O Pavilhão Russo na 56ª Bienal de Veneza apresentará o Pavilhão Verde de Irina Nakhova. Desde meados da década de 1970, Nakhova (n. 1955) deu uma contribuição significativa ao desenvolvimento do conceitualismo de Moscou, infundindo seu modelo logocêntrico com intensidade visual e uma vantagem crítica. No início dos anos 80, usando um dos quartos em seu apartamento em Moscou, Nakhova embarcou em uma série de ambientes intitulados “Quartos”. Juntamente com a curadora do Pavilhão Russo, Margarita Tupitsyn, uma especialista de renome internacional em vanguarda russa e arte contemporânea, Nakhova realizou aqui uma série de ambientes ambiciosos que revisitam os paradigmas da vanguarda russa, além de explorar e redefinir Os conceitos de Nakhova de relações espaciais e interação do espectador.

O Pavilhão Russo é pintado de verde, uma cor deliberadamente escolhida para evocar a aparência original do edifício, projetada por Aleksei Shchusev em 1914. Com o pavilhão, Shchusev criou um edifício especialmente adequado para acomodar e aprimorar várias práticas artísticas. O projeto de Nakhova funde deliberadamente a funcionalidade da estrutura de Shchusev com o próprio uso das tecnologias mais recentes.

Segundo Tupitsyn, o Pavilhão Verde também deve ser encarado como um diálogo com o Pavilhão Vermelho de Kabakov, executado na 45ª Bienal de Veneza, em 1993. Com o Pavilhão Vermelho, Kabakov demonstrou a importância do discurso de cores para artistas modernistas e pós-modernos russos. , que mudou a abordagem da cor de formalista para “sócio-formalismo”. Kabakov ergueu o Pavilhão Vermelho nos terrenos do edifício, deixando o próprio pavilhão vazio – uma poderosa metáfora que incorporava o status não institucional dos artistas de vanguarda e sua não participação na indústria cultural soviética. Enquanto o Pavilhão Vermelho de Kabakov marcou o fim da fase hermética da vanguarda de Moscou, o Pavilhão Verde de Nakhova retoma o debate sobre a saída desses artistas dos contextos locais em favor de um significado mais global na era pós-soviética.

Dentro do Pavilhão Verde, Nakhova ressalta ainda mais os mecanismos significantes da cor, pintando em todos os cômodos um tom diferente. A divisão de Shchusev do pavilhão russo em cinco espaços distintos levou Nakhova a revisitar sua série Rooms dos anos 80, onde o espectador estava envolvido ativamente em um experimento artístico. Na primeira sala no andar principal do pavilhão, Nakhova se projeta para a imagem futurista de um piloto em forma de cabeça. A impenetrabilidade da cabeça de grandes dimensões (alcançada por meio de capacete, máscara e óculos), combinada com a proposição de que o espectador procura controlar suas percepções, revela a dualidade da posição do artista na sociedade. Por um lado, ele é autoritário, enquanto, por outro, é muito dependente do mundo externo do qual pretende escapar e, simultaneamente, deseja controlar.

Na segunda sala da instalação, Nakhova aborda a Praça Negra de Kazimir Malevich, a tela mais enigmática da história do modernismo, uma obra totalmente dependente da imaginação do espectador, pois não fornece referências formais nem iconográficas. Dependendo da posição de alguém na instalação de Nakhova, o quadrado parece opaco, criando o efeito de um eclipse solar, ou transparente, como se estivesse ligado ao cosmos, observável através da clarabóia acima.

No terceiro espaço, os presentes pintores de Nakhova se expandem além dos limites da moldura, preenchendo todo o espaço com uma composição abstrata executada em duas das cores mais significativas da história da arte russa: vermelho revolucionário e verde perestroika. As características dessas duas épocas da história da Rússia são assim comunicadas exclusivamente através do uso de cor e forma, lembrando ao espectador as aspirações sociais da arte abstrata.

Para o térreo do pavilhão, Nakhova criou uma instalação de vídeo que consiste nas grades de recriações digitais de módulos arquitetônicos extraídos dos monumentos icônicos de Shchusev, como o Mausoléu de Lenin; esses módulos são preenchidos com fotografias de arquivo privadas e públicas. Nakhova desestabiliza essa arquitetônica factográfica pela inserção de imagens de abjeção, como os vermes, e por uma confluência de elementos que juntos alegorizam a vulnerabilidade e instabilidade de afirmações históricas.

Biografia
Irina Isayevna Nakhova (russa: Ирина Исаевна Нахова; nascida em 1955 em Moscou) é uma artista russa. Seu pai, Isai Nakhov, é filólogo. Aos 14 anos, sua mãe a levou ao Atelier de Victor Pivovarov. Pivovarov desempenhou um papel importante em sua vida e mais tarde se tornou seu mentor. Em 2015, Nakhova se tornou a primeira artista feminina a representar a Rússia em seu pavilhão na Bienal de Veneza. Ela é representada pela Nailya Alexander Gallery em Nova York. Atualmente, Nakhova vive e trabalha em Moscou e Nova Jersey. Ela trabalha com diferentes mídias, como belas artes, fotografia, sons, sensores e materiais infláveis. É Laureada do Prêmio Kandinsky 2013.

Nakhova se formou no Departamento de Design Gráfico do Instituto Poligráfico de Moscou em 1978. Foi membro da União dos Artistas da URSS de 1986 a 1989 e, ao lado de seus amigos e colegas Ilya Kabakov, George Kisevalter, Vladimir Sorokin, Dmitrii Prigov e George Kisevalter, e Andrei Monastyrsky, é considerado um dos membros fundadores do conceitualismo de Moscou. Nakhova recebeu reconhecimento internacional como uma jovem artista de Rooms (1983-1987), a primeira “instalação total” em arte russa, localizada no apartamento de Moscou, onde ela ainda vive hoje.

Em 1988, Nakhova foi um dos artistas mais jovens incluídos no primeiro leilão da Sotheby’s em Moscou. O leilão “inovador”, intitulado “Avant-Garde e Arte Soviética”, obteve mais de US $ 3.000.000 e marcou um grande passo à frente na abertura da arte russa aos mercados da Europa Ocidental e Americana. O trabalho de Nakhova chamou a atenção do galerista americano Phyllis Kind, que fez ao artista três exposições individuais em Nova York no início dos anos 90, as primeiras exposições de Nakhova nos Estados Unidos.

De 1994 a 1997, ela foi professora em uma universidade em Detroit, nos EUA. Em 2011, Nakhova foi convidado especial da Quarta Bienal de Arte Contemporânea de Moscou no Museu de Arte Moderna de Moscou. Como parte de uma retrospectiva em larga escala do trabalho de Nakhova, sua instalação seminal Sala nº 2 (1983-1987) foi resultado de sua frustração com o regime opressivo soviético, localizado em seu apartamento em Moscou, onde vive hoje.

Em 2013, Nakhova recebeu o Prêmio Kandinsky na categoria Projeto do Ano, uma das maiores honras da arte contemporânea russa, por seu trabalho Sem título. Nakhova descreveu Sem título como “meu acerto de contas com a história como compreendido através da história da minha família – minha avó, vovô executado, mãe, pai e meu eu passado. Esta é minha tentativa de entender o inexplicável estado de coisas que reinou em meu país por no século passado, e entender através de imagens privadas como milhões de pessoas foram apagadas da história e felizes esquecidas; como as pessoas foram cegas e suas almas destruídas para que possam viver sem memória e história “.

Colecções
O trabalho de Nakhova está em coleções públicas e privadas em toda a França, Alemanha, Grã-Bretanha, Itália, Espanha, Suécia, Suíça e Estados Unidos. Na Rússia, seu trabalho pode ser encontrado no Museu de Arte Moderna de Moscou, no Centro Nacional de Artes Contemporâneas e na Galeria Estatal Tretyakov, em Moscou.

O trabalho de Nakhova faz parte da Coleção Norton e Nancy Dodge de Arte Não Conformista Soviética, uma das maiores coleções de arte da era soviética fora da Rússia, reunida pelo economista norte-americano Norton Dodge do final da década de 1950 até o advento da Perestroika na década de 1980. Dodge contrabandeava quase 10.000 obras de arte da URSS para os Estados Unidos durante o auge da Guerra Fria, muitas vezes em grande risco pessoal, uma história detalhada em The Ransom of Russian Art (1994), de John McPhee. A coleção foi doada para a Universidade Rutgers em meados dos anos 90, onde está em exposição permanente no Museu de Arte Jane Voorhees Zimmerli da Universidade.

A Exposição
Em 2015, Nakhova foi escolhido para representar a Rússia em seu pavilhão na Bienal de Veneza. Ela foi a primeira artista feminina a representar a Rússia em um pavilhão solo. “Com base no diálogo com a própria estrutura do pavilhão, projetada por Aleksei Shchusev em 1914, o Pavilhão Verde se relaciona tanto à arte de instalação quanto à arquitetura”, escreve Stella Kesaeva, presidente da Stella Art Foundation, no catálogo da instalação. . “Como no projeto de [Vadim] Zakharov, as características arquitetônicas do pavilhão compreendem um componente importante da instalação de Nakhova. Desta vez, uma abertura foi novamente criada entre o primeiro e o segundo andar do prédio de Schusev, além do exterior pintado de verde. resultado: o Pavilhão Russo assume a aparência de um mirante romântico, escondendo em si a metáfora espacial da Praça Negra de Kazimir Malevich (1915) .Outra instalação apresentada neste pavilhão foi o seu projeto “salas”, que eram um complexo de cinco espaços diferentes entre arte, arquitetura e o ponto de vista dos espectadores “.

A instalação em três partes de Irina Nakhova O Pavilhão Verde, que representou a Rússia na Bienal de Veneza (2015), é um olhar instigante, mas desarticulado, de nossa relação com a história e o futuro.

Artista de instalação e pintor academicamente treinado, Nakhova combina pintura, escultura e novas mídias em instalações e ambientes interativos que envolvem os espectadores como co-criadores de paisagens mentais conceituais. A arte é poderosa e reveladora, experiências diferenciais, físicas e intelectuais, que não existem de outra forma como espaços.

Existimos como parte da história. Podemos ser golpeados por forças fora de nosso controle e nossas contribuições observáveis ​​podem desaparecer. A história é o que é e o futuro é incerto e agourento, mas nós éramos e fazemos parte de toda a história.

Como a sala verde-vermelha de Nakhova, “A composição abstrata vem da tela anterior de Nakhova, Primary Colors 2 (2003), imbuída das teorias redutoras de cores da vanguarda russa… e abraça o que Malevich chamou de ‘um novo realismo de cores’. Aplicado mecanicamente , o último transgride os limites da tela para operar no espaço literal. Nesse sentido, a sala verde-vermelha de Nakhova é um híbrido pós-moderno (jamesoniano) de forma e texto colorido, no qual é possível localizar os traços e distorções da sociedade como um todo.

Destaques

A primeira parte da instalação, uma cabeça gigante de um homem de capacete cujas características mudam sutilmente, é visualmente deslumbrante, mas não está imediatamente claro como isso está relacionado à instalação como um todo.

Quando você entra na primeira sala, todos os tamanhos são diferentes, e quem o recebe lá é o piloto. O piloto é o seu navegador através do tempo. Então, quando você está aqui, está escuro. Os céus estão fechados, mas você está no cockpit do voo. Quando você se aproxima do piloto, seus olhos se abrem, ele olha para você e também para o céu, e você pode ver que o céu está se abrindo [através de uma clarabóia]. Então você realmente vê o que está acontecendo, mas também é como em um sonho, porque não há comunicação verbal.

A segunda parte da instalação ocupa dois quartos. Na sala inferior, imagens e vídeos da antiga URSS são projetados nas paredes. Círculos azuis e vermelhos e X começam a aparecer em algumas pessoas mostradas nas fotografias; as fotos e os vídeos desaparecem e são substituídos por novas imagens. À medida que as pessoas na foto são riscadas e suas imagens desaparecem, parece que elas estão sendo ‘desaparecidas’ da história, um destino sofrido por muitas vítimas de regimes totalitários ao longo dos anos.

Essa representação visual da prática de “desaparecer” é um pouco óbvia, mas o que faz a instalação funcionar é a maneira como os espectadores se tornam parte da obra. Acima da sala de fotos desaparecidas, há uma sala cinza vazia. Nesta sala de observação, os visitantes podem olhar através de uma janela de plástico transparente no chão e ver as pessoas observando as fotografias e vídeos desbotados.

A luz cai através de uma clarabóia no teto, através do painel de plástico no chão e na sala abaixo. Se as pessoas naquela sala olharem para cima, verão que estão sendo observadas pelas pessoas na sala acima.

De tempos em tempos, a clarabóia se fecha e a sala de imagens fica escura. Quando a clarabóia se abre e a luz retorna, algumas das pessoas abaixo seguem em frente – elas desaparecem. Da mesma forma, às vezes a sala de observação fica escura e quando a luz retorna, alguns dos observadores também desaparecem.

Vivendo sob um regime autoritário opressivo, espectadores inocentes podem acabar como observadores – testemunhas silenciosas da turbulência ao seu redor. Isso cria um dilema horrível. Permanecendo caladas e sem fazer nada, essas testemunhas silenciosas são cúmplices dos horrores perpetrados? No entanto, se as testemunhas silenciosas falarem ou agirem, elas não serão as próximas vítimas? Em um ambiente tão cruel, qualquer pessoa pode ser ‘riscada’ e obrigada a desaparecer.

No vídeo acima, quando Irina Nakhova descreve essa segunda zona no Pavilhão Verde, o artista não menciona as pessoas que estão sendo cruzadas das fotos, mas sim se concentra no efeito quando a sala fica escura:

É o lugar onde você pode realmente encontrar a si mesmo e ver o que está acontecendo ao seu redor com uma consciência aguda. Quando está tudo escuro, você tem apenas o céu e o passado. Para mim, é reconfortante porque estava diante de nós, estará atrás de nós e fazemos parte da história, então não há medo, não há alegria, mas é a natureza que nos domina e passa por nós.

A terceira parte da instalação é uma sala vazia pintada com um padrão abstrato de verde e vermelho. Descrevendo isso, o artista declara:

Pavilhão Russo
O pavilhão russo abriga a representação nacional da Rússia durante os festivais de artes da Bienal de Veneza. O pavilhão russo foi projetado e construído entre 1913 e 1914. Seu arquiteto, Alexey Shchusev, usou motivos da arquitetura russa dos séculos XVII e XVIII.

A Stella Art Foundation é uma organização sem fins lucrativos criada em Moscou em novembro de 2003 por iniciativa de Stella Kesaeva. A fundação é dedicada ao apoio à arte contemporânea, com foco especial no incentivo a bolsas de estudos no campo da arte conceitual de Moscou. Mantém uma coleção de mais de mil obras de arte dos séculos XX e XXI. A Stella Art Foundation realizou cerca de cem projetos de artistas russos e estrangeiros na Rússia e no exterior.

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição curada por Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: os modos pelos quais, ou seja, as tensões do externo o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas nos Arquivos Históricos de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foram completamente reformados.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.