é uma das raras estátuas gregas cuja localização original é conhecida com precisão. Foi feito como uma oferenda aos deuses para o santuário na ilha grega de Samotrácia. Colocado em altura, deve ser possível vê-lo de longe. É isso que esta encenação no topo da escada de Daru quer evocar. Nike, a deusa alada da Vitória, é agarrada no momento em que pousa no navio.

A Vitória Alada de Samotrácia, ou Nike de Samotrácia, é um monumento votivo originalmente encontrado na ilha de Samotrácia, ao norte do Mar Egeu. É uma obra-prima da escultura grega da era helenística, datada do início do século II aC. É composto por uma estátua representando a deusa Niké (Vitória), cuja cabeça e braços estão faltando, e sua base em forma de proa de navio.

A altura total do monumento é de 5,57 metros incluindo o soco; a estátua sozinha mede 2,75 metros. A escultura é uma de um pequeno número de grandes estátuas helenísticas sobreviventes no original, em vez de cópias romanas. A Vitória Alada está exposta no Museu do Louvre, em Paris, no topo da escadaria principal, desde 1884. A estátua, em mármore branco de Paris, representa uma mulher alada, a deusa da Vitória (Nikè), pousando na proa de um navio de guerra.

O Nike está vestido com uma túnica longa (chitôn) de tecido muito fino, com aba dobrada e cinto sob o peito. Foi preso aos ombros por duas tiras finas (a restauração não é precisa). A parte inferior do corpo é parcialmente coberta por um manto grosso enrolado na cintura. voa livremente nas costas. O manto está caindo, e só a força do vento o segura na perna direita. O escultor multiplicou os efeitos dos drapeados, entre os lugares onde o tecido é revestido contra o corpo revelando suas formas, principalmente na barriga, e aqueles onde se acumula em dobras profundamente escavadas projetando uma sombra forte, como entre as pernas.

A deusa avança, apoiando-se na perna direita. A deusa não está andando, ela estava terminando seu vôo, suas grandes asas ainda abertas para trás. Os braços desapareceram, mas o ombro direito levantado indica que o braço direito foi levantado para o lado. Com o cotovelo dobrado, a deusa fez de sua mão um gesto vitorioso de salvação. Todo o corpo está inscrito em um triângulo retangular, uma figura geométrica simples, mas muito sólida: era necessário sustentar tanto as formas preenchidas da deusa, o acúmulo de cortinas e a energia do movimento.

A coleção de antiguidades romanas
As antiguidades romanas no primeiro andar, a que se pode aceder pela escadaria Daru onde se ergue a Vitória Alada de Samotrácia, as colecções etruscas (salas 660, 662, 663), as cerâmicas gregas expostas na Galeria Campana, as estatuetas em terracota, as bronzes e objetos de valor. A longa Galerie Campana exibe uma notável coleção de mais de mil cerâmicas gregas. Nas galerias paralelas ao Sena, grande parte da escultura romana do museu é exibida. O retrato romano é representativo desse gênero; exemplos incluem os retratos de Agripa e Annius Verus; entre os bronzes está o grego Apolo de Piombino.

As antiguidades romanas pertencem ao Departamento de Antiguidades Gregas, Etruscas e Romanas do Louvre é um dos oito departamentos do Museu do Louvre. Abriga uma das maiores e mais famosas coleções de arte antiga do mundo. O departamento grego, etrusco e romano exibe peças da bacia do Mediterrâneo que datam do Neolítico ao século VI. A coleção abrange desde o período das Cíclades até o declínio do Império Romano.

Este departamento é um dos mais antigos do museu; começou com arte real apropriada, algumas das quais adquiridas por Francisco I. Inicialmente, a coleção se concentrava em esculturas de mármore, como a Vênus de Milo. Obras como o Apollo Belvedere chegaram durante as Guerras Napoleônicas, mas essas peças foram devolvidas após a queda de Napoleão I em 1815. No século 19, o Louvre adquiriu obras como vasos da coleção Durand, bronzes como o Vaso Borghese da Bibliothèque nationale .

O departamento abriga mais de 80.000 obras da antiguidade etrusca, grega e romana, tornando-se uma das coleções mais ricas do mundo. Em particular, existem mais de 5.000 esculturas antigas e mais de 13.000 cerâmicas gregas. No total, são apresentados 6.000 trabalhos em 50 salas e 9.400 m2.

No Louvre, as coleções de antiguidades gregas e romanas foram gradualmente instaladas. Luís XIV colocou pela primeira vez parte de sua coleção na Salle des Cariatides em 1692. Em 1798, novas antiguidades chegaram após as campanhas italianas. A Galerie des Antiques foi então criada nos antigos apartamentos de Ana da Áustria. Mais tarde, em 1807, Napoleão I comprou a coleção de seu cunhado, o príncipe Camille Borghese. O Imperador mandou então ampliar a Galeria de Antiguidades, utilizando as salas contíguas que hoje abrigam, entre outras obras-primas, a Vênus de Milo.

Quando o Primeiro Império caiu em 1815, muitas estátuas foram devolvidas ao seu país de origem. Mas obras-primas antigas ainda são exibidas nessas salas cerimoniais que agora são dedicadas às coleções romanas: primeiro estátuas e relevos de mármore ou bronze, depois pinturas murais de Pompéia. Aqui você pode admirar obras desde o final da República Romana, com o chamado relevo de Domício Enobarbo, até os imperadores filósofos do século II, Adriano e Marco Aurélio.

Os Apartamentos de Ana da Áustria
As coleções de antiguidades romanas localizadas nos primeiros apartamentos de verão de Ana da Áustria, mãe de Luís XIV. então Galeria de Antiguidades por vontade de Napoleão Bonaparte em 1800, essas salas mantiveram seus tetos originais. Rainha Ana da Áustria, mãe de Luís XIV, com a morte de seu marido Luís XIII em 1643, ela assumiu a regência por um tempo. Ela é então alojada no apartamento que tem sido o das rainhas desde Catarina de Médici no século XVI.

As obras do resplandecente foram confiadas ao arquiteto Louis Le Vau. Ele se dedicou ao Palácio de Versalhes. A decoração é obra do pintor Giovanni Francesco Romanelli e do escultor Michel Anguier. Os dois artistas são inspirados em palácios italianos, como o Palácio Farnese, em Roma, ou o Palácio Pitti, em Florença. Antigos deuses e deusas misturam-se com alegorias das estações, elementos, estrelas e virtudes e personagens bíblicos para celebrar a rainha-mãe.

Após a Revolução Francesa de 1789, os antigos aposentos reais foram gradualmente transformados em museu. Este apartamento é ideal para acomodar todas as coleções de esculturas antigas trazidas da Itália. O arquiteto Jean-Arnaud Raymond dirigiu a obra da nova “Galerie des Antiques” de 1798 a 1800. Derrubou paredes e portas para abrir as salas umas às outras e criou pórticos de colunas e grandes arcadas para dar ainda mais majestade ao longa fila.

Departamento de Esculturas

O departamento de escultura é um dos oito departamentos do Museu do Louvre. Abriga uma das mais importantes coleções de esculturas do mundo e a mais rica coleção de obras francesas. O departamento de escultura abriga mais de 6.000 obras, incluindo a maior coleção de escultura francesa do mundo. Ao todo, mais de 2.000 obras são apresentadas em 67 salas distribuídas em dois pátios (8.500 m2 no total).

O Louvre tem sido um repositório de material esculpido desde seu tempo como palácio; no entanto, apenas a arquitetura antiga foi exibida até 1824. O departamento de escultura consiste em obras criadas antes de 1850 que não pertencem ao departamento etrusco, grego e romano. Nos seus primórdios, o museu exibia apenas esculturas antigas, sendo as únicas exceções as duas estátuas de escravos de Michelangelo. A galeria Angoulême foi inaugurada em 1824, com cinco salas dedicadas a obras que vão do Renascimento ao século XVIII. A partir de 1850 foi acrescentada a escultura medieval, mas só em 1893 é que o Departamento de Esculturas tornou-se autónomo e deixou de estar ligado ao de Antiguidades.

Inicialmente, a coleção incluía apenas 100 peças, estando o restante da coleção de esculturas reais em Versalhes. Permaneceu pequeno até 1847, quando Léon Laborde recebeu o controle do departamento. Laborde desenvolveu a seção medieval e comprou as primeiras estátuas e esculturas da coleção, King Childebert e porta stanga, respectivamente. A coleção fazia parte do Departamento de Antiguidades, mas ganhou autonomia em 1871 sob Louis Courajod, um diretor que organizou uma representação mais ampla das obras francesas. 

Em 1986, todas as obras pós-1850 foram transferidas para o novo Musée d’Orsay. O projeto do Grande Louvre separou o departamento em dois espaços expositivos; a coleção francesa está exposta na Ala Richelieu e as obras estrangeiras na Ala Denon. Entre as modificações recentes, o agrupamento de todas as estátuas criadas para o parque do Château de Marly, em particular as grandes estátuas equestres devidos a Antoine Coysevox e Guillaume Coustou. A escultura francesa, espalhada por várias salas em torno de dois pátios cobertos, está localizada na ala Richelieu, enquanto a escultura italiana e espanhola, bem como a das escolas do norte, está exposta na ala Denon, no térreo.

Destaques da coleção
A visão geral da coleção de escultura francesa contém obras românicas, como o Daniel do século 11 na cova dos leões e a Virgem de Auvergne do século 12. No século XVI, a influência renascentista fez com que a escultura francesa se tornasse mais contida, como visto nos baixos-relevos de Jean Goujon e na Descida da Cruz e Ressurreição de Cristo de Germain Pilon. Os séculos XVII e XVIII são representados pelo Busto do Cardeal Richelieu, de Gian Lorenzo Bernini, de 1640, Mulher, Banho e Amor Menaçant, de Étienne Maurice Falconet, e os obeliscos de François Anguier. As obras neoclássicas incluem Psyche Revived by Cupid’s Kiss (1787), de Antonio Canova. Os séculos XVIII e XIX são representados por escultores franceses como Alfred Barye e Émile Guillemin.

Entre os artistas expostos, além dos muitos anônimos (especialmente para a Idade Média), notamos, para a escultura francesa, grandes obras de Jean Goujon, Germain Pilon, Pierre Bontemps, Pierre Puget, Antoine Coysevox, François Girardon, os irmãos Coustou, Jean-Baptiste Pigalle, Edmé Bouchardon, Etienne-Maurice Falconet, Augustin Pajou, Jean-Antoine Houdon, François Rude, David d’Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, para escultura italiana, também bem representada, notamos obras por Donatello, Desiderio da Settignano, Francesco Laurana, Andrea della Robbia, Michelangelo, Benvenuto Cellini, Giambologna, Le Bernin e Antonio Canova, bem como François Duquesnoy para Flandres.

O pátio de Marly
Sob os telhados de vidro de Cours Marly e Puget, é onde estão localizadas as obras-primas da escultura francesa. As estátuas reunidas no Louvre eram muitas vezes projetadas para o exterior, em particular para os jardins dos palácios de Versalhes ou das Tulherias. O castelo de Marly foi a residência de prazer do rei Luís XIV, o castelo de Marly e seu parque desapareceram, algumas de suas esculturas foram preservadas. Depois de uma estadia em vários espaços públicos em Paris, eles agora estão bem abrigados, sob o teto de vidro da Cour Marly.

A ala Richelieu (a ala norte que faz fronteira com a rue de Rivoli) é a mais recente na longa história da construção do Louvre. Foi construído sob Napoleão III e abrigou por mais de um século, de 1871 a 1989, o Ministério das Finanças. Depois que o ministério partiu para Bercy, no leste de Paris, as salas foram atribuídas ao museu e inauguradas em 1993.

Quando os arquitetos Ieoh Ming Pei e Michel Macary começaram a modernizar o Museu do Louvre, os dois pátios ainda estavam abertos para o céu. Os arquitetos o viram como o local ideal para abrigar as esculturas que adornavam jardins ou praças públicas. Um sistema de terraços destaca as obras em diferentes níveis e oferece perspectivas variadas, enquanto as claraboias proporcionam uma iluminação ideal. Um engenhoso sistema de brise-soleil de alumínio atua como regulador de luz, acústico e térmico.

No topo do pátio erguem-se as obras mais emblemáticas, os Cavalos de Marly. Antoine Coysevox, um dos escultores favoritos de Luís XIV, criou esses dois grupos monumentais para a glória do Rei Sol. Pegasus, o cavalo alado da mitologia greco-romana, é montado pela alegoria da Fama, que proclama as vitórias militares do rei, e por Mercúrio, o deus romano do comércio, que encarna a prosperidade. Vinte anos depois, Luís XV, por sua vez, estabeleceu-se em Marly e encomendou novas obras de Guillaume Coustou para substituir as que haviam sido removidas. O escultor compete com seu antecessor para dar ainda mais dinamismo a esses cavalos vigorosos.

O pátio de Puget
O Cour Puget tem o nome de Pierre Puget, um dos grandes escultores do reinado de Luís XIV e abriga suas obras-primas, Perseu e Andrômeda e Milo de Crotone, feitas para os jardins de Versalhes. A expressividade, o dinamismo e a força dramática dessas esculturas são características da arte barroca. O Cour Puget permite viajar através dos séculos e ver a evolução da escultura, do século XVII ao XIX.

As esculturas do século XVII provêm de monumentos reais em grande parte destruídos. Eles adornavam as grandes praças reais, como a Place Vendôme ou a Place des Victoires, em Paris, e proclamavam a glória do soberano. As obras do século XVIII provêm de jardins. Naquela época, adorávamos temas leves tratados em estilo delicado e elegante, como a Marquesa de Pompadour, favorita de Luís XV, representada como uma alegoria da Amizade. Por fim, o Cour Puget apresenta um panorama da escultura ao ar livre da primeira metade do século XIX, desde obras neoclássicas produzidas sob Napoleão I até estátuas românticas como o furioso Roland de Duseigneur, em estilo lírico e ardente.

Galeria Michel-Ange
Sob as amplas abóbadas da galeria estão preservadas obras-primas da escultura italiana, incluindo os famosos escravos de Michelangelo. Por quase três séculos, os escultores competiram genialmente para trazer à luz os sentimentos da alma humana. Construída entre 1854 e 1857, esta galeria tem sobretudo uma função prática: é o acesso oficial à Salle des Etats onde se realizaram as principais sessões legislativas do Segundo Império. É também o local de exposição das esculturas do Salão, este grande evento artístico da época que apresentava o trabalho de artistas vivos.

Hector Lefuel é inspirado no trabalho de seu antecessor, o arquiteto Pierre Fontaine. Este último trabalhou no Louvre ao longo dos diferentes regimes políticos, ao longo da primeira metade do século XIX. Seus layouts na Salle des Cariatides e na Galerie d’Angoulême inspiraram Lefuel com as amplas abóbadas das galerias Michelangelo e Daru, bem como o piso de mármore em cores diferentes. Aqui, a luz é natural. Ele vem das amplas baias abertas em ambos os lados da galeria. Esta iluminação, que não seria adequada para pinturas, destaca particularmente as esculturas em mármore branco, mas também as em bronze ou terracota.

A galeria Michelangelo apresenta hoje um panorama da escultura italiana do século XVI ao século XIX. Deve o seu nome ao artista florentino Michelangelo. De longe, antes mesmo de entrar na galeria, avista-se o homem conhecido como O Escravo Agonizante, ampliado pelo jogo de perspectiva. Atrás dele está um portal monumental, decorado com as figuras de Hércules e Perseu, que vem do palácio Stanga di Castelnuovo, em Cremona. Sua forma lembra o antigo modelo do Arco do Triunfo.

Depois vem Flying Mercury de Jean Bologna, conhecido como Giambologna, um escultor nascido na Flandres que fez sucesso em Florença. Também podemos ver Mercúrio raptando Psique de seu pupilo Adriaen de Vries. Antes de sair da galeria, os visitantes podem admirar Psique revivida pelo beijo do Cupido por Canova. Este trabalho é um exemplo particularmente virtuoso do trabalho em mármore. O artista restaura perfeitamente a suavidade da carne e o impulso.

O Salão das Cariátides
A Sala das Cariátides é provavelmente um dos mais belos testemunhos arquitetônicos do Louvre renascentista. 1528. O rei François I decide escolher o Louvre para torná-lo sua residência principal em Paris. Mas para dar a este antigo castelo defensivo o esplendor e luxo que era capaz de admirar nos palácios italianos. Ele nomeou o arquiteto Pierre Lescot à frente deste colossal local em 1546. O salão de baile dos reis da França marca o início deste novo estilo artístico em Paris. E desde o século XVII, abriga uma prestigiosa coleção de esculturas antigas sob suas amplas abóbadas.

As quatro cariátides que sustentam a galeria dos músicos lhe deram o nome. Estas colunas em forma de figuras femininas são obra do escultor Jean Goujon, em 1550. Esta obra está em total sintonia com as preocupações do Renascimento que se inspira na Antiguidade. Aqui, o artista reinterpreta um monumento do século II aC: o fórum do imperador Augusto em Roma. A sala das Cariátides teve múltiplas funções e em particular a de salão de baile. Foi também palco de grandes eventos históricos, como a cerimônia fúnebre após o assassinato de Henrique IV em 1610. Foi aqui novamente que Molière se apresentou pela primeira vez antes de Luís XIV dar Le Dépit amour, depois L’Etourdi e Les Précieuses Ridículo.

A partir de 1692, começaram a ser expostas esculturas da coleção de Luís XIV. É então chamado de quarto das Antiguidades. Em 1806, Napoleão I o anexou à Galerie des Antiques, que ele havia organizado nas salas adjacentes pelos arquitetos Charles Percier e Pierre Fontaine (veja a Salle de la Vénus de Milo e os Appartements d’Anne d’Ecosse). Estes últimos dirigem a finalização da decoração da sala das Cariátides: os arcos da abóbada são esculpidos e a lareira reconstruída em torno das duas figuras alegóricas de Jean Goujon.

Hoje, o Salão das Cariátides abriga obras-primas das coleções de esculturas gregas e, mais particularmente, representações dos deuses, deusas e heróis da mitologia. Algumas das obras mostradas aqui são, na verdade, cópias romanas em mármore de um original grego em bronze. Este é particularmente o caso da graciosa Ártemis com uma corça, no centro da sala. Este mármore data do século II dC e usa um modelo criado por volta de 330 aC. Também é chamada de Diana de Versalhes porque adornou por muito tempo a Sala dos Espelhos do Palácio de Versalhes.

No Louvre, as coleções de antiguidades gregas e romanas foram gradualmente instaladas. Luís XIV teve parte de sua coleção instalada pela primeira vez na Salle des Cariatides em 1692. A partir de 1798, novas antiguidades chegaram seguindo as campanhas italianas. A Galerie des Antiques foi então criada nos antigos apartamentos de Ana da Áustria. Mais tarde, em 1807, Napoleão I comprou a coleção de seu cunhado, o príncipe Camille Borghese. O Imperador mandou então ampliar a Galeria de Antiguidades, utilizando as salas contíguas que hoje abrigam, entre outras obras-primas, a Vênus de Milo.

Departamento de Artes Decorativas

O Departamento de Objetos de Arte do Museu do Louvre é um dos departamentos mais ricos do museu, constantemente ampliado por doações e compras. Há joias, estatuetas e bijuterias, mas também móveis e tapeçarias. Os objetos cobrem um período desde a Alta Idade Média até meados do século XIX. A coleção, uma das mais belas do mundo, inclui mais de 24.163 obras no total, das quais 8.500 estão expostas em 96 salas, algumas das quais são obras-primas em si (Galerie d’Apollon, Appartements Napoléon III).

Este departamento foi criado em 1893, quando foi separado do de Esculturas. A coleção Objets d’art abrange desde a Idade Média até meados do século XIX. O departamento começou como um subconjunto do departamento de escultura, baseado na propriedade real e na transferência de trabalho da Basilique Saint-Denis, o cemitério dos monarcas franceses que detinham a Espada da Coroação dos Reis da França. De valor excepcional, esses objetos e móveis são provenientes das coleções reais, dos antigos tesouros de Saint-Denis e da Ordem do Espírito Santo, bem como da transferência para o Louvre, em 1901, do antigo Musée du Mobilier National.

A isto juntaram-se, desde o início, múltiplas doações e compras. Entre as obras mais premiadas da nova coleção estavam vasos pietre dure e bronzes. A aquisição da coleção Durand em 1825 acrescentou “cerâmica, esmaltes e vitrais”, e 800 peças foram dadas por Pierre Révoil. O início do Romantismo reacendeu o interesse pela arte renascentista e medieval, e a doação de Sauvageot expandiu o departamento com 1.500 obras de meia-idade e faiança. Em 1862, a coleção Campana acrescentou joias de ouro e majólicas, principalmente dos séculos XV e XVI.

As coleções do departamento de obras de arte estão no 1º andar do museu, na ala Richelieu, nas alas norte e noroeste da Cour Carrée, bem como no 1º andar da ala Denon (galeria da Apollo) . A ala Richelieu já abrigou o Ministério da Fazenda, que se mudou para Bercy, foi convertida em salas de exposições e inaugurada em 18 de novembro de 1993. A Galeria Apollo no primeiro andar da Ala Richelieu, nomeada pelo pintor Charles Le Brun, que foi encomendada pelo Luís XIV (o Rei Sol) para decorar o espaço com um tema solar.

A coleção medieval contém a coroa de coroação de Luís XIV, o cetro de Carlos V e o vaso de pórfiro do século XII. O acervo de arte renascentista inclui o bronze de Giambologna Nessus e Deianira e a tapeçaria Maximillian’s Hunt. De períodos posteriores, os destaques incluem a coleção de vasos de Sèvres de Madame de Pompadour e os apartamentos de Napoleão III.

Janeiro de 2000, novas salas dedicadas a obras de arte do século XIX estão abrindo suas portas nos antigos escritórios do Ministério das Finanças de Napoleão III, elevando o número de itens inventariados no departamento para 20.000. Em setembro de 2000, o Museu do Louvre dedicou a Galeria Gilbert Chagoury e Rose-Marie Chagoury para exibir tapeçarias doadas pelos Chagourys, incluindo uma suíte de tapeçaria de seis partes do século XVI, costurada com fios de ouro e prata representando divindades do mar, que foi encomendada em Paris para Colbert de Seignelay, Secretário de Estado da Marinha.

Em 2005, a seção do departamento de Objetos de Arte do Louvre dedicada ao reinado de Luís XIV e ao século XVIII foi fechada para reforma, originalmente por uma questão de atualização do sistema elétrico que deveria durar 2 anos. 6 de junho de 2014, após 9 anos e um orçamento de 26 milhões de euros, 33 novas salas com mais de 2.000 objetos foram reabertas, grande parte das quais foram projetadas como salas de época apresentando móveis franceses do reinado de Luís XIV até aquele de Luís XVI.

A coleção de arte foi reconstituída graças às contribuições do Palácio das Tulherias e do Château de Saint-Cloud na forma de móveis e outros objetos decorativos, seguidos pelo Mobilier nacional de obras-primas da marcenaria e da tapeçaria de origem real.

Destaques da coleção
Existem 4 grupos de coleções no departamento: as coleções da Idade Média, as coleções do Renascimento e da primeira metade do século XVII, as coleções da segunda metade dos séculos XVII e XVIII e as coleções do século XIX . XIX (incluindo os apartamentos de Napoleão III).

A apresentação nas salas das colecções da segunda metade dos séculos XVII e XVIII foi dividida em três grandes sequências cronológicas e estilísticas: 1660-1725: o reinado pessoal de Luís XIV e a Regência (salas 601 a 606); 1725-1755: o florescimento do estilo rococó (salas 605, 607 a 615); 1755-1790: o regresso ao classicismo e o reinado de Luís XVI (quartos 616 a 632).

Esta nova apresentação das coleções permite mostrar a marcenaria de vários salões de mansões particulares, remontar a cúpula dos Petits-Appartements do Hôtel du Prince de Condé feita por Antoine-François Callet em 1774 e apresentar móveis de André – Charles Boulle, Martin Carlin, Mathieu Criaerd, Alexandre-Jean Oppenord.

O teto do salão do pavilhão de Beauvais (sala 605) foi pintado por Carolus Duran. Durante a reforma de 2006-2014, foi instalado um teto pintado por Giovanni Scajario, a cúpula Toilette de Vénus de Antoine-François Callet foi remontada do Palais-Bourbon e as tapeçarias de Noël Coypel foram afixadas. Os quartos estão decorados com móveis Boulle, que requerem manutenção e renovação intensiva.

Na época do rei Luís XIV, depois Luís XV e Luís XVI, o modo de vida francês se desenvolveu. As residências reais viram seu layout mudar. Desde 1682, o Tribunal está oficialmente instalado em Versalhes. Mas o Rei Sol continua a se mover entre Fontainebleau, Compiègne ou Marly. E em cada residência, a decoração e os móveis devem estar de acordo com os padrões de seus prestigiosos ocupantes.

Esta foi a época em que as grandes fábricas estavam crescendo: Les Gobelins e Beauvais para tapeçaria, Sèvres para porcelana, La Savonnerie para tapetes, mas também as muitas oficinas de Lyon especializadas em trabalhos de seda… ou Riesener. Para atender a forte demanda, fábricas e oficinas criaram para a Corte móveis preciosos, grandes serviços cerimoniais, instrumentos científicos refinados, até pequenos objetos do cotidiano.

Imerso na atmosfera única que reinava nas grandes residências do século XVIII, parisienses ou provincianas, reais ou privadas. A maioria dos quartos é baseada na combinação de decorações, móveis e objetos de diferentes castelos ou mansões. Os visitantes podem reunir vários elementos de um mesmo conjunto, como é o caso do grande salão do Château d’Abondant, o do hotel do financista Marquet de Peyre em Paris ou o gabinete turco do conde d’ Artois, irmão de Luís XVI, no Palácio de Versalhes.

Galeria Apollo
Foi na Galerie d’Apollon que Luís XIV pela primeira vez associou seu poder real à divindade do sol. Para realizar esta obra-prima da decoração arquitetônica, combinando pintura, escultura e douração, cercou-se dos maiores artistas que trabalharam, alguns anos depois, no Palácio de Versalhes, na Sala dos Espelhos. Hoje, a Galeria de Apolo abriga a coleção real de gemas e os diamantes da Coroa.

Em 6 de fevereiro de 1661, as chamas devastaram a suntuosa Petite Galerie, que datava do reinado de Henrique IV. Seu neto, Luís XIV, imediatamente começou a reconstruir uma galeria ainda mais bonita, e confiou a obra ao arquiteto Louis Le Vau. Aos 23 anos, o jovem rei acaba de escolher o sol como seu emblema. Este será, portanto, o tema da nova galeria que leva o nome do deus grego da luz e das artes, Apolo. A Galeria Apollo é o primeiro exemplo de uma galeria real, a Galerie d’Apollon tornou-se o local de experimentos estéticos e arquitetônicos. Vinte anos depois, servirá de modelo para um dos símbolos do classicismo francês: a Sala dos Espelhos do Palácio de Versalhes.

O Primeiro Pintor do Rei, Charles Le Brun, foi o responsável pelo desenho da decoração e cercou-se dos melhores artistas para criá-la. No Louvre, Charles Le Brun adorna a abóbada da galeria com pinturas representando a corrida de Apolo em sua carruagem pelo céu. A viagem do deus sol marca assim as diferentes horas do dia, da aurora à noite. Em torno deste eixo central, as representações e símbolos de tudo o que é influenciado pelas variações da luz e do calor benéfico da estrela solar (as horas, os dias, os meses, as estações, mas também os signos do zodíaco ou as continentes) formam um todo cósmico. Este cenário repleto de pinturas e esculturas materializa o poder do sol que rege todo o universo. Através de Apollo, a galeria exalta a glória do Rei Sol.

A galeria está inacabada até dois séculos depois, em 1850, que a decoração foi finalizada, sob a direção de Félix Duban. Eugène Delacroix foi contratado para criar uma obra de 12 metros de largura para adornar o centro do teto, Apollo conquistando a serpente Python, um verdadeiro manifesto pictórico do romantismo. A decoração também se completa nas paredes onde tapeçarias mostram os retratos de 28 soberanos e artistas que, ao longo dos séculos, construíram e embelezaram o palácio.

No Louvre, que depois se tornou um museu, a Galeria Apollo apresenta a suntuosa coleção de joias reunidas pelos reis da França. Essas obras esculpidas em minerais preciosos (ágata, ametista, lápis-lazúli, jade, sardônia ou cristal de rocha) e realçadas por cenários geralmente espetaculares são objetos de grande luxo, apreciados desde a Antiguidade. Luís XIV tinha uma verdadeira paixão por gemas: sua coleção contava com cerca de 800 peças.

O tesouro dos reis da França também consiste nos famosos diamantes da Coroa. A pedra mais antiga é a chamada espinélio da Côte-de-Bretagne, que entrou no tesouro graças à rainha Anne da Bretanha. Três diamantes históricos, o Regente, o Sancy e o Hortensia, adornaram as roupas ou coroas dos soberanos. Também são preservados ornamentos espetaculares criados no século XIX, como os de esmeraldas e diamantes da imperatriz Marie-Louise.

Apartamentos Napoleão III
Durante o Segundo Império, o Louvre era um palácio, a atmosfera muda completamente. Dourados, veludos, pinturas e estuques decoram os salões e as salas de jantar para proporcionar um cenário sumptuoso para todo o tipo de recepções. Jantares sociais ou bailes de máscaras, festas faziam parte do estilo de vida da alta sociedade do Segundo Império. E no Ministro de Estado, não é raro ver o casal imperial entre os convidados.

O imperador Napoleão III reservou parte da nova ala Richelieu para seu ministro: o primeiro andar, lado Cour Napoléon. O Ministro tem pequenos apartamentos onde reside com a família: quartos de tamanho modesto, que evocam o interior de um rico burguês. Esta parte privada sem adornos é seguida por grandes apartamentos cerimoniais.

O Grand Salon é de longe a sala mais espetacular dos apartamentos. Chama-se sala de teatro, e por uma boa razão: pode ser transformada em palco de teatro. O Grand Salon foi então reorganizado para acomodar até 250 convidados. E se o show exigir músicos, um pequeno estande é especialmente montado acima do palco para acomodá-los.

Depois do Ministro de Estado do Segundo Império (1852-1870), estes apartamentos foram atribuídos ao Ministério das Finanças. Será assim até 1989. É nesta data que o Palácio do Louvre se torna inteiramente um museu. Desde 1993, estas salas estão abertas ao público. Admire essas decorações preservadas quase intactas por quase 150 anos.

Departamento de Pinturas

O Departamento de Pintura conta atualmente com cerca de 7.500 pinturas (das quais 3.400 estão em exposição), abrangendo um período da Idade Média a 1848 (data do início da Segunda República). Incluindo os depósitos, o acervo é, com 12.660 obras, o maior acervo de pinturas antigas do mundo. Com raras exceções, obras posteriores a 1848 foram transferidas para o Musée d’Orsay quando foi criado em 1986.

Escola Francesa de Pintura
Grande parte das pinturas mantidas no museu são obras de pintores franceses, o que faz do Louvre uma espécie de templo da pintura francesa até o século XIX: cada século é representado por obras importantes e muitas vezes únicas. A coleção de pintura francesa pertence ao Departamento de Pintura, que é um dos oito departamentos que compõem o Museu do Louvre. Grande parte das pinturas guardadas no museu, e é uma das maiores e mais famosas coleções do mundo.

Exemplificando a Escola Francesa estão os primeiros Avignon Pietà de Enguerrand Quarton; a pintura anônima do rei Jean le Bon (c. 1360), possivelmente o retrato independente mais antigo da pintura ocidental a sobreviver da era pós-clássica; Louis XIV de Hyacinthe Rigaud; A Coroação de Napoleão, de Jacques-Louis David; A Balsa da Medusa, de Théodore Géricault; e Liberty Leading the People, de Eugène Delacroix. Nicolas Poussin, os irmãos Le Nain, Philippe de Champaigne, Le Brun, La Tour, Watteau, Fragonard, Ingres, Corot e Delacroix estão bem representados.

As coleções são provenientes da coleção dos reis da França, iniciada em Fontainebleau por François I. Eles foram constantemente enriquecidos durante o Ancien Régime por compras e doações, e assim permaneceram sob a Revolução e o Império (apreensões revolucionárias, conquistas de Napoleão) , enquanto o Museu do Louvre foi criado em 1793. Assim, pinturas francesas da Academia Real de Pintura e Escultura, principalmente as peças de recepção dos artistas, foram apreendidas já na Revolução antes de retornar ao Louvre vários anos depois.

Exibidas pela primeira vez na Grande Galerie e no Salon Carré, as pinturas foram mais amplamente exibidas na Cour Carrée, nas imediações dos alojamentos dos artistas. No século XIX, os aumentos vieram de compras de coleções particulares (acervo do Marquês de Campana) e doações (acervo do Doutor La Caze, 1869). Em 1986, quando o Musée d’Orsay foi inaugurado, as coleções posteriores a 1848 deixaram o departamento. A Coleção de Pintura Francesa agora localizada principalmente na ala Denon, as pinturas são apresentadas em ordem cronológica.

O Louvre é o templo da pintura francesa, a preservação de um grande número de pinturas conhecidas inclui diferentes épocas e gêneros até o século XIX. Cada século é representado por obras importantes e muitas vezes significativas para a história da arte. É o caso do Retrato de João II, o Bom, de meados do século XIV, o mais antigo retrato independente conservado desde a Antiguidade. Do século XV, o museu preserva em particular a Pietà de Villeneuve-lès-Avignon de Enguerrand Quarton e o Retrato de Carlos VII de Jean Fouquet, primeiro retrato onde o assunto é pintado de frente e não mais de perfil. Para o século XVI, a Escola de Fontainebleau, que então dominava a paisagem artística, está muito presente nas coleções,

O século XVII ou Grand Siècle, período de crescimento e emancipação da pintura francesa, apresenta uma imensa coleção pontuada por várias obras-primas como L’Enlèvement des Sabines e Et in Arcadia ego de Poussin, pintor do qual são apresentadas quarenta obras, O Trapaça com o Ás de Ouros de Georges de La Tour ou o Retrato de Luís XIV de Hyacinthe Rigaud. Além destes pintores, Valentin de Boulogne, Simon Vouet, os irmãos Le Nain, Philippe de Champaigne, Claude Lorrain, Eustache Le Sueur, Laurent de La Hyre, Sébastien Bourdon e Charles Le Brun também estão particularmente bem representados.

Para o século 18, o museu possui nada menos que treze obras de Antoine Watteau, incluindo Pierrot e Le Pèlerinage à l’île de Cythère, vinte e cinco pinturas de Fragonard (incluindo Le Verrou), trinta de Chardin (incluindo La Raie), vinte e dois de François Boucher ou mesmo vinte e seis pinturas de Hubert Robert. Há também, para este período, muitas obras de Nicolas de Largillierre, Nicolas Lancret, Jean-Baptiste Oudry, Jean-Marc Nattier, Claude Joseph Vernet, Jean-Baptiste Greuze, Élisabeth Vigée Le Brun e Pierre-Henri de Valenciennes.

Por fim, o período napoleônico e a primeira metade do século XIX constituem a jóia suprema da coleção: encontramos para esses períodos obras-primas como Le Sacre de Napoléon de David, Le Radeau de la Méduse de Géricault, La Liberty Leading the People de Delacroix ou La Grande Odalisque de Ingres. O museu também exibe um grande número de obras importantes desses pintores.

O museu também preserva obras de Pierre-Paul Prud’hon, Girodet-Trioson, François Gérard, Antoine-Jean Gros, Louis-Léopold Boilly, Alexandre-Gabriel Decamps, Eugène Isabey, Théodore Chassériau, Hippolyte Flandrin, Théodore Rousseau, Jean-François Milletand a maior coleção do mundo de pinturas de Camille Corot com cerca de 81 pinturas.

O quarto de Molien
A cor das paredes deu nome a estas enormes salas que abrigam as maiores telas do Louvre: você pode admirar algumas das obras-primas da pintura francesa do século XIX, de David a Delacroix. Jacques-Louis David, Théodore Géricault, Eugène Delacroix… Os maiores nomes da pintura francesa convivem nestas paredes.

Originalmente, as Salas Vermelhas foram construídas durante as grandes obras de expansão do Louvre realizadas por Napoleão III. A decoração vermelha e dourada, característica do esplendor que o imperador quis dar ao museu, foi criada em 1863 pelo pintor Alexandre Dominique Denuelle. A cor vermelha destaca as pinturas onde os tons marrons muitas vezes dominam. Em primeiro lugar, estão penduradas as obras de mestres franceses dos séculos XVII e XVIII. Os grandes formatos do dia 19 só farão sua entrada mais tarde.

Ao lado de retratos famosos, como Madame Récamier de David ou Mademoiselle Rivière de Ingres, as pinturas são sobretudo pinturas históricas. Desde o século XVII, este gênero pictórico é considerado o mais importante e prestigioso da França. As obras servem à história, seja moderna (Les Batailles de Napoléon, de Gros), antiga, mitológica (Aurore et Céphale, de Guérin) ou bíblica (Le Déluge, de Girodet). Alguns artistas escolhem temas considerados exóticos, A Morte de Sardanapalus, de Delacroix, ou ainda, mais raramente, eventos atuais cujo alcance é apenas aparentemente anedótico, como A Balsa da Medusa, de Géricault.

Jacques-Louis David pintou a Coroação do Imperador Napoleão I e Coroação da Imperatriz Josefina na Catedral de Notre-Dame de Paris em 2 de dezembro de 1804. Com 6 metros de altura, a tela tem quase 10 metros de comprimento, o espectador ficará impressionado e a ilusão de participando pessoalmente da cerimônia. Esse é o efeito produzido pelos grandes formatos, essas gigantescas pinturas históricas. Até Napoleão I exclamou “Andamos nesta pintura” diante da pintura da Coroação pintada por David.

Liberty Leading the People é a obra mais famosa de Delacroix. Seu tema: “Les Trois Glorieuses”, estes três dias revolucionários de julho de 1830 durante os quais o povo parisiense se levantou contra o rei Carlos X. Esta pintura que combina alegoria e evento histórico é bem conhecida, é hoje um modelo de liberdade e lutas pela liberdade. Delacroix representa o povo de Paris atravessando uma barricada. No topo de sua composição, acampa uma mulher, meio deusa antiga, meio mulher do povo, que lidera a multidão brandindo a bandeira tricolor. É liberdade. A combinação das cores azul, branco e vermelho é repetida várias vezes na tabela.

A Galeria Médici
Na Galerie Médicis está exposta uma das maiores decorações pintadas de um palácio parisiense. Esta vasta sala foi especialmente projetada para acomodar as enormes pinturas de Rubens que formam o Ciclo de Marie de Médicis. Restaura os esplendores da galeria cerimonial que a rainha, ao retornar do exílio, encenou em seu Palácio de Luxemburgo.

A série de pinturas de Marie de Medici pendia de uma galeria muito mais estreita do que esta. O estilo é barroco, com composições variadas e abundantes. Das cortinas às nuvens, tudo é paixão e movimento. Os corpos dos personagens, redondos e cheios, com tez perolada parecem rodopiar em um tumulto de cores. E apesar desta profusão e desta variedade, todas as pinturas permanecem harmoniosas.

Percorrido por um sopro barroco, o ciclo mistura com grande liberdade cenas históricas e figuras alegóricas, o realismo dos retratos e a inventividade dos personagens mitológicos. Convoca divindades greco-romanas e referências cristãs para glorificar a rainha. Em L’Instruction de la Reine, por exemplo, Minerva, a deusa das Artes e das Ciências, e Mercúrio, mensageiro dos deuses, participam de sua educação como futura soberana.

Escola de Pintura Italiana
A coleção de pintura italiana é notável, particularmente a coleção renascentista. A coleção de pintura italiana pertence ao Departamento de Pintura, que é um dos oito departamentos que compõem o Museu do Louvre. É uma das maiores e mais famosas coleções do mundo. As coleções do departamento de pintura são especializadas em arte europeia do século XIII ao final do século XIX.

As pinturas italianas compõem a maioria dos remanescentes das coleções de Francisco I e Luís XIV, outras são obras de arte não devolvidas da época de Napoleão e algumas foram compradas. A coleção de pintura italiana começou com Francisco, que adquiriu obras de mestres italianos como Rafael e Michelangelo e trouxe Leonardo da Vinci para sua corte. As obras incluem o Calvário de Andrea Mantegna e Giovanni Bellini, que refletem realismo e detalhes “destinados a retratar os eventos significativos de um mundo espiritual maior”.

A pintura italiana está abundantemente representada, com cerca de 1.100 obras, das quais 600 estão em exposição permanente. Entre estes estão muitas obras-primas dos maiores pintores, incluindo o que é provavelmente a pintura mais famosa do mundo, A Mona Lisa de Leonardo da Vinci. O Louvre conserva ainda outras quatro obras da mão do grande mestre renascentista, com destaque para São João Batista e A Virgem, o Menino Jesus e Santa Ana.

A coleção da Alta Renascença inclui Mona Lisa de Leonardo da Vinci, Virgem e o Menino com Santa Ana, São João Batista e Madona das Rochas. A coleção barroca inclui A Continência de Cipião, Susana e os Velhos, Baco e Ariadne, Marte e Vênus, de Giambattista Pittoni, e outros Caravaggio é representado por A cartomante e Morte da Virgem. Da Veneza do século XVI, o Louvre exibe Le Concert Champetre de Ticiano, O enterro e A coroação de espinhos.

A coleção de pintura renascentista italiana inclui obras de Cimabue (Maestà), Lorenzo Monaco (Le Christ au jardin des Oliviers), Giotto di Bondone, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Pisanello, Filippo Lippi, Sandro Botticelli (especialmente os afrescos de Villa Lemmi), Luca Signorelli, Antonello da Messina (especialmente Le condottiere), Vittore Carpaccio, Giovanni Bellini, Domenico Ghirlandaio, Andrea Mantegna, sete pinturas de Pérugin…

Dez de Rafael, incluindo o Retrato de Baldassare Castiglione, quatorze de Ticiano, incluindo The Country Concert, cerca de quinze pinturas de Veronese, incluindo as Bodas de Caná, outras de Tintoret (incluindo seu Auto-Retrato), de Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Lorenzo Lotto, The Corrège, Pontormo, Agnolo Bronzino, Parmigianino, Arcimboldo ou Federico Barocci.

Para o século XVII, há obras de todos os grandes pintores, a começar por Caravaggio, três das quais estão guardadas no museu (A cartomante, A Morte da Virgem e o Retrato de Alof de Wignacourt), vários Annibale Carracci, além de Guido Reni, Guercino, Dominiquin, Pierre de Cortona, Salvator Rosa e Luca Giordano.

O século XVIII italiano também está bem representado em sua diversidade, com destaque para as escolas venezianas e romanas. A seção inclui obras de pintores como Giambattista Pittoni (Baco e Ariadne, A Continência de Cipião, Cristo Dando as Chaves do Paraíso a São Pedro, Marte e Vênus, Polixena diante do Túmulo de Aquiles, Susana e os Anciãos, Túmulo alegórico do Arcebispo John Tillotson), vedute de Canaletto e Francesco Guardi, pinturas de Giambattista Tiepolo et de son fils Giandomenico, Sebastiano Ricci, Francesco Solimena, Giovanni Paolo Pannini.

Salle des États
Construída entre 1855 e 1857 pelo arquiteto Hector Lefuel, a Salle des Etats abrigou as principais sessões legislativas do Segundo Império. É daí que vem o seu nome. A decoração desejada por Napoleão III é imponente e suntuosa, com suas abóbadas pintadas que proclamam a glória do Império. Após a queda do imperador, a sala foi transferida para o Museu do Louvre para abrigar pinturas francesas do século XIX. No início da Terceira República, o arquiteto Edmond Guillaume transformou a sala para adaptá-la a essa nova função: as janelas foram fechadas para deixar mais espaço para as pinturas e um telhado de vidro foi perfurado no teto para fornecer iluminação limitou as reflexões. Após a Segunda Guerra Mundial, as pinturas de pintores franceses foram substituídas nas paredes por pinturas venezianas.

Ticiano, Tintoretto, Veronese… Os maiores pintores venezianos competem entre si através de suas obras deslumbrantes. O monumental Casamento de Veronese em Caná ocupa toda a parede voltada para a Mona Lisa. Outras pinturas famosas o cercam: The Country Concert de Titian and his Man with a Glove, o esboço de fogo feito por Tintoretto para A Coroação da Virgem também chamado Paraíso, um projeto para uma enorme decoração na sala do Grande Conselho no Palácio Ducal, retratos sublimes, como Une patricienne de Venise, conhecida como La Belle Nani de Veronese… e tantos outros. Cores e luzes testemunham o virtuosismo dos artistas venezianos do Renascimento.

É na Salle des Etats que está exposta a pintura mais famosa do mundo: A Mona Lisa. Esta vasta sala, a maior do museu, pode acomodar muitos visitantes. Desde 2005, a Mona Lisa fica sozinha no centro da sala, atrás de uma janela que a protege. Esta apresentação excepcional atende aos requisitos de segurança, mas também às necessidades de conservação. O famoso sorriso enigmático de Monna Lisa não deixou de seduzir durante séculos. Um de seus primeiros admiradores foi o rei Francisco I. Este último, que convidou Leonardo da Vinci para a França, comprou-lhe a pintura em 1518. Foi assim que a obra entrou para as coleções reais que estão expostas no Louvre desde a Revolução.

É o retrato mais famoso do mundo, o de Monna Lisa, esposa do comerciante de tecidos florentino Francesco del Giocondo, apelidado de “Gioconda” afrancesada La Joconde. Pintada em frente a uma paisagem distante, a Mona Lisa nos olha com seu lendário sorriso nos lábios. Mas, além de sua expressão, é a técnica do sfumato que lhe confere essa presença particular: Leonardo da Vinci sobrepôs finas camadas de tinta para criar formas enquanto atenua contornos e contrastes. O artista captura o momento em que Monna Lisa se volta para o espectador. É esse movimento tão natural que dá uma impressão de vida à pintura.

Aqui também são apresentadas outras obras conhecidas da escola veneziana, como As Bodas de Caná, de Veronese. Esta obra foi produzida por Veronese para o refeitório do mosteiro de San Giorgio Maggiore em Veneza, de onde foi tomada pelas tropas do general Napoleão Bonaparte em 1798. Quando o Império caiu em 1815, a maioria das pinturas apreendidas voltou para a Itália, mas temia-se que a viagem de volta o prejudicasse: foi, portanto, trocado por uma pintura de Le Brun, A Madalena e o Fariseu. Apesar de tudo, as aventuras das Bodas de Caná não param por aí, pois a tela será evacuada duas vezes para se resguardar das guerras que afetam Paris, em 1870 e depois em 1939.

La Grande Galeria
La Grande Galerie é um dos lugares mais emblemáticos do Louvre desde a transformação do palácio em museu. Os visitantes podem agora descobrir a riquíssima coleção de pinturas italianas do museu, uma das mais importantes do mundo. Dezenas e dezenas de pinturas que se sucedem a perder de vista ao longo de uma galeria de majestosa arquitetura… Hoje, nas paredes da Grande Galerie, encontram-se obras-primas dos maiores mestres da pintura italiana: Mantegna, Raphael, Leonardo da Vinci, Arcimboldo, Caravaggio… e muitos outros.

De forma a proporcionar as condições óptimas para vir a admirar esta extraordinária colecção, optou-se pela instalação de iluminação zenital, ou seja, a partir de clarabóias no tecto que difundem a luz natural. O arquiteto de Napoleão III, Hector Lefuel, perfura o cofre para criar janelas. A luz, igual e natural, evita assim reflexos nas pinturas.

Escolas do Norte (Flandres, Holanda, Alemanha)
O Museu do Louvre também possui uma das maiores coleções de pinturas do norte da Europa, com 1130 pinturas (Flandres, Holanda e Alemanha). As escolas flamenga e holandesa são as mais bem representadas. Para os primitivos flamengos, notamos obras em primeiro plano como A Virgem do Chanceler Rolin de Jan van Eyck, o Tríptico da família Braque de Rogier van der Weyden, a Nave dos Loucos de Jérôme Bosch, As Bodas de Caná de Gérard David e As Agiota e sua esposa por Quentin Metsys. Também estão preservadas obras de Dirk Bouts, vários Hans Memling, Joos van Cleve, Joachim Patinier, Bernard van Orley, Jan Gossaert dit Mabuse, Lucas de Leyde e Pieter Brueghel, o Velho.

A idade de ouro holandesa e flamenga (século XVII) é ilustrada com quinze pinturas de Rembrandt, incluindo Bate-Seba no banho segurando a carta de Davi e os peregrinos de Emaús, vários Frans Hals, dezenove de Van Dyck, cinquenta e um de Rubens, incluindo as vinte e uma pinturas do Ciclo de Maria de Médicis, além de duas telas de Vermeer, A Rendeira e O Astrônomo. Paisagens repletas de figuras de Jan Brueghel, o Velho, cenas íntimas de interiores de Pieter de Hooch e Gerard ter Borch, pinturas de interiores de igrejas de Pieter Saenredam, cenas de gênero de Jan Steen e David Teniers le Jeune, bem como as paisagens de Jacob van Ruisdael são também retratado.

Para a pintura alemã, encontramos obras do século XV como a Pietà de Saint-Germain-des-Prés, pinturas de Albrecht Dürer, de Lucas Cranach, o Velho ou ainda vários retratos de Hans Holbein, o Jovem, bem como, para o XIX, pinturas do romântico Caspar David Friedrich. Por fim, uma sala exibe pinturas barrocas austríacas do século XVIII. XIX, enquanto outra exibe pinturas escandinavas da primeira metade do século XIX, em particular paisagens tratadas na veia romântica.

Outras escolas
A coleção espanhola (cerca de cento e trinta pinturas, incluindo cerca de sessenta em exposição), menor que as anteriores, apresenta, no entanto, uma interessante seleção de obras com alguns nomes raros. Mas acima de tudo, estão todos os grandes artistas da Idade de Ouro, como El Greco, Velasquez, Murillo, Ribera e Zurbarán. Além disso, o Louvre tem várias pinturas de Goya.

A Coleção de Pinturas Britânicas e Americanas (cerca de cento e vinte pinturas), é composta por obras significativas de mestres dos séculos XVIII e XIX, como William Hogarth, Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, John Constable, Richard Parkes Bonington, JMW Turner e Gilberto Stuart.

Estão presentes pinturas das escolas escandinava (cerca de 50 obras), russa (cerca de 35 obras), austríaca, belga, suíça, grega, polaca e portuguesa, apesar de um acervo reduzido.

Departamento de Artes Gráficas

O Departamento de Artes Gráficas já possui mais de 225.000 peças. Conserva desenhos, pastéis, miniaturas, gravuras, livros, manuscritos, autógrafos, além de xilogravuras, placas de cobre e pedras litográficas. Reúne três fundos diferentes:

o Gabinete de Desenhos, originalmente constituído pela antiga coleção dos reis da França, a partir daí constantemente ampliado graças a apreensões e doações; a coleção Edmond de Rothschild, doada ao Louvre em 1936, com cerca de 40.000 gravuras, 3.000 desenhos e 500 livros ilustrados; a Calcografia, que conserva cerca de 14.000 placas de cobre gravadas, em particular as placas de cobre do Gabinete de Placas Gravadas do Rei. Impressões em papel obtidas com o cobre original podem ser encomendadas para cerca de 600 chapas.

Dada a quantidade de peças e a fragilidade do papel à luz, é impossível expor permanentemente todos os documentos. Estes podem ser vistos quer em exposições temporárias (que nunca duram mais de três meses para não enfraquecer as obras), quer no consultório do departamento. No entanto, uma seleção de pastéis e caricaturas de tapeçaria, menos frágeis, é exibida no percurso do departamento de pintura. Nos últimos anos, um grande esforço de digitalização foi feito e o banco de dados do departamento contém atualmente mais de 140.000 arquivos de trabalho e 4.500 arquivos de artistas.

Jardim das Tulherias

O Jardim das Tulherias é um jardim público localizado entre o Louvre e a Place de la Concorde, no 1º arrondissement de Paris. É o jardim de estilo francês mais importante e mais antigo da capital, que já foi o do Palácio das Tulherias, uma antiga residência real e imperial, que agora desapareceu. O Jardim das Tulherias está classificado como monumento histórico desde 1914, dentro de um local registrado e incluído na proteção do Patrimônio Mundial da UNESCO nas margens do Sena. O jardim é agora parte do domínio nacional do Louvre e das Tulherias.

Criado por Catarina de Médici como jardim do Palácio das Tulherias em 1564, acabou por ser aberto ao público em 1667 e tornou-se um parque público após a Revolução Francesa. A área do jardim é de 25,5 hectares, muito comparável à dos Jardins de Luxemburgo. É limitado pelo Palácio do Louvre a sudeste, pela rue de Rivoli a nordeste, pela Place de la Concorde a noroeste e pelo Sena a sudoeste. Nos séculos 19, 20 e 21, era um lugar onde os parisienses celebravam, se encontravam, passeavam e relaxavam. Abriga vários eventos como o Rendez-vous aux jardins e a Feira Internacional de Arte Contemporânea.

No centro de Paris, este jardim respira espaço no coração da capital há quase cinco séculos. Em 1564, quando a rainha Catarina de Médici, viúva do rei Henrique II, saudosa dos palácios florentinos de sua infância, mandou construir uma residência rural com jardim. O terreno escolhido está localizado fora dos muros de Paris, onde os fabricantes de azulejos se estabeleceram desde a Idade Média. Daí o nome “Tuileries”.

A partir de 1664, o jardim foi completamente redesenhado por André Le Nôtre, jardineiro do rei Luís XIV. O jardim é então aberto a um público selecionado. Várias vezes modificado e parcialmente privatizado, notadamente por Napoleão I e depois por seu sobrinho Napoleão III, está totalmente aberto a todos os visitantes desde 1871. O jardim foi o playground de reis e príncipes. O jovem rei Luís XIII caçava codornas e corvos lá. L’Aiglon, filho de Napoleão I, brincava em seus becos…

Em 1871, durante a Comuna de Paris, o Palácio das Tulherias, símbolo do poder real e imperial, foi incendiado por desordeiros, restando apenas o jardim. Em 1990, foi lançado um concurso para a sua renovação. Os paisagistas Pascal Cribier e Louis Benech são escolhidos e trazem a ele inovações contemporâneas.

Desde 2005, o Museu do Louvre é responsável pela gestão e valorização do Jardim das Tulherias. Todos os anos, os jardineiros imaginam novas flores, na primavera e depois no verão, dependendo da programação cultural do museu. Assim, os parterres estão sempre nas cores das exposições ou grandes eventos do momento. As Tulherias são adornadas com as cores do Louvre. Todos os anos, os jardineiros de arte do Domaine national du Louvre e das Tulherias competem em criatividade, inspirando-se nos destaques da vida do museu.

Desde 2014, o Louvre tem uma subdiretoria especificamente dedicada aos jardins. Realiza projetos de pesquisa sobre a história dos jardins do Domaine national du Louvre e das Tulherias, seu artesanato e sua coleção de esculturas ao ar livre. A pesquisa e o trabalho reforçam a história dos jardins como disciplina que já faz parte das orientações do estabelecimento.

Os jardins do Domaine national du Louvre e as Tulherias são um verdadeiro museu de escultura ao ar livre. As primeiras estátuas que ainda estão no local chegaram durante a Regência a partir de 1716, provenientes de Versalhes e Marly, e algumas datam do final do século XVII. Desde então, em vagas sucessivas, a escultura continuou a investir nas Tulherias e no Carrossel, bem como nos jardins situados a nascente (Oratório, Raffet e Infante). Para além dos vasos do jardim, o resto do mobiliário, assentos, postes de iluminação, painéis, etc., tem claramente um carácter patrimonial.