Música minimalista é uma forma de música de arte que emprega materiais musicais limitados ou mínimos. Na tradição da música ocidental, os compositores americanos La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich e Philip Glass são considerados os primeiros a desenvolver técnicas de composição que exploram uma abordagem minimalista. Originou-se na cena do centro da cidade de Nova York da década de 1960 e foi inicialmente vista como uma forma de música experimental chamada New York Hypnotic School. Como estética, é marcada por uma concepção não narrativa, não teleológica e não representacional de um trabalho em progresso, e representa uma nova abordagem à atividade de ouvir música, concentrando-se nos processos internos da música, que faltam metas ou movimento em direção a esses objetivos. As características proeminentes da técnica incluem harmonia consonantal, pulso estável (se não drones imóveis), estase ou transformação gradual, e muitas vezes reiteração de frases musicais ou unidades menores, como figuras, motivos e células. Pode incluir recursos como processo aditivo e mudança de fase, o que leva ao que foi denominado música de fase. Composições mínimas que dependem fortemente de técnicas de processo que seguem regras rígidas são geralmente descritas usando o termo música de processo.

O movimento originalmente envolveu dezenas de compositores, embora apenas cinco (Young, Riley, Reich, Glass e, mais tarde, John Adams) tenham surgido para se tornarem publicamente associados à música minimal americana. Na Europa, a música de Louis Andriessen, de Karel Goeyvaerts, de Michael Nyman, de Howard Skempton, de Gavin Bryars, de Steve Martland, de Henryk Górecki, de Arvo Pärt e de John Tavener exibe traços minimalistas.

Não está claro onde o termo música mínima se origina. Steve Reich sugeriu que isso é atribuível a Michael Nyman, uma afirmação que dois estudiosos, Jonathan Bernard e Dan Warburton, também fizeram por escrito. Philip Glass acredita que Tom Johnson cunhou a frase.

Caracterização
A caracterização exata desse estilo de música é tão difícil quanto uma demarcação contra um pós-minimalismo por causa da grande variedade estilística. Existem vários recursos estilísticos:

estruturas repetitivas que surgem, entre outras coisas, através da justaposição e repetição constante das menores células ou padrões “motívicos” (melódicos, rítmicos ou harmônicos)
harmonia estável, linguagem musical tonal com muitas consonâncias
Processos aditivos e subtrativos: Ao adicionar ou remover notas individuais das células motivacionais, elas são alteradas em sua estrutura rítmica.
Mudanças de fase, sobreposições, mudança de ênfase das células motivadoras em diferentes vozes criam um tapete de som
Continuidade e evitar a acumulação de stress.
A cor e a densidade do tom são pouco alteradas.
Dá a impressão de ouvir fragmentos de um continuum musical permanente.
Conceito estendido de tempo: Novas dimensões na duração das peças – de alguns segundos ou minutos a horas, dias, semanas
função positiva do esquecimento
Em comparação com a música de arte, a Minimal Music tem uma complexidade harmônica bastante baixa: a Minimal Music geralmente se move no contexto de uma tonalidade modal e usa dissonâncias apenas com muito moderação. O elemento rítmico (muitas vezes polirrítmico) é fortemente enfatizado na Música Mínima, é altamente repetitivo: Um padrão básico simples (Padrão) é repetido por longos períodos de tempo com apenas ligeiras variações, quase imperceptivelmente perceptíveis, a peça resulta da justaposição das variações. Se um padrão é reproduzido em velocidades ligeiramente diferentes ao mesmo tempo, o efeito da mudança de fase (fase) ocorre.

Música Minimal ganhou considerável popularidade como uma música contemporânea fora da música pop (com a qual existem algumas interações), embora não necessariamente no público da música clássica tradicional.

Breve história
A palavra “minimal” talvez tenha sido usada pela primeira vez em 1968 por Michael Nyman, que “deduziu uma receita para o sucesso da música minimal do entretenimento apresentado por Charlotte Moorman e Nam June Paik no ICA”. incluiu um desempenho de Springen por Henning Christiansen e um número de peças não identificadas da performance-arte. Nyman mais tarde expandiu sua definição de música minimal em seu livro de 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, um dos poucos compositores a se identificar como minimalista, também afirma ter sido o primeiro a usar a palavra como novo crítico de música para o The Village Voice. Ele descreve o “minimalismo”:

A ideia do minimalismo é muito maior do que muitas pessoas imaginam. Inclui, por definição, qualquer música que trabalhe com materiais limitados ou mínimos: peças que usam apenas algumas notas, peças que usam apenas algumas palavras de texto ou peças escritas para instrumentos muito limitados, como címbalos antigos, rodas de bicicleta, ou copos de uísque. Inclui peças que sustentam um ruído eletrônico básico por um longo tempo. Inclui peças feitas exclusivamente a partir de gravações de rios e córregos. Inclui peças que se movem em círculos sem fim. Inclui peças que montam uma parede imóvel de som de saxofone. Inclui peças que demoram muito tempo para passar gradualmente de um tipo de música para outro. Inclui peças que permitem todos os passos possíveis, desde que caiam entre C e D. Inclui peças que diminuem o tempo para duas ou três notas por minuto.

Já em 1965, a historiadora de arte Barbara Rose havia nomeado Dream Music de La Monte Young, dinâmica caracteristicamente suave de Morton Feldman, e vários compositores sem nome “todos, em maior ou menor grau, em dívida com John Cage” como exemplos de “minimal art”, mas não usou especificamente a expressão “música minimal”.

Os mais proeminentes compositores minimalistas são John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley e La Monte Young. Outros que foram associados a essa abordagem composicional incluem Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith e Michael Parsons. Entre os compositores afro-americanos, a estética minimalista foi abraçada por figuras como o músico de jazz John Lewis e o artista multidisciplinar Julius Eastman.

As primeiras composições de Glass e Reich são um tanto austeras, com pouco embelezamento no tema principal. Estas são obras para pequenos conjuntos instrumentais, dos quais os compositores eram frequentemente membros. No caso de Glass, esses conjuntos compreendem órgãos, ventos – particularmente saxofones – e vocalistas, enquanto os trabalhos de Reich têm mais ênfase nos instrumentos de marretet e percussão. A maioria das obras de Adams são escritas para instrumentação clássica mais tradicional, incluindo orquestra completa, quarteto de cordas e piano solo.

A música de Reich e Glass atraiu patrocínios iniciais de galerias de arte e museus, apresentados em conjunto com minimalistas de visual-arte como Robert Morris (no caso de Glass), e Richard Serra, Bruce Nauman e o cineasta Michael Snow (como artistas, em Reich caso).

Desenvolvimento precoce
A música de Moondog das décadas de 1940 e 1950, que se baseava no contraponto que se desenvolvia estaticamente sobre pulsos constantes em assinaturas de tempo muitas vezes incomuns, influenciou tanto Philip Glass quanto Steve Reich. Glass escreveu que ele e Reich levaram o trabalho de Moondog “muito a sério e entenderam e apreciaram muito mais do que aquilo a que estávamos expostos na Juilliard”.

Uma das primeiras composições minimalistas foi em novembro de Dennis Johnson, escrita em 1959. Uma obra para piano solo que durou cerca de seis horas, demonstrou muitas características que viriam a ser associadas ao minimalismo, como tonalidade diatônica, repetição de frase, processo aditivo e duração. La Monte Young credita esta peça como inspiração para o seu magnum opus, The Well-Tuned Piano.

Em 1960, Terry Riley escreveu um quarteto de cordas em C major puro e não-fletido. Em 1963, Riley fez dois trabalhos eletrônicos usando delay de fita, Mescalin Mix e The Gift, que injetaram a idéia de repetição no minimalismo. Em 1964, In C, de Riley, fez com que as texturas se envolvessem de forma persuasiva, a partir da performance em camadas de frases melódicas repetidas. O trabalho é pontuado por qualquer grupo de instrumentos e / ou vozes. Em 1965 e 1966, Steve Reich produziu três obras – It’s Gonna Rain e Come Out para fita, e Piano Phase para artistas ao vivo – que introduziu a ideia de mudança de fase, ou permitindo que duas frases idênticas ou amostras de som reproduzidas em velocidades ligeiramente diferentes repetissem. lentamente saem de fase um com o outro. Começando em 1968 com 1 + 1, Philip Glass escreveu uma série de trabalhos que incorporaram o processo aditivo (forma baseada em seqüências como 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) no repertório de técnicas minimalistas; Esses trabalhos incluíram duas páginas, música em quinto, música em movimento contrário e outros. Glass foi influenciado por Ravi Shankar e pela música indiana desde a época em que foi designado para transcrever uma partitura de Ravi Shankar para a notação ocidental. Ele percebeu que no Ocidente o tempo é dividido como uma fatia de pão; Indianas e outras culturas pegam pequenas unidades e as amarram juntas.

Estilo
De acordo com Richard E. Rodda, “a música ‘minimalista’ é baseada na repetição de acordes comuns que mudam lentamente [acordes que são diatônicos para mais de uma tecla, ou então tríades, apenas major, ou maior e menor – veja: tom comum ] em ritmos estáveis, muitas vezes recobertos por uma melodia lírica em frases longas e arqueadas … utiliza padrões melódicos repetitivos, harmonias consonantes, ritmos motores e uma luta deliberada pela beleza aural. ” Timothy Johnson sustenta que, como estilo, a música mínima é basicamente contínua na forma, sem seções disjuntas. Uma conseqüência direta disso é uma textura ininterrupta feita de padrões rítmicos interligados e pulsos. Além disso, é marcado pelo uso de timbres brilhantes e uma maneira enérgica. Suas sonoridades harmônicas são distintamente simples, geralmente diatônicas, geralmente consistem em tríades familiares e em sétimas, e são apresentadas em um ritmo harmônico lento. Johnson discorda de Rodda, no entanto, ao descobrir que a característica mais característica da música mínima é a completa ausência de linhas melódicas estendidas. Em vez disso, há apenas breves segmentos melódicos, empurrando a organização, a combinação e as características individuais de padrões rítmicos curtos e repetitivos para o primeiro plano.

Na música popular
Música minimalista teve alguma influência na evolução da música popular. A banda de rock experimental The Velvet Underground teve uma conexão com a cena da cidade de Nova York, da qual música minimalista emergiu, enraizada na estreita relação de trabalho de John Cale e La Monte Young, este último influenciando o trabalho de Cale com a banda. O álbum de Terry Riley, A Rainbow in Curved Air (1969) foi lançado durante a era da psicodelia e do poder das flores, tornando-se o primeiro trabalho minimalista a ter sucesso de crossover, atraindo o público do rock e do jazz. O teórico musical Daniel Harrison cunhou o Smiley Smile (1967) de Beach Boys como uma obra experimental de “rock protominimal”, elaborando: “[O álbum] quase pode ser considerado uma obra de arte na tradição clássica ocidental, e suas inovações na a linguagem musical do rock pode ser comparada àquelas que introduziram a atonal e outras técnicas não tradicionais nessa tradição clássica. ” O desenvolvimento de gêneros específicos de rock experimental, como krautrock, rock espacial (da década de 1980), noise rock e pós-rock foi influenciado pela música minimalista.

Sherburne (2006) sugeriu que semelhanças notadas entre as formas mínimas de dance music eletrônica e a música minimal americana poderiam ser facilmente acidentais. Grande parte da tecnologia musical usada na dance music tem sido tradicionalmente projetada para se adequar aos métodos de composição baseados em loop, o que pode explicar por que certas características estilísticas de estilos, como o minimal techno, soam parecido com o minimal art music. Um grupo que claramente teve uma consciência da tradição minimal americana é o British Ambient Act The Orb. Sua produção de 1990 “Little Fluffy Clouds” apresenta uma amostra do trabalho de Steve Reich Electric Counterpoint (1987). Outro reconhecimento da possível influência de Steve Reich na música eletrônica de dança veio com o lançamento, em 1999, do álbum de tributo Reich Remixed, que contou com reinterpretações de artistas como DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii e Coldcut, entre outros.

Serialismo
Surpreendentemente, Anton Webern, aluno de Arnold Schoenberg e membro da Segunda Escola de Viena, também influencia o movimento minimalista. Em particular, em La Monte Young, que cita as seções estáticas do Six Bagatelles para o Quarteto de Cordas (1913) e a Sinfonia, op. (1928) como trabalhos que ajudaram fortemente a fazer a transição do serialismo e do minimalismo. O fato de que Webern também é uma grande influência no pós-serialismo que se desenvolve ao mesmo tempo na Europa, mas com concepções musicais radicalmente diferentes, é às vezes identificado como “paradoxal” pelos musicólogos.

A vanguarda americana
John Cage tem uma grande influência nos anos de nascimento do minimalismo. O mais importante compositor da música de vanguarda e experimental nos Estados Unidos, suas idéias repercutem, direta ou indiretamente, no trabalho dos minimalistas. Algumas peças de Cage podem parecer relacionadas ao minimalismo, incluindo suas primeiras composições, ou o famoso 4’33 “datando de 1952, a composição mais minimalista, desde que composta apenas de silêncio. Cage é, no entanto, muito crítico do minimalismo, e seu preferido técnica é indeterminação (ou não-intencionalidade), ou seja, o uso de aleatoriedade.Nas obras ou no processo de composição em si, será fortemente rejeitado pelo minimalista.

Música não-ocidental
Nos anos 1950 e 1960, a Europa Ocidental e os Estados Unidos descobriram música não-ocidental. Estas músicas geralmente baseadas em modos terão uma influência em todos os compositores minimalistas.

Vivendo na Costa Oeste, La Monte Young descobriu a música indiana em 1957 no campus da UCLA. Ele cita Ali Akbar Khan (sarod) e Chatur Lal (tabla) como particularmente notáveis. A música indiana terá uma influência decisiva sobre Young, especialmente a descoberta de tampoura, que ele aprende com Pandit Prân Nath. O papel da abelhinha de tampoura fascina Young e estimula seu interesse por sons duradouros. Young também reconhece a influência da música japonesa e em particular ogagaku. Essa influência é exercida na peça considerada como certidão de nascimento do minimalismo, Trio for Strings (1958).

Terry Riley descobre a música não-ocidental durante a sua estada na Europa, particularmente a música marroquina e a música indiana, via La Monte Young. Ele também colabora com Prân Nath para o álbum Music from Mills (1986).

Jazz
O jazz é de grande importância para o minimalista. Todos reconhecem a influência e, em particular, o jazz modal de John Coltrane, o free jazz e Ornette Coleman.

A improvisação é fundamental para Terry Riley, como acontece com La Monte Young. Este último é saxofonista e tem experiência de jazz como instrumentista, praticado principalmente durante o ensino médio e universitário. Em Los Angeles, ele tocou em grandes bandas e em pequenos grupos, especialmente com Eric Dolphy, Don Cherry e Billy Higgins, e planejou se dedicar ao jazz. A influência do jazz é claramente visível em seus trabalhos, especialmente seu saxofone sopranino ou seu interesse em formas de improvisação. Riley é pianista, estudou ragtime com Wally Rose e vive enquanto estudava na universidade e durante sua estada na França. Riley também está impressionado com John Coltrane, que inspirou entre outros aprendendo o saxofone soprano.

Para Steve Reich, o jazz também é uma grande influência. Reich é baterista e já tocou em grupos de jazz na High School e na Cornell University. Foi extremamente influenciado por John Coltrane, veria muitas vezes em concerto, e cita os álbuns My Favorite Things e Africa / Brass como particularmente significativos. Para Reich, é impensável que sua música tenha sido possível sem o jazz, especialmente o ritmo, a flexibilidade e o sentido melódico do jazz, que parece ser influências fundamentais.

Ao contrário de seus colegas, Philip Glass, mais exclusivamente em formação de música clássica, não via o jazz como uma de suas influências, embora reconheça ter ficado fascinado pelo free jazz de Ornette Coleman e John Coltrane.

Influências e posição na nova música
Minimal Music incorpora influências da música asiática (especialmente indiana e indonésia, especialmente Gamelan) e africana (especialmente a polirrítmica), a escola Notre Dame do século XII / XIII. Século, (livre) jazz e certas formas de rock (rock psicodélico). Ignora em grande parte as convenções de composição, como eram na cultura ocidental (ou seja, essencialmente européia) até então, especialmente as convenções da vanguarda nos anos 1950 e início dos anos 1960, especialmente aquelas da então dominante música serial. Portanto, é frequentemente entendido como uma antítese ao serialismo. É frequentemente rejeitado veementemente por representantes dessa direção, embora, por exemplo, La Monte Young se refira teoricamente a Arnold Schönberg e Anton Webern. Muitas vezes também é caracterizada como música pós-moderna. A partir da música minimal, o pós-minimalismo se desenvolveu na década de 1970.

Influências na Música Popcultural
Muitos dos produtores de techno mínimo também estão na tradição da música minimalista.

O guitarrista Dylan Carlson transferiu com idéias da Terra de música minimal no contexto de uma banda de rock e, assim, fundou o Drone Doom.

O movimento minimalista
O movimento minimalista surgiu na década de 1960 com os trabalhos de La Monte Young e Terry Riley, considerados precursores. Steve Reich e Philip Glass irão expandir suas idéias e propor processos composicionais que serão muito bem-sucedidos.

No entanto, o minimalismo diz respeito apenas a parte dos trabalhos desses compositores, e consideramos que o minimalismo, como geralmente definido, termina em meados da década de 1970. A partir desta data, os compositores integram de fato elementos musicais mais ricos, mais melodia e harmonia, até mesmo contraponto. A adição desses elementos, sem decidir com o trabalho anterior, traz uma evolução clara. Às vezes falamos sobre pós-minimalismo, especialmente para John Adams. Philip Glass explicitamente disse que para ele, o minimalismo termina em 1974 por causa de seu envolvimento total no “teatro musical” da época.

Personalidades, às vezes chamadas de “místicos minimalistas”, como Arvo Pärt, que apareceu no final dos anos 1970, não são herdeiros diretos dos repetitivos americanos, mas também estão incluídas sob a bandeira do pós-minimalismo, ou mais genericamente pós-modernismo.

Pós-minimalismo e pós-modernismo
O pós-modernismo musical é uma atitude de rejeição contra o isolamento e pós-serialismo hermético, compositores pós-modernos que alegam miscigenação e a mistura forma uma técnica de colagem, empréstimo e a citação. Onde o pós-serialismo faria uma “lousa limpa do passado” nas palavras de Pierre Boulez, o pós-modernismo toma isso como referência. Assim, John Adams considera que sua música não se alimenta de “… não apenas minimalismo, mas Alban Berg, Stravinsky, Rock’n Roll, música árabe, judaica etc.”. Por seu retorno às formas melódicas e tonais, o uso de uma linguagem repetitiva, o recurso à colagem e à citação, em todas essas características, o minimalismo é a corrente mais radical do pós-modernismo em sua ruptura com o pós-serialismo.

O pós-minimalismo também diz respeito aos compositores minimalistas da primeira hora. Depois de Drumming (1971), Reich acrescenta instrumentação de suas peças e desenvolve seus métodos rítmicos e harmônicos para maior complexidade. Da mesma forma, Philip Glass começou a compor para “teatro musical” e ópera de 1974, com preocupações que se afastaram do minimalismo, particularmente o uso da harmonia como para a ópera Einstein on the Beach (1976) que marca essa evolução. O minimalismo pós-minimalista se destaca por ser menos radical e experimental.

O “minimalista místico”
Estes compositores são por vezes agrupados e associados ao movimento minimalista devido ao uso de certos princípios de composição deste estilo (repetição, sons prolongados, silêncios, uma certa simplicidade) e uma influência religiosa cristã ou espiritual reivindicada abertamente em suas vidas e em suas composições. Alan Hovhaness às ​​vezes é visto como um precursor dessa tendência, mas é principalmente o estoniano Arvo Pärt, o polonês Henryk Górecki e o britânico John Tavener, que são geralmente associados aos “minimalistas místicos”. Mais amplamente, Giya Kancheli e Sofia Goubaïdoulina são algumas vezes também mantidas nesse ramo do minimalismo.

As obras de Pärt e Górecki caracterizam-se pelo uso da tonalidade, um material musical simples, muitas vezes usado de maneira repetitiva, e uma composição influenciada por compositores medievais e cantor gregoriano. Ambos, fortemente influenciados pela repressão política e espiritual em seu país sob o regime comunista, começaram a compor nos anos 60 em um estilo neoclássico antes de se voltar para o serialismo, causando sua censura às autoridades. Pärt, em seguida, se transforma em uma música de silêncio e contemplação, compondo Für Alina (1976), Fratres (1977) e Spiegel im Spiegel (1978), as obras fundadoras desse movimento interno do minimalismo, que estabelecerá as bases para um estilo específico. que ele chama de tintinnabulum. Esse estilo é caracterizado pelo uso simultâneo de duas vozes, um arpejo em uma tríade tônica conhecida como “tintinnabulante” e a outra baseada em um baixo em evolução diatônica. Seu trabalho se volta para a escrita quase exclusiva da música sacra, na maioria das vezes coral, desenvolvendo um “brilho de canções”. Górecki, por sua vez, faz sua transição entre a música serial e o minimalismo sagrado em 1976, especialmente com a produção de sua Terceira Sinfonia, que terá alguns anos depois na Europa Ocidental e nos Estados Unidos e sua reputação internacional.

Descrição musical
O conjunto de obras classificadas como música minimalista está longe de ter uma unidade de estilo ou ter características musicais bastante idênticas. Embora uma classificação seja sempre redutiva, é geralmente aceito que a estética da música minimalista é baseada em três características:

um retorno a uma harmonia “consoante” (mesmo tonal ou modal em algumas obras);
a repetição de frases, figuras ou células musicais com ou sem pequenas variações graduais;
um batimento cardíaco regular.
Isso, no entanto, inclui trabalhos com perfis muito diferentes e o uso de diferentes técnicas musicais. Da mesma forma, os trabalhos dos chamados compositores minimalistas nem sempre podem ser considerados minimalistas, especialmente os trabalhos mais recentes de Steve Reich e Philip Glass, ou os primeiros (muitas vezes não musicais) peças de La Monte Young.

Entre teoria e intuição
Os pioneiros do minimalismo Monte Young e Terry Riley experimentam uma variedade de técnicas de composição. O Monte Young produz particularmente uma grande variedade de obras: peças inspiradas no serialismo e na Webern, peças conceituais próximas a John Cage, grupos de improvisação inspirados na música e no jazz indianos, peças baseadas em sua pesquisa formal sobre as faixas naturais. Terry Riley é muito mais empírico, ele faz experiências com fitas e usa bastante improvisação.

Características Musicais

Ritmo
Uma das principais preocupações entre os minimalistas é o ritmo. A maioria das composições tem pulsação regular e são construídas por entrelaçamento de unidades rítmicas básicas. Essas considerações rítmicas são particularmente marcantes em Steve Reich e são realizadas através da técnica de mudança de fase. Drumming (1971) marca a culminação do fascínio de Reich pelo ritmo, expresso por fases. Em Philip Glass, o trabalho sobre o ritmo está presente em suas primeiras peças minimalistas usando seu processo aditivo de composição, especialmente no 1 + 1 (1968).

O ritmo é o primeiro elemento sistematicamente analisado pelo minimalista, antes da futura reintegração da harmonia e da melodia.

Harmonia
Os primeiros trabalhos minimalistas são o atonal, Young’s Trio for Strings (1958), Riley’s String Quartet (1960), embora a evolução extremamente lenta e a baixa densidade das notas dêem uma ilusão de tom, suprimindo quase qualquer movimento. Mesmo em C, que é geralmente considerado como o trabalho de retorno à tonalidade, não é estritamente tonal, mas uma composição atonal sem indicação de armadura, mesmo que a composição seja largamente diatônica.

O abandono gradual de fitas magnéticas em favor de instrumentos acústicos favorece o desenvolvimento da harmonia. Em Steve Reich, da Piano Phase, um perfil tonal ou modal é estabelecido no início do trabalho, mas permanece ambíguo. O processo resultante de faseamento do diatonismo não é escolhido a priori, mas é requerido pela experiência.

Registro e dinâmica
Em Young e Riley, o baixo desempenha um papel de drone, inspirado pela música indiana. No Steve Reich, não há baixo, e as alturas em geral pertencem ao registro do meio (a fase de piano não tem classificação abaixo de Mi 4, padrões de fase abaixo de C 4). A falta de ambiguidades de produtos baixos que Reich procura manter, embora não saiba definir precisamente. Da mesma forma, os minimalistas não usam uma jogabilidade extensa, o que é muito presente em outros estilos musicais contemporâneos.

As sombras geralmente variam muito pouco, se é que são. O nível sonoro é muitas vezes muito alto, por exemplo, em algumas peças de La Monte Young e Glass, onde percebemos a influência do rock.

Execução
Escuta acessível, música repetitiva parece falsamente fácil de executar. Os processos de defasagem de Reich exigem muita concentração por parte dos instrumentistas. Da mesma forma, Glass relata que vários regentes vieram ensaios despreparados realizados tarde demais a dificuldade de suas partituras 51. Na ausência de partituras do compositor nem sempre são fáceis de decifrar para intérpretes, exigindo inventividade com a falta de informação ou a sua pouca clareza.

Links com artes visuais

Dança
A dança, que por natureza sempre esteve intimamente ligada às criações musicais de sua época, não escapa à influência da música minimalista, especialmente em torno da noção e uso da repetição. De certa forma, a origem do impacto da música minimalista na dança remonta à colaboração de John Cage com o coreógrafo americano Merce Cunningham no início dos anos 1950, quando a dança moderna começou. Através dele, Cunningham também conheceu Morton Feldman, que compôs para ele música para sua coreografia inovadora como Melodie, sem título para Merce Cunningham em 1968. Além disso, um grupo incluindo as dançarinas Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown e os compositores Terry Riley e La Monte Young formaram em torno de Anna Halprin entre 1960 e 1962 para realizar performances, incluindo a Judson Church, em Nova York. No entanto, esta é Trisha Brown, que exploram ainda mais o princípio da repetição e acumulação sucessiva de movimentos coreográficos durante este período da dança moderna. Meredith Monk, que também é dançarina, mais tarde se junta a esse grupo, onde ela pode combinar sua pesquisa musical e suas criações coreográficas em performances voltadas para um movimento mais refinado e um certo transe espiritual.

Artes plásticas
Os compositores minimalistas mantiveram relações estreitas com artistas, particularmente os do minimalismo atual e da arte conceitual. Steve Reich e Philip Glass tiveram ótimas amizades com Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow ou Nancy Graves. Reich escreve seu ensaio Música como um processo gradual (1968) que será incluído no catálogo de uma grande exposição sobre minimalismo ao lado de seus amigos plásticos no Whitney Museumin 1969 e durante o qual ele concede, com Glass, concertos. Além disso, um trabalho como o Pendulum Music de Reich, no qual Serra, Nauman e Snow participam como executores, é mais sobre performance que música. Steve Reich reconhece uma “posição comum” entre os artistas e suas criações, caracterizada pela aparência “geométrica e metafórica” ​​de seu trabalho, mas sem influências recíprocas diretas. Ele diz: “Nós estávamos apenas nadando na mesma sopa”. Em 1977, alguns artistas participaram de uma venda de seus trabalhos para resgatar dívidas resultantes da instalação de Einstein na Praia do Vidro. Finalmente, Glass foi assistente pessoal em tempo integral de Richard Serra em 1969. Glass não faz uma ligação direta entre seu trabalho como músico e as obras de seus amigos artistas.

Reconhecimento e popularidade
Minimalismo nasceu como um fluxo experimental e desenvolvido fora do mundo tradicional da música clássica. Os primeiros concertos são realizados principalmente em galerias de arte ou museus e devem ser organizados pelos próprios compositores. São especialmente as gravações que permitirão uma ampla difusão da música minimalista, inclusive para a Europa, onde a recepção é bastante boa. Além disso, é a Europa que irá fornecer minimalista seus primeiros grandes sinais de reconhecimento, com um comando do Estado francês para Philip Glass e um sucesso de discografia com audiência irrestrita para os amantes da música contemporânea, com o por Steve Reich, para o rótulo alemão edição da música contemporânea.

Crítica e Análise
Críticos extremamente fortes se expressaram em relação ao minimalismo, principalmente de compositores ou musicólogos próximos à vanguarda, ou filósofos. O compositor norte-americano Elliott Carter expressou repetidamente sua forte rejeição ao minimalismo e, mais genericamente, à repetição na música, considerada a morte do compositor. É particularmente uma analogia com publicidade, não solicitada, intrusiva e repetida ad nauseum. O qualificador fascista foi até usado explicitamente, assim como a comparação do uso da repetição como método de lavagem cerebral, como praticado na publicidade ou nos discursos de Hitler.

A crítica do minimalismo é às vezes confundida com a do pós-modernismo. O compositor de vanguarda Brian Ferneyhough rejeita o pós-modernismo, crítico e especialmente John Adams, em que denunciou a ausência de ética relacionada à não inclusão da cultura musical.