Influências do art déco

Art Deco, por vezes referido como Deco, é um estilo de artes visuais, arquitetura e design que apareceu pela primeira vez na França pouco antes da Primeira Guerra Mundial Art Deco influenciou o design de edifícios, móveis, jóias, moda, carros, cinemas, trens , transatlânticos e objetos do cotidiano, como rádios e aspiradores de pó. Levou o seu nome, abreviação de Arts Décoratifs, da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas (Exposição Internacional de Artes Modernas Decorativas e Industriais), realizada em Paris em 1925. Combinou estilos modernistas com excelente habilidade e materiais ricos. Durante o seu auge, Art Deco representou luxo, glamour, exuberância e fé no progresso social e tecnológico.

Termo descritivo aplicado a um estilo de artes decorativas que foi amplamente divulgado na Europa e nos EUA durante as décadas de 1920 e 1930. Derivado do estilo popularizado pela Exposition Internationale des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes, realizada em Paris em 1925, o termo tem sido usado somente a partir do final da década de 1960, quando houve um ressurgimento do interesse pelas artes decorativas do início do século XX. Desde então, o termo “Art Deco” tem sido aplicado a uma grande variedade de trabalhos produzidos durante os anos entre guerras e até mesmo os da Bauhaus alemã. Mas Art Deco era essencialmente de origem francesa, e o termo deveria, portanto, ser aplicado apenas a obras francesas e de países diretamente influenciados pela França.

Art Deco era um pastiche de muitos estilos diferentes, às vezes contraditórios, unidos pelo desejo de ser moderno. Desde o início, o art déco foi influenciado pelas formas geométricas arrojadas do cubismo; as cores vivas do fauvismo e dos balés Russes; o artesanato atualizado dos móveis das épocas de Luís Felipe e Luís XVI; e os estilos exóticos da China e Japão, Índia, Pérsia, Egito antigo e arte maia. Ele apresentava materiais raros e caros, como ébano e marfim, e artesanato requintado. O Chrysler Building e outros arranha-céus de Nova York construídos durante as décadas de 1920 e 1930 são monumentos do estilo Art Déco.

Na década de 1930, durante a Grande Depressão, o estilo Art Deco tornou-se mais moderado. Novos materiais chegaram, incluindo cromagem, aço inoxidável e plástico. Uma forma mais elegante do estilo, chamada Streamline Moderne, surgiu na década de 1930; apresentava formas curvas e superfícies lisas e polidas. O art déco é um dos primeiros estilos verdadeiramente internacionais, mas seu domínio terminou com o início da Segunda Guerra Mundial e a ascensão dos estilos de modernismo estritamente funcionais e sem adornos e do estilo internacional de arquitetura que se seguiu.

Nomeação
Art Deco tomou seu nome, abreviação de Arts Décoratifs, da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, realizada em Paris em 1925, embora os diversos estilos que caracterizam a Art Deco já tenham aparecido em Paris e Bruxelas antes da Primeira Guerra Mundial.

O termo artes decorativas foi usado pela primeira vez na França em 1858; publicado no Boletim da Société française de photographie.

Em 1868, o jornal Le Figaro usou o termo objets d’art décoratifs no que diz respeito a objetos para cenários criados para o Théâtre de l’Opéra.

Em 1875, designers de móveis, têxteis, joalheiros e designers de vidro e outros artesãos receberam oficialmente o status de artistas pelo governo francês. Em resposta a isto, a École royale gratuite de dessin fundada em 1766, sob o reinado de Luís XVI, para formar artistas e artesãos no artesanato relacionado com as belas artes, foi rebatizada de Escola Nacional de Artes Decorativas (l’École nationale des arts décoratifs). Levou o nome atual de ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) em 1927.

Durante a Exposição de 1925, o arquiteto Le Corbusier escreveu uma série de artigos sobre a exposição para sua revista L’Esprit Nouveau sob o título “1925 Expo: Arts Déco”, que foram combinados em um livro, “L’art décoratif d’aujourd”. hui “(Arte Decorativa Hoje). O livro foi um ataque espirituoso aos excessos dos objetos coloridos e luxuosos da Exposição; e na ideia de que objetos práticos, como móveis, deveriam ter qualquer decoração; sua conclusão foi que “A decoração moderna não tem decoração”.

O título abreviado “Arts Deco” que Le Corbusier usou nos artigos e livro foi adaptado em 1966 para o título da primeira exposição moderna sobre o assunto, chamada Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, que cobria a variedade de estilos principais nas décadas de 1920 e 1930. O termo Art déco foi então usado em um artigo de jornal de 1966 por Hillary Gelson no Times (Londres, 12 de novembro), descrevendo os diferentes estilos da exposição.

Art Deco ganhou moeda como um rótulo estilístico amplamente aplicado em 1968, quando o historiador Bevis Hillier publicou o primeiro grande livro acadêmico sobre o estilo: Art Deco dos anos 20 e 30. Hillier observou que o termo já estava sendo usado por negociantes de arte e cita The Times (2 de novembro de 1966) e um ensaio chamado “Les Arts Déco” na revista Elle (novembro de 1967) como exemplos de uso anterior. Em 1971, Hillier organizou uma exposição no Instituto de Artes de Minneapolis, que ele detalha em seu livro sobre isso, O Mundo da Art Deco.

Origens

Sociedade de Artistas Decorativos (1901-1913)
O surgimento da Art Deco estava intimamente ligado à ascensão do status de artistas decorativos, que até o final do século 19 eram considerados simplesmente artesãos. O termo “arts décoratifs” foi inventado em 1875, dando aos designers de móveis, têxteis e outros status oficial de decoração. A Société des artistes décorateurs (Sociedade de Artistas Decorativos), ou SAD, foi fundada em 1901, e os artistas decorativos receberam os mesmos direitos de autoria dos pintores e escultores. Um movimento semelhante desenvolvido na Itália. A primeira exposição internacional inteiramente dedicada às artes decorativas, a Esposizione international d’Arte decorativa moderna, foi realizada em Turim em 1902. Várias novas revistas dedicadas às artes decorativas foram fundadas em Paris, incluindo Arts et décoration e L’Art décoratif moderne. As seções de artes decorativas foram introduzidas nos salões anuais da Sociéte des artistes français e, posteriormente, no Salon d’automne. O nacionalismo francês também desempenhou um papel no ressurgimento das artes decorativas; Os designers franceses sentiram-se desafiados pelas crescentes exportações de móveis alemães menos caros. Em 1911, o SAD propôs a realização de uma nova e importante exposição internacional de artes decorativas em 1912. Nenhuma cópia de estilos antigos deveria ser permitida; apenas obras modernas. A exposição foi adiada até 1914, depois, por causa da guerra, adiada para 1925, quando deu nome a toda a família de estilos conhecida como Déco.

As lojas de departamentos e designers de moda de Paris também desempenharam um papel importante na ascensão do Art Déco. Firmas estabelecidas, incluindo a fabricante de malas Louis Vuitton, a empresa de prataria Christofle, o designer de vidro René Lalique e os joalheiros Louis Cartier e Boucheron, que começaram a projetar produtos em estilos mais modernos. A partir de 1900, as lojas de departamento recrutaram artistas decorativos para trabalhar em seus estúdios de design. A decoração do Salon d’Automne de 1912 foi confiada à loja de departamentos Printemps. Durante o mesmo ano, a Printemps criou sua própria oficina chamada “Primavera”. Em 1920, Primavera empregava mais de trezentos artistas. Os estilos variavam desde as versões atualizadas de Luís XIV, Luís XVI e, especialmente, dos móveis Louis Philippe fabricados por Louis Süe e da oficina Primavera até as formas mais modernas da oficina da loja de departamentos Au Louvre. Outros designers, incluindo Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Foliot, se recusaram a usar a produção em massa, e insistiram que cada peça fosse feita individualmente à mão. O estilo art déco primitivo apresentava materiais luxuosos e exóticos, como ébano, marfim e seda, cores muito vivas e motivos estilizados, particularmente cestos e buquês de flores de todas as cores, dando um ar modernista.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)
O Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret, foi o primeiro edifício Art Déco de referência concluído em Paris. Anteriormente, o concreto armado havia sido usado apenas em prédios industriais e de apartamentos. Perret construiu o primeiro prédio moderno de concreto armado em Paris, na rua Benjamin Franklin, em 1903-04. Henri Sauvage, outro importante arquiteto do Art Deco, construiu outro em 1904, na rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 anos, trabalhou como desenhista no escritório de Perret, aprendendo as técnicas de construção de concreto. O prédio de Perret tinha forma retangular limpa, decoração geométrica e linhas retas, as futuras marcas registradas da Art Deco. A decoração do teatro também foi revolucionária; a fachada foi decorada com placas de escultura Art Deco de Antoine Bourdelle, uma cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard e uma cortina Art Deco Ker-Xavier Roussel. O teatro tornou-se famoso como palco de muitas das primeiras apresentações dos Ballets Russes. Perret e Sauvage tornaram-se os principais arquitetos art déco em Paris nos anos 1920.

Salon d’Automne (1912-1913)
Em seu nascimento entre 1910 e 1914, Art Deco foi uma explosão de cores, com tons brilhantes e muitas vezes conflitantes, muitas vezes em desenhos florais, apresentados em estofos de móveis, tapetes, telas, papel de parede e tecidos. Muitas obras coloridas, incluindo cadeiras e uma mesa de Maurice Dufrene e um tapete Gobelin brilhante de Paul Follot foram apresentadas no Salon des artistes décorateurs de 1912. Em 1912-1913, o designer Alfred Karbowsky fez uma cadeira floral com um desenho de papagaio para o pavilhão de caça do colecionador de arte Jacques Doucet. Os designers de mobiliário Louis Süe e André Mare fizeram a sua primeira aparição na exposição de 1912, sob o nome de Atelier Française, combinando tecidos coloridos com materiais exóticos e caros, incluindo ébano e marfim. Após a Primeira Guerra Mundial, tornaram-se uma das empresas de design de interiores francesas mais proeminentes, produzindo móveis para os salões e cabines de primeira classe dos transatlânticos franceses.

As cores vivas do Art Déco vieram de muitas fontes, incluindo os desenhos exóticos de Leon Bakst para os Ballets Russes, que causaram sensação em Paris pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Algumas das cores foram inspiradas pelo movimento anterior do Fauvismo liderado por Henri. Matisse; outras pelo orfismo de pintores como Sonia Delaunay; outros pelo movimento conhecido como Nabis, e no trabalho do pintor simbolista Odilon Redon, que projetou telas de lareira e outros objetos decorativos. As cores brilhantes foram uma característica do trabalho do designer de moda Paul Poiret, cujo trabalho influenciou tanto a moda Art Deco quanto o design de interiores.

Casa Cubista (1912)
O estilo de arte conhecido como cubismo apareceu na França entre 1907 e 1912, influenciando o desenvolvimento da Art Deco. Os cubistas, eles próprios sob a influência de Paul Cézanne, interessaram-se pela simplificação das formas aos seus princípios geométricos: o cilindro, a esfera, o cone.

Em 1912, os artistas da Seção d’Or exibiram obras consideravelmente mais acessíveis ao público em geral do que o cubismo analítico de Picasso e Braque. O vocabulário cubista estava pronto para atrair moda, móveis e designers de interiores.

Nos escritos de 1912 de André Vera. Estilo Le Nouveau, publicado na revista L’Art décoratif, ele expressou a rejeição das formas Art Nouveau (assimétricas, policromáticas e pitorescas) e apelou à simplicidade volôvaire, symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie, temas que eventualmente se tornariam comum dentro Art Déco; embora com o tempo o estilo Deco fosse muitas vezes extremamente colorido e tudo menos simples.

Na seção Art Décoratif do Salon d’Automne de 1912, foi exibida uma instalação arquitetônica conhecida como La Maison Cubiste. A fachada foi projetada por Raymond Duchamp-Villon. A decoração da casa era da firma de Louis Süe e André Mare, que haviam formado uma empresa chamada Atlelier Français em 1912. La Maison Cubiste era uma instalação mobiliada com fachada, escada, balaústre de ferro forjado, quarto, sala de estar – o Salon Bourgeois, onde estavam penduradas pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye. Milhares de espectadores no salão passaram pelo modelo em grande escala.

A fachada da casa, projetada por Duchamp-Villon, não era muito radical para os padrões modernos; os lintéis e frontões tinham formas prismáticas, mas, por outro lado, a fachada lembrava uma casa comum do período. Os quartos foram mobiliados por Mare com cadeiras e sofás de estilo neo-Louis XVI e Louis-Philippe, que foram atualizados com detalhes mais angulosos para combinar com as pinturas cubistas. O crítico Emile Sedeyn descreveu o trabalho de Mare na revista Art et Décoration: “Ele não se constrange com a simplicidade, porque ele multiplica flores onde quer que elas possam ser colocadas. O efeito que ele busca é obviamente de estranheza e alegria. Ele consegue isso.” O elemento cubista foi fornecido pelas pinturas. Apesar de sua mansidão, a instalação foi atacada por alguns críticos como extremamente radical, o que ajudou a garantir seu sucesso. Esta instalação arquitetônica foi posteriormente exibida no Armory Show de 1913, Nova York, Chicago e Boston. Graças em grande parte à exposição, o termo “cubista” começou a ser aplicado a qualquer coisa moderna, de cortes de cabelo femininos a roupas e performances de teatro.

O estilo cubista continuou dentro do art déco, mesmo quando Deco se ramificou em muitas outras direções. Em 1927, os cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, o escultor Gustave Miklos e outros colaboraram na decoração de uma casa de estúdios, a rue Saint-James, em Neuilly-sur-Seine, projetada pelo arquiteto Paul Ruaud e de propriedade do estilista francês Jacques Doucet, também colecionador da arte pós-impressionista de Henri Matisse e pinturas cubistas (incluindo Les Demoiselles d’Avignon, que ele comprou diretamente do estúdio de Picasso). Laurens projetou a fonte, Csaky projetou a escadaria de Doucet, Lipchitz fez a lareira, e Marcoussis fez um tapete cubista.

Além dos artistas cubistas, Doucet trouxe outros designers de interiores Deco para ajudar na decoração da casa, incluindo Pierre Legrain, que estava encarregado de organizar a decoração, e Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray e Rose Adler para fornecer móveis . A decoração incluía peças maciças feitas de ébano de macassar, inspiradas na arte africana, e móveis cobertos com couro de Marrocos, pele de crocodilo e pele de cobra, e padrões tirados de desenhos africanos.

Influências
Art Deco não era um estilo único, mas uma coleção de estilos diferentes e às vezes contraditórios. Na arquitetura, Art Déco foi o sucessor e a reação contra a Art Nouveau, um estilo que floresceu na Europa entre 1895 e 1900, e também substituiu gradualmente as Belas Artes e o neoclássico que predominavam na arquitetura européia e americana. Em 1905, Eugène Grasset escreveu e publicou o Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, no qual ele explorou sistematicamente os aspectos decorativos (ornamentais) de elementos geométricos, formas, motivos e suas variações, em contraste com (e como um desvio) a arte ondulante. Nouveau estilo de Hector Guimard, tão popular em Paris, alguns anos antes. Grasset enfatizou o princípio de que várias formas geométricas simples, como triângulos e quadrados, são a base de todos os arranjos composicionais. Os edifícios de concreto armado de Auguste Perret e Henri Sauvage, e particularmente o Teatro dos Champs-Elysées, ofereceram uma nova forma de construção e decoração que foi copiada em todo o mundo.

Na decoração, muitos estilos diferentes foram emprestados e usados ​​pela Art Deco. Eles incluíam arte pré-moderna de todo o mundo e observável no Musée du Louvre, no Musée de l’Homme e no Musée national des Arts d’Afrique e d’Océanie. Houve também interesse popular em arqueologia devido a escavações em Pompéia, Tróia e o túmulo da 18ª dinastia faraó Tutancâmon. Artistas e designers integraram motivos do antigo Egito, Mesopotâmia, Grécia, Roma, Ásia, Mesoamérica e Oceania com elementos da Era da Máquina.

Outros estilos emprestados incluem o construtivismo russo e o futurismo italiano, assim como o orfismo, o funcionalismo e o modernismo em geral. Art Déco também usou as cores e desenhos do Fauvismo, notavelmente na obra de Henri Matisse e André Derain, inspirando os desenhos de tecidos art déco, papel de parede e cerâmica pintada. Foram tiradas ideias do vocabulário de alta moda do período, que continha desenhos geométricos, divisas, ziguezagues e buquês estilizados de flores. Foi influenciado por descobertas na Egiptologia e crescente interesse pelo Oriente e pela arte africana. A partir de 1925, foi muitas vezes inspirado pela paixão por novas máquinas, como dirigíveis, automóveis e transatlânticos, e em 1930 essa influência resultou no estilo chamado modernidade aerodinâmica.

Estilo de luxo e modernidade
O art déco estava associado ao luxo e à modernidade; Combinou materiais muito caros e artesanato requintado colocado em formas modernistas. Nada era barato em Art Deco: peças de mobília incluíam incrustações de marfim e prata, e peças de jóias art déco combinavam diamantes com platina, jade e outros materiais preciosos. O estilo foi usado para decorar os salões de primeira classe de transatlânticos, trens de luxo e arranha-céus. Foi usado em todo o mundo para decorar os grandes palácios de cinema do final dos anos 1920 e 1930. Mais tarde, após a Grande Depressão, o estilo mudou e ficou mais sóbrio.

Um bom exemplo do estilo de luxo da Art Deco é o boudoir da estilista Jeanne Lanvin, desenhada por Armand-Albert Rateau (1882-1938), feita entre 1922-25. Ele estava localizado em sua casa na rue Barbet de Jouy, 16, em Paris, que foi demolida em 1965. A sala foi reconstruída no Museu de Artes Decorativas de Paris. As paredes estão cobertas de lambris moldados abaixo de baixos-relevos esculpidos em estuque. A alcova é emoldurada com colunas de mármore com bases e um plinto de madeira esculpida. O chão é de mármore branco e preto, e nos armários são expostos objetos decorativos sobre um fundo de seda azul. Seu banheiro tinha uma banheira e pia de mármore sienna, com uma parede de estuque entalhado e acessórios de bronze.

Em 1928, o estilo tornou-se mais confortável, com poltronas de couro. O estudo desenhado pela firma de Paris Alavoine para um empresário americano em 1928-30, agora no Brooklyn Museum, tinha uma característica americana única. Desde que foi construído durante a Lei Seca, quando o consumo de álcool era proibido, incluía uma barra secreta escondida atrás dos painéis.

Na década de 1930, o estilo tinha sido um pouco simplificado, mas ainda assim era extravagante. Em 1932, o decorador Paul Ruoud fez o Salão de Vidro para Suzanne Talbot. Apresentava uma poltrona serpentina e duas poltronas tubulares de Eileen Gray, um piso de placas de vidro prateado, um painel de padrões abstratos em prata e laca preta e uma variedade de peles de animais.

Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas (1925)
O evento que marcou o auge do estilo e deu o seu nome foi a Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, que teve lugar em Paris de abril a outubro de 1925. Este foi oficialmente patrocinado pelo governo francês, e cobriu um site em Paris de 55 acres, correndo do Grand Palais, na margem direita, até Les Invalides, na margem esquerda, e ao longo das margens do Sena. O Grand Palais, o maior salão da cidade, estava cheio de exposições de artes decorativas dos países participantes. Havia 15.000 expositores de vinte países diferentes, incluindo Inglaterra, Itália, Espanha, Polônia, Tchecoslováquia, Bélgica, Japão e a nova União Soviética, embora a Alemanha não fosse convidada por causa das tensões após a guerra e os Estados Unidos, entendendo mal o propósito da a exposição, recusou-se a participar. Foi visitado por dezesseis milhões de pessoas durante seus sete meses de execução. As regras da exposição exigiam que todo o trabalho fosse moderno; Nenhum estilo histórico foi permitido. O principal objetivo da exposição era promover os fabricantes franceses de móveis de luxo, porcelana, vidro, metalurgia, têxteis e outros produtos decorativos. Para promover ainda mais os produtos, todas as principais lojas de departamento e grandes designers de Paris tinham seus próprios pavilhões. A exposição teve um objetivo secundário na promoção de produtos de colônias francesas na África e na Ásia, incluindo marfim e madeiras exóticas.

O Hôtel du Riche Collectionneur era uma atração popular na Exposição; exibia os novos desenhos de móveis de Emile-Jacques Ruhlmann, bem como tecidos art déco, tapetes e uma pintura de Jean Dupas. O design de interiores seguia os mesmos princípios de simetria e formas geométricas que o diferenciavam da Art Nouveau, e cores vivas, materiais artesanais raros e caros que o diferenciavam da funcionalidade estrita do estilo modernista. Enquanto a maioria dos pavilhões eram luxuosamente decorados e cheios de móveis de luxo feitos à mão, dois pavilhões, os da União Soviética e do Pavilhão do Novo Esprit, construídos pela revista de mesmo nome dirigida por Le Corbusier, foram construídos em um estilo austero com paredes brancas e sem decoração; eles estavam entre os primeiros exemplos da arquitetura modernista.

Arranha-céus
Arranha-céus americanos marcaram o cume do estilo art déco; eles se tornaram os edifícios modernos mais altos e mais reconhecidos do mundo. Eles foram projetados para mostrar o prestígio de seus construtores através de sua altura, sua forma, sua cor e sua iluminação dramática à noite. O primeiro arranha-céu de Nova York, o Woolworth Building, em estilo neoclássico, foi concluído em 1913, e o American Telephone and Telegraph Building (1924) tinha colunas iônicas e dóricas e um hipóstilo dórico clássico com um friso. O American Radiator Building, de Raymond Hood (1924), combinava elementos góticos e artísticos modernos no design do edifício. O tijolo preto na fachada do edifício (simbolizando carvão) foi selecionado para dar uma ideia de solidez e dar ao edifício uma massa sólida. Outras partes da fachada estavam cobertas de tijolos de ouro (simbolizando fogo), e a entrada era decorada com mármore e espelhos negros. Outro arranha-céu Art Déco foi o Guardian Building de Detroit, inaugurado em 1929. Projetado pelo modernista Wirt C. Rowland, o prédio foi o primeiro a empregar aço inoxidável como elemento decorativo e o uso extensivo de desenhos coloridos no lugar de ornamentos tradicionais.

O horizonte de Nova York foi radicalmente alterado pelo Edifício Chrysler, em Manhattan (concluído em 1930), projetado por William Van Alen. Era uma propaganda gigante de setenta e sete andares para os automóveis da Chrysler. O topo foi coroado por uma torre de aço inoxidável, e foi ornamentado por deco “gárgulas” na forma de decorações de tampas de radiador de aço inoxidável. A base da torre, trinta e três andares acima da rua, era decorada com frisos art déco coloridos, e o lobby era decorado com símbolos art déco e imagens expressando modernidade.

O Chrysler Building foi seguido pelo Empire State Building por William F. Lamb (1931) e o RCA Building (agora o Comcast Building) no Rockefeller Center, por Raymond Hood (1933), que juntos mudaram completamente o horizonte de Nova York. Os topos dos edifícios foram decorados com coroas e torres de Art Déco cobertas com aço inoxidável e, no caso do edifício Chrysler, com gárgulas Art Déco modeladas com ornamentos de radiador, enquanto as entradas e lobbies eram ricamente decoradas com a escultura Art Déco. cerâmica e design. Edifícios semelhantes, embora não tão altos, logo apareceram em Chicago e em outras grandes cidades americanas. O Edifício Chrysler foi logo superado em altura pelo Empire State Building, em um estilo Deco um pouco menos luxuoso. O Rockefeller Center adicionou um novo elemento de design: vários edifícios altos agrupados em torno de uma praça aberta, com uma fonte no centro.

Art Deco tardio
Em 1925, duas diferentes escolas concorrentes coexistiram no Art Déco: os tradicionalistas, que haviam fundado a Sociedade de Artistas Decorativos; incluiu o designer de móveis Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, o escultor Antoine Bourdelle e o designer Paul Poiret; eles combinaram formas modernas com artesanato tradicional e materiais caros. Do outro lado estavam os modernistas, que cada vez mais rejeitavam o passado e queriam um estilo baseado em avanços em novas tecnologias, simplicidade, falta de decoração, materiais baratos e produção em massa. Os modernistas fundaram sua própria organização, A União Francesa de Artistas Modernos, em 1929. Seus membros incluíam os arquitetos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier e, na União Soviética, Konstantin Melnikov; a designer irlandesa Eileen Gray e a designer francesa Sonia Delaunay, os joalheiros Jean Fouquet e Jean Puiforcat. Eles atacaram ferozmente o estilo tradicional de art déco, que, segundo eles, foi criado apenas para os ricos, e insistiram que edifícios bem construídos deveriam estar disponíveis para todos, e essa forma deveria seguir a função. A beleza de um objeto ou edifício residia em saber se era perfeitamente adequado para cumprir sua função. Modernos métodos industriais significavam que móveis e edifícios poderiam ser produzidos em massa, não feitos à mão.

O designer de interiores Art Deco Paul Follot defendeu Art Deco desta forma: “Sabemos que o homem nunca se contenta com o indispensável e que o supérfluo é sempre necessário … Se não, teríamos que nos livrar da música, flores e perfumes ..! ” No entanto, Le Corbusier foi um brilhante publicista para a arquitetura modernista; Ele afirmou que uma casa era simplesmente “uma máquina para viver”, e incansavelmente promoveu a idéia de que Art Deco era o passado e modernismo era o futuro. As idéias de Le Corbusier foram gradualmente adotadas pelas escolas de arquitetura, e a estética da Art Deco foi abandonada. As mesmas características que tornaram o Art Déco popular no início, seu artesanato, materiais ricos e ornamentos, levaram ao seu declínio. A Grande Depressão, que começou nos Estados Unidos em 1929 e chegou à Europa pouco depois, reduziu enormemente o número de clientes ricos que podiam pagar pelo mobiliário e objetos de arte. No clima econômico da Depressão, poucas empresas estavam prontas para construir novos arranha-céus. Até mesmo a empresa de Ruhlmann recorreu à produção de peças de mobiliário em série, em vez de itens individuais feitos à mão. Os últimos edifícios construídos em Paris no novo estilo foram o Museu de Obras Públicas de Auguste Perret (atual Conselho Econômico, Social e Ambiental da França) e o Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma e o Palais. de Tóquio da Exposição Internacional de Paris de 1937; olhavam para o grandioso pavilhão da Alemanha nazista, projetado por Albert Speer, que enfrentava o igualmente grandioso pavilhão socialista-realista da União Soviética de Stálin.

Após a Segunda Guerra Mundial, o estilo arquitetônico dominante tornou-se o Estilo Internacional, pioneiro de Le Corbusier e Mies Van der Rohe. Um punhado de hotéis Art Déco foi construído em Miami Beach após a Segunda Guerra Mundial, mas em outros lugares o estilo desapareceu em grande parte, exceto no design industrial, onde continuou a ser usado no estilo de automóveis e produtos como juke boxes. Na década de 1960, experimentou um modesto renascimento acadêmico, graças em parte aos escritos de historiadores da arquitetura, como Bevis Hillier. Nos anos 70, foram feitos esforços nos Estados Unidos e na Europa para preservar os melhores exemplos da arquitetura Art Déco, e muitos prédios foram restaurados e reaproveitados. A arquitetura pós-moderna, que apareceu pela primeira vez na década de 1980, como Art Deco, muitas vezes inclui características puramente decorativas. Deco continua a inspirar designers e é frequentemente usado na moda contemporânea, jóias e produtos de higiene pessoal.