Para a 56ª Exposição Internacional de Arte – a Bienal de Veneza, o MIT List Visual Arts Center encomendou Joan Jonas, uma figura pioneira em vídeo e performance, para criar uma nova instalação multimídia que ocupasse a totalidade das cinco galerias do Pavilhão dos EUA.

A instalação incorpora a mistura icônica de performance, vídeo arte, desenho e escultura de Jonas para criar uma jornada imersiva e multipartida que aborda a fragilidade do mundo natural.

Por cinco décadas, Jonas está na vanguarda das formas de arte interdisciplinares. Sua integração pioneira de vídeo, escultura e performance cria ambientes expansivos, alterando os modelos tradicionais de criação de imagens e de contar histórias. Considerado um dos artistas de vídeo e performance mais influentes que surgiram no final dos anos 1960, Jonas continua a criar novos corpos de trabalho que consideram assuntos como a figura da paisagem, o uso ritual de objetos e gestos e a fragilidade do ambiente natural no ambiente. idade do antropoceno. Seu trabalho foi recentemente objeto de uma grande retrospectiva na Tate Modern, e ela recebeu o Prêmio de Kyoto 2018, que reconhece conquistas e contribuições globais para a humanidade.

Inspirado pelo exame anterior de Jonas do romance fantástico de Halldόr Laxness, Under the Glacier, seus verões na Nova Escócia e a maravilha da natureza, They Come to Us without Word integram vídeo, desenhos, sons, objetos e performances para construir cinco galerias imersivas, cada uma organizada em torno de uma imagem central (abelhas, peixes, espelho, vento e sala de aula). Fragmentos de histórias de fantasmas provenientes de tradições orais de Cape Breton, Nova Escócia, formam uma narrativa não-linear que liga cada galeria à seguinte. Através da interação de mídias diferentes, elas chegam até nós sem uma palavra espelha a interferência humana nos ecossistemas da natureza, criando uma experiência em que o impacto de cada elemento artístico reverbera por toda a sala. Tomados em conjunto, esses elementos formam um trabalho altamente complexo que descreve uma cadeia da vida fraturada, porém interdependente.

Biografia
Joan Jonas (nascida em 13 de julho de 1936) é uma artista visual americana e pioneira na arte de vídeo e performance, uma das artistas femininas mais importantes que surgiram no final da década de 1960 e no início da década de 1970. Os projetos e experimentos de Jonas forneceram a base sobre a qual muita arte de performance de vídeo seria baseada. Suas influências também se estenderam à arte conceitual, teatro, performance e outras mídias visuais. Ela vive e trabalha em Nova York e Nova Escócia, Canadá.

Jonas nasceu em 1936 na cidade de Nova York. Electronic Arts Intermix, recuperado em 13 de agosto de 2014. Em 1958, ela se formou em História da Arte pelo Mount Holyoke College em South Hadley, Massachusetts. Mais tarde, estudou escultura e desenho na Escola do Museu de Belas Artes de Boston e recebeu um MFA em Escultura pela Columbia University em 1965. Imerso na cena artística do centro de Nova York nos anos 1960, Jonas estudou com a coreógrafa Trisha Brown por dois anos. . Jonas também trabalhou com os coreógrafos Yvonne Rainer e Steve Paxton.

Embora Jonas tenha iniciado sua carreira como escultora, em 1968 ela se mudou para o que era então território de vanguarda: misturando performance com adereços e imagens mediadas, situadas ao ar livre em paisagens urbanas ou rurais e / ou ambientes industriais. Entre 1968-1971, Jonas apresentou Mirror Pieces, obras que usavam espelhos como motivo ou acessório central. Nessas primeiras apresentações, o espelho se tornou um símbolo de (auto) retrato, representação, corpo e real versus imaginário, além de, às vezes, adicionar um elemento de perigo e uma conexão com o público que era parte integrante do trabalho. Em Wind (1968), Jonas filmou artistas passando rigidamente pelo campo de visão contra um vento que emprestava à coreografia uma mística psicológica.

Em 1970, Jonas fez uma longa viagem ao Japão – onde comprou sua primeira câmera de vídeo e viu o teatro Noh, Bunraku e Kabuki – com o escultor Richard Serra. Suas performances em vídeo entre 1972 e 1976 reduziram o elenco a um ator, a própria artista, atuando em seu loft em Nova York como Organic Honey, seu alter-ego seminal inventado como uma “sedutora erótica eletrônica”, cuja aparência de boneca refletia bits na câmera exploraram a imagem feminina fragmentada e os papéis inconstantes das mulheres. desenhos, fantasias, máscaras e interações com a imagem gravada eram efeitos que se relacionavam opticamente a uma duplicação de percepção e significado. Em um desses trabalhos, Visual Telepathy da Organic Honey (1972), Jonas digitaliza sua própria imagem fragmentada em uma tela de vídeo. Em Disturbances (1973), uma mulher nada silenciosamente sob o reflexo de outra mulher. Songdelay (1973), filmado com lentes telefoto e grande angular (que produzem extremos opostos na profundidade de campo), inspirou-se nas viagens de Jonas no Japão, onde viu grupos de artistas Noh batendo palmas e fazendo movimentos angulares. Em uma entrevista em vídeo para o MoMA, Jonas descreveu seu trabalho como andrógino; obras anteriores estavam mais envolvidas na busca de um vernáculo feminino na arte, ela explica, e, diferentemente da escultura e da pintura, o vídeo era mais aberto, menos dominado pelos homens.

Em 1975, Jonas apareceu como ator no filme Keep Busy, do fotógrafo Robert Frank e do romancista-roteirista Rudy Wurlitzer. Em 1976, com The Juniper Tree, Jonas chegou a uma estrutura narrativa de diversas fontes literárias, como contos de fadas, mitologia, poesia e canções folclóricas, formalizando um método de apresentação não-linear altamente complexo. Usando um cenário teatral colorido e som gravado, The Juniper Tree recontou um conto dos Irmãos Grimm sobre uma madrasta arquetípica do mal e sua família.

Na década de 1990, a série My New Theatre de Jonas se afastou da dependência de sua presença física. As três peças investigaram, em sequência: um dançarino de Cape Breton e sua cultura local; um cachorro pulando um arco enquanto Jonas desenha uma paisagem; e, finalmente, usando pedras, roupas, objetos carregados de memória e seu cachorro, um vídeo sobre o ato de se apresentar. Ela também criou ‘Revolted by the Thought of Known Places … (1992) e Woman in the Well (1996/2000).

Em sua instalação / performance encomendada para Documenta 11, Lines in the Sand (2002), Jonas investigou temas do eu e do corpo em uma instalação de performance baseada no poema épico do escritor HD (Hilda Doolittle) “Helen in Egypt” ( 1951-1955), que retrabalha o mito de Helena de Tróia. Jonas apresentou muitas de suas primeiras apresentações no The Kitchen, incluindo Funnel (1972) e a exibição de Vertical Roll (1972). Em The Shape, The Scent, The Feel of Things, produzido pela The Renaissance Society em 2004, Jonas se baseia no trabalho de Aby Warburg sobre as imagens de Hopi.

Desde 1970, Jonas passa parte de todo verão em Cape Breton, Nova Escócia. Ela viveu e trabalhou na Grécia, Marrocos, Índia, Alemanha, Holanda, Islândia, Polônia, Hungria e Irlanda.

As obras de Jonas foram apresentadas pela primeira vez nas décadas de 1960 e 1970 para alguns dos artistas mais influentes de sua geração, incluindo Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham e Laurie Anderson. Embora ela seja amplamente conhecida na Europa, suas performances inovadoras são menos conhecidas nos Estados Unidos, onde, como escreveu o crítico Douglas Crimp sobre seu trabalho em 1983, “a ruptura que é realizada nas práticas modernistas foi subsequentemente reprimida, suavizada”. No entanto, ao reorganizar trabalhos antigos e recentes, Jonas continua a encontrar novas camadas de significados em temas e questões de gênero e identidade que alimentam sua arte há mais de trinta anos.

A performance de Jonas inspirada nos escritos do antropólogo alemão Aby Warburg, The Shape, The Scent, The Feel of Things, foi encomendada por Dia Beacon e foi realizada duas vezes entre 2005 e 2006. Este projeto estabeleceu uma colaboração contínua e contínua com o pianista Jason Moran.

Para a temporada 2014/2015, na Ópera Estatal de Viena, Joan Jonas desenhou uma imagem em larga escala (176 m²) como parte da série de exposições Safety Curtain, concebida pelo museu em andamento.

Jonas ‘também foi apresentado como coreógrafo da Ópera de Robert Ashley, intitulado Celestial Excursions in 2003

Ensino
Desde 1993, o Jonas de Nova York passou parte de cada ano em Los Angeles, ministrando um curso de Novos Gêneros na Escola de Artes da UCLA. Em 1994, ela foi professora catedrática na Academia Estadual de Belas Artes de Stuttgart, Alemanha. Desde 1998, ela é professora de artes visuais no Instituto de Tecnologia de Massachusetts (MIT), onde atualmente é professora Emerita em Arte, Cultura e Tecnologia na Escola de Arquitetura e Planejamento.

Reconhecimento
Jonas foi premiado com bolsas de estudo e coreografia, coreografia, vídeo e artes visuais da National Endowment for the Arts; Fundação Rockefeller; Fundo de Televisão de Arte Contemporânea (CAT); Laboratório de Televisão na WNET / 13, Nova York; Oficina de televisão de artistas na WXXI-TV, Rochester, Nova York; e Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD). Jonas recebeu o Prêmio Museu de Arte Moderna da Prefeitura de Hyogo no Festival Internacional de Arte em Vídeo de Tóquio, o Prêmio Polaroid por Vídeo e o Prêmio Maya Deren do Instituto de Cinema Americano por Vídeo.

Em 2009, Jonas recebeu o Lifetime Achievement Award do Museu Solomon R. Guggenheim.

Em 2012, Jonas foi homenageado por ocasião do Benefício de Gala na Cozinha da Primavera.

Jonas foi nomeado Whitechapel Gallery Art Icon 2016. Em 2018, Jonas ganhou o Prêmio de Kyoto de arte.

Jonas ‘recebeu prêmios de Anonymous Was A Woman (1998); a Fundação Rockefeller (1990); Prêmio Maya Deren de Vídeo do American Film Institute (1989); Fundação Guggenheim (1976); e o National Endowment for the Arts (1974).

Coleções públicas
Joan Jonas está representada em Nova York pela empresa Gavin Brown e em Los Angeles pela Rosamund Felsen Gallery. Além de trabalhar em sua arte, Jonas atua no conselho consultivo do Hauser & Wirth Institute desde 2018.

O trabalho de Jonas pode ser encontrado em várias instituições públicas, incluindo:

Museu de Arte Moderna, Nova York
Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York
Tate Modern, Londres

A exibição
Joan Jonas concebe um novo complexo de obras, criando um ambiente multicamada, incorporando vídeo, desenhos, objetos e som. A literatura sempre foi uma inspiração e fonte para Jonas, e o projeto para Veneza estenderá sua investigação ao trabalho de Halldór Laxness e seus escritos sobre os aspectos espirituais da natureza, mas focará em outras fontes literárias.

Jonas continuou a trabalhar com uma abordagem multimídia ao longo de sua carreira, sendo uma das primeiras artistas a explorar o potencial da câmera de vídeo como ferramenta para a criação de imagens e o monitor de TV como objeto escultural. Ao mesmo tempo, Jonas experimentou em suas performances incorporando o corpo ao campo visual. Suas instalações e performances reúnem esses componentes através de desenhos, adereços e objetos para criar trabalhos que refletem sua pesquisa em relação ao espaço, narrativa ou narrativa e materiais, à medida que são alterados por várias tecnologias, como espelho, vídeo e distância. Em Veneza, ela trabalhará com esses diversos aspectos de sua prática para criar cinco salas distintas, com temas comuns unificando e ressonando em todo o espaço, relacionados à condição atual do mundo em termos poéticos.

O trabalho de Jonas se desenvolveu a partir de seus estudos de história da arte e prática escultórica e expandiu-se para performance e cinema na década de 1960, através de seu envolvimento com a cena avant-garde de Nova York. Seu trabalho teve uma influência significativa na arte contemporânea até o momento, pois ela continuou sendo uma figura importante nos campos da performance e da videoarte nas últimas cinco décadas.

Em conjunto com a apresentação de seu novo trabalho no Pavilhão dos EUA, a Lista apresentará Joan Jonas: Filmes e Vídeos Selecionados 1972-2005. Com curadoria de Henriette Huldisch, esta exposição apresentará sete dos trabalhos de vídeo em canal único mais significativos de Jonas, selecionados entre seus 40 anos de carreira, na Galeria Bakalar da List, de 7 de abril a 5 de julho de 2015. A exposição íntima fornecerá informações importantes e contexto para o novo trabalho de Jonas, exibido simultaneamente em Veneza, e compartilhará com o público local os principais vídeos e performances que levaram à seleção do artista como representante dos EUA na Bienal de Veneza 2015. Os trabalhos da exposição incluem:
Telepatia visual do mel orgânico (1972)
Songdelay (1973)
Boa noite, bom dia (1976)
Mirage (1976)
Cães Lunares Duplos (1984)
Saga do Vulcão (1989)
Linhas na areia (2002-2005)

Temas
Eles chegam até nós sem uma palavra, que inclui elementos de vídeo, desenhos, esculturais e performáticos, evoca a fragilidade da natureza em uma situação que muda rapidamente. Cada quarto do pavilhão representa uma criatura específica (abelhas, peixes), objeto (espelho), força (vento) ou local (a sala de aula). Fragmentos de histórias de fantasmas originários da tradição oral de Cape Breton, Nova Escócia, fazem parte de uma narrativa contínua que liga um cômodo ao outro. Esses fragmentos falados funcionam parcialmente como uma referência ao que resta. Jonas afirma: “Somos assombrados, os quartos são assombrados.” Uma peça ao ar livre, no pátio do pavilhão, consistindo em troncos de árvores mortas unidas por arame, ecoa os temas da instalação.

Quatro das salas apresentam dois vídeos cada, um representando o motivo principal da sala e o outro, a narrativa de fantasmas. Jonas desenvolveu os vídeos em Nova York em 2015 com crianças, com idades entre cinco e dezesseis. As crianças se apresentaram em frente a cenários de vídeo que continham trechos dos trabalhos anteriores de Jonas, além de paisagens que o artista filmou em Nova Escócia, Canadá, e Brooklyn, Nova York.

Uma seleção de objetos usados ​​como adereços nos vídeos é colocada em cada sala ao lado dos desenhos altamente distintivos de Jonas. A instalação é animada por uma trilha sonora projetada por Jonas, usando trechos de música do pianista de jazz, compositor Jason Moran e músicas do cantor norueguês Sami Ánde Somby. A iluminação personalizada é concebida pelo designer Jan Kroeze.

Os espelhos cobrem as paredes com painéis da rotunda do pavilhão, onde Jonas suspendeu uma estrutura do tipo lustre de contas de cristal. Os espelhos ondulados foram concebidos por Jonas e artesanais em Murano.

Joan Jonas recebeu um prêmio de Menção Especial de um júri internacional da 56ª Bienal de Veneza por sua evocativa instalação de vídeo e som. As instalações, as obras de vídeo e as performances de Jonas reúnem esses componentes com desenhos, adereços, objetos e linguagem, refletindo sua pesquisa sobre como a imagem é alterada através dos meios de espelho, distância, vídeo e narrativa.

Arte performática
Em conjunto com a exposição, Jonas apresentou performances de Moving Off the Land, um tributo hipnotizante e uma resposta poética ao poder do oceano. A apresentação em várias camadas reúne leituras, dança, desenho ao vivo e projeções para retratar os habitantes da biodiversidade do oceano e as culturas marinhas ameaçadas.

A instalação multimídia de Joan Jonas They Come to Us without Word foi recriada e apresentada como uma série de apresentações em julho de 2015 no Teatro Piccolo Arsenale, Veneza. Esse processo de tradução entre a mídia é uma prática contínua no trabalho de Jonas. Para as apresentações, o artista reeditou as imagens de vídeo criadas especificamente para o Pavilhão dos EUA. Com eles vêm até nós sem uma palavra II, Joan Jonas continua a investigar movimento, espaço e tempo em relação ao som e à imagem projetada. Neste trabalho, Jonas se refere a aspectos do desaparecimento no mundo natural através de sombras ou fantasmas, à medida que os humanos continuam a desconsiderar o meio ambiente.

Concebido e dirigido por Jonas, They Come to Us without a Word II contou com músicas compostas recentemente pelo colaborador de longa data de Jonas, o pianista e compositor de jazz americano Jason Moran.

“Esses fenômenos naturais que Joan Jonas evoca, como ela executa com som, desenho, movimento e outros estímulos, estão presentes por si mesmos e transmitem ao espectador o que são e o que fazem, o artista atuando como condutor. ou mensageiro de seu ser. “(Marina Warner)

“Embora a ideia do meu trabalho envolva a questão de como o mundo está mudando tão rapidamente e radicalmente, eu não falo sobre o assunto direta ou didaticamente”, disse Jonas. “Em vez disso, as idéias estão implícitas poeticamente através do som, da iluminação e da justaposição de imagens de crianças, animais e paisagem.”

Joan Jonas continua a investigar movimento, espaço e tempo, em relação ao som e à imagem projetada, com sua performance de estreia mundial no Teatro Piccolo Arsenale. Para a performance, Jonas reeditou as imagens de vídeo criadas especificamente para o Pavilhão dos EUA. Algumas das crianças presentes nesses vídeos iniciais também se apresentaram ao vivo no Teatro Piccolo Arsenale.

Pavilhão dos Estados Unidos
O pavilhão americano é um pavilhão nacional da Bienal de Veneza. Abriga a representação oficial dos Estados Unidos durante a Bienal. O pavilhão americano foi o nono a ser construído no Giardini, mas, ao contrário de outros pavilhões, que são construídos pelos governos, o pavilhão americano era de propriedade privada. O edifício Palladian, de três quartos, foi construído em 1930 para as Galerias de Arte da Grand Central de Nova York. Propriedade transferida para o Museu de Arte Moderna em 1954 e para a Fundação Guggenheim em 1986.

Para a representação nacional dos Estados Unidos, um comitê de especialistas seleciona as propostas elaboradas pelas instituições. O Comitê Consultivo para Exposições Internacionais é constituído pela Fundação Nacional das Artes e pelo Departamento de Estado. O processo de meses envolve uma inscrição com quase 100 páginas e um embargo final antes do anúncio.

O Pavilhão dos Estados Unidos na Bienal de Veneza foi construído em 1930 pela Grand Central Art Galleries, uma cooperativa de artistas sem fins lucrativos criada em 1922 por Walter Leighton Clark, juntamente com John Singer Sargent, Edmund Greacen e outros. Conforme declarado no catálogo de 1934 da Galleries, o objetivo da organização era “dar um campo mais amplo à arte americana; exibir de maneira mais ampla a um público mais numeroso, não apenas em Nova York, mas em todo o país, exibindo assim ao mundo” o valor inerente que nossa arte sem dúvida possui. ”

Em 1930, Walter Leighton Clark e as Grand Central Art Galleries lideraram a criação do Pavilhão dos EUA na Bienal de Veneza. Os arquitetos do pavilhão foram William Adams Delano, que também projetou as Grand Central Art Galleries, e Chester Holmes Aldrich. A compra do terreno, o projeto e a construção foram pagos pelas galerias e supervisionados pessoalmente por Clark. Como ele escreveu no catálogo de 1934:

“Seguindo nosso objetivo de colocar a arte americana em destaque perante o mundo, há alguns anos os diretores destinaram a quantia de US $ 25.000 para a construção de um edifício de exposições em Veneza, nos terrenos da Bienal Internacional. Os Srs. Delano e Aldrich doaram generosamente os planos para este edifício que é construído em mármore da Ístria e tijolo rosa e mais do que se mantém com os outros vinte e cinco outros edifícios do parque pertencentes a vários governos europeus “.

O pavilhão, de propriedade e operado pelas galerias, foi inaugurado em 4 de maio de 1930. Aproximadamente 90 pinturas e 12 esculturas foram selecionadas por Clark para a exposição de abertura. Os artistas apresentados incluem Max Boehm, Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper, Abraham Poole, Julius Rolshoven, Joseph Pollet, Eugene Savage, Elmer Shofeld, Ofelia Keelan e o artista afro-americano Henry Tanner. O embaixador dos EUA, John W. Garrett, abriu o show junto com o duque de Bergamo.

As Galerias de Arte Grand Central operaram o Pavilhão dos EUA até 1954, quando foi vendido ao Museu de Arte Moderna (MOMA). Durante as décadas de 1950 e 1960, as exposições foram organizadas pelo MOMA, Art Institute of Chicago e Baltimore Museum of Art. O Modern retirou-se da Bienal em 1964 e a Agência de Informações dos Estados Unidos administrou o Pavilhão até que ele fosse vendido para a Fundação Guggenheim, cortesia de fundos fornecidos pela Coleção Peggy Guggenheim.

O apoio financeiro da Philip Morris e o dinheiro privado levantado pelo Comitê para o Pavilhão Americano de 1986 na Bienal de Veneza de 1986 tornaram possível a exposição no pavilhão dos Estados Unidos. Desde 1986, a Coleção Peggy Guggenheim trabalha com a Agência de Informações dos Estados Unidos, o Departamento de Estado dos EUA e o Fundo para Artistas em Festivais e Exposições Internacionais na organização de exposições de artes visuais no Pavilhão dos EUA, enquanto a Fundação Solomon R. Guggenheim organizou shows comparáveis ​​nas Bienais de Arquitetura. A cada dois anos, curadores de museus de todo os EUA detalham suas visões para o pavilhão americano em propostas que são revisadas pelo Comitê Consultivo Federal da NEA para Exposições Internacionais (FACIE), um grupo composto por curadores, diretores de museus e artistas que, em seguida, enviam suas recomendações ao fundo público-privado para artistas dos Estados Unidos em festivais e exposições internacionais.

Tradicionalmente, o comitê de seleção da doação escolheu uma proposta apresentada por um museu ou curador, mas em 2004 simplesmente escolheu um artista que, por sua vez, nomeou um curador, posteriormente aprovado pelo Departamento de Estado.

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição com curadoria de Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: os modos pelos quais, ou seja, as tensões do externo o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas nos Arquivos Históricos de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foram completamente reformados.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.