Impressionismo

O impressionismo é um movimento artístico do século XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequenas, finas e visíveis, composição aberta, ênfase na representação precisa da luz em suas qualidades mutáveis ​​(freqüentemente acentuando os efeitos da passagem do tempo), assunto comum, inclusão do movimento como um elemento crucial da percepção e experiência humanas, e ângulos visuais incomuns. O impressionismo originou-se de um grupo de artistas de Paris cujas exposições independentes os destacaram durante as décadas de 1870 e 1880.

Impressionismo geralmente aplicado a um movimento na arte na França no final do século XIX. O movimento deu origem a tais acessórios como o impressionismo americano. O uso primário do termo impressionista é para um grupo de pintores franceses que trabalhou entre 1860 e 1900, especialmente para descrever suas obras do final da década de 1860 até meados da década de 1880. Entre esses artistas estão Frédéric Bazille, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir e Alfred Sisley, assim como Mary Cassatt, Gustave Caillebotte (que também foi um importante colecionador), Eva Gonzales , Armand Guillaumin e Stanislas Lépine O movimento era anti-acadêmico em seus aspectos formais e envolvia o estabelecimento de outros locais além do Salão oficial para mostrar e vender pinturas.

Os impressionistas enfrentaram forte oposição da comunidade de arte convencional na França. O nome do estilo deriva do título de uma obra de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, Sunrise), que provocou o crítico Louis Leroy a cunhar o termo em uma resenha satírica publicada no jornal parisiense Le Charivari.

O desenvolvimento do Impressionismo nas artes visuais foi logo seguido por estilos análogos em outras mídias que ficaram conhecidas como a música impressionista e a literatura impressionista.

Visão geral
Radicais em sua época, os primeiros impressionistas violavam as regras da pintura acadêmica. Eles construíram suas fotos a partir de cores livremente escovadas que tinham precedência sobre linhas e contornos, seguindo o exemplo de pintores como Eugène Delacroix e JMW Turner. Eles também pintaram cenas realistas da vida moderna, e muitas vezes pintadas ao ar livre. Anteriormente, naturezas-mortas e retratos, bem como paisagens, geralmente eram pintados em um estúdio. Os impressionistas descobriram que podiam capturar os efeitos momentâneos e transitórios da luz solar pintando ao ar livre ou ao ar livre. Retratavam efeitos visuais gerais em vez de detalhes e usavam pinceladas curtas e “quebradas” de cores misturadas e puras não misturadas – não misturadas suavemente ou sombreadas, como era costume – para obter um efeito de intensa vibração de cor.

O impressionismo surgiu na França ao mesmo tempo em que vários outros pintores, incluindo os artistas italianos conhecidos como Macchiaioli, e Winslow Homer, nos Estados Unidos, também estavam explorando a pintura ao ar livre. Os impressionistas, no entanto, desenvolveram novas técnicas específicas para o estilo. Abrangendo o que seus aderentes argumentavam ser uma maneira diferente de ver, é uma arte de imediação e movimento, de poses e composições sinceras, do jogo de luz expresso em um uso brilhante e variado de cores.

O público, a princípio hostil, gradualmente passou a acreditar que os impressionistas haviam captado uma visão nova e original, mesmo que os críticos de arte e o establishment de arte desaprovassem o novo estilo.

Recriando a sensação no olho que vê o assunto, em vez de delinear os detalhes do assunto, e criando uma confusão de técnicas e formas, o impressionismo é um precursor de vários estilos de pintura, incluindo o neo-impressionismo, pós-impressionismo, fauvismo. e o cubismo.

Começos
Em meados do século XIX – época de mudanças, quando o Imperador Napoleão III reconstruiu Paris e travou uma guerra – a Académie des Beaux-Arts dominou a arte francesa. A Académie foi a preservadora dos padrões tradicionais de pintura de conteúdo e estilo. Assuntos históricos, temas religiosos e retratos foram valorizados; paisagem e natureza morta não eram. A Académie preferia imagens cuidadosamente acabadas que pareciam realistas quando examinadas de perto. Pinturas neste estilo foram feitas de pinceladas precisas cuidadosamente misturadas para esconder a mão do artista no trabalho. A cor foi contida e muitas vezes atenuada pela aplicação de um verniz dourado.

A Académie teve uma mostra anual de artes plásticas, o Salon de Paris, e os artistas cujo trabalho foi exibido na exposição ganharam prêmios, ganharam comissões e aumentaram seu prestígio. Os padrões dos júris representavam os valores da Académie, representados pelas obras de artistas como Jean-Léon Gérôme e Alexandre Cabanel.

No início da década de 1860, quatro jovens pintores – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille – conheceram-se enquanto estudavam com o artista acadêmico Charles Gleyre. Eles descobriram que compartilhavam um interesse em pintar a paisagem e a vida contemporânea, em vez de cenas históricas ou mitológicas. Seguindo uma prática que se tornava cada vez mais popular em meados do século, eles frequentemente se aventuravam pelo campo juntos para pintar ao ar livre, mas não com o propósito de fazer esboços serem desenvolvidos em obras cuidadosamente acabadas no estúdio, como era de costume. personalizadas. Pintando à luz do sol diretamente da natureza, e fazendo uso ousado dos vívidos pigmentos sintéticos que se tornaram disponíveis desde o começo do século, eles começaram a desenvolver uma maneira mais clara e brilhante de pintura que estendeu ainda mais o realismo de Gustave Courbet e Barbizon. escola. Um ponto de encontro favorito dos artistas era o Café Guerbois, na Avenue de Clichy, em Paris, onde as discussões eram frequentemente conduzidas por Édouard Manet, que os artistas mais jovens admiravam muito. Eles logo se juntaram a Camille Pissarro, Paul Cézanne e Armand Guillaumin.

Durante a década de 1860, o júri do Salon rejeitou rotineiramente cerca de metade das obras apresentadas por Monet e seus amigos em favor de obras de artistas fiéis ao estilo aprovado. Em 1863, o júri do Salon rejeitou o Almoço com Leite na Grama (Le déjeuner sur l’herbe) de Manet, principalmente porque mostrava uma mulher nua com dois homens vestidos num piquenique. Enquanto o júri do Salon rotineiramente aceitou nus em pinturas históricas e alegóricas, eles condenaram Manet por colocar um nu realista em um cenário contemporâneo. A rejeição severa do júri à pintura de Manet aterrorizou seus admiradores, e o extraordinariamente grande número de obras rejeitadas naquele ano perturbou muitos artistas franceses.

Depois que o Imperador Napoleão III viu os trabalhos rejeitados de 1863, ele decretou que o público pudesse julgar a obra eles mesmos, e o Salon des Refusés (Salão dos Recusados) foi organizado. Enquanto muitos espectadores vieram apenas para rir, o Salon des Refusés chamou a atenção para a existência de uma nova tendência na arte e atraiu mais visitantes do que o Salão regular.

Petições de artistas solicitando um novo Salon des Refusés em 1867, e novamente em 1872, foram negadas. Em dezembro de 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas e vários outros artistas fundaram a Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Associação Cooperativa e Anônima de Pintores, Escultores e Gravadores”). para exibir suas obras de arte de forma independente. Esperava-se que os membros da associação renunciassem à participação no Salão. Os organizadores convidaram vários outros artistas progressistas para se juntarem a eles em sua exposição inaugural, incluindo o mais velho Eugène Boudin, cujo exemplo convenceu Monet a adotar a pintura ao ar anos atrás. Outro pintor que influenciou muito Monet e seus amigos, Johan Jongkind, se recusou a participar, assim como Édouard Manet. No total, trinta artistas participaram de sua primeira exposição, realizada em abril de 1874, no estúdio do fotógrafo Nadar.

A resposta crítica foi mista. Monet e Cézanne receberam os ataques mais duros. O crítico e humorista Louis Leroy escreveu uma resenha contundente no jornal Le Charivari, no qual, fazendo um jogo de palavras com o título de Impression, soleil levant, de Claude Monet, deu aos artistas o nome pelo qual se tornaram conhecidos. Comovido de modo irrisório em seu artigo A exposição dos impressionistas, Leroy declarou que a pintura de Monet era, no máximo, um esboço, e dificilmente poderia ser chamada de obra finalizada.

Ele escreveu, na forma de um diálogo entre os espectadores,

Impressão – eu tinha certeza disso. Eu estava apenas dizendo a mim mesmo que, desde que fiquei impressionado, tinha que haver alguma impressão nele … e que liberdade, que facilidade de trabalho! Papel de parede em seu estado embrionário é mais acabado do que a paisagem marinha.

O termo impressionista rapidamente ganhou favor do público. Também foi aceito pelos próprios artistas, embora fossem um grupo diverso de estilo e temperamento, unificados principalmente pelo seu espírito de independência e rebelião. Eles exibiram juntos – embora com mudança de quadro – oito vezes entre 1874 e 1886. O estilo dos impressionistas, com suas pinceladas soltas e espontâneas, logo se tornaria sinônimo da vida moderna.

Monet, Sisley, Morisot e Pissarro podem ser considerados os “mais puros” impressionistas, em sua busca consistente por uma arte de espontaneidade, luz solar e cor. Degas rejeitou muito isso, pois acreditava na primazia do desenho sobre a cor e menosprezava a prática de pintar ao ar livre. Renoir afastou-se do impressionismo durante algum tempo durante a década de 1880 e nunca recuperou inteiramente o seu compromisso com as suas ideias. Édouard Manet, embora considerado pelos impressionistas como seu líder, nunca abandonou seu uso liberal do preto como uma cor e nunca participou das exibições impressionistas. Ele continuou a submeter suas obras ao Salão, onde sua pintura espanhola Singer ganhou uma medalha de 2ª classe em 1861, e ele pediu aos outros que fizessem o mesmo, argumentando que “o Salão é o verdadeiro campo de batalha” onde uma reputação poderia ser feito.

Entre os artistas do grupo principal (menos Bazille, que havia morrido na Guerra Franco-Prussiana em 1870), ocorreram deserções quando Cézanne, seguido mais tarde por Renoir, Sisley e Monet, se abstiveram das exposições coletivas para apresentar suas obras. para o salão. Desentendimentos surgiram de questões como a participação de Guillaumin no grupo, defendida por Pissarro e Cézanne contra a oposição de Monet e Degas, que o consideravam indigno. Degas convidou Mary Cassatt para exibir seu trabalho na exposição de 1879, mas também insistiu na inclusão de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic e outros realistas que não representavam as práticas impressionistas, fazendo com que Monet em 1880 acusasse os impressionistas de “abrir portas”. a primeira a chegar daubers “. O grupo dividiu-se em convites para Paul Signac e Georges Seurat para exibir com eles em 1886. Pissarro foi o único artista a exibir oito exposições impressionistas.

Os artistas individuais conseguiram poucas recompensas financeiras das exposições impressionistas, mas sua arte conquistou gradualmente um grau de aceitação e apoio público. Seu negociante, Durand-Ruel, desempenhou um papel importante nisso enquanto ele mantinha seu trabalho diante do público e organizava shows para eles em Londres e Nova York. Embora Sisley tenha morrido na pobreza em 1899, Renoir teve um grande sucesso no Salão em 1879. Monet tornou-se financeiramente seguro durante o início da década de 1880, assim como Pissarro no início da década de 1890. A essa altura, os métodos da pintura impressionista, de forma diluída, haviam se tornado comuns na arte do salão.

Técnicas impressionistas
Os pintores franceses que prepararam o caminho para o impressionismo incluem o colorista romântico Eugène Delacroix, o líder dos realistas Gustave Courbet, e pintores da escola de Barbizon, como Théodore Rousseau. Os impressionistas aprenderam muito com o trabalho de Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot e Eugène Boudin, que pintaram da natureza em um estilo direto e espontâneo que prefigurou o impressionismo, e que fez amizade e aconselhou os artistas mais jovens.

Uma série de técnicas identificáveis ​​e hábitos de trabalho contribuíram para o estilo inovador dos impressionistas. Embora esses métodos tenham sido usados ​​por artistas anteriores – e muitas vezes conspícuos no trabalho de artistas como Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable e JMW Turner – os impressionistas foram os primeiros a usá-los todos juntos, e com essa consistência. Essas técnicas incluem:

Tiros curtos e grossos de tinta capturam rapidamente a essência do assunto, em vez de seus detalhes. A tinta é muitas vezes aplicada impasto.
As cores são aplicadas lado a lado com a menor mistura possível, uma técnica que explora o princípio do contraste simultâneo para tornar a cor mais viva para o espectador.
Grays e tons escuros são produzidos pela mistura de cores complementares. O impressionismo puro evita o uso de tinta preta.
A tinta úmida é colocada em tinta úmida sem esperar que aplicações sucessivas sequem, produzindo bordas mais suaves e misturando cores.
As pinturas impressionistas não exploram a transparência dos finos filmes de pintura (esmaltes), que artistas anteriores manipularam cuidadosamente para produzir efeitos. A superfície da pintura impressionista é tipicamente opaca.
A tinta é aplicada em um terreno branco ou de cor clara. Anteriormente, os pintores frequentemente usavam motivos cinza-escuros ou fortemente coloridos.
O jogo de luz natural é enfatizado. Atenção especial é dada ao reflexo das cores de objeto para objeto. Os pintores muitas vezes trabalhavam à noite para produzir efeitos de soir – os efeitos sombrios da noite ou do crepúsculo.
Em pinturas feitas ao ar livre, as sombras são pintadas com ousadia com o azul do céu, refletidas nas superfícies, dando uma sensação de frescor anteriormente não representada na pintura. (Sombras azuis na neve inspiraram a técnica.)
A nova tecnologia desempenhou um papel no desenvolvimento do estilo. Os impressionistas aproveitaram a introdução, em meados do século, de tintas pré-misturadas em tubos de estanho (semelhantes aos tubos modernos para pastas de dentes), o que permitia que os artistas trabalhassem de maneira mais espontânea, tanto ao ar livre quanto em ambientes fechados. Anteriormente, os pintores faziam suas próprias tintas individualmente, moendo e misturando pós de pigmentos secos com óleo de linhaça, que eram então armazenados em bexigas de animais.

Muitos pigmentos sintéticos vívidos tornaram-se comercialmente disponíveis para artistas pela primeira vez durante o século XIX. Estes incluíam azul cobalto, viridiano, amarelo cádmio e azul ultramarino sintético, todos os quais estavam em uso na década de 1840, antes do impressionismo. A maneira de pintar dos impressionistas fez uso ousado desses pigmentos e de cores ainda mais recentes, como o azul celeste, que se tornou comercialmente disponível para os artistas na década de 1860.

O progresso dos impressionistas em direção a um estilo de pintura mais brilhante foi gradual. Durante a década de 1860, Monet e Renoir pintavam às vezes telas pintadas com o tradicional solo vermelho-marrom ou cinza. Na década de 1870, Monet, Renoir e Pissarro geralmente optavam por pintar com base em uma cor cinza ou bege mais clara, que funcionava como um tom intermediário na pintura finalizada. Na década de 1880, alguns dos impressionistas passaram a preferir terrenos brancos ou ligeiramente esbranquiçados, e não permitiram que a cor do solo tivesse um papel significativo na pintura finalizada.

Conteúdo e Composição
Antes dos impressionistas, outros pintores, especialmente pintores holandeses do século XVII como Jan Steen, haviam enfatizado temas comuns, mas seus métodos de composição eram tradicionais. Eles organizaram suas composições para que o sujeito principal comandasse a atenção do espectador. Os impressionistas relaxaram a fronteira entre sujeito e fundo, de modo que o efeito de uma pintura impressionista muitas vezes se assemelha a um instantâneo, uma parte de uma realidade maior captada como que por acaso. A fotografia ganhava popularidade e, à medida que as câmeras se tornavam mais portáteis, as fotografias se tornavam mais francas. A fotografia inspirou os impressionistas a representarem uma ação momentânea, não apenas nas luzes fugazes de uma paisagem, mas no dia-a-dia das pessoas.

O desenvolvimento do impressionismo pode ser considerado, em parte, como uma reação dos artistas ao desafio apresentado pela fotografia, que parecia desvalorizar a habilidade do artista em reproduzir a realidade. Tanto a pintura de retrato quanto a de paisagem foram consideradas um tanto deficientes e carentes de verdade, pois a fotografia “produziu imagens realistas de maneira muito mais eficiente e confiável”.

Apesar disso, a fotografia realmente inspirou os artistas a buscar outros meios de expressão criativa, e em vez de competir com a fotografia para emular a realidade, os artistas focaram “na única coisa que poderiam fazer melhor do que a fotografia – desenvolvendo uma forma de arte sua própria subjetividade na concepção da imagem, a própria subjetividade que a fotografia eliminou “. Os impressionistas procuraram expressar suas percepções da natureza, em vez de criar representações exatas. Isso permitiu aos artistas retratar subjetivamente o que viram com seus “imperativos tácitos de gosto e consciência”. A fotografia encorajou os pintores a explorarem aspectos do meio de pintura, como a cor, que faltava à fotografia: “Os impressionistas foram os primeiros a oferecer conscientemente uma alternativa subjetiva à fotografia”.

Outra grande influência foi as gravuras japonesas de arte ukiyo-e (japonismo). A arte dessas impressões contribuiu significativamente para os ângulos “instantâneos” e composições não convencionais que se tornaram características do impressionismo. Um exemplo é o Jardin à Sainte-Adresse de Monet, de 1867, com seus blocos arrojados de cor e composição em uma forte diagonal que mostra a influência das impressões japonesas.

Edgar Degas era um ávido fotógrafo e colecionador de gravuras japonesas. Sua aula de dança de 1874 mostra ambas influências em sua composição assimétrica. Os dançarinos são aparentemente pegos desprevenidos em várias poses desajeitadas, deixando uma extensão de espaço vazio no quadrante inferior direito. Ele também capturou seus dançarinos em esculturas, como o Pequeno Dançarino de Quatorze Anos.

Principais impressionistas
As figuras centrais no desenvolvimento do impressionismo na França, listadas em ordem alfabética, foram:

Frédéric Bazille (que só participou postumamente das exposições impressionistas) (1841–1870)
Gustave Caillebotte (que, mais jovem do que os outros, uniu forças com eles em meados da década de 1870) (1848–1894)
Mary Cassatt (nascida nos Estados Unidos, ela morou em Paris e participou de quatro exposições impressionistas) (1844–1926)
Paul Cézanne (embora mais tarde tenha se separado dos impressionistas) (1839–1906)
Edgar Degas (que desprezou o termo impressionista) (1834–1917)
Armand Guillaumin (1841–1927)
Édouard Manet (que não participou de nenhuma das exposições impressionistas) (1832–1883)
Claude Monet (o mais prolífico dos impressionistas e aquele que personifica sua estética mais obviamente) (1840-1926)
Berthe Morisot (que participou de todas as exposições impressionistas, exceto em 1879) (1841–1895)
Camille Pissarro (1830 a 1903)
Pierre-Auguste Renoir (que participou de exposições impressionistas em 1874, 1876, 1877 e 1882) (1841–1919)
Alfred Sisley (1839–1899)

Associados e artistas influenciados
Entre os colaboradores próximos dos impressionistas estavam vários pintores que adotaram seus métodos em algum grau. Estes incluem Jean-Louis Forain (que participou em exposições impressionistas em 1879, 1880, 1881 e 1886) e Giuseppe De Nittis, um artista italiano que vive em Paris que participou da primeira exposição impressionista a convite de Degas, embora os outros impressionistas depreciassem. O trabalho dele. Federico Zandomeneghi foi outro amigo italiano de Degas que mostrou com os impressionistas. Eva Gonzalès foi uma seguidora de Manet que não exibiu com o grupo. James Abbott McNeill Whistler foi um pintor nascido nos Estados Unidos que desempenhou um papel no impressionismo, embora ele não se juntou ao grupo e preferiu cores cinzentas. Walter Sickert, um artista inglês, foi inicialmente um seguidor de Whistler e, mais tarde, um importante discípulo de Degas; ele não exibiu com os impressionistas. Em 1904, o artista e escritor Wynford Dewhurst escreveu o primeiro estudo importante dos pintores franceses publicados em inglês, Pintura impressionista: sua gênese e desenvolvimento, que contribuiu muito para popularizar o impressionismo na Grã-Bretanha.

No início dos anos 1880, os métodos impressionistas estavam afetando, pelo menos superficialmente, a arte do salão. Pintores da moda, como Jean Béraud e Henri Gervex, encontraram um sucesso crítico e financeiro ao iluminar suas paletas, mantendo o acabamento suave esperado da arte em Salon. Os trabalhos desses artistas são às vezes chamados de impressionismo, apesar de sua distância da prática impressionista.

A influência dos impressionistas franceses durou muito depois de a maioria deles ter morrido. Artistas como JD Kirszenbaum estavam usando técnicas impressionistas durante todo o século XX.

Além da França
À medida que a influência do impressionismo se espalhou para além da França, artistas, numerosos demais para listar, foram identificados como praticantes do novo estilo. Alguns dos exemplos mais importantes são:

Os impressionistas americanos, incluindo Mary Cassatt, Guilherme Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley e J. Alden Weir.
Os impressionistas australianos, incluindo Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder e Frederick McCubbin (que eram membros proeminentes da Escola de Heidelberg), e John Peter Russell, um amigo de Van Gogh, Rodin, Monet e Matisse.
Os Impressionistas de Amsterdã na Holanda, incluindo George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen e Jan Toorop.
Anna Boch, Eugène Boch, amigo de Vincent van Gogh, Georges Lemmen e Théo van Rysselberghe, pintores impressionistas da Bélgica.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama e Matej Sternen, impressionistas da Eslovênia. Seu início foi na escola de Anton Ažbe em Munique e eles foram influenciados por Jurij Šubic e Ivana Kobilca, pintores eslovenos que trabalham em Paris
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert e Philip Wilson Steer eram bem conhecidos pintores impressionistas do Reino Unido. Pierre Adolphe Valette, nascido na França, mas que trabalhava em Manchester, era o professor de LS Lowry.
Os impressionistas alemães, incluindo Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt e August von Brandis.
László Mednyánszky na Hungria
Theodor von Ehrmanns e Hugo Charlemont, que eram raros impressionistas entre os pintores secessionistas de Viena mais dominantes na Áustria
William John Leech, Roderic O’Conor e Walter Osborne na Irlanda
Konstantin Korovin e Valentin Serov na Rússia
Francisco Oller y Cestero, natural de Porto Rico e amigo de Pissarro e Cézanne
James Nairn na Nova Zelândia.
William McTaggart na Escócia.
Laura Muntz Lyall, uma artista canadense
Władysław Podkowiński, um impressionista polonês e simbolista
Nicolae Grigorescu na Roménia
Nazmi Ziya Güran, que trouxe o impressionismo para a Turquia
Chafik Charobim no Egito
Eliseu Visconti no Brasil
Joaquín Sorolla na Espanha
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido López, Martín Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva na Argentina
Skagen Pintores um grupo de artistas escandinavos que pintaram em uma pequena vila de pescadores dinamarquesa
Nadežda Petrović na Sérvia
Ásgrímur Jónsson na Islândia
Fujishima Takeji no Japão
Frits Thaulow na Noruega e depois na França.
Escultura, fotografia e cinema
O escultor Auguste Rodin é às vezes chamado de impressionista pela maneira como ele usava superfícies modeladas para sugerir efeitos de luz transitórios.

Fotógrafos pictorialistas cujo trabalho é caracterizado por foco suave e efeitos atmosféricos também foram chamados de impressionistas.

O cinema impressionista francês é um termo aplicado a um grupo vagamente definido de filmes e cineastas na França de 1919 a 1929, embora esses anos sejam discutíveis. Os cineastas impressionistas franceses incluem Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Louis Delluc e Dmitry Kirsanoff.

Música e literatura
Impressionismo Musical é o nome dado a um movimento na música clássica européia que surgiu no final do século XIX e continuou até meados do século XX. Originário da França, o Impressionismo musical é caracterizado por sugestão e atmosfera, e evita os excessos emocionais da era romântica. Compositores impressionistas favoreciam formas curtas, como o noturno, o arabesco e o prelúdio, e muitas vezes exploravam escalas incomuns, como a escala de tons. Talvez as inovações mais notáveis ​​dos compositores impressionistas foram a introdução dos 7º acordes maiores e a extensão das estruturas de acordes em 3 a harmonias de 5 e 6 partes.

A influência do impressionismo visual em sua contraparte musical é discutível. Claude Debussy e Maurice Ravel são geralmente considerados os maiores compositores impressionistas, mas Debussy negou o termo, chamando-o de invenção dos críticos. Erik Satie também foi considerado nessa categoria, embora sua abordagem fosse considerada menos séria, mais novidade musical na natureza. Paul Dukas é outro compositor francês às vezes considerado um impressionista, mas seu estilo talvez esteja mais alinhado aos romanistas tardios. O Impressionismo Musical além da França inclui o trabalho de compositores como Ottorino Respighi (Itália) Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott e John Ireland (Inglaterra), e Manuel De Falla e Isaac Albeniz (Espanha).

O termo impressionismo também tem sido usado para descrever trabalhos de literatura nos quais alguns poucos detalhes selecionados são suficientes para transmitir as impressões sensoriais de um incidente ou cena. A literatura impressionista está intimamente relacionada ao simbolismo, com seus principais exemplos sendo Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud e Verlaine. Autores como Virginia Woolf, DH Lawrence e Joseph Conrad escreveram obras que são impressionistas na maneira como descrevem, ao invés de interpretar, as impressões, sensações e emoções que constituem a vida mental de um personagem.

Pós-impressionismo
Pós-impressionismo desenvolvido a partir do impressionismo. Durante a década de 1880, vários artistas começaram a desenvolver diferentes preceitos para o uso da cor, padrão, forma e linha, derivados do exemplo impressionista: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Henri de Toulouse-Lautrec. Esses artistas eram um pouco mais jovens que os impressionistas, e seu trabalho é conhecido como pós-impressionismo. Alguns dos artistas impressionistas originais também se aventuraram nesse novo território; Camille Pissarro pintou brevemente de uma maneira pontilhada, e até mesmo Monet abandonou a estrita pintura a plein. Paul Cézanne, que participou da primeira e terceira exposições impressionistas, desenvolveu uma visão altamente individual, enfatizando a estrutura pictórica, e é mais frequentemente chamado de pós-impressionista. Embora esses casos ilustrem a dificuldade de atribuir rótulos, o trabalho dos pintores impressionistas originais pode, por definição, ser classificado como impressionismo.